Rebeldía, Color, Espíritu: Expresionismo Alemán

Una semana más en Parte del Arte os acercamos las exposiciones más interesantes que se han inaugurado en nuestra ciudad y que, por supuesto, incluimos en la programación de nuestro curso Exposiciones y Colecciones de Madrid.

En esta ocasión os hablamos de la reciente muestra del Museo Nacional Thyssen- Bornemisza que lleva como título “Expresionismo Alemán en la colección del Barón Thyssen-Bornemisza”. Lo cierto es que se trata de una muestra que estaba prevista para abril pero que, dadas las circunstancias sanitarias, finalmente se ha adelantado. Se inauguró el pasado 27 de octubre y uno de los aspectos más significativos es que con ella el museo arranca toda una serie de eventos programados para celebrar el “Año Heini” ya que, en 2021, se cumplirán 100 años del nacimiento de Hans Thyssen-Bornemisza, el barón fundador del Museo y uno de los coleccionistas más importantes del siglo XX.

El museo ha organizado una gran fiesta con un escenario de lujo repleto de colores vivos y llamativos, toda una explosión de color que nos harán disfrutar de esta muestra y acercarnos a la historia del Barón y de su pasión por este arte que, como os vamos a contar, fue el pistoletazo de salida para una de las colecciones de arte moderno más importantes del siglo XX. Además, a esta celebración no ha querido faltar nadie, y por ello, la exposición nos muestra obras que pertenecen a la propia colección del Museo y obras que pertenecen, por un lado, a Carmen Thyssen y, poro otro, a las colecciones privadas de sus hijos Francesca y Alexander, unas pinturas que nunca se habían mostrado al público en nuestro país.

Pero ¿cuándo se interesó el barón en este tipo de pintura? En mayo de 1961 el barón visitó una subasta de arte en Stuttgart y allí se quedó fascinado con una acuarela del pintor expresionista Emile Nolde. Esta joven pareja pintada entre 1931 y 1935, despertó en el Barón un interés que hacía tiempo que no sentía. Acostumbrado a la colección de su familia, centrada en pintura antigua (sobre todo renacentista y barroca) llamaron su atención las figuras silueteadas, la gama audaz de colores tan contrastada que creaba una atmósfera de tensión entre los personajes, por lo que decidió comprarla.

Emile Nolde. Joven Pareja (1931-1935) Parte del Arte

“Mi padre despreciaba el arte moderno. Siempre decía que el arte se había terminado al final del siglo XVIII y cuando yo era joven, me lavó el cerebro, me hizo pensar como él durante mucho tiempo”.

Hans Heinrich “Heini” Thyssen-Bornemisza

Como podéis imaginar, este nuevo camino que “Heini” iniciaba no gustó especialmente a su familia, y fue entonces cuando decidió rebelarse contra su padre. Esta rebeldía tan presente en la exposición provocó que, a partir de 1947, tras la muerte de su padre y cuando hereda la fortuna, empresas y colección de arte, decida iniciar un nuevo camino con una colección mas moderna, abierta e internacional cuando tenía ya unos cuarenta años.

“Empecé a pensar que, si los primeros años del siglo XX habían producido tantas cosas importantes en la ciencia, en la técnica y en otros campos, el arte de esa época tenía que ser también interesante”.

Hans Heinrich “Heini” Thyssen-Bornemisza

En este sentido fueron fundamentales amigos como Stavros Niarchos y David Rockefeller, que también coleccionaban arte moderno. Se sintió más cercano a ellos que a su familia y lo que había significado. Él no quería ser un gran magnate como su padre y su abuelo, ni tampoco mantener el carácter conservador de ambos. A él le interesaba el mundo moderno, y por eso fijó uno de sus primeros objetivos en el conocimiento del Expresionismo Alemán, tachado de arte degenerado por la Alemania del Tercer Reich.  

La exposición nos muestra muy bien todo este contexto político, histórico y social. Lo hace a través de las obras expuestas ya que se da a conocer el viaje y el contexto que ocupan desde que salen de los talleres de los artistas hasta que llegan a la colección. Además, no sigue un orden cronológico, sino temático, que ayuda a reforzar la comprensión del momento en el que se constituye esta colección.  Por supuesto, os contamos algunas claves de esta fantástica muestra:  

LOS ARTISTAS: PROCESOS DE CREACIÓN

“El expresionismo es una droga, es como si este arte te gritara, te bombardea con efectos y te provoca una excitación nerviosa como la de la música moderna”.

Hans Heinrich “Heini” Thyssen-Bornemisza

Sin duda, estas palabras del barón describen muy bien el sentimiento que compartían todos los artistas del movimiento: una misma forma de entender que el arte parte de la visión interior del artista y que ya no busca imitar una realidad, sino crear una nueva. Los artistas del grupo Die Brücke (el puente) o del Blaue Reiter (Jinete Azul) entendieron sus talleres como un laboratorio de nuevas ideas, decorado con esculturas cercanas a las de los pueblos primitivos, batiks estampados o muebles rústicos fabricados por ellos mismos.

Ernst Ludwing Kirchneer. Fränzi ante una silla tallada. 1910. Museo Nacional Thyssen Bornemisza. Parte del Arte.
Ernst Ludwig Kirchner. Cocina alpina, 1918. Museo Thyssen Bornemisza. Parte del Arte

REFERENTES

Los artistas expresionistas buscaban reivindicar una era preindustrial pura y sin contaminar, volviendo a representar exteriores o inspirándose en los referentes culturales de aquel tiempo como Munch. Por eso, en esta exposición encontramos obras de este novedoso y colorido estilo junto a, por ejemplo, pinturas de Van Gogh (Les Vessenots en Auvers, 1890) o Gauguin (Idas y venidas, 1887) Así, la exposición pretende para mostrar el interés que despertaron en ellos estos pioneros de la modernidad, cuya obra pudieron conocer de primera mano a través de publicaciones y exposiciones.

Izq: Vincent van Gogh. Les Vessenots en Auvers, 1890. Dcha: Erich Heckel Casa en Dangast (La casa blanca), 1908. Parte del Arte.

EXTERIORES

Uno de los aspectos más importantes para este movimiento de vanguardia fue el paisaje, objeto de múltiples obras. Y es que, para estos expresionistas, la relación entre el hombre y la naturaleza, como muy bien muestra la obra de Franz Marc (El sueño, 1912) fue fundamental para el desarrollo de su producción. El paisaje se transformó en su estudio al aire libre, donde
les llevo a una búsqueda incesante de lo originario y pueblos primitivos.

Karl Schmidt-Rottluff El pueblo de Dangast, 1909. Parte del Arte.
Ernst Ludwig Kirchner Paisaje con castaño, 1913. Parte del Arte.
Karl Schmidt-Rottluff Reflejo de nubes, 1936. Parte del Arte.

LA DIFUSIÓN DEL NUEVO MOVIMIENTO

Wassily Kandinsky Pintura con tres manchas, n. 196, 1914. Museo Thyssen Bornemisza .

La mayoría de estos artistas expresionistas escribieron manifiestos y organizaron muestras programáticas como vehículo de divulgación de sus ideas artísticas y poco a poco fueron alcanzando cierto reconocimiento de crítica y público. En estas salas se reúnen algunas de las obras que acabaron formando parte de la colección Thyssen y que fueron incluidas en las primeras exposiciones tanto colectivas como individuales del Jinete Azul; como por ejemplo la Vista de una plaza (1912) de Paul Klee o la pintura con tres manchas (1914) de Kandinsky.

Sin embargo esta creciente difusión pública de los expresionistas se vio interrumpida con el inicio de la Gran Guerra. Hacia 1913 el grupo inicial del Brücke ya se había dispersado y cada artista siguió su trayectoria por separado; Macke y Marc fallecieron en el frente; Kandinsky volvió a Rusia; Jawlensky se refugió en Suiza… Una década después, muchas de ellos como Kandinsky o Klee se desplazaron a Dessau para trabajar en la Bauhaus y otros como Grosz o Max Beckmann se dedicarían a mostrar en su obra la descomposición de la sociedad alemana.

Sala de Exposición con la Pintura con tres manchas de Kandinsky al fondo. Parte del Arte.

LA POLÍTICA: PERSECUCIÓN Y ESTIGMATIZACIÓN

Como ya hemos mencionado, uno de los aspectos que más llamaron la atención de Heini Thyssen fue el colorido y la fuerza expresiva de la pintura expresionista, pero también le persuadió las razones políticas del movimiento.

Debemos tener en cuenta que el ascenso de Hitler al régimen nacionalsocialista dio lugar a una política de depuración artística que creo conceptos como “arte degenerado”. Se organizaron diferentes exposiciones y varias pinturas que se encuentran hoy en la colección Thyssen formaron parte de aquellos fondos que fueron denigrados. Es el caso, por ejemplo, de la Metrópolis que pintó George Grosz, que fue catalogada como “herramienta de propaganda marxista contra el servicio militar”. Lo cierto es que el recorrido de la obra es muy interesante.

Greorge Grosz. Metrópolis, 1916-1917. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

Fue puesta a la venta directamente por el gobierno del Reich en una polémica subasta en 1939 en la Galerie Fischer de Lucerna, en la que se llegaron a vender más de cien obras incautadas. Metrópolis fue comprada por Curt Valentin, un galerista alemán instalado en Nueva York que rápidamente revendió la obra al coleccionista Herman Shulman. Pero cuando la figura de Grosz estaba asentada y consolidada en América, Curt Valentin volvió a adquirir la obra y poco antes de morir se la vendió a un marchante que, ya en 1978, se la vendería al Barón. Y es que, a pesar del intento de los nazis por pugnar el arte moderno, lo que consiguieron fue que creciera el interés por este arte en el ámbito internacional.

Max Beckmann. Quappi con suéter rosa, 1934-1934. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Lo mismo ocurrió con el pintor Max Beckmann. En esta exposición volvemos a ver a Quappi, una de las grandes obras que posee el museo y sin duda, una de nuestras obras favoritas. Quappi es el reflejo de toda esta época y su proceso de creación nos muestra un mundo que se torna triste e intranquilo. A través del testimonio de Stephan Lackner, el primer propietario del retrato y un buen amigo de Beckmann, sabemos que, en la primera versión, Quappi tenía una sonrisa más amplia. Sin embargo, en el intervalo que había transcurrido entre las dos sesiones, la vida de los Beckmann había sufrido una fuerte transformación. Los nazis habían obligado al pintor a abandonar su cargo de profesor de la academia de Frankfurt y la pareja vivía clandestinamente en Berlín, intentando pasar desapercibida. La sonrisa de Quappi se hizo más pequeña entonces.

LOS MARCHANTES: REHABILITACIÓN Y RECUPERACIÓN

Si hay algo que está muy presente en esta exposición es la figura del marchante. El propio Barón Thyssen encontró en uno de ellos la figura de un mentor, casi de un padre. Se trataba de Roman Norbert Ketterer, subastador y galerista que desde el final de la guerra había trabajado con enorme éxito recuperando el expresionismo alemán y sacándolo al mercado internacional. Él era el albacea de Ernst Ludwing Kirchneer, que pronto se convirtió en el artista favorito de Heini Thyssen. Cuando Ketterer necesitaba dinero, le vendía a Heini alguna obra de su colección. Así es como llegó a la colección, por ejemplo, la obra de Fränzi ante una silla tallada.

Franz Marc. El sueño, 1912. Museo Nacional Thyssen Bornemisza.

El barón Thyssen fue un coleccionista interesado por la historia de los cuadros que adquiría y se sintió especialmente atraído por obras emblemáticas, que contaran con un pasado memorable. El sueño de Franz Marc es sin duda el mejor ejemplo. La obra la encontramos al inicio de la exposición por la referencia a la naturaleza y el color expresivo, pero el recorrido de la pieza es uno de los más interesantes de la historia de la exposición. Fue el mismo pintor quien se lo regaló a Kandinsky y por eso, durante cierto tiempo el cuadro estuvo en Rusia (de 1914 a 1921). Años después, fue seleccionado para la International Exhibition of Modern Art de la Societé Anonyme celebrada en Nueva York y en varias ciudades americanas durante 1926 y 1927. Incluso cuando el barón Thyssen la compró, todavía pertenecía a Nina Kandinsky, segunda esposa del pintor. Y como esta, la exposición muestra el recorrido de diferentes obras que al igual que encandilaron al barón, también ganará al público que la contemple.

LA COLECCIÓN: UNA IMAGEN GLOBAL/INTERNACIONALIZACIÓN

El último de los ámbitos de la exposición nos recuerda la rebeldía del Barón a la hora de iniciarse en el coleccionismo del arte moderno. A través de un mapa muy visual y cronológico descubrimos las adquisiciones de Heini Thyssen y todos los proyectos que llevó a cabo, como por ejemplo la primera muestra de arte expresionista que realizó en Villa Favorita (Lugano, 1989)  y que acabó viajando a ciudades como Washington, Fort Worth y San Francisco.

Los barones Thyssen en la inauguración de la exposición Espressionismo. Capolavori della Collezione Thyssen-Bornemisza en Villa Favorita, Lugano, 1989. Parte del Arte.

Al final de la exposición entendemos el espíritu de libertad que embriagó al barón y que rompió con la tradición académica. El Expresionismo alemán le concedió la licencia de atreverse con todo; en 1963 se atrevió a comprar una obra de Pollock, y en los 70 adquirió dadá, surrealismo, expresionismo abstracto, pop art… De hecho, en términos de cantidad, ha sobrepasado la colección de maestros antiguos.

El coleccionismo fue para Heini la manera de vivir en primera persona y hacer suya la historia del arte, y por suerte, hoy esa historia del arte la podemos disfrutar en el museo y en esta fantástica exposición que estará hasta el próximo mes de marzo en el Museo Nacional Thyssen Bornemisza.

Wassily Kandinsky. La Ludwigskirche en Munich. 1908. Museo Nacional Thyssen Bornemisza. Parte del Arte.

Nos despedimos por hoy. Como siempre, nos encantará leeros y comentar con todos vosotros y vosotras qué os ha parecido la exposición. Ya sabéis que podéis encontrarnos en nuestras redes sociales (Instagram, Facebook y Twitter), nuestra página web y en este Baluarte. ¡Seguidnos para no perderos nada!

¡Feliz Semana!

Invitadas en el Prado

Esta semana en Parte del Arte seguimos hablando de la que, sin duda, es una de las exposiciones más importantes y destacadas del año. Las Invitadas llegaron por fin al Museo Nacional del Prado, a nuestros cursos culturales online y ahora a nuestro particular Baluarte, donde os contamos algunas claves y reflexiones sobre esta interesante y reivindicativa muestra.

Carlos Verger. Falenas. 1920. Museo Nacional del Prado. Parte del Arte.

Invitadas. “Fragmentos sobre mujeres, ideología y artes plásticas en España (1833-1931)” nos lleva de vuelta al siglo XIX y principios del siglo XX para mostrarnos la consideración de la mujer en la sociedad del siglo XIX y la manera en la que se adentra en el mercado artístico. Dice Carlos Navarro, el comisario de la exposición, que Invitadas son “aquellas personas que no eligen cuándo llegan, dónde se sientan y hasta cuándo pueden estar en un lugar”. Y ellas han llegado a las salas del Museo del Prado para hacernos pensar y reflexionar a través de más de 100 obras que se muestran en diferentes secciones cuyos títulos no dejan indiferente.

Las Invitadas que nos reciben en la primera sección son reinas, mujeres que gobernaron y que, con un simple borrón en el lienzo, pensaron que las olvidaríamos. Reinas intrusas (así las nombran en el título de la sección) a las que novelaron, como a Juana de Castilla, de la que nos hicieron creer que había enloquecido de amor pero a la que su propio padre manipuló en su propio beneficio político. Juana la Loca, la reina intrusa, demente y condenada a una vida encerrada en Tordesillas. Y como ella, muchas más.

Francisco Pradilla y Ortiz. La reina doña Juana la Loca, recluida en Tordesillas con su hija, la infanta doña Catalina. 1906. Museo Nacional del Prado.

Las siguientes secciones, el molde patriarcal y el arte de adoctrinar nos muestran a niñas, jóvenes y adultas que fueron educadas bajo los parámetros patriarcales basados en el cuidado y la atención del hogar, sus hijos y sus esposos. Por suerte, allí estuvieron muchas como Emilia Pardo Bazán o Concepción Arenal para reivindicar el papel y la educación de la mujer.

Plácido Francés y Pascual. 1902. El consejo del Padre 1892. Museo Nacional del prado.

En estas secciones llaman nuestra atención obras de gran formato como El Consejo del padre (Plácido Francés y Pascual, 1902), en la que un padre un albañil que ha parado de trabajar para comer está acompañado de sus hijas a las que parece dar consejos, según desvela el título de la obra.  No escuchamos su discurso, las figuras del fondo, que representan una escena galante, nos permiten intuirlo. Descubrimos también como algunas de las obras que concurrieron a los certámenes

oficiales, ademas de girar en torno a esta visión paternalista,estaban dotadas de lo que se calificó como la representación de la “naturaleza emocional” de las mujeres, la cual decían que “formaba parte de su encanto” pero también como una debilidad de su carácter. Esta idea quedó plasmada en obras como en imágenes desenfadadas con títulos que codificaban a la mujer como alegoría de los vicios de la soberbia (Baldomero Gili y Roig, 1908), la pereza o la venganza y que, en ocasiones, revelaban una clara crítica.

Es curioso ver como en la sala siguiente, titulada Brújulas para extraviadas, se da a conocer cómo la Exposición Nacional de 1895 supuso el triunfo de un nuevo subgénero sentimentalista inspirado en los folletines o novelas por entregas: el de las hijas pródigas que, tras haberse dejado seducir por un hombre, volvían a casa implorando el perdón paterno. Pero estas imágenes constituían, en realidad, advertencias educativas para las jóvenes más inconformistas. En los años sucesivos empezaron a exhibirse en los certámenes oficiales obras que denunciaban abiertamente las redes de prostitución y el consecuente proceso de degradación al que se veían sometidas sus víctimas. Miradas como la de la Falena de Carlos Verger (que es imagen de la exposición) fueron incluso adquiridas por el Estado en estos certámenes, legitimizando así el discurso de la mujer caída, mujer descarriada que debía obedecer si no quería terminar como las protagonistas de los cuadros.

Antonio Fillol Granell. La bestia huamana. 1897. Museo Nacional del Prado. Al fondo del sombrío escenario un hombre de apariencia corriente, como la de cualquiera de los espectadores que verían la obra 1897, espera impasible los servicios de la prostituta, una joven vestida de luto a la que una alcahueta termina de convencer.

Poco a poco vemos como desde finales del siglo XIX las imágenes reflejan el marco normativo y moral en el que debía moverse la mujer. Entre ellas, por supuesto, las referidas a la maternidad equiparada entonces a la realización personal femenina. En este tipo de obras, amparadas bajo la sección Madres a juicio, vemos como los artistas representaban entonces las consecuencias de los malos hábitos de los progenitores sobre la salud de sus hijos y su posterior abandono; pero también el drama que para muchas nodrizas del mundo rural suponía el tener que abandonar su casa y a sus propios hijos para atender a los de las familias pudientes de las ciudades. De nuevo, la mujer enjuiciada a través de imágenes aparentemente complacientes se convierte en objeto de la crítica.

Marceliano Santamaría Serrano. El precio de una madre. (A mejorar la raza). 1900. Ayuntamiento de Burgos.

Temas más polémicos como los desnudos (sección 5) y las censuras (sección 6) también se abordan. La Academia de aquel tiempo se inspiraba en los en relatos canónicos, pero muchos de estos temas sólo eran una excusa para justificar la representación de las fantasías y los impulsos de los hombres, enmascarándolos bajo excusas moralizantes que contraponían la castidad a la lujuria o, en el caso de las esclavas y las odaliscas, situando las escenas en remotos y exóticos escenarios orientales.

Concretamente, en la sala dedicada a los desnudos llaman nuestra atención dos obras muy curiosas. En una de las vitrinas encontramos un libro de Álvaro Retana titulado Una niña demasiado moderna. Delirantes extravíos de una ingenua libertina, y en el centro de la sala, imponente, una gran escultura de Gabriel Borrás Abellá representa las Tentaciones de San Antonio con la representación protagonista de una mujer que se muestra ante el ermitaño con poses suntuosos e interpretados como lujuriosos para la crítica del siglo XIX.

Gabriel Borrás Abellá. Las Tentaciones de San Antonio. 191Museo Nacional del Prado.

Continuamos el recorrido y nos vamos preguntando, ¿cuando veremos las obras de las mujeres artistas? Descubrimos a las primeras de la muestra cuando pasamos el ecuador de la exposición, ahí encontramos a las primeras bajo los títulos de náufragas (sección 9) o pintoras en miniatura (sección 11), entre otras. Ellas fueron partícipes de un contexto en el que a imitación de los usos y costumbres aristocráticos, pintar se convirtió en un complemento más –como el piano o el canto– de la formación de toda joven de la sociedad del siglo XIX. Sin embargo, al no tener acceso a las enseñanzas que impartían las Academias de Bellas Artes, la educación artística de las mujeres se limitó a la recibida en las escuelas de dibujo o en los talleres de otros pintores. A pesar de ello, algunas llegaron a exhibir sus habilidades como pintoras aficionadas en las exposiciones públicas, donde la crítica las tachó de “graciosas” o “encantadoras”. Las pocas que llegaron a desarrollar una carrera profesional –provenientes en su mayoría de familias de artistas– se dedicaron principalmente al retrato en miniatura o a la copia de obras, por lo general religiosas pero también bodegones e incluso, aunque en menor medida, retratos. Ellas mismas trataron de profesionalizar su trabajo y buscaron diferenciarse de los copistas varones instaurando el término copiantas (sección 13).

Últimas sala de la exposición. Mujeres artistas. Parte del Arte.

Seguimos el recorrido marcado, y avanzamos hasta llegar a secciones como las “viejas maestras” y las “verdaderas pintoras” o reinas y pintoras que nos llevan siglos atrás, cuando las pintoras se habían representado como las artistas que eran y habían intentado dejar claro su oficio. Se exhibían con elementos que las reconocieran como tales y, sin embargo, a finales del siglo XIX surge la necesidad de representarse a sí mismas como señoras, señalando que ya han pasado los tiempos de lucha y han conseguido un cierto reconocimiento: que eran señoras antes que pintoras, como observamos en la sección 16.

Por suerte, tal y como nos cuenta la última parte del recorrido expositivo, en las últimas dos décadas del siglo XIX la presencia de mujeres artistas en los certámenes públicos aumentó de manera notoria. Parte de la crítica llegó a reconocer la valía de muchas de ellas y juzgó su obra con independencia de su condición de mujeres, al menos en apariencia, porque el mérito y reconocimiento que por ejemplo tuvo Elena Brockmann fue “pintar como un hombre” o el de Antonia Bañuelos fue ser”el mejor pintor de su sexo”. Por suerte, estas últimas secciones nos hablan de aquellas mujeres que consiguieron vencer el sistema de representación artística y se representaron como anfitrionas de sí mismas (última sala, sección 17). En todas ellas se ve el influjo de Rosa Bonheur, que logró convertirse en la primera mujer condecorada públicamente con la Gran Cruz de Isabel la Católica y que parece que nos mira segura, desafiante y orgullosa a través del magnífico Cid en cuerpo de león.

Elena Brockmann de Llanos. Paso de una procesión por el claustro de San Juan de los reyes, Toledo, 1892. Museo Nacional del Prado.

Llegamos al final de la exposición y salimos desconcertadas, felices de verlas y al mismo tiempo con rabia de haber tardado tiempo en que ocupen un lugar destacado en el Museo. Quizá las Invitadas han llegado un poco tarde (y no sólo por la pandemia que ha retrasado su inauguración) pero han llegado pisando fuerte. Sería una gran noticia que se quedaran en las salas del museo, pero como bien nos recuerda el título de la exposición, como Invitadas que son, a finales de marzo se tendrán que marchar. Es evidente que el reconocimiento y el papel de la mujer ha cambiado, por suerte, desde el siglo XIX hasta hoy en día. Pero todavía queda mucho trabajo por hacer y esta gran iniciativa del Museo nos los recuerda.

Ahora es vuestro turno, nos encantará leeros y conversar sobre las sensaciones que habéis sentido al recorrer estas salas. ¡Contadnos!

Nosotras, os seguimos acercando más historia del arte en nuestros cursos online, pero también en nuestras redes sociales (InstagramFacebook y Twitter), nuestra página web y en este Baluarte.

¡Feliz Semana!

Invitadas en el Museo del Prado. Parte del Arte

“LOS IRASCIBLES”. REBELIÓN ARTÍSTICA EN LA FUNDACIÓN JUAN MARCH

Son tiempos difíciles y en Parte del Arte lo sabemos muy bien. Como muchos de vosotros sabéis, dada la actual situación de emergencia sanitaria que estamos viviendo hemos tenido que suspender nuestra actividad habitual de cursos, visitas guiadas y experiencias culturales en Madrid.

No obstante, somos chicas optimistas y de esta incertidumbre hemos sacado algo bueno, y es que nos hemos dado cuenta de que disponemos de muchos recursos que nos permiten continuar con nuestra misión: acercarte el arte y la cultura de una forma rigurosa, amena y multidisciplinar para que puedas disfrutar con los cinco sentidos. Uno de estos recursos es precisamente este blog, BaluArte, en el que estaremos más activas que nunca compartiendo con vosotros contenido sobre la actualidad artística de Madrid. Así, entre todos, conseguiremos que la cultura resista a esta terrible crisis. ¿Nos ayudas?

equipo_parte_del_arte_ cuarentena_

El equipo de Parte del Arte, formado por las historiadoras del arte ( de izquierda a derecha) Isabel Cámara, Laura de la Faya,  Esther Arce y Natalia Nuñez (directora)

Hoy en BaluArte os hablamos de la extraordinaria exposición que albergan las ahora cerradas salas de la Fundación Juan March de Madrid dedicada a uno de los hitos de la pintura del siglo XX, el expresionismo abstracto y sus protagonistas, los pintores de la Escuela de Nueva York. Hoy, te proponemos una visita virtual por esta exposición que lleva por título: Los Irascibles: Pintores contra el museo, así que ponte cómod@ y ¡sigue leyendo!

LA REBELDÍA DE LOS PINTORES NORTEAMERICANOS

La exposición nos cuenta una historia que, aunque parece anecdótica, terminó convirtiéndose en uno de los hitos más importantes de la historia del arte del siglo XX. Es la historia de una protesta, de un acto de rebeldía protagonizada por dieciocho artistas de la Escuela de Nueva York contra una exposición  que llevaba por título American Painting Today: 1950, que presentaba el Metropolitan Museum of Art.

Muchos de estos artistas, a pesar de que ahora nos resultan imprescindibles para entender la pintura norteamericana de este periodo, no se encontraban representados en esta exposición, ya que la muestra escogió una serie de artistas que representaban un gusto que tendía hacia el pasado y sus técnicas figurativas. Defensores del expresionismo abstracto americano, su inconformidad ante esta situación fue congelada a través de una icónica fotografía que es el punto de partida de esta exposición. Al reunir a todos estos artistas, tanto a los que tuvieron una carrera exitosa como a los menos conocidos y apenas expuestos fuera de los Estados Unidos, esta muestra ofrece al público un conocimiento más completo de uno de los grupos de artistas con mayor relevancia de la mitad del siglo XX.

sterne-hedda-min-scaled-parte_del_arte_visitas_guiadas_adrid

Hedda Sterne, NY, NY No. X , 1948
Tate, Londres. Donación de Clara Diament Sujo, 2012 
© Hedda Sterne, VEGAP, Madrid, 2019

 

MUCHO MÁS QUE UNA FOTOGRAFÍA: EL RETRATO DE LA MODERNIDAD

La fotografía con la que comienza la exposición es mucho más que una imagen en la que podemos reconocer a varios artistas de este periodo. Se trata de un documento gráfico que nos revela un acontecimiento mucho más importante en la historia del arte, el comienzo de una revolución pictórica fundamental.

La historia comienza en 1950 cuando en Nueva York se organiza la famosa exposición American Painting Today: 1950. Las obras elegidas para esta muestra eran elegidas por un jurado de convicciones convencionales que no quería arriesgarse y que escogió artistas y obras convencionales, las obras típicas “de museo” (pintura figurativa fundamentalmente). Por lo tanto, los artistas expresionistas abstractos, que ya se movían con firmeza en los círculos vanguardistas, quedaron excluidos de la muestra.

Por ello, decidieron echarle un pulso al Metropolitan con una carta contra el jurado, que se publicó en el New York Times, teniendo cierta repercusión en muchos otros medios de comunicación del momento.

irascibles_parte_del_arte_madrid

Los irascibles, fotografía de Nina Leen publicada en la revista Life el 15 de enero de 1951. © Nina Leen/The LIFE Picture Collection vía Getty Images

En enero de 1951 será la revista Life donde la protesta alcanza su máxima dimensión con la publicación de la fotografía de la mayor parte del grupo (excepto tres miembros) en una fotografía tomada por Nina Leen, que ya llevaba tiempo trabajando para la revista. No es una foto espontánea, sino que se negociaron todos los detalles: se evitó que estos autores posaran portando sus obras (evitando que fuesen considerados artesanos) o en las propias escaleras del MET (como si no tuvieran derecho a mostrar su producción en sus salas). La imagen se tomaría en un aséptico estudio propiedad de la revista, y las poses de los quince pintores retratados fueron libres: Leen evitó darles indicaciones temiendo que se echaran atrás.

De la docena de fotografías que Leen tomó, en Life eligieron aquella en la que los artistas se mostraban más serios, con aspecto de enfadados, y la obra se convertiría en icono: en retrato extraoficial de la Escuela de Nueva York, aunque algunos de sus miembros no aparezcan.

irascibles_juan_march_parte_del_arte

1.Baziotes/ 2.Brooks/ 3.De Kooning/ 4.Ernst/ 5.Gottlieb/6.Motherwell/7.Newman/8.Pollock/ 9.Pousette-Dart/10.Reinhardt/11.Rothko/12.Stamos/13.Sterne/ 14.Still/15.Tomlin

Un dato curioso es que sólo aparece en el grupo una mujer, la artista de origen rumano y esposa de Saul Steinberg, Hedda Sterne, que había llegado a Nueva York en 1941. La propia artista lamentó más tarde ser recordada sólo gracias a esta imagen y no a sus setenta años de trayectoria artística. En la imagen se la ve en la parte de atrás de pie sobre una mesa. En sus propias palabras sobre este momento: “Todos estaban muy furiosos porque yo estaba allí porque todos eran lo suficientemente machos como para pensar que la presencia de una mujer le quitaba la seriedad.” (Entrevista con Phyllis Tuchman , 1981.)

LA CARTA: LA REIVINDICACIÓN DE “LOS IRASCIBLES”

El artista Adolph Gottlieb fue el encargado de redactar la carta de protesta, que iba dirigida  a Roland L. Redmon, presidente del Metropolitan de Nueva York. Le llevo tres semanas, en las que consultó a otros artistas por correo y por teléfono hasta que por fin consiguió una versión definitiva que se envió a los dieciocho artistas de forma individual para que la firmasen.

El domingo 21 de mayo de 1950 el artista Barnett Newman llevó esta eclaración firmada al editor de la revista New York Times, y apareció en la portada de la famosa publicación el 22 de mayo. Newman le dijo al Times que criticaban la membresia de los cinco juardos regionales que formaban parte de la muestra y se opusieron especialmente al jurado de la propia ciudad de Nueva York por no haberles tenido en cuenta como corriente artística fundamental del arte actual. Comparaban su situación a la de los Impresionistas, cuando fueron rechazados de los Salones oficiales y se vieron obligados a exponer sus obras de forma independiente.

La repercusión de la carta no se hizo esperar y enseguida llegó la primera respuesta, publicada el 23 de mayo en el The Herald Tribune. En esta respuesta se  atacó a los artistas por ” distorsión de los hechos” al afirmar que el Metropolitan sentía desprecio por la pintura moderna. Los artistas redactaron una refutación para enviar al Herald pero nunca fue publicada.

the zot de kooning_parte_del_arte_los_irascibles

Willem de Kooning, Zot, 1949. The Metropolitan Museum of Art, Nueva York.© 2019 Copyright imagen, The Metropolitan Museum of Art/Art Resource/Scala, Florencia
© The Willem de Kooning Foundation, Nueva York, VEGAP, 2019

También otros medios de comunicación como el The Nation se convirtieron en altavoz de este debate artístico, del que los ” 18 irascibles” ( apelativo que se les había adjudicado en la primitiva publicación del The Herald Tribune), cosecharon algunos frutos.

Alfred Barr, primer director del Museum of Modern Art de Nueva York, que buscaba distinguir su museo, seleccionó a algunos de estos artistas, concretamente a Arshile Gorky , Willem de Kooning y Jackson Pollock para el pabellón estadounidense de la 25
Bienal de Venecia , celebrada de junio a octubre de 1950. En la edición de junio de 1950 de ARTnews , él se refería a los pintores como “líderes de una “vanguardia predominante”.  El acto de Barr señaló al mundo del arte que los museos deberían considerar seriamente el expresionismo abstracto.

EL TRIUNFO DEL EXPRESIONISMO ABSTRACTO

La exposición continua con una sala que lleva por título “18 artistas, 18 obras”. Las 18 pinturas expuestas  no estuvieron, obviamente en la famosa exposición del Metropolitan. Son préstamos de diferentes coleccionistas públicos y privados para mostrar la relevancia que adquirieron los expresionistas abstractos integrantes de la Escuela de Nueva York. El montaje es peculiar ya que se ha optado por la madera (abedul y pino seco) en lugar de por el célebre y aséptico cubo blanco, con el fin de acercar este espacio al de los estudios de los artistas o sus galerías, allí donde ellos trabajaban y exponían antes de alcanzar su gran reconocimiento.

exposicion_juan_march_parte_del_arte_irascibles

Imagen del montaje de la exposición en Fundación Juan March.De izquierda a derecha las obras de Fritz Bultman, Theodoros Stamos y Jimmy Ernst ( Imagen: Yolanda Cardo. Crónica Global)

LA ESCUELA DE NUEVA YORK. UNA NUEVA FORMA DE ENTENDER EL ARTE

El expresionismo abstracto, surgido en la década de los 40 en Estados Unidos, es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, que se concreta en las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto.

Al expresionismo abstracto también se lo conoce como Escuela de Nueva York, pero esta denominación abarca otras artes (música, diseño, poesía, teatro…). No se trata propiamente de una escuela con un estilo común, sino de un conjunto de artistas de convicciones semejantes y que compartían una serie de técnicas pictóricas.

Aunque existen grandes diferencias entre la obra de los integrantes de la Escuela de Nueva York, podemos hablar de algunas características formales que tienen en común.

En primer lugar, su preferencia por los grandes formatos. Generalmente son abstractos en el sentido de que eliminan la figuración, aunque hay excepciones y algunos emplean trazos figurativos, apareciendo figuras reconocibles, como ocurre con las Mujeres de Willem de Kooning.

kooning_irascibles_juan_march_parte_del_arte

Mujer y bicicleta. Willem de Kooning, 1953. Imagen: (mundodelmuseo.com)

Otra de las características principales de los expresionistas abstractos es la concepción de la superficie de la pintura como all over (cobertura de la superficie), para significar un campo abierto sin límites en la superficie del cuadro: el espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay jerarquía entre las distintas partes de la tela. El cromatismo suele ser muy limitado: blanco y negro, así como los colores primarios. Este tipo de cuadros, con violentos trazos de color en grandes formatos, presenta como rasgos distintivos la angustia y el conflicto, lo que actualmente se considera que refleja la sociedad en la que surgieron estas obras.

En cuanto a los proceses de realización de este tipo de obras, existen diferentes tipos de obras dentro de este grupo, que veremos a través de algunos ejemplos de la exposición.

Jackson Pollock, Yellow Islands 

Resultado de imagen de yellow islands pollock

Esta obra es de uno de los grandes artistas del Expresionismo Abstracto, el pintor Jackson Pollock ( 1912-1956). Fue uno de los máximos representantes de una nueva forma de pintar, muy común en este movimiento, que se conoce como Action Painting, en la que el centro de interés  es el gesto o movimiento de pintar, llamándosela también «pintura gestual» por la primacía que dio al procedimiento pictórico en sí. Se hace del acto de pintar un gesto espontáneo. Es un tipo de automatismo que plasma el estado físico y psíquico del pintor. De esta manera, elimina los límites tradicionales entre el pintor y la pintura, ligando la acción de pintar con la biografía del artista. Jackson Pollock usó como terapia contra su alcoholismo.
Pollock extendía la tela, normalmente sin tratar, sobre el suelo, y corría o danzaba a su alrededor y dentro de ella, derramando la pintura de manera uniforme. Pollock no trabajaba sobre el lienzo sino, muchas veces, metido en él. En efecto, no trabajaba la tela con utensilios tradicionales como el pincel o la espátula, sino mediante la técnica del dripping, que consiste en dejar gotear o chorrear la pintura, desde un recipiente (tubo, lata o caja) con el fondo agujereado, que el pintor sostenía en la mano o bien, en menor medida, desde un palo o una espátula. De esta manera pintar no era algo que se hacía con la mano, sino con un gesto de todo el cuerpo.

pollock trabajando

Pollock trabajando sobre el lienzo

Mark Rothko. Sin título

Resultado de imagen de Mark Rothko. Sin título, 1952. National Gallery of Art, Washington.

La color-field painting o «pintura de campos de color» es otra corriente dentro de la Escuela de Nueva York, que es antecedente de la pintura minimalista y que está centrada en el color y sus posibilidades expresivas. Surgió igualmente en torno al año 1947. Dentro de esta tendencia se enmarca la obra de Mark Rothko. Este artista comenzó su trayectoria a principios de los años 40 utilizando figuras biomorfas. Pero hacia 1947 su estilo sufrió un cambio, centrándose en manchas de color de forma geométrica, normalmente dos o tres rectángulos horizontales. Se organizaban sobre la superficie del cuadro de forma frontal, unos sobre otros de forma simétrica. Los colores, especialmente los de los rectángulos, eran luminosos, siendo más apagados los del fondo. Rothko creaba superficies lisas de contornos  borrosos. La impresión que ofrecen los cuadros de Rothko es de serenidad, muy distinta de la angustia y violencia de los action painter.  Los colores, aplicados en sucesivas y finas veladuras, como si en vez de óleo se tratara de acuarela, nunca nos revelan las pinceladas, disminuyendo la textura de la pintura a su mínima expresión. Rothko consideraba que el color puro era el mejor modo para expresar las emociones, por ello, concebía sus obras como dramas, como la representación de una tragedia sin tiempo. Sus cuadros, de gran intensidad espiritual, consiguen envolver al espectador con una gran fuerza emotiva, invitándole a la contemplación y la meditación.

capilla_rothko_irascibles_parte_del_arte

Imagen de la Capilla Rothko, Houston

Pese a las dificultades iniciales, el movimiento del expresionismo abstracto en Estados Unidos terminó por consagrarse como el gran movimiento de vanguardia de este país. Una corriente que es mucho más que un movimiento artístico y que abaraca desde  una nueva forma de concebir la pintura, el cuestionamiento de las técnicas y procesos tradicionales del arte, hasta el planteamiento de otras cuestiones más profundas, como los debates que surgieron en torno a la función del museo y las instituciones culturales y su forma de entender y gestionar la producción artística.

¿Te ha parecido interesante? Déjanos un comentario y cuéntanos tus impresiones.

y ¡recuerda! si quieres recibir contenido gratuito de Parte del Arte de nuestros cursos Conoce Madrid, Exposiciones y Colecciones de Madrid, Grandes Momentos de la Historia y Descubriendo la Ópera, entra en www.partedelarte.com y suscríbete a nuestra newsletter. Sólo tienes que indicarnos tu nombre y el nombre del curso del que te gustaría recibir la documentación y podrás disfrutar de ella de forma totalmente gratuita hasta el 1 de abril. Además, seguiremos compartiendo contenido artístico y noticias interesantes en nuestras Redes Sociales, así que no dudes en seguirnos en: Facebook, Twitter y en Instagram como @parte_del_arte

¡Te esperamos!

#LaCulturaResiste

 

 

 

 

TAMARA DE LEMPICKA, UNA PROPUESTA FEMENINA EN EL PALACIO DE GAVIRIA

 En Parte del Arte nos encanta ir a las exposiciones del Palacio de Gaviria y (sabemos que a vosotros también) y si además es en clave femenina mucho mejor. Es cada vez más frecuente encontrar en Madrid exposiciones monográficas sobre artistas femeninas como en este caso la de Tamara de Lempicka organizada por Arthemisia Group o la que el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedica a Dorothea Tanning. Hay un cambio de paradigma que nos encanta en la programación de exposiciones en la capital. Por eso hoy en nuestro blog BaluArte queremos prepararos para nuestras próximas visitas guiadas a esta magnífica muestra sobre la reina del Art Decó Tamra de Lempicka ¿Nos acompañas?

parte_del_arte_preparando_visitas_guiadas_tamara_lempicka.jpg

Natalia preparando nuestras visitas guiadas a la exposición en el Palacio de Gaviria

TAMARA LLEGA AL PALACIO

IMG-20181014-WA0007

Y lo hace con fuerza. Más de 200 piezas procedentes de alrededor de 40 colecciones privadas, museos y diferentes prestadores nos acompañan no sólo por la obra de la artista sino que nos proponen un verdadero viaje a otra época, la de los locos años veinte, que se viste de Art Decó. Porque este periodo no es solo pintura estática y  pasiva, es diseño, es innovación, música, fotografía, muebles,moda…por ello, toda una suerte de objetos se nos presentan en diálogo con los lienzos, consiguiendo que con nuestras visitas guiadas y un entorno así, el visitante viva una auténtico viaje en el tiempo.

Además, con esta muestra, la comisaria y experta en la obra de Lempicka Gioia Mori pretende arrojar algo de luz sobre aspectos desconocidos de la artista.

CONOCIENDO A LEMPICKA

IMG-20181014-WA0002

No se sabe con exactitud su fecha de nacimiento (entre 1895 y 1889) en una familia polaca de clase alta. Su vida fue una verdadera aventura. Se casó en San Petersburgo con Tadeusz Lempicki en 1916 y debido a los cambios políticos en Rusia decide mudarse a Paris en 1918, donde, sin sustento, comienza su historia de amor con el arte. En poco tiempo pasó de aprendiz a profesional como ilustradora en revistas femeninas y después como artista independiente.

Tamara desprendía una elegancia única, especial, como la de una estrella de cine. No quiso seguir a otros aunque siempre reconoció el impacto en su pintura de los grandes maestros y creó su propio estilo con sus volumétricas figuras que se antojan esculturas pintadas con toques cubistas y siempre con una doble lectura, porque si alguien rompió los estereotipos de la mujer frívola del Art Decó esa fue Lempicka. Mujeres empoderadas, inspiradoras, mujeres adelantadas a su tiempo fueron sus musas, las heroínas de su propia forma de entender el arte.

EL COMIENZO: TAMARA EN LA CIUDAD DE LA LUZ

París se consolidó de nuevo como Centro artístico indiscutible tras la Primera Guerra Mundial. Al abrigo de las tertulias en los cafés, las fiestas y los espectáculos que bautizaron esta época como los locos años 20 llegaron intelectuales y artistas de todo el mundo, entre los cuales se encontraba Tamara, que había llegado allí huyendo de la revolución bolchevique. Su primera exposición fue en 1922 en el Salón de Otoño y enseguida obtuvo un gran reconocimiento que marcó el inicio de su carrera. La primera sala de la exposición nos muestra algunas de sus primeras obras, en las que sentaba las bases de ese mundo del glamour y la moda que terminará reflejando como nadie.

IMG-20181014-WA0017

El fondo rosa (Retrato de Bibi Zógbé)1923

VIVIENDO LA MODERNIDAD

La segunda sala de la muestra lleva por título La Casa más moderna de París y hace referencia a la vivienda que Lempicka compró en 1930 en la Rue de Méchain, alabada en las revistas francesas, polacas y británicas como un ejemplo de modernidad y que fue decorada en su interior por su propia hermana Adrienne Gorska, la primera polaca que logró licenciarse en arquitectura y fue pionera en el diseño de salas de cine.

IMG-20181014-WA0014.jpg

Príncipe Eristoff. Tamara de Lempicka

VIVIENDO LA MODA

IMG-20181014-WA0005

Otro de los apartados imprescindibles de la obra de Lempicka es su relación con la moda, un sector en auge y con mucha relevancia en la época. Lempicka comenzó su andadura en el mundo artístico como ilustradora de revistas femeninas. La sala muestra algunos de esos figurines y bocetos junto a obras maestras como Las confidencias ( las dos amigas) de 1928 que aparecen en diálogo con vestidos, sombreros…diferentes piezas textiles que nos transportan a los cánones de belleza y preceptos de la moda del momento, siempre seguidos de cerca por Lempicka.

AMAZONAS

La siguiente sala de la muestra profundiza sobre la vida íntima de Lempicka y su orientación sexual. Amazonas era el término con el que en la época se hacía alusión a las mujeres homosexuales, como es el caso de Tamara, que nunca ocultó sus relaciones con otras mujeres, ya que se trata de una época que trató el tema con relativa naturalidad, aunque en cierto modo seguían siendo un tabú para la sociedad. En esta sala se recoge ese ambiente oculto de los locales “solo para mujeres” además de un gran número de desnudos en los que se puede ver su evolución pictórica.

sala_lempicka_parte_del_arte_visitas_guiadas_exposicion

Sala Amazonas

LOS BODEGONES

Otro de los temas tratados por Lempicka fue el de la naturaleza muerta con flores, un género del que llegó a convertirse en una verdadera virtuosa. Sus naturalezas muertas se distinguen por una gran sobriedad compositiva y un cromatismo muy personal donde el gusto por el decorativismo es un fiel reflejo de la cultura Art Decó de la que Lempicka formó parte. En la sala sus flores dialogan con obras escultóricas de otros artistas.

Tamara_de_Lempicka_(1898-1980)_Trois_roses_dans_un_vase__1952_(35_x_25_cm)_50_000

Jarrón con rosas. Tamara de Lempicka

MATERNIDAD

La siguiente sala de la exposición está dedicada al tema de la maternidad y en ella sobre todo se exponen obras en las que la artista usó a su hija Kizette como modelo, tanto de niña como en la edad adulta, obras que siempre tuvieron una gran acogida por parte tanto del público como de la crítica. También se puede ver una singular imagen de la Virgen con el Niño, un tema poco frecuente en la temática habitual de Lempicka.

hija_lempicka_parte_del_arte_exposiciones_madrid

Retrato de Kizette. Tamara de Lempicka.

ALFONSO XIII.

image_content_8735165_20181005003152Esta sección  de la muestra es muy especial ya que en ella se muestra un hasta hace poco tiempo desconocido retrato (incompleto) que Tamara de Lempicka le hizo a Alfonoso XIII en su paso por España y que se ha podido recuperar gracias a las investigaciones de la comisaria de la exposición. Sin duda una extraordinaria sorpresa que se aleja de la temática habitual de Lempicka y que se puede contemplar en la exposición den diálogo con otros retratos del monarca.

 

EL MANUAL DE HISTORIA DEL ARTE

Así se puede denominar la obra de Tamara de Lempicka, un verdadero manual de Historia del Arte, en el que se puede apreciar la influencia de los primitivos flamencos como Van der Weyden, Vermeer o Crivelli pero también del Greco, Pontormo, Miguel Ángel, Botticelli o Rafael, además de la estatuaria antigua de Roma, Grecia…En esta sala se pueden apreciar las obras en las que más influyeron otros artistas y que se encuentra en verdadera sintonía con el movimiento Art Decó, que recupera formas griegas, etruscas, egipcias…

0106d99897e723b0c53de407a652abf4

Il velo verde. Tamara de Lempicka

BARONESA

Tamara se casa por segunda vez con el barón Raoul Kuffner, con el que se trasladará a Estados Unidos en 1939 tras el clima de inestabilidad previo a la II Guerra Mundial. En esta sección de la exposición se muestran algunas fotografías de las grandes fiestas que dio el matrimonio en su casa de Beverly Hills y algunas de las obras que realizó en Estados Unidos, donde su obra se consideró anacrónica y cuyas exposiciones fueron sufragadas por su marido. También se incluyen obras y fotografías de manos, un tema que interesó a Tamara durante este periodo.

IMG-20181014-WA0016

Fotografía de Tamara de Lempicka pintando

VISIONES AMOROSAS

IMG-20181014-WA0008Con el nombre de visiones amorosas Tamara de Lempicka se refería a las imágenes que despiden la muestra, en las que se muestran imágenes fruto de sus relaciones amorosas con mujeres. En ellas se pueden apreciar a algunas de las modelos con las que se relacionó y son obras cargadas de sensualidad,  reflejo de una modernidad transgresora y precursora de nuevos tiempos que estaban por venir en el arte y en la sociedad y de los que Tamara fue uno de los mejores ejemplos.

IMG-20181014-WA0020

Las muchachas jóvenes. Tamara de Lempicka

Seguramente después de este breve repaso te hayan entrado ganas de conocer más sobre esta gran artista del Art Decó. Pues estás de suerte, ya que el próximo mes de Noviembre en Parte del Arte estaremos haciendo visitas guiadas a esta exposición para descubrirte de la mano de un experto todos los detalles de la obra de Tamara de Lempicka. Las fechas son :

Miercoles 21 noviembre a las 12h.

Jueves 22 de noviembre a las 12h.

Viernes 23 de noviembre 18h.

¡No te la pierdas! Reserva en info@partedelarte.es o en el 645438576

Te esperamos.

3,2,1..¡acción!Guía de los mejores cines de verano en Madrid

Comenzamos la última semana de julio y para muchos con ella la operación retorno de las vacaciones… la vuelta a Madrid en verano puede ser dura, pero con la gran cantidad de planes culturales, festivos y fresquitos que ofrece Madrid la vuelta se hace más llevadera. En Parte del Arte seguimos ofreciéndote los mejores planes culturales para combatir el calor: cada sábado con nuestras rutas nocturnas por el Madrid Oculto y Misterioso, continuamos con nuestras visitas teatralizadas para pasar un rato divertido en familia o con amigos, visitamos exposiciones imprescindibles como la dedicada a Monet y Boudin en Museo Thyssen, visitas dinamizadas para niños a la exposición “Disney. El arte de contar historias” en Caixa Forum Madrid…todo un abanico de planes y actividades culturales divertidas y originales para compartir con toda la familia. Puedes consultarlas en nuestra web en el apartado calendario, donde podrás ver todas las fechas.

Y por si fuera poco, hoy en BaluArte continuamos con nuestros artículos dedicados a planes fresquitos de Madrid con una selección de los mejores cines de verano. Cada vez son más los museos e instituciones madrileñas que dedican parte de sus espacios a la proyección de películas para ofrecer una nueva alternativa cultural en los meses de verano. Desde proyección de películas en versión original, clásicos, grandes estrenos, documentales…hay opciones para todos los gustos ¿Cuál es el tuyo?

I. CINE TERRAZA MAGNÉTICA DE LA CASA ENCENDIDA

cine_verano_casa_encendida_parte_del_arte_planes_culturales_madrid

Proyección en la azotea de La Casa Encendida (Imagen: www.dontstopmadrid.com)

Hasta el 26 de agosto puedes disfrutar de los conciertos de La Terraza Magnética de la Casa Encendida, que van acompañados de un ciclo de cine que lleva el título Carta blanca a Gus Van Sant, y que presenta un recorrido por las películas que más han influido en la filmografía del director norteamericano.

DIRECCIÓN: Ronda de Valencia, 2.
FECHAS: Sábados del 23 de junio al 26 de agosto
HORARIO: 22:00h.
PRECIO: cine 3€ /conciertos  5€
WEB DEL FESTIVAL: https://www.lacasaencendida.es/audiovisuales/terraza-magnetica-2018-8970

II. CIBELES DE CINE

 Probablemente el cine de verano más famoso de Madrid. Tiene lugar en la bonita galería acristalada del Palacio de Cibeles y todas las películas son en VOSE. En esta ocasión ofrece una gran variedad de películas, desde clásicos inolvidables como Rebelede sin causa a estrenos taquilleros más recientes como La Librería.

cine_verano_cibeles_parte_del_arte_visitas_guiadas_ madrid

Cine de verano bajo la cubierta acristalada del Palacio de Cibeles ( Imagen: http://www.elpais.com)

DIRECCIÓN: Plaza de Cibeles, 1
FECHAS: Del 29 de junio al 9 de septiembre 2018
HORARIO: De lunes a jueves y domingos de 20:00 a 00:30h, viernes y sábados hasta las 02:30h.
PRECIO: Desde 6€ ( 5€ día del espectador)
CARTELERA:  http://www.espaciomadrid.es/?p=43074

III. AUTOCINE MADRID RACE

madrid_autocine_race_parte_del_arte_planes_familiares_madrid

Emblemática escena de la película Grease en el Autocine Madrid Race (Imagen: http://www.race.es)

El Autocine Madrid Race es mucho más que un cine para ir con tu coche, es todo un espacio de ocio. Además de poder disfrutar de los últimos estrenos de cine cómodamente en tu vehículo, ahora puedes hacerlo en su nueva sección de hamacas. También tiene un espacio gastronómico con diferentes propuestas.

DIRECCIÓN : C/ Antonio de Cabezón, 8
HORARIO: Varía según película.
PRECIO: Desde 4,50€
CARTELERAhttp://www.autocinesmadrid.es/

IV. CINE DE VERANO CONDE DUQUE

El cine de verano Conde Duque es otro de los cines de verano imprescindibles de Madrid y uno de los más exitosos debido a su céntrica situación y a la variedad de su programación. En esta edición podrás encontrar grandes películas como La forma del agua, Blade Runner 2049, Perfectos desconocidos…opciones para todos los gustos. Además, su terracita en la que puedes tomarte algo fresquito es sin duda otro de los alicientes que invitan a ir.

terraza_cine_verano_conde_duque_ parte_del_arte_actividades_culturales_ madrid

Terraza junto al cine de verano en el patio del centro Conde Duque (Imagen: http://www.elnuevoimparcial.es)

DIRECCIÓN: C/ Conde Duque 9-11
FECHAS: Del 20 de julio al 9 de septiembre de 2018
HORARIOS: 22:00 h
PRECIO: Entre 3 y 8 euros
CARTELERA: http://www.espaciomadrid.es/?p=43304

V. FESCINAL.PARQUE DE LA BOMBILLA

fescinal_proyeccion_parte_del_arte_visitas_guiadas_exposiciones_madrid

Proyección en el Festinal (Imagen: http://www.festinal.es)

Este festival es uno de los más completos ya que dentro de su programación podrás encontrar películas españolas, internacionales, drama, comedia, acción… y es uno de los pocos que cuenta entre su programación con cine infantil.

DIRECCIÓN: Avenida Valladolid, s/n (entrada por detrás de las iglesias de San Antonio)
FECHA: Del 19 de julio al 9 de septiembre
HORARIO:  22:15 h.
PRECIO: Desde 4€
CARTELERAwww.fescinal.es

VI. CASA MUSEO LOPE DE VEGA

Este cine es uno de los más especiales porque tiene lugar en un incomparable marco: el precioso jardín de la Casa Museo de Lope de Vega. Cuenta con una interesante cartelera en la que predominan películas que tienen que ver con el mundo del arte o la música, como Goya de Carlos Saura, o El violín rojo. Además, este cine al aire libre es gratuito y de entrada libre hasta completar aforo. Eso sí, si tienes mucho interés es probable que tengas que ir un buen rato antes a hacer cola.

cine_verano_casa_museo_lope_de vega_parte_del_arte_rutas_nocturnas_madrid

Todo preparado para una proyección en el jardín de la Casa Museo Lope de Vega (Imagen: http://www.casamuseolopedevega.org)

DIRECCIÓN: Calle Cervantes, 11. Madrid.
FECHAS: 4, 11, 18 y 25 de julio.
HORARIO: 22:00 h
PRECIO: Entrada libre hasta completar aforo.
CARTELERA:  http://www.madrid.org/cinedeverano/2018/casamuseolopedevega.html

VII. CICLO DE CINE MUSEO REINA SOFÍA: LAVAPIÉS, LAVAPIÉS, QUIÉN TE HA VISTO Y QUIEN TE VE

Un interesante ciclo en el que el cine de barrio es el protagonista. A través de las proyecciones de diferentes películas se plantea al espectador una reflexión sobre este barrio tan castizo y “respondón” de Madrid a partir del análisis de las transformaciones urbanas y sociales que ha experimentado en los últimos tiempos.

el-verdugo-berlanga-1024x576

Fotograma de la película El Verdugo, de Luis García Berlanga, una de las que se verán en el ciclo del MNCARS (Imagen: http://www.unserenotransitandolaciudad.com)

DIRECCIÓN: Ronda de Atocha, esquina Plaza Emperador Carlos V
FECHAS: Del 14 de julio al 25 de agosto
HORARIO: 22:00 h
PRECIO: Gratuito ( imprescindible conseguir en taquilla la entrada el día antes de la proyección)
PROGRAMACIÓN: http://www.museoreinasofia.es/actividades/lavapies-lavapies-quien-ha-visto-quien-ve

¿Sigues sin encontrar tu película? No te preocupes, hay muchos más cines de verano en prácticamente todos los distritos de Madrid que puedes consultar pinchando aquí. ¿Que película irás a ver esta semana? Dejanoslo en los comentarios.

Y ¡recuerda! Todavía estás a tiempo de apuntarte a nuestras visitas guiadas a la exposición Monet/Boudin del Museo Thyssen (quedan muy pocas plazas) o si estás con los peques de la casa a la visita dinamizada a la exposición de Caixa Forum Disney. El arte de contar historias. Y si quieres otro tipo de experiencia consulta en nuestra web  nuestras visitas gastronómicas, rutas nocturnas y visitas teatralizadas.

¡Te esperamos!

 

 

 

 

 

LOS REVOLUCIONARIOS LLEGAN A MADRID

En Parte del Arte comenzamos nuestro tercer trimestre con mucha ilusión y os ofrecemos unos meses cargados de las mejores salidas culturales, cursos de arte, visitas teatralizadas, rutas nocturnas y por supuesto, visitas guiadas a las exposiciones temporales más importantes e interesantes de la actualidad en Madrid.

El próximo mes de mayo acudiremos a una de las citas más importantes de la temporada, la recién inaugura exposición en el Palacio de Gaviria sobre los artistas revolucionarios del siglo XX

¿Quieres saber de que va? ¡Sigue leyendo!

El pasado 10 de abril se ha inaugurado en el Palacio de Gaviria la exposición Duchamp. Magritte. Dalí. Revolucionarios del siglo XX, una de las exposiciones de arte contemporáneo más importantes de Madrid. En esta ocasión, la propuesta que nos ofrece la empresa Arthemisia Group, Art Projects y Fondazione Cultura e Arte engloba un conjunto de más de 180 obras  de  los grandes artistas surrealistas y dadaístas, que en su mayoría proceden de las colecciones del Museo de Israel en Jerusalén. Piezas de Dalí, Magritte, Man Ray, Duchamp, Tanguy…forman parte de esta rica que colección que se formó a partir de la donación de 800 obras por parte del académico, poeta y marchante de arte milanés Arturo Schwarz.

MUCHO MÁS QUE ARTE

La exposición ahonda en el contexto y los postulados de los movimientos del Surrealismo y el Dadaísmo a través de obras de todo tipo: pintura, escultura, objetos…todos aquellos medios que estos revolucionarios del siglo XX utilizaron para difundir sus ideas y representar las particularidades de su tiempo.

Surrealismo y Dadaísmo se encuentran entre los movimientos más trascendentes de nuestra era. En su momento surgieron como una repuesta al arte tradicional, en un contexto de posguerra, en la que se utilizaban nuevos materiales y recursos visuales innovadores que poco a poco fueron transformando el vocabulario tradicional del arte. Pero fueron mucho más que un movimiento estético de experimentación formal, sus numerosos textos, manifiestos y proclamas los sitúan como movimientos ideológicos e intelectuales universales. Su particular forma de ver y entender el mundo traspasó fronteras y tuvo correspondencia en países de todo el mundo.

Par poder comprenderlos, es necesario sumergirse en su época, abrir la mente y dejarse llevar…

LOS GRANDES REVOLUCIONARIOS

La exposición se divide en cinco secciones que hacen alusión a los diferentes conceptos que engloban estos movimientos.

  1. EL DESEO, LA MUSA, LA VIOLENCIA

En la primera sección se abordan temas como el deseo y el subconsciente. Después de la Primera Guerra Mundial, el concepto del deseo adquirió gran protagonismo en el arte, que se convirtió en el medio perfecto para expresar las fantasías de los artistas. La liberación de la lívido se convirtió en una proclama de libertad de expresión, una respuesta hacia la censura política y social de los regímenes totalitarios. A esto contribuyeron decisivamente las teorías de Sigmund Freud sobre la sexualidad y el subconsciente, siendo las mismas una fuente primordial para la liberación de todos estos sentimientos a través del arte. Artistas como Dalí, Picasso o Man Ray fueron algunos de los que experimentaron con estos conceptos, ejemplificados en la muestra por algunas de sus obras maestras. En el caso de Man Ray, a través de una serie de fotografías en blanco y negro entre las que se encuentra Negro y Blanco o la famosa fotografía de la Calavarera de Dalí realizada con los cuerpos de mujeres desnudas inmortalizada por Philippe Halsman.

man_ray_parte_del_arte_visitas_guiadas_madrid

Man Ray.Negro y Blanco, 1926

  1. YUXTAPOSICIONES MARAVILLOSAS

La experimentación material es uno de los capítulos más importantes en la historia de estos movimientos. La utilización de materiales ready-made en collages, objetos y montajes de todo tipo tenía como objetivo destruir la frontera entre el arte y la vida. Recurso que ya había utilizado la pintura cubista dándole protagonismo a los objetos de la vida cotidiana, este concepto adquiere una nueva dimensión que ofrece asociaciones de objetos inesperadas que impactan y acaparan irremediablemente nuestra atención. Esta es una de las salas más variopintas de la exposición, en las que las obras de artistas como  Kurt Schwitteers, André BretonHannah Höch nos transportan a un mundo onírico a través de piezas cotidianas. También en esta sección se peuden observar algunas piezas icónicas de uno de los padres del dadaísmo, Marcel Duchamp, presente a través de su famoso Secador de Botellas o su Rueda de Bicileta.

bicicleta_duchamp_ parte_del_arte_visitas_exposiciones_madrid

Marcel Duchamp junto a su obra Rueda de Bicicleta

  1. AUTOMATISMO Y SUBCONSECIENTE

Los artistas adscritos al movimiento surrealista, tanto en su versión plástica como en la creación literaria, desarrollaron métodos automáticos para eludir el control de la consciencia y liberar el vasto mundo del subconsciente. Este automatismo es un reflejo del gran impacto que tuvieron las nuevas técnicas y avances que se habían producido en el ámbito de la psiquiatría y especialmente las de Sigmun Freud.

En esta sección de la muestra se pueden ver ejemplos de obras creadas a través de estos mecanismos, entre las que destaca una pequeña sección dedicada a Joan Miró.También se pueden apreciar los “dibujos automáticos” de Jean Arp y André Masson y los frottages (frotados) y grattages ( raspados) de Max Ernst. Además, algunos fotógrafos como Man Ray desarrollaron técnicas como la solarización, los fotogramas y los efectos aleatorios para crear misterio y ambigüedad.

miro_revoluionarios_exposicion_madrid_parte_del_arte

Joan Miró. Pájaro. 1960.

  1. BIOMORFISMO Y METAMORFISMO

La siguiente sección de la exposición acerca al público a los conceptos de biomorfismo y metamorfismo, que también han sido claves para el desarrollo de los nuevos movimientos de vanguardia del siglo XX. Aunque puedan parecer difíciles de comprender, estos conceptos se basan fundamentalmente en la preferencia de imágenes orgánicas, cargadas de reminiscencias de la naturaleza, e imágenes ambiguas. Estas obras están plagas de plantas, referencias acuáticas, anatómicas y de tipo astrológico. Muchas de estas obras se caracterizan por no establecer unos límites claros entre la abstracción y la figuración, sumergiéndonos en un mundo de sensaciones difícil de explicar. Es el caso de la obra de André Masson, Jean Hans Arp, Victor Brauner o Leonora Carrington, todos ellos representados en la exposición a través de varias obras.

exposicion_palacio_de_gaviria_madrid_parte_del_arte_visitas_guiadas

En esta imagen de la muestra podemos ver la obra de Max Ernst El rey jugando con la reina, de 1944.

suerralismo_visitas_guiadas_madrid_parte_del_arte

Yves Tanguy. Pintura. 1932

  1. EL PAISAJE ONÍRICO

La última sección de la exposición nos introduce en el mundo de los seuños. La obra de Freud La interpretación de los sueños fue clave para el desarrollo del movimiento surrealista, que en su manifiesto de 1924 recoge cómo en ellos las asociaciones entre ficción y realidad se desarrollan habitualmente en lugares confusos e inciertos.

La plasmación de los sueños y de los lugares en los que se desarrollan fue una práctica muy extendida entre los artistas suerrrealistas, siendo el más conocido en este campo el gran Salvador Dalí. No obstante, la muestra nos ofrece un panorama muy variado para sumergirnos en el mundo onírico, a través de obras de otros artistas surrealistas como Raoul Hausmann, Giorigio de Chirico, Dorothea Tanning, Giorgio Morandi y por supuesto  René Magritte, que cierra con broche de oro la muestra a través de una de sus obras más célebres de paisaje surrealista, El castillo de los Pirineos.

parte_del_arte_exposiciones_temporales_madrid_visitas_guiadas

René Magritte. El Castillo de los Pirineos.1959

Así finaliza una de las muestras más ambiciosas de la temporada, en la que no sólo podremos disfrutar de todas esas obras sino también de una serie de ambientes interactivos que nos invitan a participar activamente de la obra de estos artistas, un bosque onírico, una recreación de la Sala Mae West diseñada por Salvador Dalí…sin duda es una de las mejores propuestas culturales de estos meses en Madrid, y en Parte del Arte no nos la perdemos, así que entre en nuestras web www.partedelarte.com o síguenos en nuestras Redes Sociales ( Facebook, Instagram , Twitter y Youtube) para no perderte ningún detalle sobre las fechas en las que acudiremos con nuestras visitas guiadas. La última semana de mayo tienes una cita con nosotros y  el arte revolucionario ( miércoles 30 de mayo y viernes 1 de junio a las 18.00h.) ¡No te la pierdas! Te esperamos.

 

Rosario Weiss: la discípula olvidada de Goya

¡Ha llegado marzo! El mes femenino por excelencia, ya que el próximo día 8 se celebra el Día de la Mujer Trabajadora .En Parte del Arte nos sumamos a las reivindicaciones con un mes lleno de actividades en Madrid y visitas guiadas de temática femenina, como la  exposición Mujeres Nobel  del Museo Nacional de Ciencias Naturales, nuestra ruta “Mujeres en la literatura” por el Barrio de las Letras, y una visita muy especial a la muestra sobre Rosario Weiss que organiza la Biblioteca Nacional de España. En ella descubrimos a una artista muy conocida en su tiempo y olvidada con el transcurrir de los años. ¡Sigue leyendo para conocer su historia!

FRANCISCO DE GOYA: UN PARTICULAR PROFESOR DE DIBUJO

La figura de la artista Rosario Weiss ha quedado relegada a un mero apunte dentro de la biografía del gran Francisco de Goya, aunque en realidad fue una de las artistas más valoradas de su tiempo, con una producción artística verdaderamente extensa  y con una calidad excepcional.

Rosario nació en 1814 y fue hija de Leocadia Zorrilla, la última pareja sentimental de Goya,y un banquero judío de origen alemán del que termino separándose. La información que se tiene sobre su vida personal no es mucha, pero su obra y los datos que se conservan nos revelan una personalidad artística verdaderamente interesante que va mucho más allá de su relación con el pintor. Rosario Weiss convivió con el maestro en la Quinta del Sordo desde 1820 a 1824, momento en el que se trasladan a Burdeos. Durante estos primeros años de convivencia, la pequeña Rosario aprendió, a la vez que a escribir, a dibujar con el gran maestro. Goya, consciente de que Rosario era tan solo una niña diseñó un método de aprendizaje más entretenido que el académico y muy poco ortodoxo: él dibujaba pequeños dibujos o composiciones que ella repasaba o completaba, como la imagen que tenemos a continuación, en la que aparece la cabeza de un hombre en la que se pueden apreciar varios trazos, unos leves realizados por Goya y otros más gruesos trazados por Rosario:

09

Caricatura masculina, Rosario Weiss y Francisco de Goya.Madrid, 1821-2824.Museo Lázaro Galdiano

Los primeros trabajos de Rosario Weiss están impregnados de este estilo libre de su maestro, con ese trazo nervioso y espontáneo que ha hecho incluso a los expertos dudar sobre quién es el autor de determinados dibujados. Los dibujos de formación de Rosario están dispersos en diferentes colecciones tanto españolas como extranjeras pero se conocen con el nombre de “Albúm Goya-Weiss”, ya que presentan señales de haber pertenecido en el pasado a un único conjunto.

18

Lavanderas. Álbum Goya-Weiss.Biblioteca Nacional de España

 

Los rumores de que era hija biológica de Goya siempre estuvieron ahí, aunque por la documentación conservada y el hecho de que Goya no le dejase nada en su testamento a pesar de tenerle mucho aprecio demuestran que su buena relación sólo fue fruto de la convivencia.

La_Leocadia_(Goya)

Leocadia Zorrilla. Francisco de Goya

UN CAMBIO DE ESTILO: LA FORMACIÓN DE ROSARIO EN BURDEOS

A partir de 1824 Goya junto con Leocadia y sus hijos se establecen en Burdeos. Parece ser que la vida que Rosario Weiss llevaba en Burdeos junto con Goya y su madre era de tipo familiar, era habitual verles juntos en el teatro o en el circo, tema que interesó a ambos artistas y que reflejaron en sus respectivas obras. Pero también Burdeos supuso para Weiss la oportunidad de conseguir una formación académica, ya que el método con el que había aprendido de Goya no era precisamente ortodoxo y el estilo también era muy particular. Goya era consciente de ello y siempre intentó que Rosario tuviese una formación más académica, tal y como prueban algunos documentos en los que se aprecia la intención de enviar a Rosario a París y en el hecho de que el verano de 1824 Rosario lo pasase bajo la tutela del arquitecto Tiburcio Pérez Cuervo, momento en el que realiza algunos interesantes dibujos de arquitectura.

maria-del-rosario-weiss-columna-salomónica-(study)

Rosario Weiss, Estudio de columna salomónica. Madrid, 1824.Museo del Romanticismo

También en Burdeos Rosario consigue entrar en una escuela pública y gratuita de dibujo, la escuela de Pierre Lacour donde empieza a adoptar un nuevo estilo, muy generalizado en la Francia de la época y cercano a la obra de Ingres. A partir de este momento la obra de Rosario Weiss empieza a cambiar para adaptarse a las circunstancias de su vida.

En la obra que podemos ver a continuación se puede apreciar cómo Rosario aprendió, en esta escuela, la técnica de la litografía, que llegaría a dominar de una manera extraordinaria. En esta litografía, además, Rosario demuestra sus inclinaciones políticas.

Tras el triunfo de la Revolución Liberal en Francia, Espoz y Mina organizó en julio de 1830 un ejército de exiliados españoles , entre los cuales se encontraba el hermano de Rosario, para derrocar la Monarquía Absoluta de Fernando VII. Tras su derrota, los supervivientes fueron confinados en campamentos en Francia. Esta estampa presenta una alegoría en la que España es liberada del Absolutismo por el general Espoz y Mina.

1.-Rosario-Weiss-696x613

Rosario Weiss, El Genio de la Libertad.París, hacia 1831.Litografía.Blibliothèque municipale de Bordeaux

GRANDES CONQUISTAS: ARTISTA, MUJER Y PROFESIONAL

Tras la muerte de Goya, Leocadia Zorrilla y Rosario se vieron absolutamente arruinadas y desprotegidas, ya que no figuraban en el testamento del pintor. En 1830 regresan a Madrid, donde Rosario tendrá que ponerse a trabajar duramente para mantener a su familia. Es el momento en el que se convierte en copista en el Museo del Prado y en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde consigue convertirse en la primera mujer académica de Mérito de la Academia. El cuadro con el que consigue tal reconocimiento es la imagen de la Virgen de la Contemplación.

Rosario_Weiss_La_Virgen_en_oracion1

Rosario Weiss. Virgen de la Contemplación.Madrid.1840.Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

El nombre de Rosario Weiss era conocido y respetado en Madrid, ya que se movió siempre en círculos intelectuales, especialmente el del Liceo Artístico y Literario, del que fue un miembro muy activo. En esta etapa la producción de Rosario es muy variada: cultivó mucho el dibujo pero también desarrolló excepcionales dotes para la pintura a través de las copias y realizó numerosas litografías.

Rosario_Weiss_Goya_copy_of_Vicente_Lopez_work.jpg

Rosario Weiss.Francisco de Goya ( copia de Vicente López).Madrid, 1834. Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

UNA VIDA TRUNCADA.LA PREMATURA MUERTE DE ROSARIO WEISS

Además del título de académica de mérito, Rosario Weiss alcanzó otro gran reconocimiento  profesional en 1842, cuando gracias a los contactos con intelectuales liberales de su hermano Guillermo Weiss consigue convertirse en la profesora de dibujo de la infanta Isabel (futura Isabel II) y de su hermana Luisa Fernanda, lo que le permitía tener un sueldo fijo y una mayor estabilidad económica. Sin embargo, fue muy poco tiempo el que pudo disfrutar de su nueva condición, ya que en 1843 fallecerá de cólera, cuando tan sólo contaba con 29 años de edad, quedando así truncada una gran carrera artística que prometía grandes éxitos en el futuro.

1517253828_227701_1517257874_noticia_normal

Rosario Weiss, Alegoría de la Atención ( autorretrato).Madrid, 1842. Museo del Romanticismo

A pesar de la brevedad de su vida, Rosario Weiss nos ha dejado una producción artística  muy extensa, de una calidad extraordinaria  y cargada de pequeños detalles que ensalzan la figura de la mujer: grandes artistas del mundo musical de la época, figurines de moda que leen libros…símbolos de que Rosario Weiss estaba orgullosa de ejercer una profesión que en su época era de hombres. Conocer y poner en valor su figura a través de visitas guiadas a esta exposición en la Biblioteca Nacional de España es una de las propuestas que Parte del Arte te propone con motivo del Día Internacional de la Mujer Trabajadora. Si no te quieres perder esta muestra reserva tu plaza el día 14 de marzo a las 11.00h.

Y si quieres apuntarte a otras actividades del Día Internacional de la Mujer Trabajadora ¡apunta!

– Visita Guiada a la exposición Mujeres Nobel en el Museo Nacional de Ciencias Naturales. Miércoles 7 de marzo a las 12.00h.

-Ruta temática por el Barrio de las Letras “Las mujeres en la literatura”. Viernes 9 de marzo a las 18.00h, miércoles 14 de marzo a las 11.00h. y miércoles 21 de marzo a las 11.00 y a las 17.30h.

Puedes hacer tus reservas escribiendo info@partedelarte.es/ o en el 645438576

También puedes buscarnos en Redes Sociales para estar al día de todas nuestras actividades:

Facebook: Parte del Arte. http://bit.ly/2iL3rMl

Twitter: @PartedelArte

Instagram: parte_del_arte

¡Te esparamos!

Parte del Arte

 

SEIS EMPRESAS IMPRESCINDIBLES DE VISITAS GUIADAS EN ESPAÑA

En los últimos años la oferta de empresas de servicios culturales ha crecido en las capitales de provincia más turísticas de nuestro país.  Sin embargo, a veces resulta difícil encontrar visitas guiadas o rutas culturales de calidad, realizadas con profesionalidad, rigor y al mismo tiempo amenas y accesibles. En Parte del Arte siempre apostamos por las visitas guiadas de calidad tanto en Madrid como en nuestros viajes culturales, nuestro aval es la formación y experiencia de nuestro equipo, y nuestros compañeros son el entusiasmo y la ilusión por nuestro trabajo.

Para aquellos que os vayáis a mover por España este verano os ofrecemos una pequeña guía de las mejores empresas que podéis contratar para vuestras visitas guiadas y rutas culturales urbanas. Esperamos que os sirva de ayuda. ¡Toma nota!

BARCELONA

barcelona_ parte_del_arte_visitas_guiadas_españa_madrid

Vistas de la ciudad desde el Parque Güell

MATERIA- bcn

Si te acercas a la ciudad condal no puedes dejar de contratar a las chicas de MATERIA-bcn, una empresa formada por dos mujeres emprendedoras, María Vallverdú Segura y Maite García Bordería, que con una amplia formación histórica y experiencia en el sector cultural, te contarán cada secreto de Barcelona y sus calles y rincones. Además, en su página web podrás ver todas las actividades culturales que ofrecen: visitas guiadas a museos y exposiciones de Barcelona, excursiones, rutas de fotografía, actividades escolares…un enfoque muy similar al de Parte del Arte que nos encanta.

SEVILLA

sevilla_visitas_guiadas_parte_del_arte

La Plaza de España de Sevilla es uno de los lugares más emblemáticos de la ciudad

Ispavilia

Jesús Pozuelo Díaz es el fundador de esta empresa  dedicada a la difusión del patrimonio cultural de Sevilla. Con un brillante curriculum tanto en formación como en experiencia, su objetivo principal es “ ofrecer una visión profunda y novedosa del vasto legado patrimonial y cultural de Sevilla y provincia así como una comprensión de la evolución histórica de su trama urbana y del entorno de la urbe hispalense desde una perspectiva amena, clara y dinámica pero siempre desde el marco cualitativo del rigor histórico contrastable.”

Su oferta de rutas culturales es muy amplia y atractiva, en su web podrás ver títulos como “Triana legendaria”, “Sevilla Oculta”, “ Leyendas y secretos de la Semana Santa”, experiencias que estamos seguros no te dejarán indiferente.

VALENCIA

catedral_valencia_parte_del_arte_blog

Vista de la plaza de la Catedral de Valencia

ArtValencia

Se trata de una empresa dirigida por historiadores del arte que conocen de forma profunda la ciudad y diseñan actividades de calidad para ofrecerte una experiencia única, amena y enriquecedora. Entre sus actividades no sólo se encuentran las relacionadas de forma directa con el patrimonio, sino también podrás disfrutar de experiencias gastronómicas y conocer las costumbres y tradicionales valencianas de primera mano. Puedes ver en el siguiente enlace todas sus propuestas.

MÉRIDA

puente_romano_merida_visitas_guiadas_parte_del_arte

Vista nocturna del Puente Romano de Mérida

Extremadura Secreta

Seguro que muchos de los que estáis leyendo este artículo habéis viajado a Mérida en alguna ocasión. Si ya conoces el inmenso legado artístico de Mérida te proponemos otra nueva forma de seguir conociendo la ciudad, y para ello qué mejor que contar con los guías de “Extremadura Secreta”. Este proyecto nació hace varios años y está basado en las leyendas como fuente para conocer la identidad de Extremadura, y su experiencia es muy amplia y abarca prácticamente todos los medios de comunicación: publicaciones en el blog del periódico Hoy, secciones en RNE y en Canal Extremadura, publicaciones de libros como “50 lugares mágicos de Extremadura”, y recientemente el programa de televisión “Tras el mito” en Canal Extremadura. No se nos ocurre nadie mejor para vivir una nueva y apasionante aventura en la bella ciudad de Mérida. Consulta toda la información sobre sus rutas en el siguiente enlace.

GRANADA

alhambra_visitas_guiadas_ parte_del_arte

La Alhambra de Granda vista desde el Mirador de San Nicolás

Cicerone

Si tienes pensado visitar Granada en Cicerone están dispuestos a ser tus guías, acompañarte y asegurarse de que te lleves un precioso recuerdo de Granada. Es una empresa formada por un amplio equipo de guías e intérpretes del patrimonio, con amplia experiencia, que te acercarán de una forma rigurosa y amena a todas las maravillas que Granada ofrece: visitas a la Alhambra, excursiones por los alrededores de la ciudad, visitas al Parque de las Ciencias, espectáculos de flamenco…Puedes consultarlo todo en su web pincha en el siguiente enlace.

MADRID

IMG_7119

Natalia en plena ruta “Madrid Oculto y Misterioso”, una de las #ExperienciasPartedelArte preferidas del verano

Parte del Arte

Web

Tanto si eres de Madrid como si vienes de visita, en Parte del Arte te ofrecemos las mejores experiencias culturales: si quieres conocer Madrid no te puedes perder nuestras rutas gastronómicas, itinerarios históricos por  el Madrid de los Austria, el Barrio de las Letras, actividades en familia para disfrutar con los peques de la casa, rutas nocturnas… Y si eres de Madrid también tenemos una amplia gama de experiencias para ti: cursos de historia del arte, música, historia, experiencias culturales y gastronómicas, visitas teatralizadas para vivir un rato divertido…Te ofrecemos experiencias y recuerdos que podrás compartir con quien más quieres. Entra en nuestra web y descubre todo lo que Parte del Arte puede ofrecerte.

También puedes seguirnos en Facebook, Twitter, Instagram y en nuestro canal de Youtube Parte del Arte Madrid

¡Siente el Arte!

UN OASIS DE ARTE ESPAÑOL EN AMÉRICA: LA HISPANIC SOCIETY

En Parte del Arte tenemos un compromiso con la cultura y por ello siempre organizamos visitas guiadas a las exposiciones temporales más relevantes de Madrid. Este año una de las citas imprescindibles es la exposición que el Museo Nacional del Prado ha organizado junto con la Hispanic Society y en la que se dan cita piezas de suma calidad e importancia del arte español. A través de visitas guiadas VIP, en grupos muy reducidos, os desvelamos los secretos de las obras en un recorrido de  deleite y disfrute incomparable.

Pero, ¿Qué es la Hispanic Society? ¿ Por qué tiene tanto arte español? Os lo contamos a continuación.

UN APASIONADO DE ESPAÑA: Archer Milton Huntington 

huntington

Fotografía de Archer Milton Huntington

El origen de esta importante institución se remonta al año 1904 cuando Archer Milton Huntington, bibliófilo, poeta, coleccionista, arqueólogo e hispanista decidió formar una sociedad para el estudio de la cultura española con sede en Nueva York. Heredero de una gran fortuna familiar, durante su juventud se dedicó a viajar y comprar piezas de arte hispánico, por lo que crear la sociedad constituyó la culminación de uno de sus mayores sueños. El objetivo era crear un museo y una biblioteca para fomentar  la apreciación rigurosa de la cultura española y profundizara en el estudio de la literatura y el arte de España, Portugal y América Latina.

Además, él mismo se encargó de estudiar y divulgar personalmente la cultura hispánica, sobre todo la española. En 1892 viajó por primera vez a la Peninsula Ibérica y aprendió el español con la perfección suficiente como para escribir versos en nuestro idioma, además de realizar una cuidada edición en tres tomos del Cantar de mio Cid que supuso la primera edición completa en inglés además de las notas y el texto original en castellano. Fue también un apasionado de la ciudad de Sevilla, por lo que fue nombrado hijo adoptivo y miembro de la Real Academia de las Buenas Letras.

sede hispanic

Escultura del Cid junto a la fachada de la sede de la Hispanic Society en Nueva York

Su colección es tan variada y tiene tanta calidad que es una de las que recorre mejor nuestra historia.  Ninguna otra institución en el mundo, incluyendo España, permite por sí sola un recorrido tan completo por nuestra historia, arte y cultura. Una oportunidad única para disfrutar de piezas que se atesoran a miles de kilómetros de nosotros.

UN LUJOSO RECORRIDO POR NUESTRA HISTORIA

20170331_348112_ExpoHispanicSocietyE_1_1

Detalle de los Relicarios de Santa María y Santa Magdalena, de Juan de Juni ( Hispanic Society)

La exposición del Museo del Prado ha sido posible gracias a la ampliación de la sede de la Hispanic Society de Nueva York y nos ofrece un delicioso recorrido cronológico a través de piezas que abarcan desde la Prehistoria hasta arte del siglo XX, y algunas de ellas se muestran en esta exposición de forma inédita. El arte islámico, colonial y el siglo XIX latinoamericano también están presentes en las salas como un reflejo del espíritu del fundador.

Entre las obras que más destacan en la muestra nos encontramos con incunables, piezas muy significativas de la cultura celtíbera y visigodas, búcaros de las Indias…y una amplia selección de pintura que permite una reconstrucción de la identidad artística hispana. Autores como Valdés Leal, Murillo, Zurbarán, El Greco… tienen una especial relevancia dentro de las colecciones que van desde el siglo XI al XVIII.

imagen murillo

La vuelta del hijo pródigo. Murillo ( Hispanic Society )

 

También destacan importantes obras de  Velázquez, como Retrato de una niña, Camillo Astalli y Gaspar de Guzmán, Conde-Duque de Olivares y el famosísimo retrato de la Duquesa de Alba de Goya.

Camillo_Astalli_by_Diego_Velázquez,_1650

Camillo Astalli. Diego de Velázquez ( Hispanic Society)

También los siglos XIX Y XX tiene una importante presencia con obras de algunos de los más destacados artistas  del modernismo como Santiago Rusiñol y en especial Zuoloaga y Sorolla, a quien le encargaron los conocidos lienzos de las provincias.

imagen-sin-titulo

Muchachas de Burriana. Anglada Camarasa ( Hispanic Society)

Además de la pintura, la colección de escultura y artes decorativas es una de las más completas del mundo con piezas muy significativas desde la Prehistoria hasta el siglo XX: piezas de orfebrería renacentista y barroca, cerámica de Manises, Talavera y Alcora, piezas textiles como un Fragmento de la túnica del príncipe Felipe de Castilla y una pieza de seda nazarí.

1491394254_654024_1491412503_sumario_normal

Detalle un precioso píxide hispanomusulman ( Hispanic Society)

UNA FUENTE DE CONOCIMIENTO: LA BIBLIOTECA

El afán y los intereses bibliófilos del fundador contribuyeron a la creación de una de las mayores bibliotecas de temas hispánicos del mundo. Por ello, gran parte del tesoro que se puede contemplar en la exposición está relacionado con el mundo de los libros y manuscritos, con piezas de gran valor histórico, documental o artístico. Algunas de las joyas que se pueden contemplar son: el Privilegio emitido por Alfonso VII rey de Castilla y León, las excepcionales Biblia sacra iuxta versionem vulgate Biblia hebrea; cartas únicas como las Instrucciones del Emperador Carlos V a su hijo Felipe, la Carta dirigida a Felipe II de Isabel I, reina de Inglaterra o la Carta manuscrita, firmada “Diego de Silva Velazquez” para Damián Gotiens; y destacados ejemplos cartográficos como el Mapamundi portolan, 15 cartas manuscritas iluminadas, de Battista Agnese o el Mapamundi de Juan Vespucci.

0b7494b4-7668-4d54-a80f-65292590be6b

Mapamundi de Juan Vespuci ( Biblioteca de la Hispanic Society)

No te pierdas la oportunidad de conocer con Parte del Arte una de las mejores colecciones del mundo de una forma exclusiva, en grupos reducidos, en las que nuestros guías especializados en arte te explicarán cada detalle de las piezas dentro de su contexto para que le saques el máximo partido a esta experiencia cultural.

Próximas fechas:

  • Miércoles 12 de julio a las 11.30h.
  • Jueves 13 de julio a las 11.30h.

¡Te esperamos!

80 AÑOS DE GUERNICA ¿Cuál es su significado?

En mayo y junio visitaremos en Parte del Arte la gran exposición del año: Piedad y terror en Picasso. Un camino hacia Guernica, la gran muestra que ha organizado el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía para conmemorar el 80 aniversario del el gran lienzo.

Realizaremos visitas guiadas por especialistas en arte para adentraros en la mente de Picasso: conoceremos su forma de entender el tiempo en que vivió, sus preocupaciones y las motivaciones que le llevaron a crear una de las obras más icónicas de toda la historia del arte.

Y para ir abriendo boca, en BaluArte os damos algunas claves para conocer los símbolos del cuadro.

5519393284_5fe52e05e7_z

A lo largo de sus más de 7 metros de largo y 3 metros de alto se suceden numerosos personajes formando una composición triangular cuyo vértice es la lámpara y la base el cuerpo del hombre muerto. Las figuras son fruto de un lenguaje que Picasso fue madurando a lo largo del tiempo, por lo que las reminiscencias a épocas anteriores de su producción se pueden ver de una forma clara en el gran lienzo. Pero, ¿ qué nos quiere decir cada personaje? ¡Sigue leyendo!

1. EL TORO

TORO DEL GUERNICA DETALLE

En las décadas anteriores al Guernica el toro fue un animal muy reproducido por el pintor. La interpretación más generalizada que se ha hecho de la imagen del toro es que Picasso lo introduce como un símbolo de brutalidad y oscuridad. Representa ese concepto a la vez que el reostro del animal pierde simetría como muestra de aturdimiento y pánico, siendo también identificado en muchas ocasiones como un autorretrato del propio Picasso.

Sin emnargo, el toro puede aludir a otras cuestiones. Cuando Picasso iba a acomenzar a pintar el Guernica no sabía muy bien cómo empezar, por lo que su amigo el escritor Larrea le dijo estas palabras:

Imagínate a un toro, en medio de una plaza, al que han estado hiriendo sin piedad. El dolor del toro es tan intenso que logra escapar del ruedo y entra, furioso, en una tienda de porcelanas, donde hay delicadas figuras de todo tipo, personas, animales… El toro se desahoga en el interior de la tienda. Cuando se haya marchado ¿te imaginas cómo habrá quedado la tienda? Pues así, más o menos, está ahora la villa de Guernica”.

Si miramos el lienzo pensando en estas palabras resulta totalmente coherente, el toro, simbolo de fortaleza, asustado, y los seres humanos frágiles y aterrorizados.

2. MADRE

madre

El motivo de la madre con el hijo muerto tiene numerosos ejemplos en la Historia del Arte, sobre todo en la historia cristiana, donde el tema iconográfico de la Piedad ha sido reproducido en infinidad de ocasiones. En este sentido, Picasso se inspira en ese tipo de composición triangular en cuyo vértice se sitúa la cabeza de la madre, que con un grito desgarrador y una contorsión del cuello pide clemencia, mientras que su hijo fallecido aparece representado con los ojos vacíos, sin pupilas, creando así una imagen más potente de la muerte infantil.

LA-PIEDAD-frontal

La Piedad de Miguel Angel, icono de la escultura universal y en la que se puede ver la disposición triangular que utiliza Picasso en Guernica

3. EL SOLDADO MUERTO

guerrero2-1024x384

Resulta muy curioso que un cuadro dedicado a un motivo bélico tenga tan poca presencia masculina o tan pocas referencias de tipo militar. A pesar de que Picasso quería centrarse en las víctimas inocentes del suceso también introdujo esta figura de un soldado, símbolo de aquellos que lucharon por una causa y fallecieron. La figura muerta aparece mutilada, con un brazo separado del cuerpo que porta una espada rota, símbolo de la derrota. En palabras de Calvo Serraller, el soldado queda convertido en una escultura rota y mutilada.

Ejemplo de que Guernica es, en definitiva, el resultado del lenguaje personal de Picasso, podemos ver cómo el tema del brazo mutilado lo podemos ver en otro contexto completemente diferente, en sus bodegones de los años 20, por ejemplo, en los que incluía vacíados de yeso de esculturas antiguas. En este cuadro que os mostramos a continuación de puede ver de forma clara:

guerni4-kN-U203289532907E7-250x240@abc

Mandolina, frutero y brazo de yeso, 1925

Junto al brazo encontramos una flor, la cual representa la esperanza de un mundo nuevo y mejor.

7eff7c8fdb6b6d4ca0ce5bc098af4265

4. LA PALOMA

paloma

La paloma casi se confunde con el fondo. Apenas visible lanza al aire un grito de agonía que simboliza una paz rota.

5. EL CABALLO

caballo2-1024x384

Es la figura central de la obra. Aparece medio degollado con una gran estaca clavada en el centro de su lomo, se retuerce de dolor creando una unidad y conexión con la disposición de la cabeza del toro. El caballo ha sido interpretado habitualmente como un símbolo del sufrimiento del pueblo. En su cuerpo presenta unas líneas que en muchas ocasiones se han interpretado como las letras de un periódico, lo que algunas personas han identificado como un periódico, y por tanto, como un instrumento de propaganda política.

6. LÁMPARAS

luces2-1024x384

La representación de la lámpara nos ayuda a situar la escena, es decir, lo que vemos se está desarrollando en un interior. Picasso consideraba los interiores como su lugar de máxima inspiración ( la mayor parte de su producción artística anterior a Guernica se había desarrollado entre cuatro paredes) y esta lectura del bombardeo desde un interior le da una lectura marcadamente doméstica. La lámpara principal a menudo se ha asimilado al Sol o a una divinidad por su forma de ojo “ que todo lo ve”, mientras que la lámpara de queroseno que sujeta la mujer se ha relacionado con la República y la mujer la sostiene para observar aterrorizada todo los que está sucediendo a su alrededor. Además, la mujer se lleva la mano al pecho, como gesto patriótico.

WomanLamp

7. LA MUJER QUE HUYE

mujerarrodillada

Esta imagen es una de las que estilísticamente están más vinculadas con la producción anterior de Picasso. Una mujer desesperada que intenta huir del desastre, arrastrando su hinchada pierna en un movimiento de gran lentitud. Una imagen que simboliza la imposibilidad o dificultad de los protagonistas de la escena de escapar a su destino.

8. EL HOMBRE EN LLAMAS

Guernica - infierno

El hombre en llamas es otra de las figuras que podemos ver en Guernica como símbolo del horror, representando a todas aquellas víctimas de las bombas incendiarias. La disposición de la figura tiene numerosos preceentes en la obra de Picasso ( brazos deformados que se alzan en diferentes contextos) pero la figura con la que más se ha relacionado el hombre en llamas del Guernica por la similitud de la temática es con el famoso cuadro de los Fusilamientos del dos de mayo de Francisco de Goya, que al igual que este personaje alza la mirada pidiendo piedad.

El tres de mayo_detalle

Detalle de la figura central de Los fusilamientos del dos de mayo de Francisco de Goya

El bombardeo de Guernica ha dado la vuelta al mundo gracias al cuadro de Picasso, pero esta gran obra maestra es mucho más, es la condensación de una iconografía propia y personal y es un canto de protesta ante la guerra. El título es sólo casual, ya que los horrores de la época de Picasso no se limitaron al contexto de la Guerra Civil Española.

El bombardeo de Guernica ha dado la vuelta al mundo gracias al cuadro de Picasso, pero esta gran obra maestra es mucho más, es la condensación de una iconografía propia y personal y es un canto de protesta ante la guerra. El título es sólo casual, ya que los horrores de la época de Picasso no se limitaron al contexto de la Guerra Civil Española.

José María Ucelay, Director General de Bellas Artes del Gobierno Vasco reconoció que no se trataba de un lienzo que representase de forma concreta el bombardeo de Guernica utilizando estas palabras:

“Fíjese bien, si yo le digo ahora mismo que este cuadro se titula Sodoma y Gomorra y usted no supiera de que obra se trata ¿ verdad que no le resultaría incoherente?”

Un símbolo universal de lucha contra los abusos de los conflictos armados que sigue estando más vivo que nunca.

Si quieres conocer más a fondo Guernica no dudes en apuntarte a las visitas guiadas que en Parte del Arte organizamos a esta magnífica exposición del Museo Reina Sofía. Tienes todos los detalles en www.partedelarte.com

Esther Arce Bayón