Rebeldía, Color, Espíritu: Expresionismo Alemán

Una semana más en Parte del Arte os acercamos las exposiciones más interesantes que se han inaugurado en nuestra ciudad y que, por supuesto, incluimos en la programación de nuestro curso Exposiciones y Colecciones de Madrid.

En esta ocasión os hablamos de la reciente muestra del Museo Nacional Thyssen- Bornemisza que lleva como título “Expresionismo Alemán en la colección del Barón Thyssen-Bornemisza”. Lo cierto es que se trata de una muestra que estaba prevista para abril pero que, dadas las circunstancias sanitarias, finalmente se ha adelantado. Se inauguró el pasado 27 de octubre y uno de los aspectos más significativos es que con ella el museo arranca toda una serie de eventos programados para celebrar el “Año Heini” ya que, en 2021, se cumplirán 100 años del nacimiento de Hans Thyssen-Bornemisza, el barón fundador del Museo y uno de los coleccionistas más importantes del siglo XX.

El museo ha organizado una gran fiesta con un escenario de lujo repleto de colores vivos y llamativos, toda una explosión de color que nos harán disfrutar de esta muestra y acercarnos a la historia del Barón y de su pasión por este arte que, como os vamos a contar, fue el pistoletazo de salida para una de las colecciones de arte moderno más importantes del siglo XX. Además, a esta celebración no ha querido faltar nadie, y por ello, la exposición nos muestra obras que pertenecen a la propia colección del Museo y obras que pertenecen, por un lado, a Carmen Thyssen y, poro otro, a las colecciones privadas de sus hijos Francesca y Alexander, unas pinturas que nunca se habían mostrado al público en nuestro país.

Pero ¿cuándo se interesó el barón en este tipo de pintura? En mayo de 1961 el barón visitó una subasta de arte en Stuttgart y allí se quedó fascinado con una acuarela del pintor expresionista Emile Nolde. Esta joven pareja pintada entre 1931 y 1935, despertó en el Barón un interés que hacía tiempo que no sentía. Acostumbrado a la colección de su familia, centrada en pintura antigua (sobre todo renacentista y barroca) llamaron su atención las figuras silueteadas, la gama audaz de colores tan contrastada que creaba una atmósfera de tensión entre los personajes, por lo que decidió comprarla.

Emile Nolde. Joven Pareja (1931-1935) Parte del Arte

“Mi padre despreciaba el arte moderno. Siempre decía que el arte se había terminado al final del siglo XVIII y cuando yo era joven, me lavó el cerebro, me hizo pensar como él durante mucho tiempo”.

Hans Heinrich “Heini” Thyssen-Bornemisza

Como podéis imaginar, este nuevo camino que “Heini” iniciaba no gustó especialmente a su familia, y fue entonces cuando decidió rebelarse contra su padre. Esta rebeldía tan presente en la exposición provocó que, a partir de 1947, tras la muerte de su padre y cuando hereda la fortuna, empresas y colección de arte, decida iniciar un nuevo camino con una colección mas moderna, abierta e internacional cuando tenía ya unos cuarenta años.

“Empecé a pensar que, si los primeros años del siglo XX habían producido tantas cosas importantes en la ciencia, en la técnica y en otros campos, el arte de esa época tenía que ser también interesante”.

Hans Heinrich “Heini” Thyssen-Bornemisza

En este sentido fueron fundamentales amigos como Stavros Niarchos y David Rockefeller, que también coleccionaban arte moderno. Se sintió más cercano a ellos que a su familia y lo que había significado. Él no quería ser un gran magnate como su padre y su abuelo, ni tampoco mantener el carácter conservador de ambos. A él le interesaba el mundo moderno, y por eso fijó uno de sus primeros objetivos en el conocimiento del Expresionismo Alemán, tachado de arte degenerado por la Alemania del Tercer Reich.  

La exposición nos muestra muy bien todo este contexto político, histórico y social. Lo hace a través de las obras expuestas ya que se da a conocer el viaje y el contexto que ocupan desde que salen de los talleres de los artistas hasta que llegan a la colección. Además, no sigue un orden cronológico, sino temático, que ayuda a reforzar la comprensión del momento en el que se constituye esta colección.  Por supuesto, os contamos algunas claves de esta fantástica muestra:  

LOS ARTISTAS: PROCESOS DE CREACIÓN

“El expresionismo es una droga, es como si este arte te gritara, te bombardea con efectos y te provoca una excitación nerviosa como la de la música moderna”.

Hans Heinrich “Heini” Thyssen-Bornemisza

Sin duda, estas palabras del barón describen muy bien el sentimiento que compartían todos los artistas del movimiento: una misma forma de entender que el arte parte de la visión interior del artista y que ya no busca imitar una realidad, sino crear una nueva. Los artistas del grupo Die Brücke (el puente) o del Blaue Reiter (Jinete Azul) entendieron sus talleres como un laboratorio de nuevas ideas, decorado con esculturas cercanas a las de los pueblos primitivos, batiks estampados o muebles rústicos fabricados por ellos mismos.

Ernst Ludwing Kirchneer. Fränzi ante una silla tallada. 1910. Museo Nacional Thyssen Bornemisza. Parte del Arte.
Ernst Ludwig Kirchner. Cocina alpina, 1918. Museo Thyssen Bornemisza. Parte del Arte

REFERENTES

Los artistas expresionistas buscaban reivindicar una era preindustrial pura y sin contaminar, volviendo a representar exteriores o inspirándose en los referentes culturales de aquel tiempo como Munch. Por eso, en esta exposición encontramos obras de este novedoso y colorido estilo junto a, por ejemplo, pinturas de Van Gogh (Les Vessenots en Auvers, 1890) o Gauguin (Idas y venidas, 1887) Así, la exposición pretende para mostrar el interés que despertaron en ellos estos pioneros de la modernidad, cuya obra pudieron conocer de primera mano a través de publicaciones y exposiciones.

Izq: Vincent van Gogh. Les Vessenots en Auvers, 1890. Dcha: Erich Heckel Casa en Dangast (La casa blanca), 1908. Parte del Arte.

EXTERIORES

Uno de los aspectos más importantes para este movimiento de vanguardia fue el paisaje, objeto de múltiples obras. Y es que, para estos expresionistas, la relación entre el hombre y la naturaleza, como muy bien muestra la obra de Franz Marc (El sueño, 1912) fue fundamental para el desarrollo de su producción. El paisaje se transformó en su estudio al aire libre, donde
les llevo a una búsqueda incesante de lo originario y pueblos primitivos.

Karl Schmidt-Rottluff El pueblo de Dangast, 1909. Parte del Arte.
Ernst Ludwig Kirchner Paisaje con castaño, 1913. Parte del Arte.
Karl Schmidt-Rottluff Reflejo de nubes, 1936. Parte del Arte.

LA DIFUSIÓN DEL NUEVO MOVIMIENTO

Wassily Kandinsky Pintura con tres manchas, n. 196, 1914. Museo Thyssen Bornemisza .

La mayoría de estos artistas expresionistas escribieron manifiestos y organizaron muestras programáticas como vehículo de divulgación de sus ideas artísticas y poco a poco fueron alcanzando cierto reconocimiento de crítica y público. En estas salas se reúnen algunas de las obras que acabaron formando parte de la colección Thyssen y que fueron incluidas en las primeras exposiciones tanto colectivas como individuales del Jinete Azul; como por ejemplo la Vista de una plaza (1912) de Paul Klee o la pintura con tres manchas (1914) de Kandinsky.

Sin embargo esta creciente difusión pública de los expresionistas se vio interrumpida con el inicio de la Gran Guerra. Hacia 1913 el grupo inicial del Brücke ya se había dispersado y cada artista siguió su trayectoria por separado; Macke y Marc fallecieron en el frente; Kandinsky volvió a Rusia; Jawlensky se refugió en Suiza… Una década después, muchas de ellos como Kandinsky o Klee se desplazaron a Dessau para trabajar en la Bauhaus y otros como Grosz o Max Beckmann se dedicarían a mostrar en su obra la descomposición de la sociedad alemana.

Sala de Exposición con la Pintura con tres manchas de Kandinsky al fondo. Parte del Arte.

LA POLÍTICA: PERSECUCIÓN Y ESTIGMATIZACIÓN

Como ya hemos mencionado, uno de los aspectos que más llamaron la atención de Heini Thyssen fue el colorido y la fuerza expresiva de la pintura expresionista, pero también le persuadió las razones políticas del movimiento.

Debemos tener en cuenta que el ascenso de Hitler al régimen nacionalsocialista dio lugar a una política de depuración artística que creo conceptos como “arte degenerado”. Se organizaron diferentes exposiciones y varias pinturas que se encuentran hoy en la colección Thyssen formaron parte de aquellos fondos que fueron denigrados. Es el caso, por ejemplo, de la Metrópolis que pintó George Grosz, que fue catalogada como “herramienta de propaganda marxista contra el servicio militar”. Lo cierto es que el recorrido de la obra es muy interesante.

Greorge Grosz. Metrópolis, 1916-1917. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

Fue puesta a la venta directamente por el gobierno del Reich en una polémica subasta en 1939 en la Galerie Fischer de Lucerna, en la que se llegaron a vender más de cien obras incautadas. Metrópolis fue comprada por Curt Valentin, un galerista alemán instalado en Nueva York que rápidamente revendió la obra al coleccionista Herman Shulman. Pero cuando la figura de Grosz estaba asentada y consolidada en América, Curt Valentin volvió a adquirir la obra y poco antes de morir se la vendió a un marchante que, ya en 1978, se la vendería al Barón. Y es que, a pesar del intento de los nazis por pugnar el arte moderno, lo que consiguieron fue que creciera el interés por este arte en el ámbito internacional.

Max Beckmann. Quappi con suéter rosa, 1934-1934. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Lo mismo ocurrió con el pintor Max Beckmann. En esta exposición volvemos a ver a Quappi, una de las grandes obras que posee el museo y sin duda, una de nuestras obras favoritas. Quappi es el reflejo de toda esta época y su proceso de creación nos muestra un mundo que se torna triste e intranquilo. A través del testimonio de Stephan Lackner, el primer propietario del retrato y un buen amigo de Beckmann, sabemos que, en la primera versión, Quappi tenía una sonrisa más amplia. Sin embargo, en el intervalo que había transcurrido entre las dos sesiones, la vida de los Beckmann había sufrido una fuerte transformación. Los nazis habían obligado al pintor a abandonar su cargo de profesor de la academia de Frankfurt y la pareja vivía clandestinamente en Berlín, intentando pasar desapercibida. La sonrisa de Quappi se hizo más pequeña entonces.

LOS MARCHANTES: REHABILITACIÓN Y RECUPERACIÓN

Si hay algo que está muy presente en esta exposición es la figura del marchante. El propio Barón Thyssen encontró en uno de ellos la figura de un mentor, casi de un padre. Se trataba de Roman Norbert Ketterer, subastador y galerista que desde el final de la guerra había trabajado con enorme éxito recuperando el expresionismo alemán y sacándolo al mercado internacional. Él era el albacea de Ernst Ludwing Kirchneer, que pronto se convirtió en el artista favorito de Heini Thyssen. Cuando Ketterer necesitaba dinero, le vendía a Heini alguna obra de su colección. Así es como llegó a la colección, por ejemplo, la obra de Fränzi ante una silla tallada.

Franz Marc. El sueño, 1912. Museo Nacional Thyssen Bornemisza.

El barón Thyssen fue un coleccionista interesado por la historia de los cuadros que adquiría y se sintió especialmente atraído por obras emblemáticas, que contaran con un pasado memorable. El sueño de Franz Marc es sin duda el mejor ejemplo. La obra la encontramos al inicio de la exposición por la referencia a la naturaleza y el color expresivo, pero el recorrido de la pieza es uno de los más interesantes de la historia de la exposición. Fue el mismo pintor quien se lo regaló a Kandinsky y por eso, durante cierto tiempo el cuadro estuvo en Rusia (de 1914 a 1921). Años después, fue seleccionado para la International Exhibition of Modern Art de la Societé Anonyme celebrada en Nueva York y en varias ciudades americanas durante 1926 y 1927. Incluso cuando el barón Thyssen la compró, todavía pertenecía a Nina Kandinsky, segunda esposa del pintor. Y como esta, la exposición muestra el recorrido de diferentes obras que al igual que encandilaron al barón, también ganará al público que la contemple.

LA COLECCIÓN: UNA IMAGEN GLOBAL/INTERNACIONALIZACIÓN

El último de los ámbitos de la exposición nos recuerda la rebeldía del Barón a la hora de iniciarse en el coleccionismo del arte moderno. A través de un mapa muy visual y cronológico descubrimos las adquisiciones de Heini Thyssen y todos los proyectos que llevó a cabo, como por ejemplo la primera muestra de arte expresionista que realizó en Villa Favorita (Lugano, 1989)  y que acabó viajando a ciudades como Washington, Fort Worth y San Francisco.

Los barones Thyssen en la inauguración de la exposición Espressionismo. Capolavori della Collezione Thyssen-Bornemisza en Villa Favorita, Lugano, 1989. Parte del Arte.

Al final de la exposición entendemos el espíritu de libertad que embriagó al barón y que rompió con la tradición académica. El Expresionismo alemán le concedió la licencia de atreverse con todo; en 1963 se atrevió a comprar una obra de Pollock, y en los 70 adquirió dadá, surrealismo, expresionismo abstracto, pop art… De hecho, en términos de cantidad, ha sobrepasado la colección de maestros antiguos.

El coleccionismo fue para Heini la manera de vivir en primera persona y hacer suya la historia del arte, y por suerte, hoy esa historia del arte la podemos disfrutar en el museo y en esta fantástica exposición que estará hasta el próximo mes de marzo en el Museo Nacional Thyssen Bornemisza.

Wassily Kandinsky. La Ludwigskirche en Munich. 1908. Museo Nacional Thyssen Bornemisza. Parte del Arte.

Nos despedimos por hoy. Como siempre, nos encantará leeros y comentar con todos vosotros y vosotras qué os ha parecido la exposición. Ya sabéis que podéis encontrarnos en nuestras redes sociales (Instagram, Facebook y Twitter), nuestra página web y en este Baluarte. ¡Seguidnos para no perderos nada!

¡Feliz Semana!

Invitadas en el Prado

Esta semana en Parte del Arte seguimos hablando de la que, sin duda, es una de las exposiciones más importantes y destacadas del año. Las Invitadas llegaron por fin al Museo Nacional del Prado, a nuestros cursos culturales online y ahora a nuestro particular Baluarte, donde os contamos algunas claves y reflexiones sobre esta interesante y reivindicativa muestra.

Carlos Verger. Falenas. 1920. Museo Nacional del Prado. Parte del Arte.

Invitadas. “Fragmentos sobre mujeres, ideología y artes plásticas en España (1833-1931)” nos lleva de vuelta al siglo XIX y principios del siglo XX para mostrarnos la consideración de la mujer en la sociedad del siglo XIX y la manera en la que se adentra en el mercado artístico. Dice Carlos Navarro, el comisario de la exposición, que Invitadas son “aquellas personas que no eligen cuándo llegan, dónde se sientan y hasta cuándo pueden estar en un lugar”. Y ellas han llegado a las salas del Museo del Prado para hacernos pensar y reflexionar a través de más de 100 obras que se muestran en diferentes secciones cuyos títulos no dejan indiferente.

Las Invitadas que nos reciben en la primera sección son reinas, mujeres que gobernaron y que, con un simple borrón en el lienzo, pensaron que las olvidaríamos. Reinas intrusas (así las nombran en el título de la sección) a las que novelaron, como a Juana de Castilla, de la que nos hicieron creer que había enloquecido de amor pero a la que su propio padre manipuló en su propio beneficio político. Juana la Loca, la reina intrusa, demente y condenada a una vida encerrada en Tordesillas. Y como ella, muchas más.

Francisco Pradilla y Ortiz. La reina doña Juana la Loca, recluida en Tordesillas con su hija, la infanta doña Catalina. 1906. Museo Nacional del Prado.

Las siguientes secciones, el molde patriarcal y el arte de adoctrinar nos muestran a niñas, jóvenes y adultas que fueron educadas bajo los parámetros patriarcales basados en el cuidado y la atención del hogar, sus hijos y sus esposos. Por suerte, allí estuvieron muchas como Emilia Pardo Bazán o Concepción Arenal para reivindicar el papel y la educación de la mujer.

Plácido Francés y Pascual. 1902. El consejo del Padre 1892. Museo Nacional del prado.

En estas secciones llaman nuestra atención obras de gran formato como El Consejo del padre (Plácido Francés y Pascual, 1902), en la que un padre un albañil que ha parado de trabajar para comer está acompañado de sus hijas a las que parece dar consejos, según desvela el título de la obra.  No escuchamos su discurso, las figuras del fondo, que representan una escena galante, nos permiten intuirlo. Descubrimos también como algunas de las obras que concurrieron a los certámenes

oficiales, ademas de girar en torno a esta visión paternalista,estaban dotadas de lo que se calificó como la representación de la “naturaleza emocional” de las mujeres, la cual decían que “formaba parte de su encanto” pero también como una debilidad de su carácter. Esta idea quedó plasmada en obras como en imágenes desenfadadas con títulos que codificaban a la mujer como alegoría de los vicios de la soberbia (Baldomero Gili y Roig, 1908), la pereza o la venganza y que, en ocasiones, revelaban una clara crítica.

Es curioso ver como en la sala siguiente, titulada Brújulas para extraviadas, se da a conocer cómo la Exposición Nacional de 1895 supuso el triunfo de un nuevo subgénero sentimentalista inspirado en los folletines o novelas por entregas: el de las hijas pródigas que, tras haberse dejado seducir por un hombre, volvían a casa implorando el perdón paterno. Pero estas imágenes constituían, en realidad, advertencias educativas para las jóvenes más inconformistas. En los años sucesivos empezaron a exhibirse en los certámenes oficiales obras que denunciaban abiertamente las redes de prostitución y el consecuente proceso de degradación al que se veían sometidas sus víctimas. Miradas como la de la Falena de Carlos Verger (que es imagen de la exposición) fueron incluso adquiridas por el Estado en estos certámenes, legitimizando así el discurso de la mujer caída, mujer descarriada que debía obedecer si no quería terminar como las protagonistas de los cuadros.

Antonio Fillol Granell. La bestia huamana. 1897. Museo Nacional del Prado. Al fondo del sombrío escenario un hombre de apariencia corriente, como la de cualquiera de los espectadores que verían la obra 1897, espera impasible los servicios de la prostituta, una joven vestida de luto a la que una alcahueta termina de convencer.

Poco a poco vemos como desde finales del siglo XIX las imágenes reflejan el marco normativo y moral en el que debía moverse la mujer. Entre ellas, por supuesto, las referidas a la maternidad equiparada entonces a la realización personal femenina. En este tipo de obras, amparadas bajo la sección Madres a juicio, vemos como los artistas representaban entonces las consecuencias de los malos hábitos de los progenitores sobre la salud de sus hijos y su posterior abandono; pero también el drama que para muchas nodrizas del mundo rural suponía el tener que abandonar su casa y a sus propios hijos para atender a los de las familias pudientes de las ciudades. De nuevo, la mujer enjuiciada a través de imágenes aparentemente complacientes se convierte en objeto de la crítica.

Marceliano Santamaría Serrano. El precio de una madre. (A mejorar la raza). 1900. Ayuntamiento de Burgos.

Temas más polémicos como los desnudos (sección 5) y las censuras (sección 6) también se abordan. La Academia de aquel tiempo se inspiraba en los en relatos canónicos, pero muchos de estos temas sólo eran una excusa para justificar la representación de las fantasías y los impulsos de los hombres, enmascarándolos bajo excusas moralizantes que contraponían la castidad a la lujuria o, en el caso de las esclavas y las odaliscas, situando las escenas en remotos y exóticos escenarios orientales.

Concretamente, en la sala dedicada a los desnudos llaman nuestra atención dos obras muy curiosas. En una de las vitrinas encontramos un libro de Álvaro Retana titulado Una niña demasiado moderna. Delirantes extravíos de una ingenua libertina, y en el centro de la sala, imponente, una gran escultura de Gabriel Borrás Abellá representa las Tentaciones de San Antonio con la representación protagonista de una mujer que se muestra ante el ermitaño con poses suntuosos e interpretados como lujuriosos para la crítica del siglo XIX.

Gabriel Borrás Abellá. Las Tentaciones de San Antonio. 191Museo Nacional del Prado.

Continuamos el recorrido y nos vamos preguntando, ¿cuando veremos las obras de las mujeres artistas? Descubrimos a las primeras de la muestra cuando pasamos el ecuador de la exposición, ahí encontramos a las primeras bajo los títulos de náufragas (sección 9) o pintoras en miniatura (sección 11), entre otras. Ellas fueron partícipes de un contexto en el que a imitación de los usos y costumbres aristocráticos, pintar se convirtió en un complemento más –como el piano o el canto– de la formación de toda joven de la sociedad del siglo XIX. Sin embargo, al no tener acceso a las enseñanzas que impartían las Academias de Bellas Artes, la educación artística de las mujeres se limitó a la recibida en las escuelas de dibujo o en los talleres de otros pintores. A pesar de ello, algunas llegaron a exhibir sus habilidades como pintoras aficionadas en las exposiciones públicas, donde la crítica las tachó de “graciosas” o “encantadoras”. Las pocas que llegaron a desarrollar una carrera profesional –provenientes en su mayoría de familias de artistas– se dedicaron principalmente al retrato en miniatura o a la copia de obras, por lo general religiosas pero también bodegones e incluso, aunque en menor medida, retratos. Ellas mismas trataron de profesionalizar su trabajo y buscaron diferenciarse de los copistas varones instaurando el término copiantas (sección 13).

Últimas sala de la exposición. Mujeres artistas. Parte del Arte.

Seguimos el recorrido marcado, y avanzamos hasta llegar a secciones como las “viejas maestras” y las “verdaderas pintoras” o reinas y pintoras que nos llevan siglos atrás, cuando las pintoras se habían representado como las artistas que eran y habían intentado dejar claro su oficio. Se exhibían con elementos que las reconocieran como tales y, sin embargo, a finales del siglo XIX surge la necesidad de representarse a sí mismas como señoras, señalando que ya han pasado los tiempos de lucha y han conseguido un cierto reconocimiento: que eran señoras antes que pintoras, como observamos en la sección 16.

Por suerte, tal y como nos cuenta la última parte del recorrido expositivo, en las últimas dos décadas del siglo XIX la presencia de mujeres artistas en los certámenes públicos aumentó de manera notoria. Parte de la crítica llegó a reconocer la valía de muchas de ellas y juzgó su obra con independencia de su condición de mujeres, al menos en apariencia, porque el mérito y reconocimiento que por ejemplo tuvo Elena Brockmann fue “pintar como un hombre” o el de Antonia Bañuelos fue ser”el mejor pintor de su sexo”. Por suerte, estas últimas secciones nos hablan de aquellas mujeres que consiguieron vencer el sistema de representación artística y se representaron como anfitrionas de sí mismas (última sala, sección 17). En todas ellas se ve el influjo de Rosa Bonheur, que logró convertirse en la primera mujer condecorada públicamente con la Gran Cruz de Isabel la Católica y que parece que nos mira segura, desafiante y orgullosa a través del magnífico Cid en cuerpo de león.

Elena Brockmann de Llanos. Paso de una procesión por el claustro de San Juan de los reyes, Toledo, 1892. Museo Nacional del Prado.

Llegamos al final de la exposición y salimos desconcertadas, felices de verlas y al mismo tiempo con rabia de haber tardado tiempo en que ocupen un lugar destacado en el Museo. Quizá las Invitadas han llegado un poco tarde (y no sólo por la pandemia que ha retrasado su inauguración) pero han llegado pisando fuerte. Sería una gran noticia que se quedaran en las salas del museo, pero como bien nos recuerda el título de la exposición, como Invitadas que son, a finales de marzo se tendrán que marchar. Es evidente que el reconocimiento y el papel de la mujer ha cambiado, por suerte, desde el siglo XIX hasta hoy en día. Pero todavía queda mucho trabajo por hacer y esta gran iniciativa del Museo nos los recuerda.

Ahora es vuestro turno, nos encantará leeros y conversar sobre las sensaciones que habéis sentido al recorrer estas salas. ¡Contadnos!

Nosotras, os seguimos acercando más historia del arte en nuestros cursos online, pero también en nuestras redes sociales (InstagramFacebook y Twitter), nuestra página web y en este Baluarte.

¡Feliz Semana!

Invitadas en el Museo del Prado. Parte del Arte

DAVID DELFÍN. EL DISEÑADOR DEL NUEVO MILENIO

En Parte del Arte seguimos adelante. El tiempo de cuarentena se está alargando mucho más de lo que todos deseamos pero es momento de continuar con nuestra misión de acercarte y hacerte sentir el arte y la cultura. Por ello, adaptándonos a las circunstancias y con tantos medios digitales que existen a nuestro alcance, hemos decidido crear una oferta de cursos on line en la que continuar impartiendo nuestros cursos:Conoce Madrid, Exposiciones y Colecciones de Madrid, Grandes Momentos de la Historia y Descubriendo la ópera. De esta manera, podrás seguir disfrutando de nuestras experiencias pero sin moverte de tu casa. Tienes toda la información sobre los cursos on line pinchando aquí.

También seguiremos acercando la cultura de forma gratuita a través de nuestros directos en Instagram cada lunes y viernes a las 17.00, en los que te invitamos a charlar con nosotras y nuestros invitados del mundo del arte sobre diferentes temas, y ¿cómo no?, a través de nuestro blog BaluArte, en el que cada semana os hablamos de un tema cultural de actualidad o de alguna exposición temporal.

Por ello hoy os hablamos de una de las muestras programadas para este mes, la dedicada al diseñador David Delfín, organizada por  la Comunidad de Madrid a través de la Consejería de Cultura y Turismo en un lugar muy especial.

DE DEPÓSITO DE AGUA A SALA DE EXPOSICIONES

El edificio que alberga la exposición fue construido entre 1907 y 1911 por el ingeniero Diego Martín Montalvo como primer depósito elevado de agua de Madrid. Se trata de una construcción de estilo ecléctico y carácter industrial que destaca por su exterior de ladrillo, su planta circular, sus contrafuertes en talud y su cubierta metálica rebajada.

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Exterior del edificio del antiguo depósito de agua construido por Diego Martín Montalvo

El edificio fue restaurado en 1986 y acondicionado como sala de exposiciones, gestionada por la Subdirección General de Bellas Artes de la Comunidad de Madrid junto a la Sala Alcalá 31 y la Sala Arte Joven. Normalmente las exposiciones que podemos encontrar en este espacio se centran en la creación fotográfica y audiovisual contemporánea pero también, anualmente, coincidiendo con la Madrid Fashion Week se realiza una muestra de un gran maestro de diseño de moda.

Este año le ha llegado el turno al siempre controvertido David Delfín, a través de una exposición que se articula en torno a su trayectoria como artista y diseñador.

DAVID DELFÍN. MUCHO MÁS QUE UN DISEÑADOR DE MODA

Diego David Domínguez González (Ronda, 1970 – Madrid, 2017), más conocido como David Delfín, es uno de los máximos representantes de una nueva generación de jóvenes artistas y creadores que irrumpieron con la entrada del nuevo milenio y que concibieron la moda desde un punto de vista multidisciplinar.

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David Delfín en la presentación de su última colección en 2016

El malagueño comenzó su andadura como pintor. Es en 1999 cuando comienza a experimentar y a fusionar la pintura con el diseño de moda, aplicándola a prendas militares de segunda mano. Así es como en 2001, junto con Gorka Postigo y Bimba Bosé decide crear la firma Daviddelfín, una marca que construyó a partir de la influencia de discursos artísticos y su propia caligrafía escrita con la mano izquierda para  crear logos. La marca giraba en torno a un concepto que actuaba “como metáfora de la unión de las inquietudes del grupo, un proyecto multidisciplinar donde moda, fotografía, arquitectura y vídeo conviven desde entonces”.
El interés por el proyecto crecía por encima de sus posibilidades, y ya en 2002 tuvieron que contratar a una modista y un patronista. Estaban a punto de desfilar en Cibeles por
primera vez.

SANS TITRE

Sans Titre es el nombre de su primera colección, que vio la luz en 1999 que no estuvo planteada como una colección de moda al uso, sino como un ejercicio pictórico en busca de nuevos soportes y como un homenaje latente a Joseph Beuys, a través de camisetas desgarradas o cruces de fieltro rojo.  Esta “colección” fue sólo el comienzo de una relación muy fructífera entre diseño y creación plástica: referencias surrealistas más o menos explícitas (capuchas magritianas, hormigas e incorporación de aparentes objetos encontrados, inesperados) serán posteriormente muy habituales en su trayectoria.

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Prendas de la colección Sans Titre en la exposición

COUR DES MIRACLES

En el año 2002 David llegaba por primera vez a la pasarela de Cibeles con Cour de Miracles la que sería la primera gran colección, así como polémica del diseñador.

David empezó fuerte y de forma muy transgresora. Tanto, que varios periodistas se salieron del desfile al vislumbrar sus rompedoras propuestas, aunque la mayor parte del público le aplaudió. El desfile se convirtió en todo un escándalo, recibiendo duras críticas por parte de la sociedad y de algunos sectores políticos. Los reproches se centraban en el hecho de que Delfín cubrió el rostro de las modelos de sacos de tela y colocado una soga al cuello a Bimba, que participó en el show.

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Vestidos de la colección Cour de Miracles en la exposición

Esta puesta en escena se comparó en muchos medios de comunicación con el burka islámico y la violencia de género. Pero en realidad, su inspiración y las referencias de David Delfín tenían que ver con aspectos más profundos relacionados con la historia del arte. Se trata, en definitiva, de un homenaje al famoso cuadro de René Magritte Los amantes, y las hormigas estampadas que correteaban por algunos vestidos eran un guiño al film surrealista de Luis Buñuel Un perro andaluz.

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Los amantes. René Magritte, el cuadro en el que se inspira David Delfín para la colección Cour de Miracles

EL TIEMPO DE LOS MONSTRUOS. DAVID DELFÍN Y BIMBA BOSÉ

Grandes amigos y socios, David Delfín y Bimba Bosé se conocieron por casualidad en 1996 en la barra de un bar y desde entonces fueron inseparables. Bimba se convirtió en su musa y desfiló para él en numerosas ocasiones.

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David Delfín y Bimba Bosé 

En el año 2015, David Delfín presentó su colección El tiempo de los monstruos, en la que hacía referencia a la película de Félix Sabroso y como guiño y homenaje a Dunia Ayuso. En la colección encontramos depuradas geometrías y juegos de volantes y lunares, como resultado de una divertida mezcla de la Bauhaus combinada con el estilo Memphis, muy recurrente en sus últimas temporadas.

En esta colección  David Delfín convirtió a Bimba Bosé en uno de sus monstruos, coloreando de azul sus orejas y cubriendo su cuerpo con un explosivo vestido en verde hierba. Sin duda, una de las grandes joyas de todas sus colecciones.

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Bimba Bosé en el desfile de El tiempo de los monstruos

DAFO

Dafo fue el nombre que recibió una de las colecciones más emblemáticas de David Delfín, la de primavera-verano de 2007. Se trata de una colección prácticamente distinción de género. Algunas de sus propuestas dejaban ver un aire masculino en ellas y más femenino en ellos, dando una vuelta de tuerca a los convencionalismos tradicionales de la vestimenta.

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Escena del desfile de la colección Dafo

Uno de los sellos de David Delfín que podemos ver en muchas de las prendas de esta colección son los detalles, que nunca pasaron desapercibidos, como las famosas letras en los vestidos, que se transformaron en frases. Este detalle cautivó a muchos famosos, que empezaron a dejarse ver en eventos públicos y alfombras rojas con esta indumentaria.
Algo que a los famosos les encantó y de ahí que de dejaran ver en varios eventos públicos y alfombras rojas.

DÉMÉNAGEMENT

Otra de las colecciones más interesantes de David Delfín es la llamada Démenagement, que presentó para el otoño-invierno de 2007/2008.La mudanza (Déménagement) fue la fuente de inspiración en una nueva colección. El modisto no se refería a la mudanza como transporte sino entendiéndola como evolución, cambio. Por eso, se decantó por una línea austera en la que evitó los adornos superfluos y destacando las formas minimalistas. David Delfín presentó a sus modelos con mobiliarios de mimbre que jugaban el papel del complemento. Sillas a modo de peineta, taburetes de mochilas y tiras de mimbre sobre la cabeza.

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Vestido de la colección Déménagement

MISSING

Missing es probablemente la colección más personal de David Delfín en el otoño-invierno de 2013-2014. Fue un homenaje a su perrita, que falleció mientras se preparaba la colección. Tras quince años juntos, decidió recordarla a través de unas referencias a “Alicia en el País de las Maravillas” . Por eso las prendas destacan con colores blancos con rosas. Pero, para cerrar el desfile, Bimba, su musa, aparecía y vestida de negro para simbolizar el luto por el que estaba pasando el diseñador.

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Algunos diseños de la colección Missing

EL ÚLTIMO DESFILE

Su última propuesta propuesta para el otoño-invierno de 2016 estuvo basada en una colección que reivindicaba el forofismo hacia un mismo como una relación eterna de amor. Fue su bufanda la que lideró el desfile y la que acabó convirtiéndose en la estrella de la colección. El destino hizo que la última vez que David Delfín se subió a una pasarela fuera para Bimba Bosé también su último desfile.

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Bimba Bosé en el último desfile de David Delfín en 2016.

Lo compartieron todo a lo largo de su vida, hasta enfermedad y año de fallecimiento, muriendo los dos en el año 2017 con cinco meses de diferencia, dejando ambos una huella imborrable en el mundo de la moda.

¿Te ha gustado? Cuéntanos qué te parece en los comentarios.

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EL ARTE DE CONSTRUIR. SÁENZ DE OÍZA EN FUNDACIÓN ICO.

Seguimos al pie del cañón en Parte del Arte. Parece ser que nos toca quedarnos en casa algo más de tiempo, y como hemos hecho hasta ahora nosotras seguimos en contacto con vosotros por todas las vías posibles, ofreciendo contenido de forma virtual para que podáis seguir disfrutando de nuestra programación aunque sea a distancia, a través del envío de información sobre rutas históricas de nuestro curso Conoce Madrid, de nuestras clases teóricas de nuestro curso Grandes Momentos de la Historia   y Descubriendo la ópera y por supuesto, de nuestro curso Exposiciones y Colecciones de Madrid.

Dentro de nuestra oferta de exposiciones, te proponemos una gran variedad de temas en la que procuramos que siempre estén presentes todas mas manifestaciones artísticas: pintura, escultura, y también arquitectura, puesto que existen en Madrid algunas instituciones que le prestan especial atención a este campo. Es el caso de la Fundación ICO, que desde hace unos años centra su actividad expositiva en temas relacionados con el mundo constructivo y sus figuras más relevantes.

En Parte del Arte somos ya asiduas a estas muestras, y por ello queremos descubrirnos su última propuesta, dedicada al gran arquitecto Francisco Javier Saénz de Oíza. Hoy en BaluArte te contamos un poquito más sobre la exposición.

Acompáñanos.

UNA MUESTRA MULTIDISCIPLINAR

Dentro de la programación del Madrid Design Festival 2020, la Fundación ICO quiere conmemorar con una exposición el centenario del nacimiento de Francisco Javier Sáenz de Oíza, un polifacético arquitecto que se ha encumbrado como una de las figuras imprescindibles de la arquitectura española.

Bajo el título Sáenz de Oíza. Artes y Oficios, la muestra se presenta, desde sus orígenes, el desarrollo de su mundo personal ejemplificado con su obra y acompañado de un grupo de artistas de diferentes disciplinas que se convirtieron en compañeros y amigos, y partícipes  de su obra. Planos, fotografías, pinturas y documentos nos acompañan en este universo oiziano.

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Entrada de la exposición Sáenz de Oíza. Artes y Oficios en Fundación ICO

APRENDER Y ENSEÑAR

La vida de Oiza se desarrolló entre el interés por aprender y la capacidad de enseñar. Nació en Cáseda (Navarra), en 1918 y sus primeros años transcurrieron entregado a la lectura de una gran variedad de temas, lo que le llevaría a viajar a Estados Unidos en 1948. A su vuelta, consigue el título de Profesor de Salubridad e Higiene en la Escuela de Arquitectura de Madrid, aunque con el tiempo también se convirtió en profesor de proyectos, Catedrático e incluso llegó a ser Director de la Escuela de Arquitectura.

En relación al mundo del aprendizaje destacan algunos proyectos de instituciones académicas, como las Escuelas de Batán en Madrid, la Facultad de Ciencias en Córdoba o la Universidad Pública de Navarra. 

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Plano de las Escuelas de Batán (Madrid)

LA GUARIDA

Si algo caracteriza a Oíza es su profunda voluntad de responder, mediante su trabajo, a las necesidades de los futuros habitantes de sus viviendas, tanto en los encargos de viviendas privadas como en las colectivas.

Su filosofía coincide con las ideas de Le Corbusier, que decía que la casa “es una máquina de habitar”, y como tal proyectó varias viviendas privadas que se muestran en la exposición y que muestran cómo Oíza entendía la casa como un lugar cerrado, íntimo, confiriéndole ese carácter de guarida. Por otro lado, según su percepción, el concepto de vivienda establece que ésta tiene que que estar arraigado a la tradición, al espacio en el que se encuentra y a los oficios locales, lo cual se plasma a la perfección en su casa de veraneo en Mallorca, un proyecto construido por otro arquitecto pero que cumple con estos principios.

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Una de las salas de la exposición con planos de proyectos de Oíza en diálogo con piezas artísticas de colegas y colaboradores

UN LUGAR SAGRADO PARA EVOCAR EL SILENCIO. EL SANTUARIO DE ARÁNZAZU.

Uno de los proyectos más especiales que se pueden ver en la muestra es el que está dedicado al Santuario de Aránzazu (Oñate, Gipúzcua). Se encuentra en el lugar donde presumiblemente la Virgen de Aránzazu se le apareció al pastor Rodrigo de Balanzategui en un espino en 1468. Después del milagro se construyeron varios santuarios que fueron desapareciendo debido a varios incendios y a mediados del siglo XX se planteó urgentemente una reconstrucción.

De los más de 40 proyectos que se presentaron salió elegido el de Sáen de Oíza y  Luis Laorga, que contaron con un nutrido grupo de artistas para la realización de los diferentes elementos de la basílica, cuyo programa iconográfico debía evocar lo Sagrado desde el Silencio: Lucio Muñoz se encargó del retablo, Jorge Oteiza las esculturas de los apóstoles en el friso de acceso a la basílica y el pintor Néstor Basterrecha de la cripta. Iconos del siglo XX trabajando codo con codo, que contaron también con la aportación de la comunidad franciscana en parte de la decoración y acondicionamiento.

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Exterior del Santuario de Aránzazu ( Oñate), proyectado por Saénz de Oíza y Luis Laorga

Lo que más llama la atención del conjunto en su parte exterior es la talla en forma de punta de diamante. Presenta tres torres, dos que enmarcan la fachada y la tercera, la que alberga el campanario, más alejada. Están realizadas con bloques de piedra tallados en forma de punta de diamante, haciendo alusión al espino  en el que, según cuenta la historia, apareció  la imagen de la Virgen.

Entre las dos torres se abre unas puertas de hierro realizadas por el escultor Eduardo Chillida y que están decoradas con asimétricos dibujos geométricos.

Al nivel de la calzada queda el friso de los apóstoles realizado por Jorge Oteiza, otro de los colaboradores. Los apóstoles están realizados en piedra y ubicados en un espacio de 12 m.

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Friso de los apóstoles, de Eduardo Chillida, sobre la puerta del santuario.

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Sala de la exposición en la que se puede ver, al fondo, una recreación del ábside de la Basílica de Aránzazu, decorado por el pintor Lucio Muñoz.

COLABORADORES Y MECENAS

Otro de los apartados de la exposición está dedicado a la relación de Oíza con sus patrocinadores, entre los que destaca la familia Huarte. Concretamente su máximo impulsor fue Juan de Huarte, quien tenía la firme voluntad de defender y ayudar a crecer a los mejores profesionales nacionales. Oíza llegó a tener con él una gran complicidad.

Entre las obras del arquitecto que contaron con el mecenazgo de la familia Huarte se encuentran las Torres Blancas, que supuso una gran novedad en la arquitectura de los años 60 por su excepcional expresividad, la Ciudad Blanca de la Alcudia en Mallorca o el local de la empresa H Muebles, su primera colaboración.

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Una de las salas de la exposición con esculturas de amigos y colaboradores de Sáenz de Oíza.

Otro de los lugares presentados en la muestra es la Fundación Oteiza, que supone una doble colaboración con Huarte y  Jorge Oteiza, con el que ya había trabajado en los años 50 en la Basílica de Aránzazu antes mencionada. Un lugar mágico en el que se fusionan arquitectura, escultura y paisaje y que supone un sugerente homenaje a su admirado Le Corbusier.

TORRES BLANCAS. ROMPIENDO MOLDES

Torres Blancas fue el segundo encargo que Juan Huarte le hizo a Sáenz de Oíza en el año 1961, un proyecto de viviendas de lujo en el que invirtió una fortuna, ya que quería convertirlo en un símbolo de poder. El propio Oíza se trasladó al edificio, ya que era habitual que parte del pago al arquitecto se hiciese con una vivienda.

El edificio, de 23 plantas destinadas a viviendas y oficinas, está formado por una estructura de hormigón visto conformada a base de cilindros rodeados por celosías de madera. También cuenta con una planta adicional en lo alto del el edificio y dos plantas en el sótano. Cuenta con una planta de servicios reservada para las instalaciones generales entre las plantas 21 y 22, y en la azotea una piscina.

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Dibujo de Sáenz de Oíza con un alzado de Torres Blancas

A pesar del nombre, el edificio es una única torre, que da la sensación de pluralidad por los numerosos cilindros que la conforman. ​Oíza quería construir un edificio de gran altura que creciese mecánicamente como un árbol y recorrido verticalmente por escaleras, ascensores e instalaciones (serían los vasos leñosos del árbol) y con terrazas agrupadas (las hojas de las ramas).

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Dibujo a color de Saénz de Oíza con el plano de Torres Blancas

Pero esta idea era demasiado moderna para el Madrid de entonces. El edificio resultó  tan provocativo que comenzaron a circular rumores y bulos, como que se mudó allí para demostrar que era posible amueblar una casa curvada o que originalmente iba cubierta de polvo de mármol blanco mezclado con hormigón.

A pesar de ello, años más tarde, en 1974 ganó el Premio de Excelencia Europea. y hoy se considera como una de sus obras maestras.

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Interior del portal de Torres Blancas

El estado de conservación actual del edifico no es especialmente bueno en algunos aspectos. El restaurante  que se abrió inicialmente en el último piso cerró en 1985 y  la distribución interior de las viviendas ha sufrido muchas modificaciones, ya que los paramentos curvos se revelaban incómodos en algunos espacios que hoy demandan otro tipo de distribuciones, por lo que la mayor parte de los propietarios actuales las han eliminado. Lo más reseñable que conserva son sus terrazas redondas, que se abren sobre la avenida de América, y su solárium y piscina en el último piso, conservándose así todavía hoy en uno de los bloques de viviendas de lujo más destacados de la zona.

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Piscina en la azotea del edificio de Torres Blancas

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#LaCulturaResiste

Descubriendo tesoros: Las artes del metal en Al-Andalus brillan en el Museo Arqueológico Nacional

¡Arrancamos 2020 en Parte del Arte! Y lo hacemos fuerte, ya que tenemos un mes de enero alucinante, cargado de interesantes experiencias culturales en Madrid, como rutas nocturnas todos los sábados, nuestros clásicos cursos Conoce Madrid, Exposiciones Temporales y colecciones de Madrid, Grandes Momentos del Arte y la Historia y Descubriendo la Ópera, además de viajes culturales  y por supuesto, las mejores exposiciones temporales de Madrid, que este invierno están siendo extraordinarias.

Hoy en BaluArte queremos hablarte de una de las muestras que estaremos guiando este mes de enero y que nos tiene fascinadas. Se trata de “Las artes del metal en Al-Ándalus” en el Museo Arqueológico Nacional, la primera muestra dedicada en exclusiva a esta manifestación artística.

¿Suena bien, verdad? Pues sigue leyendo y te contamos más detalles.

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Tesoro de Costix. S.XII. -primer tercio S. XIII. (periodo almorávide o almohade). Cuevas de Mestre Perico. (Costix, Mallorca)

UNA EXPOSICIÓN FASCINANTE

Siguiendo el recorrido cronológico de la historia de Al-Ándalus, desde la etapa emiral al esplendor del reino nazarí de Granada, esta exposición nos muestra un gran número de vestigios materiales que ponen de relieve la importancia que tuvo el metal en Al-Andalus. Se reúnen por primera vez de forma conjunta en un mismo espacio las obras más significativas de la metalistería andalusí, obras de gran calidad y suntuosidad en muchos casos que no dejan al espectador indiferente.

A través de los préstamos de diferentes instituciones y museos españoles y extranjeros y un ilustrativo apoyo audiovisual a través de vídeos explicativos, esta exposición se convierte en una de las más ilustrativas de la actualidad.

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Esenciero de la esposa de ‘Abd al-Malik ibn Jalaf . S. XI. Los Tejadillos (Albarracín, Teruel).

LA IMPORTANCIA DEL METAL.

Los vestigios materiales que han llegado hasta nosotros  nos permiten comprender la importancia que tuvo el metal en al-Ándalus, desde la extracción de los materiales en las minas  hasta su manufactura final, dando como resultando una gran variedad de objetos en los que se unen la precisión técnica y la belleza estética.

Pero antes de la llegada de los musulmanes, la extracción del metal ya tenía cierta relevancia en la Península Ibérica, tal y como se nos muestra en las primeras vitrinas de la exposición. Han llegado hasta nosotros vestigios que nos hablan de una explotación metalúrgica en diferentes puntos de la geografía peninsular que corresponden a diferentes periodos históricos anteriores a la llegada de los musulmanes.

En cuanto a los vestigios de la actividad minera en al-Ándalus, aunque no son muy numerosos, contamos con varias fuentes documentales que se han conservado y que nos sirven para conocer cómo se desarrollaba esta actividad, así como los objetos, más numerosos, que son la prueba más contundente de la importancia  del metal, y la sofisticación y la belleza de las piezas.

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Tesoro de Charilla. S.X. Charilla (Alcalá la Real, Jaén)

METAL POR TODAS PARTES

El grueso de la exposición está dedicado a los numerosos usos que tuvo el metal en al-Ándalus: la moneda, la religión, la ciencia y la medicina, el uso personal a través de adornos, el uso doméstico con objetos utilizados en la vida cotidiana, los útiles de trabajo, defensa y defensa y armamento, con la exposición de piezas de una extraordinaria calidad técnica y decorativa.

De entre todos estos objetos, destacan algunos de una extraordinaria calidad, como los dedicados al estudio de la astronomía, una disciplina de decisiva importancia en la cultura musulmana y que se desarrolló durante siglos en la Península Ibérica.

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Globo celeste. Hacia 1085 d. C. Valencia.

MAJESTUOSOS ANIMALES DE BRONCE

Probablemente la sección más impresionante de la muestra es la dedicada a los bronces zoomorfos, un pequeño zoológico de fantásticos animales realizados en distintos metales, ya que, a pesar del extendido aniconismo vinculado siempre a las manifestaciones artísticas islámicas, las representaciones de animales son muy habituales en la mayor parte de los objetos, tanto en metal como en otros materiales. De este modo, a cada animal se le asociaban diferentes propiedades que se pueden interpretar en clave religiosa, moralizante, o simplemente práctica. En esta sección podemos ver algunas piezas icónicas del Museo Arqueológico Nacional, como el surtidor en forma de cervatillo procedente de Córdoba, así como otras piezas con formas de animal, como ataifores, píxides, candiles, aguamaniles…

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Grifo de Pisa (réplica). Bronce. Finales del s. XI- principios del s.XII. Al-Ándalus

EL ESPLENDOR DE LA ORFEBRERÍA

Como perfecto broche de oro de la muestra ( y nunca mejor dicho), nos encontramos con un apartado dedicado al arte de la orfebrería andalusí, que tuvo un gran apogeo en gran parte de la historia de al-Ándalus, algo que conocemos gracias a las crónicas de diferentes periodos y a las piezas llegadas hasta nuestros días. Éstas, a pesar de ser escasas, reflejan un altísimo grado de belleza y sofisticación, y suponen la cumbre del uso de los metales en este periodo tan fascinante como es la historia de al-Ándalus.

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Tintero Nazarí de Cuéllar. S.XIV ( nazarí)

 

Impresionante, ¿Verdad? Pues si no quieres perderte estos tesoros en directo y muchos más no dudes en apuntarte a una de nuestras visitas guiadas, en las que nuestras guías expertas en arte despertarán tu mirada, desvelándote detalles y secretos de estas piezas tan especiales. ¡Toma nota!

¿Cuándo?

Viernes 17 de enero a las 18.00h

¿Dónde?

En el Museo Arqueológico Nacional ( Punto de encuentro en el hall del museo)

¿Cuánto cuesta?

12€/ persona. Incluye: Visita guiada por especialista+entrada a la exposición+ sistema de recepción de sonido para una escucha óptima del guía.

*IMPRESCINDIBLE RESERVA PREVIA. Puedes hacerlo a través del mail info@partedelarte.es o en el 645438576.

¡Plazas limitadas!

Recuerda que puedes consultar todas nuestras experiencias culturales en nuestra web http://www.partedelarte.com y a través de nuestras Redes Sociales, en las que además publicamos promociones y sorteos que seguro te encantarán.

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¡Te esperamos!

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La magia del Renacimiento en los pinceles de Fra Angelico

¿Cómo el verano? Desde Parte del Arte esperamos que muy bien tanto para los que estáis de vacaciones como para los que ya os encontráis de vuelta. Nosotras ya estamos al pie del cañón, realizando rutas nocturnas estos días de verano y diseñando y preparando todos nuestros cursos de arte en Madrid para la temporada 2019/2020. Este nuevo curso tenemos sorpresas y promociones nuevas que hemos preparado con la ilusión, el rigor y la profesionalidad que nos caracteriza. Para no perderte nada entra en nuestra web www.partedelarte.com y suscríbete a nuestra newsletter, en la que te informaremos de novedades, visitas especiales, promociones…

¿Te unes a nuestra comunidad?

En Parte del Arte estamos siempre en contacto con las tendencias culturales y os ponemos en conexión con los eventos y exposiciones más significativos de Madrid. Uno de los acontecimientos más importantes de este año es el de la celebración del bicentenario del Museo del Prado, para la cual la pinacoteca ha organizado excelentes exposiciones, como Velázquez, Rembrandt y Vermeer. Miradas afines, de la que os hablábamos recientemente en nuestro blog ( puedes leer el artículo aquí), que guiaremos en el mes de septiembre (más info aquí) y la muestra Fra Angelico y los inicios del Renacimiento en Florencia, de la que haremos un seminario y una visita acompañada el próximo mes de septiembre.

fra_angelico_visitas_guiadas_parte_del_arte.jpgDetalle de Historia de los padres del desierto. Fra Angelico ( Florencia, Galería de los Ufizzi). 1419-1420.

UNA MUESTRA AMBICIOSA

Teniendo en cuenta que este año no es un año cualquiera para el Museo, las exposiciones que podemos contemplar enmarcadas en la celebración del bicentenario son especialmente ambiciosas. En el caso de la exposición de Fra Angelico y los inicios del Renacimiento en Florencia este esmero queda patente en la reunión de un número más que considerable de obras de Fra Angelico que se exponen en diálogo con obras de otros artistas del periodo que nos ayudan a comprender mejor esa maravillosa Florencia del Renacimiento, como  Masaccio, MasolinoFilippo Lippi, Donatello o Ghiberti.

Por otro lado, uno de los aspectos más interesantes de la exposición y uno de los grandes motivos por los que el Museo del Prado escogió la figura de Fra Angelico para este año es la gran restauración de la tabla más icónica del artista  dentro de las colecciones del Prado. La Anunciación de Fran Angelico se ha sometido en los últimos meses a un exhaustivo proceso de restauración cuyo resultado es verdaderamente impactante.

Hoy en BaluArte os hablamos de dos de las piezas más importantes de la muestra, La Virgen de la Granada, recientemente adquirida por la Fundación de Amigos del Museo del Prado y la propia Anunciación y su proceso de restauración, aunque podrás disfrutar y conocer todas las claves de la muestra en nuestro seminario.

exposicion_museo_del_prado_parte_del_arte_visitas_guiadasDetalle de la obra Cristo glorificado. Tablas del retablo mayor de San Doménico de Fiésole. Fra Angelico. Londres, The National Gallery. 1421-1422.

UNA OBRA MUY ESPECIAL. LA VIRGEN DE LA GRANADA

Esta extraordinaria obra forma parte de una serie de Vírgenes con Niño que Fra Angelico pintó en la década de 1420, un momento en el que al artista ya demostraba un gran conocimiento y dominio de los espacios, los volúmenes, la anatomía y la luz.

En ella podemos ver una majestuosa Virgen entronizada en cuyo regazo se sienta el Niño Jesús. Ambas figuras están flanqueadas por dos ángeles que sujetan un manto  dorado de una extraordinaria calidad. Probablemente lo más llamativo de la tabla es la granada que sostiene la Virgen en su mano y que también está en contacto con la mano del Niño. La iconografía de la granada fue muy popular en la Florencia del siglo XV, lo que se puede ver en obras de otros artistas del momento como Leonardo da Vinci o Boticelli.

En este caso concreto el significado de la granada es doble. En relación a la Virgen, se trata de un símbolo que alude a la castidad, y en relación al Niño, se convierte en un elemento que prefigura la muerte y resurrección de Cristo.virgen_de_la_granda_visitas_guiadas_parte_del_arte

La Virgen de la Granada. Fra Angelico. Museo del Prado. Hacia 1426.

Otro dato que llama la atención sobre esta obra y que la hace especial es la extraordinaria calidad de los materiales con los que está realizada, algo especialmente visible en la gran cantidad de oro que podemos encontrar, ya que no solo se limita al paño de honor y los nimbos como en otras obras de esta tipología, sino que se puede apreciar también en las alas de los ángeles y también como base para el suelo con hierba donde se asientan las figuras. Estos datos, aunque se desconoce quien encargó esta obra y los motivos, nos indican que se trató, sin duda alguna, de un encargo de importancia para el artista.

Actualmente se considera por los expertos como una de las obras más bellas de la producción de Fra Angelico y una de las que más tiempo ha tardado en incorporarse a una institución museística, ya que desde el siglo XIX, momento en el que comenzó el interés coleccionista por los autores del primer Renacimiento, permaneció en manos de la Casa de Alba.

El pasado 2016 se cerró la venta de la obra en dieciocho millones de euros, de los cuales diez fueron aportados por el Estado, cuatro por la Fundación de Amigos del Museo del Prado y otros cuatro con fondos del propio museo.

RECOBRANDO EL ESPLENDOR PERDIDO. LA ANUNCIACIÓN.

La Anunciación está datada cronológicamente entre 1423 y 1429, momento en el que Fra Angelico ya había tomado los hábitos en el Monasterio de Santo Domingo de Fiésole, lugar para el que fue pintada. Se cree que la obra fue sufragada por Angelo di Zanobi di Taddeo Gadi, nieto del famoso pintor Tadeo Gaddi.

la_anunciacion_parte_del_arte_visitas_guiadasLa Anunciación. Fra Angelico. Museo del Prado.1425-1426.

La obra nos muestra el conocido pasaje de la Anunciación del nacimiento de Jesús a la Virgen a través del arcángel Gabriel. La escena principal se desarrolla en una estructura arquitectónica abovedada que sigue las pautas indicadas por Brunelleschi en 1425 para los retablos de la catedral de San Lorenzo: la arquitectura debe ser cuadrada y sin adornos. Además, sigue los pasos de la representación arquitectónica de sus colegas Masolino y Masaccio en la Capilla Brancacci. Estos datos indican cómo el joven Fra Angelico (su nombre real era Guido di Piero) ya conocía los últimos avances que se estaban produciendo en el arte toscano.

Tras el motivo principal nos encontramos la escena de la expulsión del Paraíso de Adán y Eva, lo que completa el significado simbólico de toda la obra ( la expulsión haciendo alusión al Pecado y la salvación del hombre a través de la llegada de Cristo en la Anunciación). En esta segunda escena se puede apreciar la influencia de Gentile da Fabriano, otro gran artista influyente del momento, en la minuciosidad en la representación de las flores, la vegetación del Paraíso y los objetos, y en el recurso de unificar el espacio mediante la arquitectura.

La obra se remata en la parte inferior con una predela en la que se muestran en tamaño reducido escenas de la vida de la Virgen en las que se puede ver la destreza del artista trabajando con el pequeño formato, algo lógico teniendo en cuenta que la formación de Fra Angelico y sus primeros pasos en el mundo del arte se produjeron dentro del ámbito de la iluminación de manuscritos.

QUE SE HAGA DE NUEVO LA LUZ. LA RESTAURACIÓN DE LA ANUNCIACIÓN

A pesar de la gran cantidad de obras de artistas destacados, y del propio Fra Angelico, que podemos contemplar en la exposición, probablemente la que más impacta al visitante es La Anunciación. No es de extrañar, ya que quien ya conocía la obra la reedescubre en esta cita. Todo esto ha sido posible gracias a la extraordinaria restauración que se ha llevado a cabo los últimos meses. Ha sido un trabajo minucioso y exhaustivo, puesto que la técnica con la que está realizada la obra, el temple al huevo, es extremadamente delicada. Aunque aparentemente la tabla no parecía estar en muy mal estado, la capa pictórica presentaba numerosos repintes de restauraciones anteriores poco afortunadas y una gran capa de suciedad, dos motivos por los que la obra no brillaba con todo su esplendor. Gracias a esta restauración podemos actualmente contemplar elementos que hasta ahora nos pasaban desapercibidos, como la perspectiva real de la arquitectura, el color verdadero de los arcos y los capiteles, que ya no son gris pardo sino blanco luminoso, así como la fisionomía real del ala del ángel y el manto lapislázuli de la Virgen, los elementos más repintados en la ultima restauración en los años 40. Un proceso de gran dificultad que le ha devuelto a La Anunciación el esplendor, el color, el espacio y esa luz espiritual que salió directa del pincel de Fra Angelico.

angel_visitas_guiadas_parte_del_arte_fra_angelicoDetalle del ala del ángel antes y después de la restauración

¿Interesante, verdad? Pues descubre con Parte del Arte todas las claves de estas y muchas otras obras de Fra Angelico y sus contemporáneos en nuestro seminario el próximo mes de septiembre ( Proximamente más información)

¡Y recuerda! También guiaremos la otra gran muestra del Museo del Prado: Velázquez, Rembrandt y Vermeer. Miradas afines. El día 13 de septiembre a las 12.00 y el 20 de septiembre a las 12.00 y a las 17.30h. Toda la información y reservas en nuestra web.

¡Te esperamos!

 

 

 

 

 

 

 

 

VELÁZQUEZ, VERMEER Y REMBRANDT, TRES GENIOS CON MUCHO EN COMÚN

¡Nuestros cursos han finalizado! Pero en Parte del Arte continuamos ofreciéndote las mejores experiencias culturales y planes de verano para este mes de julio en Madrid: rutas nocturnas para descubrir el Madrid oculto y misterioso, rutas por las azoteas de Madrid para que no te pierdas los mejores atardeceres de la ciudad, y por supuesto, las mejores exposiciones temporales, como Balenciaga y la pintura española en el Museo Thyssen o Velázquez, Vermeer y Rembrandt. Miradas afines, inaugurada hoy mismo en el Museo del Prado y de la que hoy te hablamos en nuestro blog. ¿Quieres saber un poquito más? Pues ¡sigue leyendo!

ESPAÑA Y HOLANDA.UNIDAS POR SUS GENIOS

Dentro de las celebraciones del bicentenario del Museo del Prado, esta exposición, organizada con el patrocinio de la Fundación AXA, se muestra como un proyecto de gran ambición en muchos sentidos. En primer lugar, se trata de una muestra de gran despliegue de medios, ya que reúne 72 obras procedentes de los propios fondos del museo anfitrión y de otras instituciones de relevancia, como el Rijksmuseum de Ámsterdam, la Narional Gallery de Londres o el Metropolitan de Nueva York, entre otros quince prestadores.

En segundo lugar, otro de los grandes méritos de la exposición es poner de manifiesto los puntos en común de la pintura española y holandesa de finales del siglo XVI y principios del siglo XVII, dos tradiciones pictóricas concebidas tradicionalmente en la Historia del Arte como antagónicas.

Partiendo del momento en el que los caminos de los Países Bajos y España comienzan a separarse tras las revueltas contra Felipe II y el posterior desarrollo de la Guerra de los Ochenta Años ( 1568-1648), la muestra aborda cual fue el destino pictórico de España y de la actual Holanda, que surgió de la repartición de los territorios de los Países Bajos tras el conflicto. Dos realidades aparentemente diferentes pero en las que los artistas compartieron la misma idea de trabajar una estética interesada en la representación real de las cosas y alejada del idealismo, a la que hay que sumarle la influencia, todavía vigente, que la pintura flamenca venía ejerciendo en la tradición española desde hace varios siglos.

UN CAMINO DE CONFLUENCIAS

La exposición está dividida en cinco apartados en los que de forma temática se abordan los diferentes ámbitos en los que se producen estas convergencias.

El primero aborda la idea de la imagen, la moda y la pintura en España y los Países Bajos. Este es un punto importante, ya que los protagonistas de los retratos de los pintores como Velázquez, El Greco o Rembrandt , que generalmente formaban parte de las élites sociales, vestían de la misma forma, generalmente de negro riguroso, herencia del gusto de la casa ducal de Borgoña, que gobernó en España y en los Países Bajos desde Felipe el Hermoso hasta Felipe II, pasando por su padre Carlos V.

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Los funcionarios del Gremio de Draper de Amsterdam, conocidos como ‘The Syndics’.Rijksmuseum Amsterdam

El segundo ámbito, Ficciones realistas, se hace hincapié en el lenguaje que utilizaron gran parte de los pintores españoles y flamencos durante el siglo XVII, que huía de la idealización propia del Renacimiento, presentándonos personajes reales encarnando santos o dioses, en lugares cotidianos y contemporáneos a sus creadores. Podemos contemplar en esta sección algunas de las obras más sugerentes de la muestra, como este fantástico Demócrito del pintor Hendrick ter Bruggen (izquierda), de aspecto risueño y cercano, que se muestra en comparación con la famosa imagen del mismo filósofo realizada por José de Ribera ( derecha) que nos presenta igualmente una imagen en la que el personaje se vuelve contemporáneo, humano y tangible.

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El siguiente apartado está centrado en el género de la naturaleza muerta, surgido en el siglo XVI y cultivado en toda Europa. En este campo los autores flamencos y españoles fueron mostrando intereses comunes: representación del lujo y la riqueza a través de todo tipo de animales, objetos y elementos naturales, y recursos técnicos similares que se pueden apreciar en algunas obras e la exposición

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Bodegón con cardo, francolín, uvas y lirios. Felipe Ramírez. Museo del Prado

La cuarta sección de la exposición está dedicada a los contactos directos entre los artistas y mecenas de España y los Países Bajos, como es el caso de Felipe IV, que además de los numerosos encargos a Velázquez también encargó de manera directa obra a artistas flamencos. También se nos muestran otros casos de autores españoles que entraron en contacto con el arte holandés y se dejaron influir por él, como es el caso de Bartolomé Esteban Murillo.

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Judit en el banquete de Holofernes. Rembrandt. Museo Nacional del Prado.

Por último, el cierre de la exposición se centra en la técnica, en muchos casos compartida, por los pintores españoles y holandeses, consistente en una pincelada suelta que le otorga un aspecto abocetado a las obras. Este rasgo se debe a la pervivencia de cierta influencia de la pintura veneciana del siglo XVI, que si bien en el resto de Europa se había ido perdiendo con el tiempo, en España y Países Bajos continuó haciéndose patente hasta bien entrado en siglo XVII.

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Izquierda: Vista del jardín de la Villa Médici de Roma. Velázquez.Museo del Prado. Derecha: Vista de casas de Delft, conocida como The Little Street. Johannes Vermeer. Rijksmuseum.

Artistas como Velázquez, Vermeery Rembrandt, y también otros como Murillo o el Greco, recibieron y ejercieron influencia en Flandes  a través de los maestros que estudiaron en su juventud y a través de los contactos tradicionalmente establecidos entre ambos territorios. A través de sus pinceles configuraron los escenarios y personajes de un viaje en el tiempo que puedes hacer con Parte del Arte, en una visita guiada a esta extraordinaria exposición, en un grupo reducido, sin prisas y disfrutando de cada detalle. ¿Te apuntas? Toma nota ¡Te esperamos!

DÍA: Domingo 30 de junio.
HORA: 12.00h y 17.30h.
PUNTO DE ENCUENTRO: Museo del Prado. Puerta alta de Goya, en la rotonda, junto a la escultura de Carlos V y el furor.
CÓMO LLEGAR: Metro: Banco de España. Bus: 1,2,5,9,10,14, 34…
PVP: 13€ visita guiada ( a este importe se deberá sumar el importe de la entrada que corresponda a cada visitante*)
INCLUYE: Recorrido de una hora y media por el Museo del Prado con entrada (sin colas), explicación de la exposición temporal con un experto en arte en un grupo reducido de máximo 6 personas.
IMPRESCINDIBLE RESERVA PREVIA. A través del correo info@partedelarte.es o en el 645438576.

* Entrada general: 15.50€
Reducida: 8€ ( mayores de 65 años, familias numerosas, etc.)
Gratuita ( desempleados,discapacitados y menores de 18 años)
***IMPORTANTE. A la hora de realizar la inscripción deberá indicar el tipo de entrada que le corresponda y hacer el pago conjunto. Ej: 13€ visita guiada+ entrada general/ reducida o gratuita. Las entradas serán adquiridas con anterioridad a la visita para evitar colas.
En caso de acogerse a entrada con reducción o gratuidad es necesario mostrar el día de la visita en taquilla la documentación que acredite dicha reducción, ya que serán solicitadas por el personal del museo y Parte del Arte no se hará responsable de dichos descuentos.

 

 

 

 

 

 

 

LOS REVOLUCIONARIOS LLEGAN A MADRID

En Parte del Arte comenzamos nuestro tercer trimestre con mucha ilusión y os ofrecemos unos meses cargados de las mejores salidas culturales, cursos de arte, visitas teatralizadas, rutas nocturnas y por supuesto, visitas guiadas a las exposiciones temporales más importantes e interesantes de la actualidad en Madrid.

El próximo mes de mayo acudiremos a una de las citas más importantes de la temporada, la recién inaugura exposición en el Palacio de Gaviria sobre los artistas revolucionarios del siglo XX

¿Quieres saber de que va? ¡Sigue leyendo!

El pasado 10 de abril se ha inaugurado en el Palacio de Gaviria la exposición Duchamp. Magritte. Dalí. Revolucionarios del siglo XX, una de las exposiciones de arte contemporáneo más importantes de Madrid. En esta ocasión, la propuesta que nos ofrece la empresa Arthemisia Group, Art Projects y Fondazione Cultura e Arte engloba un conjunto de más de 180 obras  de  los grandes artistas surrealistas y dadaístas, que en su mayoría proceden de las colecciones del Museo de Israel en Jerusalén. Piezas de Dalí, Magritte, Man Ray, Duchamp, Tanguy…forman parte de esta rica que colección que se formó a partir de la donación de 800 obras por parte del académico, poeta y marchante de arte milanés Arturo Schwarz.

MUCHO MÁS QUE ARTE

La exposición ahonda en el contexto y los postulados de los movimientos del Surrealismo y el Dadaísmo a través de obras de todo tipo: pintura, escultura, objetos…todos aquellos medios que estos revolucionarios del siglo XX utilizaron para difundir sus ideas y representar las particularidades de su tiempo.

Surrealismo y Dadaísmo se encuentran entre los movimientos más trascendentes de nuestra era. En su momento surgieron como una repuesta al arte tradicional, en un contexto de posguerra, en la que se utilizaban nuevos materiales y recursos visuales innovadores que poco a poco fueron transformando el vocabulario tradicional del arte. Pero fueron mucho más que un movimiento estético de experimentación formal, sus numerosos textos, manifiestos y proclamas los sitúan como movimientos ideológicos e intelectuales universales. Su particular forma de ver y entender el mundo traspasó fronteras y tuvo correspondencia en países de todo el mundo.

Par poder comprenderlos, es necesario sumergirse en su época, abrir la mente y dejarse llevar…

LOS GRANDES REVOLUCIONARIOS

La exposición se divide en cinco secciones que hacen alusión a los diferentes conceptos que engloban estos movimientos.

  1. EL DESEO, LA MUSA, LA VIOLENCIA

En la primera sección se abordan temas como el deseo y el subconsciente. Después de la Primera Guerra Mundial, el concepto del deseo adquirió gran protagonismo en el arte, que se convirtió en el medio perfecto para expresar las fantasías de los artistas. La liberación de la lívido se convirtió en una proclama de libertad de expresión, una respuesta hacia la censura política y social de los regímenes totalitarios. A esto contribuyeron decisivamente las teorías de Sigmund Freud sobre la sexualidad y el subconsciente, siendo las mismas una fuente primordial para la liberación de todos estos sentimientos a través del arte. Artistas como Dalí, Picasso o Man Ray fueron algunos de los que experimentaron con estos conceptos, ejemplificados en la muestra por algunas de sus obras maestras. En el caso de Man Ray, a través de una serie de fotografías en blanco y negro entre las que se encuentra Negro y Blanco o la famosa fotografía de la Calavarera de Dalí realizada con los cuerpos de mujeres desnudas inmortalizada por Philippe Halsman.

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Man Ray.Negro y Blanco, 1926

  1. YUXTAPOSICIONES MARAVILLOSAS

La experimentación material es uno de los capítulos más importantes en la historia de estos movimientos. La utilización de materiales ready-made en collages, objetos y montajes de todo tipo tenía como objetivo destruir la frontera entre el arte y la vida. Recurso que ya había utilizado la pintura cubista dándole protagonismo a los objetos de la vida cotidiana, este concepto adquiere una nueva dimensión que ofrece asociaciones de objetos inesperadas que impactan y acaparan irremediablemente nuestra atención. Esta es una de las salas más variopintas de la exposición, en las que las obras de artistas como  Kurt Schwitteers, André BretonHannah Höch nos transportan a un mundo onírico a través de piezas cotidianas. También en esta sección se peuden observar algunas piezas icónicas de uno de los padres del dadaísmo, Marcel Duchamp, presente a través de su famoso Secador de Botellas o su Rueda de Bicileta.

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Marcel Duchamp junto a su obra Rueda de Bicicleta

  1. AUTOMATISMO Y SUBCONSECIENTE

Los artistas adscritos al movimiento surrealista, tanto en su versión plástica como en la creación literaria, desarrollaron métodos automáticos para eludir el control de la consciencia y liberar el vasto mundo del subconsciente. Este automatismo es un reflejo del gran impacto que tuvieron las nuevas técnicas y avances que se habían producido en el ámbito de la psiquiatría y especialmente las de Sigmun Freud.

En esta sección de la muestra se pueden ver ejemplos de obras creadas a través de estos mecanismos, entre las que destaca una pequeña sección dedicada a Joan Miró.También se pueden apreciar los “dibujos automáticos” de Jean Arp y André Masson y los frottages (frotados) y grattages ( raspados) de Max Ernst. Además, algunos fotógrafos como Man Ray desarrollaron técnicas como la solarización, los fotogramas y los efectos aleatorios para crear misterio y ambigüedad.

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Joan Miró. Pájaro. 1960.

  1. BIOMORFISMO Y METAMORFISMO

La siguiente sección de la exposición acerca al público a los conceptos de biomorfismo y metamorfismo, que también han sido claves para el desarrollo de los nuevos movimientos de vanguardia del siglo XX. Aunque puedan parecer difíciles de comprender, estos conceptos se basan fundamentalmente en la preferencia de imágenes orgánicas, cargadas de reminiscencias de la naturaleza, e imágenes ambiguas. Estas obras están plagas de plantas, referencias acuáticas, anatómicas y de tipo astrológico. Muchas de estas obras se caracterizan por no establecer unos límites claros entre la abstracción y la figuración, sumergiéndonos en un mundo de sensaciones difícil de explicar. Es el caso de la obra de André Masson, Jean Hans Arp, Victor Brauner o Leonora Carrington, todos ellos representados en la exposición a través de varias obras.

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En esta imagen de la muestra podemos ver la obra de Max Ernst El rey jugando con la reina, de 1944.

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Yves Tanguy. Pintura. 1932

  1. EL PAISAJE ONÍRICO

La última sección de la exposición nos introduce en el mundo de los seuños. La obra de Freud La interpretación de los sueños fue clave para el desarrollo del movimiento surrealista, que en su manifiesto de 1924 recoge cómo en ellos las asociaciones entre ficción y realidad se desarrollan habitualmente en lugares confusos e inciertos.

La plasmación de los sueños y de los lugares en los que se desarrollan fue una práctica muy extendida entre los artistas suerrrealistas, siendo el más conocido en este campo el gran Salvador Dalí. No obstante, la muestra nos ofrece un panorama muy variado para sumergirnos en el mundo onírico, a través de obras de otros artistas surrealistas como Raoul Hausmann, Giorigio de Chirico, Dorothea Tanning, Giorgio Morandi y por supuesto  René Magritte, que cierra con broche de oro la muestra a través de una de sus obras más célebres de paisaje surrealista, El castillo de los Pirineos.

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René Magritte. El Castillo de los Pirineos.1959

Así finaliza una de las muestras más ambiciosas de la temporada, en la que no sólo podremos disfrutar de todas esas obras sino también de una serie de ambientes interactivos que nos invitan a participar activamente de la obra de estos artistas, un bosque onírico, una recreación de la Sala Mae West diseñada por Salvador Dalí…sin duda es una de las mejores propuestas culturales de estos meses en Madrid, y en Parte del Arte no nos la perdemos, así que entre en nuestras web www.partedelarte.com o síguenos en nuestras Redes Sociales ( Facebook, Instagram , Twitter y Youtube) para no perderte ningún detalle sobre las fechas en las que acudiremos con nuestras visitas guiadas. La última semana de mayo tienes una cita con nosotros y  el arte revolucionario ( miércoles 30 de mayo y viernes 1 de junio a las 18.00h.) ¡No te la pierdas! Te esperamos.

 

Rosario Weiss: la discípula olvidada de Goya

¡Ha llegado marzo! El mes femenino por excelencia, ya que el próximo día 8 se celebra el Día de la Mujer Trabajadora .En Parte del Arte nos sumamos a las reivindicaciones con un mes lleno de actividades en Madrid y visitas guiadas de temática femenina, como la  exposición Mujeres Nobel  del Museo Nacional de Ciencias Naturales, nuestra ruta “Mujeres en la literatura” por el Barrio de las Letras, y una visita muy especial a la muestra sobre Rosario Weiss que organiza la Biblioteca Nacional de España. En ella descubrimos a una artista muy conocida en su tiempo y olvidada con el transcurrir de los años. ¡Sigue leyendo para conocer su historia!

FRANCISCO DE GOYA: UN PARTICULAR PROFESOR DE DIBUJO

La figura de la artista Rosario Weiss ha quedado relegada a un mero apunte dentro de la biografía del gran Francisco de Goya, aunque en realidad fue una de las artistas más valoradas de su tiempo, con una producción artística verdaderamente extensa  y con una calidad excepcional.

Rosario nació en 1814 y fue hija de Leocadia Zorrilla, la última pareja sentimental de Goya,y un banquero judío de origen alemán del que termino separándose. La información que se tiene sobre su vida personal no es mucha, pero su obra y los datos que se conservan nos revelan una personalidad artística verdaderamente interesante que va mucho más allá de su relación con el pintor. Rosario Weiss convivió con el maestro en la Quinta del Sordo desde 1820 a 1824, momento en el que se trasladan a Burdeos. Durante estos primeros años de convivencia, la pequeña Rosario aprendió, a la vez que a escribir, a dibujar con el gran maestro. Goya, consciente de que Rosario era tan solo una niña diseñó un método de aprendizaje más entretenido que el académico y muy poco ortodoxo: él dibujaba pequeños dibujos o composiciones que ella repasaba o completaba, como la imagen que tenemos a continuación, en la que aparece la cabeza de un hombre en la que se pueden apreciar varios trazos, unos leves realizados por Goya y otros más gruesos trazados por Rosario:

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Caricatura masculina, Rosario Weiss y Francisco de Goya.Madrid, 1821-2824.Museo Lázaro Galdiano

Los primeros trabajos de Rosario Weiss están impregnados de este estilo libre de su maestro, con ese trazo nervioso y espontáneo que ha hecho incluso a los expertos dudar sobre quién es el autor de determinados dibujados. Los dibujos de formación de Rosario están dispersos en diferentes colecciones tanto españolas como extranjeras pero se conocen con el nombre de “Albúm Goya-Weiss”, ya que presentan señales de haber pertenecido en el pasado a un único conjunto.

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Lavanderas. Álbum Goya-Weiss.Biblioteca Nacional de España

 

Los rumores de que era hija biológica de Goya siempre estuvieron ahí, aunque por la documentación conservada y el hecho de que Goya no le dejase nada en su testamento a pesar de tenerle mucho aprecio demuestran que su buena relación sólo fue fruto de la convivencia.

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Leocadia Zorrilla. Francisco de Goya

UN CAMBIO DE ESTILO: LA FORMACIÓN DE ROSARIO EN BURDEOS

A partir de 1824 Goya junto con Leocadia y sus hijos se establecen en Burdeos. Parece ser que la vida que Rosario Weiss llevaba en Burdeos junto con Goya y su madre era de tipo familiar, era habitual verles juntos en el teatro o en el circo, tema que interesó a ambos artistas y que reflejaron en sus respectivas obras. Pero también Burdeos supuso para Weiss la oportunidad de conseguir una formación académica, ya que el método con el que había aprendido de Goya no era precisamente ortodoxo y el estilo también era muy particular. Goya era consciente de ello y siempre intentó que Rosario tuviese una formación más académica, tal y como prueban algunos documentos en los que se aprecia la intención de enviar a Rosario a París y en el hecho de que el verano de 1824 Rosario lo pasase bajo la tutela del arquitecto Tiburcio Pérez Cuervo, momento en el que realiza algunos interesantes dibujos de arquitectura.

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Rosario Weiss, Estudio de columna salomónica. Madrid, 1824.Museo del Romanticismo

También en Burdeos Rosario consigue entrar en una escuela pública y gratuita de dibujo, la escuela de Pierre Lacour donde empieza a adoptar un nuevo estilo, muy generalizado en la Francia de la época y cercano a la obra de Ingres. A partir de este momento la obra de Rosario Weiss empieza a cambiar para adaptarse a las circunstancias de su vida.

En la obra que podemos ver a continuación se puede apreciar cómo Rosario aprendió, en esta escuela, la técnica de la litografía, que llegaría a dominar de una manera extraordinaria. En esta litografía, además, Rosario demuestra sus inclinaciones políticas.

Tras el triunfo de la Revolución Liberal en Francia, Espoz y Mina organizó en julio de 1830 un ejército de exiliados españoles , entre los cuales se encontraba el hermano de Rosario, para derrocar la Monarquía Absoluta de Fernando VII. Tras su derrota, los supervivientes fueron confinados en campamentos en Francia. Esta estampa presenta una alegoría en la que España es liberada del Absolutismo por el general Espoz y Mina.

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Rosario Weiss, El Genio de la Libertad.París, hacia 1831.Litografía.Blibliothèque municipale de Bordeaux

GRANDES CONQUISTAS: ARTISTA, MUJER Y PROFESIONAL

Tras la muerte de Goya, Leocadia Zorrilla y Rosario se vieron absolutamente arruinadas y desprotegidas, ya que no figuraban en el testamento del pintor. En 1830 regresan a Madrid, donde Rosario tendrá que ponerse a trabajar duramente para mantener a su familia. Es el momento en el que se convierte en copista en el Museo del Prado y en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde consigue convertirse en la primera mujer académica de Mérito de la Academia. El cuadro con el que consigue tal reconocimiento es la imagen de la Virgen de la Contemplación.

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Rosario Weiss. Virgen de la Contemplación.Madrid.1840.Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

El nombre de Rosario Weiss era conocido y respetado en Madrid, ya que se movió siempre en círculos intelectuales, especialmente el del Liceo Artístico y Literario, del que fue un miembro muy activo. En esta etapa la producción de Rosario es muy variada: cultivó mucho el dibujo pero también desarrolló excepcionales dotes para la pintura a través de las copias y realizó numerosas litografías.

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Rosario Weiss.Francisco de Goya ( copia de Vicente López).Madrid, 1834. Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

UNA VIDA TRUNCADA.LA PREMATURA MUERTE DE ROSARIO WEISS

Además del título de académica de mérito, Rosario Weiss alcanzó otro gran reconocimiento  profesional en 1842, cuando gracias a los contactos con intelectuales liberales de su hermano Guillermo Weiss consigue convertirse en la profesora de dibujo de la infanta Isabel (futura Isabel II) y de su hermana Luisa Fernanda, lo que le permitía tener un sueldo fijo y una mayor estabilidad económica. Sin embargo, fue muy poco tiempo el que pudo disfrutar de su nueva condición, ya que en 1843 fallecerá de cólera, cuando tan sólo contaba con 29 años de edad, quedando así truncada una gran carrera artística que prometía grandes éxitos en el futuro.

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Rosario Weiss, Alegoría de la Atención ( autorretrato).Madrid, 1842. Museo del Romanticismo

A pesar de la brevedad de su vida, Rosario Weiss nos ha dejado una producción artística  muy extensa, de una calidad extraordinaria  y cargada de pequeños detalles que ensalzan la figura de la mujer: grandes artistas del mundo musical de la época, figurines de moda que leen libros…símbolos de que Rosario Weiss estaba orgullosa de ejercer una profesión que en su época era de hombres. Conocer y poner en valor su figura a través de visitas guiadas a esta exposición en la Biblioteca Nacional de España es una de las propuestas que Parte del Arte te propone con motivo del Día Internacional de la Mujer Trabajadora. Si no te quieres perder esta muestra reserva tu plaza el día 14 de marzo a las 11.00h.

Y si quieres apuntarte a otras actividades del Día Internacional de la Mujer Trabajadora ¡apunta!

– Visita Guiada a la exposición Mujeres Nobel en el Museo Nacional de Ciencias Naturales. Miércoles 7 de marzo a las 12.00h.

-Ruta temática por el Barrio de las Letras “Las mujeres en la literatura”. Viernes 9 de marzo a las 18.00h, miércoles 14 de marzo a las 11.00h. y miércoles 21 de marzo a las 11.00 y a las 17.30h.

Puedes hacer tus reservas escribiendo info@partedelarte.es/ o en el 645438576

También puedes buscarnos en Redes Sociales para estar al día de todas nuestras actividades:

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¡Te esparamos!

Parte del Arte

 

Mucho más que zapatos, el universo Blahnik

En Parte del Arte empezamos el año 2018 con las mejores visitas guiadas de Madrid. Si quieres una experiencia única apúntate a una visita guiada a la exposición de Manolo Blahnik que el Museo Nacional de Artes Decorativas acoge en la actualidad dedicada a la figura del diseñador Manolo Blahnik.

La muestra está organizada por Vogue España en colaboración con el museo y también con el propio equipo de Blahnik, que se trasladó desde Londres exclusivamente para el montaje de la exposición, que con anterioridad ha estado en otras sedes de gran categoría: el Palazzo Morando de Milán, seguido por el Museo del Hermitage en San Petersburgo y el Museo Kampa en Praga.

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Selección de zapatos en una de las vitrinas de la exposición

El objetivo de la exposición es mostrar las obsesiones, fuentes de inspiración e influencias que Blahnik ha recibido a lo largo de su trayectoria y que se proyectan de forma directa en sus zapatos.

La primera sección está dedicada a la figura de Blahnik, su taller y los materiales que utiliza. Blahnik es considerado en la actualidad como el mejor diseñador de zapatos del mundo y sus diseños son internacionalmente conocidos. Además de un talento innato para el diseño, los materiales que utiliza son de lo más original y exclusivo: encajes venecianos, sedas, otomán, diferentes pieles de animales…que los convierten en pequeñas obras de arte de un valor artístico y material incalculable.

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Algunos de estos materiales son muy sorprendentes, como esta bota realizada en piel de cordero de Mongolia

La segunda sección de la exposición está dedicada al mundo de la arquitectura y del arte, toda una fuente de inspiración para Blahnik, sobre todo la arquitectura racionalista y sus sistemas constructivos son una base muy útil para él, ya que algunos parecen pequeñas construcciones en las que todo tiene que estar perfectamente calculado. Muchos de estos diseños están inspirados en edificios concretos de arquitectos muy relevantes de la historia.

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Dos modelos de zapatos inspirados en el gran impulsor del modernismo vienés Joseph Hoffman

Además, el mundo del arte también ha sido una gran fuente de inspiración, sobre todo las vanguardias artísticas son especialmente evidentes en los zapatos que se muestran en la exposición: Picasso, Matisse, Sonia Delaunay, Kazimir Malevich…todo un mundo de colores y formas que hacen las delicias de todos los visitantes de la exposición.

 

En primer lugar, podemos ver una sandalia “arquitectónica” inspirada en Piet Mondrian y un zapato modelo “pump” inspirado en la pintura de Pablo Picasso.

El siguiente apartado de la exposición está dedicado al mundo de la botánica, otra de sus grandes pasiones: flores de todo tipo, algas, plantas marinas, pequeñas cerezas, fresas….se funden en el diseño de los espectaculares modelos que salen de la mente de Blahnik. En alguno de ellos, incluso, se cuela algún animalito.

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Dentro del montaje de la exposición se puede apreciar en diálogo con los zapatos algunas piezas del Museo Nacional de Artes Decorativas de Madrid que, cuidadosamente escogidas, crean ambientes únicos para los visitantes

A continuación, una extensa sala nos lleva de viaje junto con Blahnik a la Rusia de Catalina la Grande, a la época victoriana inglesa, a África, a las culturas esquimales, a Japón…ninguna estética se le resiste y es capaz de capturar toda la esencia de un territorio en algo tan pequeño como un zapato.

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Modelos inspirados en la cultura esquimal

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Visita guiada de Parte del Arte a la exposición, en la que nuestros guías complementan las explicaciones con imágenes de apoyo en soporte digital

Una de las secciones más espectaculares de la muestra es la dedicada a Maria Antonieta, la película de Sofía Coppola, para la cual Manolo diseñó una serie de espectaculares zapatos. Calzar a la Maria Antonieta de Copppola fue uno de los grandes retos del diseñador, que llevó a cabo una gran labor de documentación para diseñarlos, consiguiendo este espectacular resultado:

 

Milena Canonero fue la que encargó a Blahnik la realización de estos espectaculares zapatos, que reflejan el lujo de la corte francesa del siglo XVIII

El segundo piso del museo, acoge la segunda parte de la exposición, en la que podemos ver varias salas, una dedicada a la influencia de la cultura española, en la que se pueden apreciar modelos con claras referencias estilísticas a nuestro país como el color rojo y amarillo  colores y diseños que recuerdan a artistas españoles e incluso piezas con reminiscencias de la arquitectura española.

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Modelo Madrid, inspirado en los trajes de Goyescas

Otro apartado aborda las obsesiones de Blahnik y sus aficiones: el cine italiano, la literatura, personajes históricos como Carlo Magno y literarios como Madamme Bovary…todos tienen cabida en este universo tan alabado por la crítica.

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Sala dedicada a las obsesiones de Blahnik durante una visita guiada de Parte del Arte

La penúltima sala de la exposición es la más lujosa de todas y está dedicada los zapatos de gala, en los que Blahnik siempre ha mostrado una gran fidelidad a su estilo: tacones altos y cada vez más estilizados, puntas suaves y redondeadas y un gran derroche de materiales como sedas, piedras preciosas…un verdadero deleite

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Una de nuestras guías en la sala “gala” de la exposición durante una visita guiada

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El modelo Peperoncino es uno de los que más piedras preciosas contiene: amatista, rubelita y diamante de Bvlgari

Para finalizar la exposición, nos encontramos una sala dedicada a Vogue, la anfitriona de la exposición y una publicación verdaderamente decisiva para Blahnik. En esta sala podemos ver modelos muy dispares de Blahnik, desde zapatos clásicos, elegantes para cualquier ocasión a zapatos completamente deconstruidos fruto de la experimentación formal y de materiales.

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En el centro podemos ver el modelo  HANGISI, uno de los más famosos en los últimos tiempos por aparecer en la película Sexo en Nueva York

Además, en esta sala se pueden contemplar algunas de las fotografías de Vogue realizadas por los mejores fotógrafos de moda del mundo que reflejan en su máximo esplendor los zapatos de Blahnik en los pies de grandes modelos como Tina Chow, Linda Evangelista o Kate Moss.

Asistir con Parte del Arte a una visita guiada a esta exposición es un viaje al interior del diseñador, su mente, sus inspiraciones, su forma de ver el mundo…cuando salgas no sólo habrás visto zapatos, habrás visto literatura, pintura, arquitectura… ¿ te la vas a perder? Entra en nuestra página web y consulta las fechas de nuestras visitas guiadas a esta y otras exposiciones de Madrid.

¡Te esperamos!