DAVID DELFÍN. EL DISEÑADOR DEL NUEVO MILENIO

En Parte del Arte seguimos adelante. El tiempo de cuarentena se está alargando mucho más de lo que todos deseamos pero es momento de continuar con nuestra misión de acercarte y hacerte sentir el arte y la cultura. Por ello, adaptándonos a las circunstancias y con tantos medios digitales que existen a nuestro alcance, hemos decidido crear una oferta de cursos on line en la que continuar impartiendo nuestros cursos:Conoce Madrid, Exposiciones y Colecciones de Madrid, Grandes Momentos de la Historia y Descubriendo la ópera. De esta manera, podrás seguir disfrutando de nuestras experiencias pero sin moverte de tu casa. Tienes toda la información sobre los cursos on line pinchando aquí.

También seguiremos acercando la cultura de forma gratuita a través de nuestros directos en Instagram cada lunes y viernes a las 17.00, en los que te invitamos a charlar con nosotras y nuestros invitados del mundo del arte sobre diferentes temas, y ¿cómo no?, a través de nuestro blog BaluArte, en el que cada semana os hablamos de un tema cultural de actualidad o de alguna exposición temporal.

Por ello hoy os hablamos de una de las muestras programadas para este mes, la dedicada al diseñador David Delfín, organizada por  la Comunidad de Madrid a través de la Consejería de Cultura y Turismo en un lugar muy especial.

DE DEPÓSITO DE AGUA A SALA DE EXPOSICIONES

El edificio que alberga la exposición fue construido entre 1907 y 1911 por el ingeniero Diego Martín Montalvo como primer depósito elevado de agua de Madrid. Se trata de una construcción de estilo ecléctico y carácter industrial que destaca por su exterior de ladrillo, su planta circular, sus contrafuertes en talud y su cubierta metálica rebajada.

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Exterior del edificio del antiguo depósito de agua construido por Diego Martín Montalvo

El edificio fue restaurado en 1986 y acondicionado como sala de exposiciones, gestionada por la Subdirección General de Bellas Artes de la Comunidad de Madrid junto a la Sala Alcalá 31 y la Sala Arte Joven. Normalmente las exposiciones que podemos encontrar en este espacio se centran en la creación fotográfica y audiovisual contemporánea pero también, anualmente, coincidiendo con la Madrid Fashion Week se realiza una muestra de un gran maestro de diseño de moda.

Este año le ha llegado el turno al siempre controvertido David Delfín, a través de una exposición que se articula en torno a su trayectoria como artista y diseñador.

DAVID DELFÍN. MUCHO MÁS QUE UN DISEÑADOR DE MODA

Diego David Domínguez González (Ronda, 1970 – Madrid, 2017), más conocido como David Delfín, es uno de los máximos representantes de una nueva generación de jóvenes artistas y creadores que irrumpieron con la entrada del nuevo milenio y que concibieron la moda desde un punto de vista multidisciplinar.

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David Delfín en la presentación de su última colección en 2016

El malagueño comenzó su andadura como pintor. Es en 1999 cuando comienza a experimentar y a fusionar la pintura con el diseño de moda, aplicándola a prendas militares de segunda mano. Así es como en 2001, junto con Gorka Postigo y Bimba Bosé decide crear la firma Daviddelfín, una marca que construyó a partir de la influencia de discursos artísticos y su propia caligrafía escrita con la mano izquierda para  crear logos. La marca giraba en torno a un concepto que actuaba “como metáfora de la unión de las inquietudes del grupo, un proyecto multidisciplinar donde moda, fotografía, arquitectura y vídeo conviven desde entonces”.
El interés por el proyecto crecía por encima de sus posibilidades, y ya en 2002 tuvieron que contratar a una modista y un patronista. Estaban a punto de desfilar en Cibeles por
primera vez.

SANS TITRE

Sans Titre es el nombre de su primera colección, que vio la luz en 1999 que no estuvo planteada como una colección de moda al uso, sino como un ejercicio pictórico en busca de nuevos soportes y como un homenaje latente a Joseph Beuys, a través de camisetas desgarradas o cruces de fieltro rojo.  Esta “colección” fue sólo el comienzo de una relación muy fructífera entre diseño y creación plástica: referencias surrealistas más o menos explícitas (capuchas magritianas, hormigas e incorporación de aparentes objetos encontrados, inesperados) serán posteriormente muy habituales en su trayectoria.

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Prendas de la colección Sans Titre en la exposición

COUR DES MIRACLES

En el año 2002 David llegaba por primera vez a la pasarela de Cibeles con Cour de Miracles la que sería la primera gran colección, así como polémica del diseñador.

David empezó fuerte y de forma muy transgresora. Tanto, que varios periodistas se salieron del desfile al vislumbrar sus rompedoras propuestas, aunque la mayor parte del público le aplaudió. El desfile se convirtió en todo un escándalo, recibiendo duras críticas por parte de la sociedad y de algunos sectores políticos. Los reproches se centraban en el hecho de que Delfín cubrió el rostro de las modelos de sacos de tela y colocado una soga al cuello a Bimba, que participó en el show.

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Vestidos de la colección Cour de Miracles en la exposición

Esta puesta en escena se comparó en muchos medios de comunicación con el burka islámico y la violencia de género. Pero en realidad, su inspiración y las referencias de David Delfín tenían que ver con aspectos más profundos relacionados con la historia del arte. Se trata, en definitiva, de un homenaje al famoso cuadro de René Magritte Los amantes, y las hormigas estampadas que correteaban por algunos vestidos eran un guiño al film surrealista de Luis Buñuel Un perro andaluz.

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Los amantes. René Magritte, el cuadro en el que se inspira David Delfín para la colección Cour de Miracles

EL TIEMPO DE LOS MONSTRUOS. DAVID DELFÍN Y BIMBA BOSÉ

Grandes amigos y socios, David Delfín y Bimba Bosé se conocieron por casualidad en 1996 en la barra de un bar y desde entonces fueron inseparables. Bimba se convirtió en su musa y desfiló para él en numerosas ocasiones.

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David Delfín y Bimba Bosé 

En el año 2015, David Delfín presentó su colección El tiempo de los monstruos, en la que hacía referencia a la película de Félix Sabroso y como guiño y homenaje a Dunia Ayuso. En la colección encontramos depuradas geometrías y juegos de volantes y lunares, como resultado de una divertida mezcla de la Bauhaus combinada con el estilo Memphis, muy recurrente en sus últimas temporadas.

En esta colección  David Delfín convirtió a Bimba Bosé en uno de sus monstruos, coloreando de azul sus orejas y cubriendo su cuerpo con un explosivo vestido en verde hierba. Sin duda, una de las grandes joyas de todas sus colecciones.

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Bimba Bosé en el desfile de El tiempo de los monstruos

DAFO

Dafo fue el nombre que recibió una de las colecciones más emblemáticas de David Delfín, la de primavera-verano de 2007. Se trata de una colección prácticamente distinción de género. Algunas de sus propuestas dejaban ver un aire masculino en ellas y más femenino en ellos, dando una vuelta de tuerca a los convencionalismos tradicionales de la vestimenta.

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Escena del desfile de la colección Dafo

Uno de los sellos de David Delfín que podemos ver en muchas de las prendas de esta colección son los detalles, que nunca pasaron desapercibidos, como las famosas letras en los vestidos, que se transformaron en frases. Este detalle cautivó a muchos famosos, que empezaron a dejarse ver en eventos públicos y alfombras rojas con esta indumentaria.
Algo que a los famosos les encantó y de ahí que de dejaran ver en varios eventos públicos y alfombras rojas.

DÉMÉNAGEMENT

Otra de las colecciones más interesantes de David Delfín es la llamada Démenagement, que presentó para el otoño-invierno de 2007/2008.La mudanza (Déménagement) fue la fuente de inspiración en una nueva colección. El modisto no se refería a la mudanza como transporte sino entendiéndola como evolución, cambio. Por eso, se decantó por una línea austera en la que evitó los adornos superfluos y destacando las formas minimalistas. David Delfín presentó a sus modelos con mobiliarios de mimbre que jugaban el papel del complemento. Sillas a modo de peineta, taburetes de mochilas y tiras de mimbre sobre la cabeza.

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Vestido de la colección Déménagement

MISSING

Missing es probablemente la colección más personal de David Delfín en el otoño-invierno de 2013-2014. Fue un homenaje a su perrita, que falleció mientras se preparaba la colección. Tras quince años juntos, decidió recordarla a través de unas referencias a “Alicia en el País de las Maravillas” . Por eso las prendas destacan con colores blancos con rosas. Pero, para cerrar el desfile, Bimba, su musa, aparecía y vestida de negro para simbolizar el luto por el que estaba pasando el diseñador.

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Algunos diseños de la colección Missing

EL ÚLTIMO DESFILE

Su última propuesta propuesta para el otoño-invierno de 2016 estuvo basada en una colección que reivindicaba el forofismo hacia un mismo como una relación eterna de amor. Fue su bufanda la que lideró el desfile y la que acabó convirtiéndose en la estrella de la colección. El destino hizo que la última vez que David Delfín se subió a una pasarela fuera para Bimba Bosé también su último desfile.

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Bimba Bosé en el último desfile de David Delfín en 2016.

Lo compartieron todo a lo largo de su vida, hasta enfermedad y año de fallecimiento, muriendo los dos en el año 2017 con cinco meses de diferencia, dejando ambos una huella imborrable en el mundo de la moda.

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¡Te esperamos!

 

 

EL ARTE DE CONSTRUIR. SÁENZ DE OÍZA EN FUNDACIÓN ICO.

Seguimos al pie del cañón en Parte del Arte. Parece ser que nos toca quedarnos en casa algo más de tiempo, y como hemos hecho hasta ahora nosotras seguimos en contacto con vosotros por todas las vías posibles, ofreciendo contenido de forma virtual para que podáis seguir disfrutando de nuestra programación aunque sea a distancia, a través del envío de información sobre rutas históricas de nuestro curso Conoce Madrid, de nuestras clases teóricas de nuestro curso Grandes Momentos de la Historia   y Descubriendo la ópera y por supuesto, de nuestro curso Exposiciones y Colecciones de Madrid.

Dentro de nuestra oferta de exposiciones, te proponemos una gran variedad de temas en la que procuramos que siempre estén presentes todas mas manifestaciones artísticas: pintura, escultura, y también arquitectura, puesto que existen en Madrid algunas instituciones que le prestan especial atención a este campo. Es el caso de la Fundación ICO, que desde hace unos años centra su actividad expositiva en temas relacionados con el mundo constructivo y sus figuras más relevantes.

En Parte del Arte somos ya asiduas a estas muestras, y por ello queremos descubrirnos su última propuesta, dedicada al gran arquitecto Francisco Javier Saénz de Oíza. Hoy en BaluArte te contamos un poquito más sobre la exposición.

Acompáñanos.

UNA MUESTRA MULTIDISCIPLINAR

Dentro de la programación del Madrid Design Festival 2020, la Fundación ICO quiere conmemorar con una exposición el centenario del nacimiento de Francisco Javier Sáenz de Oíza, un polifacético arquitecto que se ha encumbrado como una de las figuras imprescindibles de la arquitectura española.

Bajo el título Sáenz de Oíza. Artes y Oficios, la muestra se presenta, desde sus orígenes, el desarrollo de su mundo personal ejemplificado con su obra y acompañado de un grupo de artistas de diferentes disciplinas que se convirtieron en compañeros y amigos, y partícipes  de su obra. Planos, fotografías, pinturas y documentos nos acompañan en este universo oiziano.

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Entrada de la exposición Sáenz de Oíza. Artes y Oficios en Fundación ICO

APRENDER Y ENSEÑAR

La vida de Oiza se desarrolló entre el interés por aprender y la capacidad de enseñar. Nació en Cáseda (Navarra), en 1918 y sus primeros años transcurrieron entregado a la lectura de una gran variedad de temas, lo que le llevaría a viajar a Estados Unidos en 1948. A su vuelta, consigue el título de Profesor de Salubridad e Higiene en la Escuela de Arquitectura de Madrid, aunque con el tiempo también se convirtió en profesor de proyectos, Catedrático e incluso llegó a ser Director de la Escuela de Arquitectura.

En relación al mundo del aprendizaje destacan algunos proyectos de instituciones académicas, como las Escuelas de Batán en Madrid, la Facultad de Ciencias en Córdoba o la Universidad Pública de Navarra. 

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Plano de las Escuelas de Batán (Madrid)

LA GUARIDA

Si algo caracteriza a Oíza es su profunda voluntad de responder, mediante su trabajo, a las necesidades de los futuros habitantes de sus viviendas, tanto en los encargos de viviendas privadas como en las colectivas.

Su filosofía coincide con las ideas de Le Corbusier, que decía que la casa “es una máquina de habitar”, y como tal proyectó varias viviendas privadas que se muestran en la exposición y que muestran cómo Oíza entendía la casa como un lugar cerrado, íntimo, confiriéndole ese carácter de guarida. Por otro lado, según su percepción, el concepto de vivienda establece que ésta tiene que que estar arraigado a la tradición, al espacio en el que se encuentra y a los oficios locales, lo cual se plasma a la perfección en su casa de veraneo en Mallorca, un proyecto construido por otro arquitecto pero que cumple con estos principios.

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Una de las salas de la exposición con planos de proyectos de Oíza en diálogo con piezas artísticas de colegas y colaboradores

UN LUGAR SAGRADO PARA EVOCAR EL SILENCIO. EL SANTUARIO DE ARÁNZAZU.

Uno de los proyectos más especiales que se pueden ver en la muestra es el que está dedicado al Santuario de Aránzazu (Oñate, Gipúzcua). Se encuentra en el lugar donde presumiblemente la Virgen de Aránzazu se le apareció al pastor Rodrigo de Balanzategui en un espino en 1468. Después del milagro se construyeron varios santuarios que fueron desapareciendo debido a varios incendios y a mediados del siglo XX se planteó urgentemente una reconstrucción.

De los más de 40 proyectos que se presentaron salió elegido el de Sáen de Oíza y  Luis Laorga, que contaron con un nutrido grupo de artistas para la realización de los diferentes elementos de la basílica, cuyo programa iconográfico debía evocar lo Sagrado desde el Silencio: Lucio Muñoz se encargó del retablo, Jorge Oteiza las esculturas de los apóstoles en el friso de acceso a la basílica y el pintor Néstor Basterrecha de la cripta. Iconos del siglo XX trabajando codo con codo, que contaron también con la aportación de la comunidad franciscana en parte de la decoración y acondicionamiento.

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Exterior del Santuario de Aránzazu ( Oñate), proyectado por Saénz de Oíza y Luis Laorga

Lo que más llama la atención del conjunto en su parte exterior es la talla en forma de punta de diamante. Presenta tres torres, dos que enmarcan la fachada y la tercera, la que alberga el campanario, más alejada. Están realizadas con bloques de piedra tallados en forma de punta de diamante, haciendo alusión al espino  en el que, según cuenta la historia, apareció  la imagen de la Virgen.

Entre las dos torres se abre unas puertas de hierro realizadas por el escultor Eduardo Chillida y que están decoradas con asimétricos dibujos geométricos.

Al nivel de la calzada queda el friso de los apóstoles realizado por Jorge Oteiza, otro de los colaboradores. Los apóstoles están realizados en piedra y ubicados en un espacio de 12 m.

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Friso de los apóstoles, de Eduardo Chillida, sobre la puerta del santuario.

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Sala de la exposición en la que se puede ver, al fondo, una recreación del ábside de la Basílica de Aránzazu, decorado por el pintor Lucio Muñoz.

COLABORADORES Y MECENAS

Otro de los apartados de la exposición está dedicado a la relación de Oíza con sus patrocinadores, entre los que destaca la familia Huarte. Concretamente su máximo impulsor fue Juan de Huarte, quien tenía la firme voluntad de defender y ayudar a crecer a los mejores profesionales nacionales. Oíza llegó a tener con él una gran complicidad.

Entre las obras del arquitecto que contaron con el mecenazgo de la familia Huarte se encuentran las Torres Blancas, que supuso una gran novedad en la arquitectura de los años 60 por su excepcional expresividad, la Ciudad Blanca de la Alcudia en Mallorca o el local de la empresa H Muebles, su primera colaboración.

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Una de las salas de la exposición con esculturas de amigos y colaboradores de Sáenz de Oíza.

Otro de los lugares presentados en la muestra es la Fundación Oteiza, que supone una doble colaboración con Huarte y  Jorge Oteiza, con el que ya había trabajado en los años 50 en la Basílica de Aránzazu antes mencionada. Un lugar mágico en el que se fusionan arquitectura, escultura y paisaje y que supone un sugerente homenaje a su admirado Le Corbusier.

TORRES BLANCAS. ROMPIENDO MOLDES

Torres Blancas fue el segundo encargo que Juan Huarte le hizo a Sáenz de Oíza en el año 1961, un proyecto de viviendas de lujo en el que invirtió una fortuna, ya que quería convertirlo en un símbolo de poder. El propio Oíza se trasladó al edificio, ya que era habitual que parte del pago al arquitecto se hiciese con una vivienda.

El edificio, de 23 plantas destinadas a viviendas y oficinas, está formado por una estructura de hormigón visto conformada a base de cilindros rodeados por celosías de madera. También cuenta con una planta adicional en lo alto del el edificio y dos plantas en el sótano. Cuenta con una planta de servicios reservada para las instalaciones generales entre las plantas 21 y 22, y en la azotea una piscina.

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Dibujo de Sáenz de Oíza con un alzado de Torres Blancas

A pesar del nombre, el edificio es una única torre, que da la sensación de pluralidad por los numerosos cilindros que la conforman. ​Oíza quería construir un edificio de gran altura que creciese mecánicamente como un árbol y recorrido verticalmente por escaleras, ascensores e instalaciones (serían los vasos leñosos del árbol) y con terrazas agrupadas (las hojas de las ramas).

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Dibujo a color de Saénz de Oíza con el plano de Torres Blancas

Pero esta idea era demasiado moderna para el Madrid de entonces. El edificio resultó  tan provocativo que comenzaron a circular rumores y bulos, como que se mudó allí para demostrar que era posible amueblar una casa curvada o que originalmente iba cubierta de polvo de mármol blanco mezclado con hormigón.

A pesar de ello, años más tarde, en 1974 ganó el Premio de Excelencia Europea. y hoy se considera como una de sus obras maestras.

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Interior del portal de Torres Blancas

El estado de conservación actual del edifico no es especialmente bueno en algunos aspectos. El restaurante  que se abrió inicialmente en el último piso cerró en 1985 y  la distribución interior de las viviendas ha sufrido muchas modificaciones, ya que los paramentos curvos se revelaban incómodos en algunos espacios que hoy demandan otro tipo de distribuciones, por lo que la mayor parte de los propietarios actuales las han eliminado. Lo más reseñable que conserva son sus terrazas redondas, que se abren sobre la avenida de América, y su solárium y piscina en el último piso, conservándose así todavía hoy en uno de los bloques de viviendas de lujo más destacados de la zona.

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Piscina en la azotea del edificio de Torres Blancas

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#LaCulturaResiste

“LOS IRASCIBLES”. REBELIÓN ARTÍSTICA EN LA FUNDACIÓN JUAN MARCH

Son tiempos difíciles y en Parte del Arte lo sabemos muy bien. Como muchos de vosotros sabéis, dada la actual situación de emergencia sanitaria que estamos viviendo hemos tenido que suspender nuestra actividad habitual de cursos, visitas guiadas y experiencias culturales en Madrid.

No obstante, somos chicas optimistas y de esta incertidumbre hemos sacado algo bueno, y es que nos hemos dado cuenta de que disponemos de muchos recursos que nos permiten continuar con nuestra misión: acercarte el arte y la cultura de una forma rigurosa, amena y multidisciplinar para que puedas disfrutar con los cinco sentidos. Uno de estos recursos es precisamente este blog, BaluArte, en el que estaremos más activas que nunca compartiendo con vosotros contenido sobre la actualidad artística de Madrid. Así, entre todos, conseguiremos que la cultura resista a esta terrible crisis. ¿Nos ayudas?

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El equipo de Parte del Arte, formado por las historiadoras del arte ( de izquierda a derecha) Isabel Cámara, Laura de la Faya,  Esther Arce y Natalia Nuñez (directora)

Hoy en BaluArte os hablamos de la extraordinaria exposición que albergan las ahora cerradas salas de la Fundación Juan March de Madrid dedicada a uno de los hitos de la pintura del siglo XX, el expresionismo abstracto y sus protagonistas, los pintores de la Escuela de Nueva York. Hoy, te proponemos una visita virtual por esta exposición que lleva por título: Los Irascibles: Pintores contra el museo, así que ponte cómod@ y ¡sigue leyendo!

LA REBELDÍA DE LOS PINTORES NORTEAMERICANOS

La exposición nos cuenta una historia que, aunque parece anecdótica, terminó convirtiéndose en uno de los hitos más importantes de la historia del arte del siglo XX. Es la historia de una protesta, de un acto de rebeldía protagonizada por dieciocho artistas de la Escuela de Nueva York contra una exposición  que llevaba por título American Painting Today: 1950, que presentaba el Metropolitan Museum of Art.

Muchos de estos artistas, a pesar de que ahora nos resultan imprescindibles para entender la pintura norteamericana de este periodo, no se encontraban representados en esta exposición, ya que la muestra escogió una serie de artistas que representaban un gusto que tendía hacia el pasado y sus técnicas figurativas. Defensores del expresionismo abstracto americano, su inconformidad ante esta situación fue congelada a través de una icónica fotografía que es el punto de partida de esta exposición. Al reunir a todos estos artistas, tanto a los que tuvieron una carrera exitosa como a los menos conocidos y apenas expuestos fuera de los Estados Unidos, esta muestra ofrece al público un conocimiento más completo de uno de los grupos de artistas con mayor relevancia de la mitad del siglo XX.

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Hedda Sterne, NY, NY No. X , 1948
Tate, Londres. Donación de Clara Diament Sujo, 2012 
© Hedda Sterne, VEGAP, Madrid, 2019

 

MUCHO MÁS QUE UNA FOTOGRAFÍA: EL RETRATO DE LA MODERNIDAD

La fotografía con la que comienza la exposición es mucho más que una imagen en la que podemos reconocer a varios artistas de este periodo. Se trata de un documento gráfico que nos revela un acontecimiento mucho más importante en la historia del arte, el comienzo de una revolución pictórica fundamental.

La historia comienza en 1950 cuando en Nueva York se organiza la famosa exposición American Painting Today: 1950. Las obras elegidas para esta muestra eran elegidas por un jurado de convicciones convencionales que no quería arriesgarse y que escogió artistas y obras convencionales, las obras típicas “de museo” (pintura figurativa fundamentalmente). Por lo tanto, los artistas expresionistas abstractos, que ya se movían con firmeza en los círculos vanguardistas, quedaron excluidos de la muestra.

Por ello, decidieron echarle un pulso al Metropolitan con una carta contra el jurado, que se publicó en el New York Times, teniendo cierta repercusión en muchos otros medios de comunicación del momento.

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Los irascibles, fotografía de Nina Leen publicada en la revista Life el 15 de enero de 1951. © Nina Leen/The LIFE Picture Collection vía Getty Images

En enero de 1951 será la revista Life donde la protesta alcanza su máxima dimensión con la publicación de la fotografía de la mayor parte del grupo (excepto tres miembros) en una fotografía tomada por Nina Leen, que ya llevaba tiempo trabajando para la revista. No es una foto espontánea, sino que se negociaron todos los detalles: se evitó que estos autores posaran portando sus obras (evitando que fuesen considerados artesanos) o en las propias escaleras del MET (como si no tuvieran derecho a mostrar su producción en sus salas). La imagen se tomaría en un aséptico estudio propiedad de la revista, y las poses de los quince pintores retratados fueron libres: Leen evitó darles indicaciones temiendo que se echaran atrás.

De la docena de fotografías que Leen tomó, en Life eligieron aquella en la que los artistas se mostraban más serios, con aspecto de enfadados, y la obra se convertiría en icono: en retrato extraoficial de la Escuela de Nueva York, aunque algunos de sus miembros no aparezcan.

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1.Baziotes/ 2.Brooks/ 3.De Kooning/ 4.Ernst/ 5.Gottlieb/6.Motherwell/7.Newman/8.Pollock/ 9.Pousette-Dart/10.Reinhardt/11.Rothko/12.Stamos/13.Sterne/ 14.Still/15.Tomlin

Un dato curioso es que sólo aparece en el grupo una mujer, la artista de origen rumano y esposa de Saul Steinberg, Hedda Sterne, que había llegado a Nueva York en 1941. La propia artista lamentó más tarde ser recordada sólo gracias a esta imagen y no a sus setenta años de trayectoria artística. En la imagen se la ve en la parte de atrás de pie sobre una mesa. En sus propias palabras sobre este momento: “Todos estaban muy furiosos porque yo estaba allí porque todos eran lo suficientemente machos como para pensar que la presencia de una mujer le quitaba la seriedad.” (Entrevista con Phyllis Tuchman , 1981.)

LA CARTA: LA REIVINDICACIÓN DE “LOS IRASCIBLES”

El artista Adolph Gottlieb fue el encargado de redactar la carta de protesta, que iba dirigida  a Roland L. Redmon, presidente del Metropolitan de Nueva York. Le llevo tres semanas, en las que consultó a otros artistas por correo y por teléfono hasta que por fin consiguió una versión definitiva que se envió a los dieciocho artistas de forma individual para que la firmasen.

El domingo 21 de mayo de 1950 el artista Barnett Newman llevó esta eclaración firmada al editor de la revista New York Times, y apareció en la portada de la famosa publicación el 22 de mayo. Newman le dijo al Times que criticaban la membresia de los cinco juardos regionales que formaban parte de la muestra y se opusieron especialmente al jurado de la propia ciudad de Nueva York por no haberles tenido en cuenta como corriente artística fundamental del arte actual. Comparaban su situación a la de los Impresionistas, cuando fueron rechazados de los Salones oficiales y se vieron obligados a exponer sus obras de forma independiente.

La repercusión de la carta no se hizo esperar y enseguida llegó la primera respuesta, publicada el 23 de mayo en el The Herald Tribune. En esta respuesta se  atacó a los artistas por ” distorsión de los hechos” al afirmar que el Metropolitan sentía desprecio por la pintura moderna. Los artistas redactaron una refutación para enviar al Herald pero nunca fue publicada.

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Willem de Kooning, Zot, 1949. The Metropolitan Museum of Art, Nueva York.© 2019 Copyright imagen, The Metropolitan Museum of Art/Art Resource/Scala, Florencia
© The Willem de Kooning Foundation, Nueva York, VEGAP, 2019

También otros medios de comunicación como el The Nation se convirtieron en altavoz de este debate artístico, del que los ” 18 irascibles” ( apelativo que se les había adjudicado en la primitiva publicación del The Herald Tribune), cosecharon algunos frutos.

Alfred Barr, primer director del Museum of Modern Art de Nueva York, que buscaba distinguir su museo, seleccionó a algunos de estos artistas, concretamente a Arshile Gorky , Willem de Kooning y Jackson Pollock para el pabellón estadounidense de la 25
Bienal de Venecia , celebrada de junio a octubre de 1950. En la edición de junio de 1950 de ARTnews , él se refería a los pintores como “líderes de una “vanguardia predominante”.  El acto de Barr señaló al mundo del arte que los museos deberían considerar seriamente el expresionismo abstracto.

EL TRIUNFO DEL EXPRESIONISMO ABSTRACTO

La exposición continua con una sala que lleva por título “18 artistas, 18 obras”. Las 18 pinturas expuestas  no estuvieron, obviamente en la famosa exposición del Metropolitan. Son préstamos de diferentes coleccionistas públicos y privados para mostrar la relevancia que adquirieron los expresionistas abstractos integrantes de la Escuela de Nueva York. El montaje es peculiar ya que se ha optado por la madera (abedul y pino seco) en lugar de por el célebre y aséptico cubo blanco, con el fin de acercar este espacio al de los estudios de los artistas o sus galerías, allí donde ellos trabajaban y exponían antes de alcanzar su gran reconocimiento.

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Imagen del montaje de la exposición en Fundación Juan March.De izquierda a derecha las obras de Fritz Bultman, Theodoros Stamos y Jimmy Ernst ( Imagen: Yolanda Cardo. Crónica Global)

LA ESCUELA DE NUEVA YORK. UNA NUEVA FORMA DE ENTENDER EL ARTE

El expresionismo abstracto, surgido en la década de los 40 en Estados Unidos, es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, que se concreta en las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto.

Al expresionismo abstracto también se lo conoce como Escuela de Nueva York, pero esta denominación abarca otras artes (música, diseño, poesía, teatro…). No se trata propiamente de una escuela con un estilo común, sino de un conjunto de artistas de convicciones semejantes y que compartían una serie de técnicas pictóricas.

Aunque existen grandes diferencias entre la obra de los integrantes de la Escuela de Nueva York, podemos hablar de algunas características formales que tienen en común.

En primer lugar, su preferencia por los grandes formatos. Generalmente son abstractos en el sentido de que eliminan la figuración, aunque hay excepciones y algunos emplean trazos figurativos, apareciendo figuras reconocibles, como ocurre con las Mujeres de Willem de Kooning.

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Mujer y bicicleta. Willem de Kooning, 1953. Imagen: (mundodelmuseo.com)

Otra de las características principales de los expresionistas abstractos es la concepción de la superficie de la pintura como all over (cobertura de la superficie), para significar un campo abierto sin límites en la superficie del cuadro: el espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay jerarquía entre las distintas partes de la tela. El cromatismo suele ser muy limitado: blanco y negro, así como los colores primarios. Este tipo de cuadros, con violentos trazos de color en grandes formatos, presenta como rasgos distintivos la angustia y el conflicto, lo que actualmente se considera que refleja la sociedad en la que surgieron estas obras.

En cuanto a los proceses de realización de este tipo de obras, existen diferentes tipos de obras dentro de este grupo, que veremos a través de algunos ejemplos de la exposición.

Jackson Pollock, Yellow Islands 

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Esta obra es de uno de los grandes artistas del Expresionismo Abstracto, el pintor Jackson Pollock ( 1912-1956). Fue uno de los máximos representantes de una nueva forma de pintar, muy común en este movimiento, que se conoce como Action Painting, en la que el centro de interés  es el gesto o movimiento de pintar, llamándosela también «pintura gestual» por la primacía que dio al procedimiento pictórico en sí. Se hace del acto de pintar un gesto espontáneo. Es un tipo de automatismo que plasma el estado físico y psíquico del pintor. De esta manera, elimina los límites tradicionales entre el pintor y la pintura, ligando la acción de pintar con la biografía del artista. Jackson Pollock usó como terapia contra su alcoholismo.
Pollock extendía la tela, normalmente sin tratar, sobre el suelo, y corría o danzaba a su alrededor y dentro de ella, derramando la pintura de manera uniforme. Pollock no trabajaba sobre el lienzo sino, muchas veces, metido en él. En efecto, no trabajaba la tela con utensilios tradicionales como el pincel o la espátula, sino mediante la técnica del dripping, que consiste en dejar gotear o chorrear la pintura, desde un recipiente (tubo, lata o caja) con el fondo agujereado, que el pintor sostenía en la mano o bien, en menor medida, desde un palo o una espátula. De esta manera pintar no era algo que se hacía con la mano, sino con un gesto de todo el cuerpo.

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Pollock trabajando sobre el lienzo

Mark Rothko. Sin título

Resultado de imagen de Mark Rothko. Sin título, 1952. National Gallery of Art, Washington.

La color-field painting o «pintura de campos de color» es otra corriente dentro de la Escuela de Nueva York, que es antecedente de la pintura minimalista y que está centrada en el color y sus posibilidades expresivas. Surgió igualmente en torno al año 1947. Dentro de esta tendencia se enmarca la obra de Mark Rothko. Este artista comenzó su trayectoria a principios de los años 40 utilizando figuras biomorfas. Pero hacia 1947 su estilo sufrió un cambio, centrándose en manchas de color de forma geométrica, normalmente dos o tres rectángulos horizontales. Se organizaban sobre la superficie del cuadro de forma frontal, unos sobre otros de forma simétrica. Los colores, especialmente los de los rectángulos, eran luminosos, siendo más apagados los del fondo. Rothko creaba superficies lisas de contornos  borrosos. La impresión que ofrecen los cuadros de Rothko es de serenidad, muy distinta de la angustia y violencia de los action painter.  Los colores, aplicados en sucesivas y finas veladuras, como si en vez de óleo se tratara de acuarela, nunca nos revelan las pinceladas, disminuyendo la textura de la pintura a su mínima expresión. Rothko consideraba que el color puro era el mejor modo para expresar las emociones, por ello, concebía sus obras como dramas, como la representación de una tragedia sin tiempo. Sus cuadros, de gran intensidad espiritual, consiguen envolver al espectador con una gran fuerza emotiva, invitándole a la contemplación y la meditación.

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Imagen de la Capilla Rothko, Houston

Pese a las dificultades iniciales, el movimiento del expresionismo abstracto en Estados Unidos terminó por consagrarse como el gran movimiento de vanguardia de este país. Una corriente que es mucho más que un movimiento artístico y que abaraca desde  una nueva forma de concebir la pintura, el cuestionamiento de las técnicas y procesos tradicionales del arte, hasta el planteamiento de otras cuestiones más profundas, como los debates que surgieron en torno a la función del museo y las instituciones culturales y su forma de entender y gestionar la producción artística.

¿Te ha parecido interesante? Déjanos un comentario y cuéntanos tus impresiones.

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#LaCulturaResiste

 

 

 

 

MONUMENTALIDAD EN GALERÍA MARLBOROUGH

El mes de marzo brilla en Parte del Arte. Estamos ofreciendo, tal y como os tenemos acostumbrados, una programación a la última, en la que incluimos rutas históricas por Madrid, como la que dedicaremos el viernes 6 con motivo del Día de la Mujer, salidas culturales, como la que realizaremos el próximo 14 de marzo a Burgo de Osma y San Baudelio de Berlanga y también visitas guiadas a las mejores exposiciones temporales de Madrid. 

Dentro de nuestra oferta de exposiciones, te proponemos una gran variedad de temas en la que procuramos que siempre estén presentes todas mas manifestaciones artísticas: pintura, escultura, arquitectura, artes decorativas….

Madrid cuenta con una amplia oferta de muestras temporales que se albergan en los grandes museos, pero también en las numerosas galerías de arte que hay repartidas por la ciudad. En Parte del Arte no queremos dejar de lado estos interesantes espacios, en los que también brillan las obras de grandes artistas. Por ello, este mes de marzo hemos organizado visitas guiadas a uno de ellos, la Galería Marlborough, en la que se encuentra en la actualidad una impresionante exposición de escultura monumental.

¿No lo conoces? No te preocupes porque en nuestro blog BaluArte te ofrecemos un pequeño adelanto de lo que veremos en la visita.

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Kissing Spheres (large), 2016. Tom Otterness

UNA GRAN TRADICIÓN. LA GALERÍA MARLBOROUGH

La Galería Marlborough de Madrid fue fundada en el año 1992 después de una larga tradición de sedes en otras ciudades ( Londres, Nueva York y Tokio) bajo la dirección de Pierre Levai, que llevaba siendo presidente de la sede neoyorkina desde el año 1978.

La propia inauguración de la sede madrileña fue todo un acontecimiento, ya que se estrenó el espacio por todo lo alto con una muestra dedicada al gran Francis Bacon, que se convirtió en la última exposición individual realizada en vida del artista, que falleció en el mismo año 1992.

La galería se ha ido expandiendo con el paso del tiempo, abriendo en Barcelona una nueva sede en el año 2006 y se ha ido ganando en todos estos años una gran reputación debido a su implicación en todo de proyectos, como las exposiciones de de escultura monumental en las ciudades más importantes de España, gracias a los cuales se llevaron a la calle la obra de artistas como Botero, Manolo Valdés o David Rodriguez Caballero, y también exposiciones en las que se presenta el trabajo de artistas internacionales y emergentes en España en sus diferentes sedes.

También apuesta por la venta y adquisición de de obras maestras del siglo XX y colabora constantemente con colecciones de museos y espacios públicos para la difusión de la obra de sus artistas, entre los que destacan: Antonio López, el ya mencionado Manolo Valdés, Juan Genovés o Luis Gordillo, quienes han formado parte de la identidad de la galería desde sus inicios.

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Escorrodoira, 2019. Francisco Leiro

MONUMENTOS ENTRE CUATRO PAREDES

Durante los meses de febrero, marzo y abril la galería mostrará una exposición, dividida en dos partes, dedicada a la escultura monumental de más de catorce artistas españoles y extranjeros contemporáneos, en las que se juega con la idea de espacio interior / exterior, ya que la mayor parte de las esculturas que se muestran en realidad están concebidas para ser expuestas en un espacio exterior.

Para conseguir transmitirnos la sensación exterior entre las cuatro paredes de la galería, el montaje de las obras se ha realizado sobre un césped artificial que nos invita a sentarnos y tendernos a contemplarlas.

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Ptolemy’s Wedge II, 2005. Beverly Pepper

EL HIPERREALISMO MÁS CERCA QUE NUNCA

Uno de los artistas  representados en la muestra es Antonio López García, considerado como uno de los mayores exponentes del Realismo pictórico y escultórico tanto a nivel nacional como internacional.

Entre los motivos de la obra de Antonio López destacan los paisajes y vistas urbanas de Madrid, paisajes interiores y también la figura humana, como podemos ver en esta muestra de la galería Marlbororugh.

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Carmen despierta y Carmen dormida, 1999-2000. Antonio López

La obra que se nos muestra pertenece al primer encargo de escultura monumental pública que recibió Antonio López en solitario, que tuvo lugar en el año 2008 y que se instalaron junto a la entrada de la Estación de Atocha.

Se trata de un conjunto de dos esculturas tituladas Carmen despierta ( el día) y Carmen dormida ( la noche), y en ellas utiliza el rostro de su nieta Carmen que, en estos dos estados, se nos muestra como una metáfora de lo misterioso del ser en conexión con los ciclos naturales del día y la noche.

FIGURAS FRAGMENTADAS

Otra de las figuras destacadas del panorama artístico que están representadas en esta muestra es la artista polaca Magdalena Abakanowicz, considerada un de las artistas con un mensaje más potente en el panorama del arte contemporáneo.

Abkanowicz vivió una terrible infancia en la Polonia ocupada durante la Segunda Guerra Mundial, lo que le llevó a “encerrarse en sí misma” como una única vía de escape a la espantosa realidad que le tocó vivir. Estas experiencias traumáticas van a marcar su producción artística de una forma muy profunda.

El conjunto escultórico que presenta en la muestra, realizado en el año 2000 y titulado Standing figures, se nos muestran como una serie de figuras realizadas en bronce de postura estática y con los miembros amputados que se nos revelan a la vez bellas e inquietantes y que nos recuerdan la fragilidad de la condición humana. La propaganda, la destrucción y las reflexiones sobre la existencia humana forman parte del ADN de esta prolífica artista, que cuenta con siete doctorados honorarios en universidades de  Europa y Estados Unidos.

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Standing Figures, 2000. Magdalena Abakanowicz

¿Interesante, verdad? Pues muchas más obras monumentales de otros artistas como Francisco Leiro, Beverly Pepper, Blanca MuñozTom Otterness te están esperando, y en una de nuestras visitas guiadas a la Galería Marlborough de Madrid por una especialista  de Parte del Arte  comprenderás todos sus secretos y te adentrarás en el fascinante mundo del funcionamiento de una galería de arte.

¡Toma nota! Aquí te dejamos toda la información para inscribirte. Recuerda que las plazas son ¡muy limitadas!

INFORMACIÓN DE INTERÉS

Fechas y horarios disponibles:

-Martes 10 de marzo a las 12:00h.

-Jueves 12 de marzo a las 12:00h y a las 17:00h.

PVP: 12€/persona. Incluye: visita guiada por especialista+sistema de recepción de sonido para la óptima escucha de las explicaciones de la guía+ entrada

*IMPRESCONDIBLE INSCRIPCIÓN PREVIA. Puedes hacerla pinchando aquí

Punto de encuentro: Puerta de la Galería Marlborough. C/ Orfila, 5. Diez minutos antes de la hora de la visita.

Cómo llegar: Metro: Alonso Martínez (L4, L5, L10), Colón (L4) / Bus: 5, 14, 21, 27, 37, 45, 150.

¡Te esperamos!

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Los inmortales retratos de Rembrandt. Una galería de emociones.

El mes de febrero en Madrid se viste de arte y son varias las exposiciones de gran interés que se inauguran en los próximos días. En Parte del Arte, por supuesto, somos las primeras en ofrecértelas a través de nuestras visitas guiadas para que estés al día con la tendencia artística y cultural de Madrid.

Hoy queremos hablaros de una de las muestras más esperadas para los amantes de la pintura y que estaremos guiando los días 21 de febrero, 29 de abril y 30 de abril. Se trata de Rembrandt y el retrato en Ámsterdam, 1590-1670, en el Museo Thyssen, una exposición en la que se toma como referencia de forma exclusiva el género del retrato, uno de los que más cultivó el gran genio del siglo XVII y en el que, como en otros géneros, destacó por encima de sus contemporáneos.

Si quieres saber lo que te descubriremos en nuestras visitas guiadas… ¡Sigue leyendo!

UNA MUESTRA CON GRAN AMBICIÓN

En la exposición, comisariada por Norbert E. Middelkoop, nos encontramos con una selección de casi un centenar  de pinturas y grabados que incluyen algunos de los mejores ejemplos de la retratística de Rembrandt y de sus contemporáneos, en los que dejó una importante huella.

La muestra cuenta con la colaboración de la Comunidad de Madrid y el apoyo de JTI y cuenta con préstamos de un gran número de importantes instituciones y pinacotecas como el Amsterdam Museum, el Rijksmuseum de Ámsterdam, el Metropolitan de Nueva York, la National Gallery de Washington y The National Gallery de Londres, . Muchas de las obras prestadas se pueden ver por primera vez en España, y algunas de ellas son prestadas por primera vez con ocasión de la muestra del Thyssen, como es el caso del retrato de un joven procedente del Nelson Atkins Museum de Kansas.

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Retrato de un hombre en un escritorio, 1631. Rembrandt. Museo del Ermitage, San Petersburgo.

La muestra sigue un orden cronológico, que abarca desde la tradición retratística inmediatamente anterior a la llegada de Rembrandt a Ámsterdam, el inicio de la renovación del género, proceso en el que Rembrandt fue decisivo, pasando por la efervescente producción de retratos en Ámsterdam en la “etapa dorada” pintor y sus últimas obras, en las que continuó  su trayectoria de una forma marcadamente personal.

También la exposición dedica, como broche final del recorrido, una excelente galería de grabados del genio holandés,  una técnica que trabajó con gran maestría y con la que también realizó excelentes retratos.

EL RETRATO ANTES DE REMBRANDT

Rembandt Harmenszoon van Rijn nació en Leiden en 1606 y no llegó a la ciudad de Ámsterdam hasta la década de 1630. En esta ciudad, entre 1590 y 1630 y fruto del auge económico en el que estaba inmersa la economía holandesa, existía un grupo de retratistas relativamente numeroso  que respondía a una alta demanda de este tipo de pintura. Entre los clientes de estos artistas se encontraban las personas que se habían enriquecido en este periodo de prosperidad o que habían contribuido a su desarrollo: antiguas familias de la ciudad, ricos inmigrantes de otras localidades y países… Muchas de estas familias y personalidades necesitaban viviendas adecuadas ( con su correspondiente ornamentación acorde a su estatus social) y las organizaciones cívicas precisaban de lugares de reunión representativos. Cualquiera que dispusiera del suficiente espacio en la pared y anhelase ser recordado era el cliente perfecto para los cada vez más numerosos retratistas de Ámsterdam.

Al tratarse, por tanto, de un género tan popular, podemos encontrar una gran variedad de tipos de retratos: artesanos trabajando, retratos individuales de eruditos y hombres de negocio de éxito, familias, gobernantes…y un gran número de retratos colectivos, entre los que destacaron los de cirujanos impartiendo lecciones de anatomía, hermandades o miembros de gremios.

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Gobernantas y celadoras de la Spinhuis, 1638. Dirck Santvoort. Amsterdam Museum

Rembrandt fue invitado a la ciudad por Hendrick Uylenburgh, marchante y pintor que lo convirtió en el director de su estudio de pintura, cargo que ostentó hasta 1636. Durante estos años Uylenburgh le introdujo en los círculos sociales de la ciudad, lo que supuso para Rembrandt la oportunidad de conocer clientes y mecenas. Además, se casó con Saskia Uylenburgh, hermana del marchante, lo que también contribuyó al ascenso social de Rembrandt. Pronto se convirtió en un fuerte competidor para su cuñado, se emancipó y abrió su propio estudio de pintura en Ámsterdam, en el que desarrolló varios géneros. Fueron años de prosperidad económica y reconocimiento para el pintor.

ÁMSTERDAM: CIUDAD DE RIVALES

El reconocimiento como gran retratista de Rembrandt y de otros de sus contemporáneos causó un efecto llamada, lo que derivó en una gran oleada de ambiciosos pintores que llegaban a la próspera ciudad con la idea de beneficiarse de la gran demanda de retratos. También llegaron a ser retratistas de éxito algunos de los colaboradores y alumnos de Rembrandt, como Ferdinand Bol, Govert Flinck o Gerbrand van den Eeckhout.

La ciudad de Ámsterdam se convierte así en escenario de un ambiente de sana competencia  artística, una verdadera lucha por conseguir el mayor número posible de encargos, lo que se tradujo en una extraordinaria calidad de los retratos, fruto del esfuerzo de sus autores por  deslumbrar a sus clientes en un lugar donde las opciones cada vez más numerosas.

AL MARGEN DE LAS TENDENCIAS. LA AUTENTICIDAD DE REMBRANDT.

En 1642 se produce un punto de inflexión en la carrera de Rembrandt al fallecer su esposa. El pintor se queda viudo y al cargo de su hijo Tito, de apenas un año de edad. Su ritmo de trabajo comienza a disminuir y enseguida llegan los problemas económicos.

En 1647 ingresa en el servicio de su vivienda la que se convertirá en su pareja definitiva, Hendrickje Stoeffels, con la que tendrá a su hija Cornelia. La imposibilidad de volver a casarse con su nueva compañera ( ya que perdería la herencia de su esposa fallecida), les convirtió en una pareja señalada socialmente, lo que contribuyó a que su situación fuese cada vez más delicada.

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Mujer con capa de piel, posiblemente Hendrickje Stoffels, 1652. Rembrandt. The National Gallery, Londres.

Hacia mediados de siglo, además, el panorama artístico de Ámsterdam estaba experimentando algunos cambios. Empezaron a surgir una serie de artista precursores de un estilo “académico” con una orientación más internacional en los retratos, que enseguida comenzó a sustituir el estilo anterior.

Sin embargo, y a pesar de las dificultades, Rembrandt siguió su propia evolución estilística y se mantuvo fiel a su estilo, reduciendo los colores de su paleta y desarrollando un estilo que se consideró demasiado adusto e inadecuado para algunos encargos oficiales, lo que le desvió de ciertos circuitos que podrían haberle reportado beneficios. Aún así, Rembrandt continuó pintando y recibiendo encargos; aunque no tuvo el éxito de etapas anteriores seguía siendo considerado un artista importante y reconocido que influyó en numerosos artistas posteriores.

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Venus y cupido, posiblemente Hendrickje y Cornelia, hacia 1657. Rembrandt. Museo del Louvre, París.

Rembrandt les otorgó a sus retratados una libertad poco usual en el mundo del retrato, siendo uno de los impulsores de la renovación retratística del primer tercio del siglo XVII. Sus protagonistas adquieren un tratamiento similar al de los personajes mitológicos de sus obras: poses dinámicas que sugieren la interacción con el público, utilización del claroscuro, cualidades narrativas….y sobre todo, la representación de las emociones humanas. Con el paso del tiempo el interés de Rembrandt se fue centrando más en los rasgos esenciales de sus retratados concentrados especialmente en el rostro, lo que le llevaba a un interés mayor en la representación del carácter o la personalidad que en el parecido físico del retratado.

Esta extraordinaria capacidad de hacer conectar al espectador con el retratado es la clave del éxito del Rembrandt retratista, que consiguió que, en pleno siglo XXI, sus obras sigan causando una fascinación sin límites.

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Autorretrato dibujando frente a una ventana, 1648. Rembrandt. Biblioteca Nacional, Madrid.

¿Quieres sentir en tu propia piel esta fascinación? En Parte del Arte lo hacemos posible, ofreciéndote una experiencia mucho más allá de una simple visita guiada. Una guía especialista en arte te introducirá en cada cuadro como si se tratase de una ventana, en la que nos asomaremos para conectar con todo un mundo de emociones y sensaciones.

¡No te lo pierdas y reserva ya!

INFORMACIÓN DE INTERÉS


Fechas y horarios:

  • Viernes 21 de febrero a las 16.30h
  • Miércoles 29 de abril a las 16.30h
  • Jueves 30 de abril a las 17.30h.

PVP: 23€/ persona. Incluye: Visita guiada por especialista+sistema de recepción de sonido para una óptima escucha de las explicaciones del guía + entrada a la exposición

Punto de encuentro: Hall interior del Museo Thyssen. Paseo del Prado, nº 8.

Cómo llegar: Metro: Banco de España (L2)/ Bus: 6, 10, 14, 26, 27, 32, 34, 37, 45

*IMPRESCINDIBLE RESERVA PREVIA. Puedes hacerla en info@partedelarte.es o en el 645438576.

¡Recuerda! Si no quieres perderte ninguna de nuestras experiencias culturales suscríbete a nuestra newsletter en http://www.partedelarte.com o síguenos en nuestras redes sociales: Facebook, twitter, instagram ( @parte_del_arte)  y nuestro canal de Youtube.

¡Te esperamos!

 

 

 

 

 

 

 

Descubriendo tesoros: Las artes del metal en Al-Andalus brillan en el Museo Arqueológico Nacional

¡Arrancamos 2020 en Parte del Arte! Y lo hacemos fuerte, ya que tenemos un mes de enero alucinante, cargado de interesantes experiencias culturales en Madrid, como rutas nocturnas todos los sábados, nuestros clásicos cursos Conoce Madrid, Exposiciones Temporales y colecciones de Madrid, Grandes Momentos del Arte y la Historia y Descubriendo la Ópera, además de viajes culturales  y por supuesto, las mejores exposiciones temporales de Madrid, que este invierno están siendo extraordinarias.

Hoy en BaluArte queremos hablarte de una de las muestras que estaremos guiando este mes de enero y que nos tiene fascinadas. Se trata de “Las artes del metal en Al-Ándalus” en el Museo Arqueológico Nacional, la primera muestra dedicada en exclusiva a esta manifestación artística.

¿Suena bien, verdad? Pues sigue leyendo y te contamos más detalles.

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Tesoro de Costix. S.XII. -primer tercio S. XIII. (periodo almorávide o almohade). Cuevas de Mestre Perico. (Costix, Mallorca)

UNA EXPOSICIÓN FASCINANTE

Siguiendo el recorrido cronológico de la historia de Al-Ándalus, desde la etapa emiral al esplendor del reino nazarí de Granada, esta exposición nos muestra un gran número de vestigios materiales que ponen de relieve la importancia que tuvo el metal en Al-Andalus. Se reúnen por primera vez de forma conjunta en un mismo espacio las obras más significativas de la metalistería andalusí, obras de gran calidad y suntuosidad en muchos casos que no dejan al espectador indiferente.

A través de los préstamos de diferentes instituciones y museos españoles y extranjeros y un ilustrativo apoyo audiovisual a través de vídeos explicativos, esta exposición se convierte en una de las más ilustrativas de la actualidad.

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Esenciero de la esposa de ‘Abd al-Malik ibn Jalaf . S. XI. Los Tejadillos (Albarracín, Teruel).

LA IMPORTANCIA DEL METAL.

Los vestigios materiales que han llegado hasta nosotros  nos permiten comprender la importancia que tuvo el metal en al-Ándalus, desde la extracción de los materiales en las minas  hasta su manufactura final, dando como resultando una gran variedad de objetos en los que se unen la precisión técnica y la belleza estética.

Pero antes de la llegada de los musulmanes, la extracción del metal ya tenía cierta relevancia en la Península Ibérica, tal y como se nos muestra en las primeras vitrinas de la exposición. Han llegado hasta nosotros vestigios que nos hablan de una explotación metalúrgica en diferentes puntos de la geografía peninsular que corresponden a diferentes periodos históricos anteriores a la llegada de los musulmanes.

En cuanto a los vestigios de la actividad minera en al-Ándalus, aunque no son muy numerosos, contamos con varias fuentes documentales que se han conservado y que nos sirven para conocer cómo se desarrollaba esta actividad, así como los objetos, más numerosos, que son la prueba más contundente de la importancia  del metal, y la sofisticación y la belleza de las piezas.

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Tesoro de Charilla. S.X. Charilla (Alcalá la Real, Jaén)

METAL POR TODAS PARTES

El grueso de la exposición está dedicado a los numerosos usos que tuvo el metal en al-Ándalus: la moneda, la religión, la ciencia y la medicina, el uso personal a través de adornos, el uso doméstico con objetos utilizados en la vida cotidiana, los útiles de trabajo, defensa y defensa y armamento, con la exposición de piezas de una extraordinaria calidad técnica y decorativa.

De entre todos estos objetos, destacan algunos de una extraordinaria calidad, como los dedicados al estudio de la astronomía, una disciplina de decisiva importancia en la cultura musulmana y que se desarrolló durante siglos en la Península Ibérica.

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Globo celeste. Hacia 1085 d. C. Valencia.

MAJESTUOSOS ANIMALES DE BRONCE

Probablemente la sección más impresionante de la muestra es la dedicada a los bronces zoomorfos, un pequeño zoológico de fantásticos animales realizados en distintos metales, ya que, a pesar del extendido aniconismo vinculado siempre a las manifestaciones artísticas islámicas, las representaciones de animales son muy habituales en la mayor parte de los objetos, tanto en metal como en otros materiales. De este modo, a cada animal se le asociaban diferentes propiedades que se pueden interpretar en clave religiosa, moralizante, o simplemente práctica. En esta sección podemos ver algunas piezas icónicas del Museo Arqueológico Nacional, como el surtidor en forma de cervatillo procedente de Córdoba, así como otras piezas con formas de animal, como ataifores, píxides, candiles, aguamaniles…

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Grifo de Pisa (réplica). Bronce. Finales del s. XI- principios del s.XII. Al-Ándalus

EL ESPLENDOR DE LA ORFEBRERÍA

Como perfecto broche de oro de la muestra ( y nunca mejor dicho), nos encontramos con un apartado dedicado al arte de la orfebrería andalusí, que tuvo un gran apogeo en gran parte de la historia de al-Ándalus, algo que conocemos gracias a las crónicas de diferentes periodos y a las piezas llegadas hasta nuestros días. Éstas, a pesar de ser escasas, reflejan un altísimo grado de belleza y sofisticación, y suponen la cumbre del uso de los metales en este periodo tan fascinante como es la historia de al-Ándalus.

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Tintero Nazarí de Cuéllar. S.XIV ( nazarí)

 

Impresionante, ¿Verdad? Pues si no quieres perderte estos tesoros en directo y muchos más no dudes en apuntarte a una de nuestras visitas guiadas, en las que nuestras guías expertas en arte despertarán tu mirada, desvelándote detalles y secretos de estas piezas tan especiales. ¡Toma nota!

¿Cuándo?

Viernes 17 de enero a las 18.00h

¿Dónde?

En el Museo Arqueológico Nacional ( Punto de encuentro en el hall del museo)

¿Cuánto cuesta?

12€/ persona. Incluye: Visita guiada por especialista+entrada a la exposición+ sistema de recepción de sonido para una escucha óptima del guía.

*IMPRESCINDIBLE RESERVA PREVIA. Puedes hacerlo a través del mail info@partedelarte.es o en el 645438576.

¡Plazas limitadas!

Recuerda que puedes consultar todas nuestras experiencias culturales en nuestra web http://www.partedelarte.com y a través de nuestras Redes Sociales, en las que además publicamos promociones y sorteos que seguro te encantarán.

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¡Te esperamos!

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VIVE TU PROPIO SUEÑO AMERICANO CON PARTE DEL ARTE Y GOLDEN PROMISE BREWING

¡La Navidad ha llegado a Parte del Arte! Y no sólo en formato de visitas guiadas a exposiciones y rutas nocturnas todos los fines de semana de diciembre sino a través de verdaderas experiencias con el arte. Por eso lo que hoy te vamos a presentar te va a interesar ¡Y mucho!

Hoy comienza nuestro sorteo especial de Navidad, en el que podrás ganar un producto gourmet de extraordinaria calidad y una obra de arte de edición limitada. Sí, sí, como lees. Este año tiramos la casa por la ventana.

Sigue leyendo para conocer los detalles

MUCHO MÁS QUE UNA CERVEZA

En el año 2017 dos jóvenes de Aragón, Alex Mabry y Pilar Sopesens , afincados en Queens (Nueva York) decidieron cumplir su sueño de crear una marca de cerveza artesana, basado en la filosofía de los cerveceros nómadas, que se mueven de un lado para otro en busca de las mejores fábricas en las que producir sus cervezas, que han sido premiadas en certámenes internacionales bajo el nombre Golden Promise Nomad Brewery

Según Alex Marby “Queremos que la gente se sienta inspirada por nuestra forma de hacer las cosas.Por eso cuando pensamos en cada cerveza que vamos a hacer, buscamos nuevas formas para que el consumidor viva una experiencia única.

Por ello, dentro de sus siempre innovadoras cervezas, han creado un producto único que hará las delicias de todos los amantes de la cerveza ¡y del arte!

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Botellas de la última cerveza de Golden Promise, American Dream

UN SUEÑO AMERICANO

American Dream es el nombre de su nueva propuesta creada para celebrar el segundo aniversario de su “sueño americano”. Se trata de  una cerveza de edición limitada que ha reposado durante seis meses en barricas de bourbon  Old Forester de Kentuky. Con ello se consigue, en palabras de Alex Mabry “que el carácter maltoso del centeno se funda con las notas dulces del licor y las sutiles esencias ahumadas que impregnan el roble americano”.

La empresa ha lanzado un total de 1850 botellas, de las cuáles 1000 se podrán encontrar en un pack muy especial, ya que cinco jóvenes artistas nacionales e internacionales han plasmado su particular visión del “Sueño americano” en una obra. En total se han producido 500 obras de arte con un formato muy especial, ya que la obra es el propio packaging. Una vez abierta la caja que contiene tres botellas personalizadas y una original, se le da la vuelta y se encuentra  la obra de arte.

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Detalle del packaging de American Dream

Entre los artistas que han participado encontramos jóvenes promesas que están causando furor a nivel internacional. Uno de ellos es Abdul Vas, un reconocido artista gráfico belga famoso por su fanatismo por  AC/DC, que se convierte en motivo recurrente en sus obras. Describe la obra que ha creado para esta ocasión como “Tan solo movimiento un dedo, AC/DC termina todo el universo.”

Por su parte, Chritian Vinck, artistas cercano al art brut, incluye en su obra referencias a Venezuela y su situación política y social. La obra que ha creado para esta ocasión lleva por título ZN en la que compone un tándem de las ciudades importantes de su vida, Zaragoza y Nueva York.

También el artista Rorro Berjano ha querido participar en este proyecto con una obra en la que recupera un concepto de arte barroco. Con el nombre Memento Mori el artista alude a una vida encaminada a la felicidad y el éxito personal y su relación con la muerte, de la que nadie puede escapar.

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Pack de American Drem por Rorro Berjarano con su obra “Memento Mori”

Otra de las artistas que ha plasmado si visión del “Sueño americano” es Sofía Maldonado-Suárez, de origen portorriqueño. Su obra está llena de colores tropicales y referencias a la cultura musical madrileña, que a veces plasma en forma de pintura mural. Amo quien soy es el nombre de la obra que ha creado para esta ocasión, una imagen que nos recuerda, mientras disfrutamos de esta cerveza extraordinaria, que no debemos olvidarnos de nuestra identidad en la vorágine del día a día.

Ana Barriga, artista gaditana que se mueve en el ámbito de lo lúdico, cree que es en éste mundo donde aflora la parte más inesperada de nosotros. El nombre la obra creada para American Dream es Cerezas y besos en la que presenta unos pequeños monstruos en actitud bailonga que nos incitan a la felicidad y la aceptación de uno mismo.

¿Interesante, verdad? ¿Las quieres? Puedes tenerlas participando en nuestro sorteo.

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Pack de tres cervezas que puedes conseguir en el Sorteo Especial Navidad Parte del Arte

¿Qué tienes que hacer para participar?

1.Síguenos en nuestro Instagram @Parte_del_arte

2. Escribe un comentario la publicación del sorteo etiquetando a dos amigos ( con el perfil de instagram) con los que te gustaría disfrutar de la cerveza y el arte.

¡Así de sencillo!

*CONDICIONES

Puedes participar todas las veces que quieras hasta el próximo sábado 28 de diciembre. Ese día anunciaremos el ganad@r, Este será elegido aleatoriamente entre las personas que participen cumpliendo los requisitos  indicados. Una vez publiquemos el ganad@r contactaremos con él/ella para indicarle una dirección en Madrid donde podrá recoger el premio.

¡Mucha suerte a todos! ¡Nos vemos en Instagram!

Y recuerda que durante todo el mes de diciembre seguimos ofreciéndote las mejores experiencias culturales y rutas nocturnas todos los sábados para disfrutar de tus vacaciones compartiendo una divertida y aterradora experiencia. Puedes consultar todos nuestros planes culturales en Madrid en nuestra web pinchando aquí.