Descubriendo tesoros: Las artes del metal en Al-Andalus brillan en el Museo Arqueológico Nacional

¡Arrancamos 2020 en Parte del Arte! Y lo hacemos fuerte, ya que tenemos un mes de enero alucinante, cargado de interesantes experiencias culturales en Madrid, como rutas nocturnas todos los sábados, nuestros clásicos cursos Conoce Madrid, Exposiciones Temporales y colecciones de Madrid, Grandes Momentos del Arte y la Historia y Descubriendo la Ópera, además de viajes culturales  y por supuesto, las mejores exposiciones temporales de Madrid, que este invierno están siendo extraordinarias.

Hoy en BaluArte queremos hablarte de una de las muestras que estaremos guiando este mes de enero y que nos tiene fascinadas. Se trata de “Las artes del metal en Al-Ándalus” en el Museo Arqueológico Nacional, la primera muestra dedicada en exclusiva a esta manifestación artística.

¿Suena bien, verdad? Pues sigue leyendo y te contamos más detalles.

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Tesoro de Costix. S.XII. -primer tercio S. XIII. (periodo almorávide o almohade). Cuevas de Mestre Perico. (Costix, Mallorca)

UNA EXPOSICIÓN FASCINANTE

Siguiendo el recorrido cronológico de la historia de Al-Ándalus, desde la etapa emiral al esplendor del reino nazarí de Granada, esta exposición nos muestra un gran número de vestigios materiales que ponen de relieve la importancia que tuvo el metal en Al-Andalus. Se reúnen por primera vez de forma conjunta en un mismo espacio las obras más significativas de la metalistería andalusí, obras de gran calidad y suntuosidad en muchos casos que no dejan al espectador indiferente.

A través de los préstamos de diferentes instituciones y museos españoles y extranjeros y un ilustrativo apoyo audiovisual a través de vídeos explicativos, esta exposición se convierte en una de las más ilustrativas de la actualidad.

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Esenciero de la esposa de ‘Abd al-Malik ibn Jalaf . S. XI. Los Tejadillos (Albarracín, Teruel).

LA IMPORTANCIA DEL METAL.

Los vestigios materiales que han llegado hasta nosotros  nos permiten comprender la importancia que tuvo el metal en al-Ándalus, desde la extracción de los materiales en las minas  hasta su manufactura final, dando como resultando una gran variedad de objetos en los que se unen la precisión técnica y la belleza estética.

Pero antes de la llegada de los musulmanes, la extracción del metal ya tenía cierta relevancia en la Península Ibérica, tal y como se nos muestra en las primeras vitrinas de la exposición. Han llegado hasta nosotros vestigios que nos hablan de una explotación metalúrgica en diferentes puntos de la geografía peninsular que corresponden a diferentes periodos históricos anteriores a la llegada de los musulmanes.

En cuanto a los vestigios de la actividad minera en al-Ándalus, aunque no son muy numerosos, contamos con varias fuentes documentales que se han conservado y que nos sirven para conocer cómo se desarrollaba esta actividad, así como los objetos, más numerosos, que son la prueba más contundente de la importancia  del metal, y la sofisticación y la belleza de las piezas.

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Tesoro de Charilla. S.X. Charilla (Alcalá la Real, Jaén)

METAL POR TODAS PARTES

El grueso de la exposición está dedicado a los numerosos usos que tuvo el metal en al-Ándalus: la moneda, la religión, la ciencia y la medicina, el uso personal a través de adornos, el uso doméstico con objetos utilizados en la vida cotidiana, los útiles de trabajo, defensa y defensa y armamento, con la exposición de piezas de una extraordinaria calidad técnica y decorativa.

De entre todos estos objetos, destacan algunos de una extraordinaria calidad, como los dedicados al estudio de la astronomía, una disciplina de decisiva importancia en la cultura musulmana y que se desarrolló durante siglos en la Península Ibérica.

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Globo celeste. Hacia 1085 d. C. Valencia.

MAJESTUOSOS ANIMALES DE BRONCE

Probablemente la sección más impresionante de la muestra es la dedicada a los bronces zoomorfos, un pequeño zoológico de fantásticos animales realizados en distintos metales, ya que, a pesar del extendido aniconismo vinculado siempre a las manifestaciones artísticas islámicas, las representaciones de animales son muy habituales en la mayor parte de los objetos, tanto en metal como en otros materiales. De este modo, a cada animal se le asociaban diferentes propiedades que se pueden interpretar en clave religiosa, moralizante, o simplemente práctica. En esta sección podemos ver algunas piezas icónicas del Museo Arqueológico Nacional, como el surtidor en forma de cervatillo procedente de Córdoba, así como otras piezas con formas de animal, como ataifores, píxides, candiles, aguamaniles…

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Grifo de Pisa (réplica). Bronce. Finales del s. XI- principios del s.XII. Al-Ándalus

EL ESPLENDOR DE LA ORFEBRERÍA

Como perfecto broche de oro de la muestra ( y nunca mejor dicho), nos encontramos con un apartado dedicado al arte de la orfebrería andalusí, que tuvo un gran apogeo en gran parte de la historia de al-Ándalus, algo que conocemos gracias a las crónicas de diferentes periodos y a las piezas llegadas hasta nuestros días. Éstas, a pesar de ser escasas, reflejan un altísimo grado de belleza y sofisticación, y suponen la cumbre del uso de los metales en este periodo tan fascinante como es la historia de al-Ándalus.

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Tintero Nazarí de Cuéllar. S.XIV ( nazarí)

 

Impresionante, ¿Verdad? Pues si no quieres perderte estos tesoros en directo y muchos más no dudes en apuntarte a una de nuestras visitas guiadas, en las que nuestras guías expertas en arte despertarán tu mirada, desvelándote detalles y secretos de estas piezas tan especiales. ¡Toma nota!

¿Cuándo?

Viernes 17 de enero a las 18.00h

¿Dónde?

En el Museo Arqueológico Nacional ( Punto de encuentro en el hall del museo)

¿Cuánto cuesta?

12€/ persona. Incluye: Visita guiada por especialista+entrada a la exposición+ sistema de recepción de sonido para una escucha óptima del guía.

*IMPRESCINDIBLE RESERVA PREVIA. Puedes hacerlo a través del mail info@partedelarte.es o en el 645438576.

¡Plazas limitadas!

Recuerda que puedes consultar todas nuestras experiencias culturales en nuestra web http://www.partedelarte.com y a través de nuestras Redes Sociales, en las que además publicamos promociones y sorteos que seguro te encantarán.

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¡Te esperamos!

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La magia del Renacimiento en los pinceles de Fra Angelico

¿Cómo el verano? Desde Parte del Arte esperamos que muy bien tanto para los que estáis de vacaciones como para los que ya os encontráis de vuelta. Nosotras ya estamos al pie del cañón, realizando rutas nocturnas estos días de verano y diseñando y preparando todos nuestros cursos de arte en Madrid para la temporada 2019/2020. Este nuevo curso tenemos sorpresas y promociones nuevas que hemos preparado con la ilusión, el rigor y la profesionalidad que nos caracteriza. Para no perderte nada entra en nuestra web www.partedelarte.com y suscríbete a nuestra newsletter, en la que te informaremos de novedades, visitas especiales, promociones…

¿Te unes a nuestra comunidad?

En Parte del Arte estamos siempre en contacto con las tendencias culturales y os ponemos en conexión con los eventos y exposiciones más significativos de Madrid. Uno de los acontecimientos más importantes de este año es el de la celebración del bicentenario del Museo del Prado, para la cual la pinacoteca ha organizado excelentes exposiciones, como Velázquez, Rembrandt y Vermeer. Miradas afines, de la que os hablábamos recientemente en nuestro blog ( puedes leer el artículo aquí), que guiaremos en el mes de septiembre (más info aquí) y la muestra Fra Angelico y los inicios del Renacimiento en Florencia, de la que haremos un seminario y una visita acompañada el próximo mes de septiembre.

fra_angelico_visitas_guiadas_parte_del_arte.jpgDetalle de Historia de los padres del desierto. Fra Angelico ( Florencia, Galería de los Ufizzi). 1419-1420.

UNA MUESTRA AMBICIOSA

Teniendo en cuenta que este año no es un año cualquiera para el Museo, las exposiciones que podemos contemplar enmarcadas en la celebración del bicentenario son especialmente ambiciosas. En el caso de la exposición de Fra Angelico y los inicios del Renacimiento en Florencia este esmero queda patente en la reunión de un número más que considerable de obras de Fra Angelico que se exponen en diálogo con obras de otros artistas del periodo que nos ayudan a comprender mejor esa maravillosa Florencia del Renacimiento, como  Masaccio, MasolinoFilippo Lippi, Donatello o Ghiberti.

Por otro lado, uno de los aspectos más interesantes de la exposición y uno de los grandes motivos por los que el Museo del Prado escogió la figura de Fra Angelico para este año es la gran restauración de la tabla más icónica del artista  dentro de las colecciones del Prado. La Anunciación de Fran Angelico se ha sometido en los últimos meses a un exhaustivo proceso de restauración cuyo resultado es verdaderamente impactante.

Hoy en BaluArte os hablamos de dos de las piezas más importantes de la muestra, La Virgen de la Granada, recientemente adquirida por la Fundación de Amigos del Museo del Prado y la propia Anunciación y su proceso de restauración, aunque podrás disfrutar y conocer todas las claves de la muestra en nuestro seminario.

exposicion_museo_del_prado_parte_del_arte_visitas_guiadasDetalle de la obra Cristo glorificado. Tablas del retablo mayor de San Doménico de Fiésole. Fra Angelico. Londres, The National Gallery. 1421-1422.

UNA OBRA MUY ESPECIAL. LA VIRGEN DE LA GRANADA

Esta extraordinaria obra forma parte de una serie de Vírgenes con Niño que Fra Angelico pintó en la década de 1420, un momento en el que al artista ya demostraba un gran conocimiento y dominio de los espacios, los volúmenes, la anatomía y la luz.

En ella podemos ver una majestuosa Virgen entronizada en cuyo regazo se sienta el Niño Jesús. Ambas figuras están flanqueadas por dos ángeles que sujetan un manto  dorado de una extraordinaria calidad. Probablemente lo más llamativo de la tabla es la granada que sostiene la Virgen en su mano y que también está en contacto con la mano del Niño. La iconografía de la granada fue muy popular en la Florencia del siglo XV, lo que se puede ver en obras de otros artistas del momento como Leonardo da Vinci o Boticelli.

En este caso concreto el significado de la granada es doble. En relación a la Virgen, se trata de un símbolo que alude a la castidad, y en relación al Niño, se convierte en un elemento que prefigura la muerte y resurrección de Cristo.virgen_de_la_granda_visitas_guiadas_parte_del_arte

La Virgen de la Granada. Fra Angelico. Museo del Prado. Hacia 1426.

Otro dato que llama la atención sobre esta obra y que la hace especial es la extraordinaria calidad de los materiales con los que está realizada, algo especialmente visible en la gran cantidad de oro que podemos encontrar, ya que no solo se limita al paño de honor y los nimbos como en otras obras de esta tipología, sino que se puede apreciar también en las alas de los ángeles y también como base para el suelo con hierba donde se asientan las figuras. Estos datos, aunque se desconoce quien encargó esta obra y los motivos, nos indican que se trató, sin duda alguna, de un encargo de importancia para el artista.

Actualmente se considera por los expertos como una de las obras más bellas de la producción de Fra Angelico y una de las que más tiempo ha tardado en incorporarse a una institución museística, ya que desde el siglo XIX, momento en el que comenzó el interés coleccionista por los autores del primer Renacimiento, permaneció en manos de la Casa de Alba.

El pasado 2016 se cerró la venta de la obra en dieciocho millones de euros, de los cuales diez fueron aportados por el Estado, cuatro por la Fundación de Amigos del Museo del Prado y otros cuatro con fondos del propio museo.

RECOBRANDO EL ESPLENDOR PERDIDO. LA ANUNCIACIÓN.

La Anunciación está datada cronológicamente entre 1423 y 1429, momento en el que Fra Angelico ya había tomado los hábitos en el Monasterio de Santo Domingo de Fiésole, lugar para el que fue pintada. Se cree que la obra fue sufragada por Angelo di Zanobi di Taddeo Gadi, nieto del famoso pintor Tadeo Gaddi.

la_anunciacion_parte_del_arte_visitas_guiadasLa Anunciación. Fra Angelico. Museo del Prado.1425-1426.

La obra nos muestra el conocido pasaje de la Anunciación del nacimiento de Jesús a la Virgen a través del arcángel Gabriel. La escena principal se desarrolla en una estructura arquitectónica abovedada que sigue las pautas indicadas por Brunelleschi en 1425 para los retablos de la catedral de San Lorenzo: la arquitectura debe ser cuadrada y sin adornos. Además, sigue los pasos de la representación arquitectónica de sus colegas Masolino y Masaccio en la Capilla Brancacci. Estos datos indican cómo el joven Fra Angelico (su nombre real era Guido di Piero) ya conocía los últimos avances que se estaban produciendo en el arte toscano.

Tras el motivo principal nos encontramos la escena de la expulsión del Paraíso de Adán y Eva, lo que completa el significado simbólico de toda la obra ( la expulsión haciendo alusión al Pecado y la salvación del hombre a través de la llegada de Cristo en la Anunciación). En esta segunda escena se puede apreciar la influencia de Gentile da Fabriano, otro gran artista influyente del momento, en la minuciosidad en la representación de las flores, la vegetación del Paraíso y los objetos, y en el recurso de unificar el espacio mediante la arquitectura.

La obra se remata en la parte inferior con una predela en la que se muestran en tamaño reducido escenas de la vida de la Virgen en las que se puede ver la destreza del artista trabajando con el pequeño formato, algo lógico teniendo en cuenta que la formación de Fra Angelico y sus primeros pasos en el mundo del arte se produjeron dentro del ámbito de la iluminación de manuscritos.

QUE SE HAGA DE NUEVO LA LUZ. LA RESTAURACIÓN DE LA ANUNCIACIÓN

A pesar de la gran cantidad de obras de artistas destacados, y del propio Fra Angelico, que podemos contemplar en la exposición, probablemente la que más impacta al visitante es La Anunciación. No es de extrañar, ya que quien ya conocía la obra la reedescubre en esta cita. Todo esto ha sido posible gracias a la extraordinaria restauración que se ha llevado a cabo los últimos meses. Ha sido un trabajo minucioso y exhaustivo, puesto que la técnica con la que está realizada la obra, el temple al huevo, es extremadamente delicada. Aunque aparentemente la tabla no parecía estar en muy mal estado, la capa pictórica presentaba numerosos repintes de restauraciones anteriores poco afortunadas y una gran capa de suciedad, dos motivos por los que la obra no brillaba con todo su esplendor. Gracias a esta restauración podemos actualmente contemplar elementos que hasta ahora nos pasaban desapercibidos, como la perspectiva real de la arquitectura, el color verdadero de los arcos y los capiteles, que ya no son gris pardo sino blanco luminoso, así como la fisionomía real del ala del ángel y el manto lapislázuli de la Virgen, los elementos más repintados en la ultima restauración en los años 40. Un proceso de gran dificultad que le ha devuelto a La Anunciación el esplendor, el color, el espacio y esa luz espiritual que salió directa del pincel de Fra Angelico.

angel_visitas_guiadas_parte_del_arte_fra_angelicoDetalle del ala del ángel antes y después de la restauración

¿Interesante, verdad? Pues descubre con Parte del Arte todas las claves de estas y muchas otras obras de Fra Angelico y sus contemporáneos en nuestro seminario el próximo mes de septiembre ( Proximamente más información)

¡Y recuerda! También guiaremos la otra gran muestra del Museo del Prado: Velázquez, Rembrandt y Vermeer. Miradas afines. El día 13 de septiembre a las 12.00 y el 20 de septiembre a las 12.00 y a las 17.30h. Toda la información y reservas en nuestra web.

¡Te esperamos!

 

 

 

 

 

 

 

 

VELÁZQUEZ, VERMEER Y REMBRANDT, TRES GENIOS CON MUCHO EN COMÚN

¡Nuestros cursos han finalizado! Pero en Parte del Arte continuamos ofreciéndote las mejores experiencias culturales y planes de verano para este mes de julio en Madrid: rutas nocturnas para descubrir el Madrid oculto y misterioso, rutas por las azoteas de Madrid para que no te pierdas los mejores atardeceres de la ciudad, y por supuesto, las mejores exposiciones temporales, como Balenciaga y la pintura española en el Museo Thyssen o Velázquez, Vermeer y Rembrandt. Miradas afines, inaugurada hoy mismo en el Museo del Prado y de la que hoy te hablamos en nuestro blog. ¿Quieres saber un poquito más? Pues ¡sigue leyendo!

ESPAÑA Y HOLANDA.UNIDAS POR SUS GENIOS

Dentro de las celebraciones del bicentenario del Museo del Prado, esta exposición, organizada con el patrocinio de la Fundación AXA, se muestra como un proyecto de gran ambición en muchos sentidos. En primer lugar, se trata de una muestra de gran despliegue de medios, ya que reúne 72 obras procedentes de los propios fondos del museo anfitrión y de otras instituciones de relevancia, como el Rijksmuseum de Ámsterdam, la Narional Gallery de Londres o el Metropolitan de Nueva York, entre otros quince prestadores.

En segundo lugar, otro de los grandes méritos de la exposición es poner de manifiesto los puntos en común de la pintura española y holandesa de finales del siglo XVI y principios del siglo XVII, dos tradiciones pictóricas concebidas tradicionalmente en la Historia del Arte como antagónicas.

Partiendo del momento en el que los caminos de los Países Bajos y España comienzan a separarse tras las revueltas contra Felipe II y el posterior desarrollo de la Guerra de los Ochenta Años ( 1568-1648), la muestra aborda cual fue el destino pictórico de España y de la actual Holanda, que surgió de la repartición de los territorios de los Países Bajos tras el conflicto. Dos realidades aparentemente diferentes pero en las que los artistas compartieron la misma idea de trabajar una estética interesada en la representación real de las cosas y alejada del idealismo, a la que hay que sumarle la influencia, todavía vigente, que la pintura flamenca venía ejerciendo en la tradición española desde hace varios siglos.

UN CAMINO DE CONFLUENCIAS

La exposición está dividida en cinco apartados en los que de forma temática se abordan los diferentes ámbitos en los que se producen estas convergencias.

El primero aborda la idea de la imagen, la moda y la pintura en España y los Países Bajos. Este es un punto importante, ya que los protagonistas de los retratos de los pintores como Velázquez, El Greco o Rembrandt , que generalmente formaban parte de las élites sociales, vestían de la misma forma, generalmente de negro riguroso, herencia del gusto de la casa ducal de Borgoña, que gobernó en España y en los Países Bajos desde Felipe el Hermoso hasta Felipe II, pasando por su padre Carlos V.

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Los funcionarios del Gremio de Draper de Amsterdam, conocidos como ‘The Syndics’.Rijksmuseum Amsterdam

El segundo ámbito, Ficciones realistas, se hace hincapié en el lenguaje que utilizaron gran parte de los pintores españoles y flamencos durante el siglo XVII, que huía de la idealización propia del Renacimiento, presentándonos personajes reales encarnando santos o dioses, en lugares cotidianos y contemporáneos a sus creadores. Podemos contemplar en esta sección algunas de las obras más sugerentes de la muestra, como este fantástico Demócrito del pintor Hendrick ter Bruggen (izquierda), de aspecto risueño y cercano, que se muestra en comparación con la famosa imagen del mismo filósofo realizada por José de Ribera ( derecha) que nos presenta igualmente una imagen en la que el personaje se vuelve contemporáneo, humano y tangible.

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El siguiente apartado está centrado en el género de la naturaleza muerta, surgido en el siglo XVI y cultivado en toda Europa. En este campo los autores flamencos y españoles fueron mostrando intereses comunes: representación del lujo y la riqueza a través de todo tipo de animales, objetos y elementos naturales, y recursos técnicos similares que se pueden apreciar en algunas obras e la exposición

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Bodegón con cardo, francolín, uvas y lirios. Felipe Ramírez. Museo del Prado

La cuarta sección de la exposición está dedicada a los contactos directos entre los artistas y mecenas de España y los Países Bajos, como es el caso de Felipe IV, que además de los numerosos encargos a Velázquez también encargó de manera directa obra a artistas flamencos. También se nos muestran otros casos de autores españoles que entraron en contacto con el arte holandés y se dejaron influir por él, como es el caso de Bartolomé Esteban Murillo.

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Judit en el banquete de Holofernes. Rembrandt. Museo Nacional del Prado.

Por último, el cierre de la exposición se centra en la técnica, en muchos casos compartida, por los pintores españoles y holandeses, consistente en una pincelada suelta que le otorga un aspecto abocetado a las obras. Este rasgo se debe a la pervivencia de cierta influencia de la pintura veneciana del siglo XVI, que si bien en el resto de Europa se había ido perdiendo con el tiempo, en España y Países Bajos continuó haciéndose patente hasta bien entrado en siglo XVII.

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Izquierda: Vista del jardín de la Villa Médici de Roma. Velázquez.Museo del Prado. Derecha: Vista de casas de Delft, conocida como The Little Street. Johannes Vermeer. Rijksmuseum.

Artistas como Velázquez, Vermeery Rembrandt, y también otros como Murillo o el Greco, recibieron y ejercieron influencia en Flandes  a través de los maestros que estudiaron en su juventud y a través de los contactos tradicionalmente establecidos entre ambos territorios. A través de sus pinceles configuraron los escenarios y personajes de un viaje en el tiempo que puedes hacer con Parte del Arte, en una visita guiada a esta extraordinaria exposición, en un grupo reducido, sin prisas y disfrutando de cada detalle. ¿Te apuntas? Toma nota ¡Te esperamos!

DÍA: Domingo 30 de junio.
HORA: 12.00h y 17.30h.
PUNTO DE ENCUENTRO: Museo del Prado. Puerta alta de Goya, en la rotonda, junto a la escultura de Carlos V y el furor.
CÓMO LLEGAR: Metro: Banco de España. Bus: 1,2,5,9,10,14, 34…
PVP: 13€ visita guiada ( a este importe se deberá sumar el importe de la entrada que corresponda a cada visitante*)
INCLUYE: Recorrido de una hora y media por el Museo del Prado con entrada (sin colas), explicación de la exposición temporal con un experto en arte en un grupo reducido de máximo 6 personas.
IMPRESCINDIBLE RESERVA PREVIA. A través del correo info@partedelarte.es o en el 645438576.

* Entrada general: 15.50€
Reducida: 8€ ( mayores de 65 años, familias numerosas, etc.)
Gratuita ( desempleados,discapacitados y menores de 18 años)
***IMPORTANTE. A la hora de realizar la inscripción deberá indicar el tipo de entrada que le corresponda y hacer el pago conjunto. Ej: 13€ visita guiada+ entrada general/ reducida o gratuita. Las entradas serán adquiridas con anterioridad a la visita para evitar colas.
En caso de acogerse a entrada con reducción o gratuidad es necesario mostrar el día de la visita en taquilla la documentación que acredite dicha reducción, ya que serán solicitadas por el personal del museo y Parte del Arte no se hará responsable de dichos descuentos.

 

 

 

 

 

 

 

LOS REVOLUCIONARIOS LLEGAN A MADRID

En Parte del Arte comenzamos nuestro tercer trimestre con mucha ilusión y os ofrecemos unos meses cargados de las mejores salidas culturales, cursos de arte, visitas teatralizadas, rutas nocturnas y por supuesto, visitas guiadas a las exposiciones temporales más importantes e interesantes de la actualidad en Madrid.

El próximo mes de mayo acudiremos a una de las citas más importantes de la temporada, la recién inaugura exposición en el Palacio de Gaviria sobre los artistas revolucionarios del siglo XX

¿Quieres saber de que va? ¡Sigue leyendo!

El pasado 10 de abril se ha inaugurado en el Palacio de Gaviria la exposición Duchamp. Magritte. Dalí. Revolucionarios del siglo XX, una de las exposiciones de arte contemporáneo más importantes de Madrid. En esta ocasión, la propuesta que nos ofrece la empresa Arthemisia Group, Art Projects y Fondazione Cultura e Arte engloba un conjunto de más de 180 obras  de  los grandes artistas surrealistas y dadaístas, que en su mayoría proceden de las colecciones del Museo de Israel en Jerusalén. Piezas de Dalí, Magritte, Man Ray, Duchamp, Tanguy…forman parte de esta rica que colección que se formó a partir de la donación de 800 obras por parte del académico, poeta y marchante de arte milanés Arturo Schwarz.

MUCHO MÁS QUE ARTE

La exposición ahonda en el contexto y los postulados de los movimientos del Surrealismo y el Dadaísmo a través de obras de todo tipo: pintura, escultura, objetos…todos aquellos medios que estos revolucionarios del siglo XX utilizaron para difundir sus ideas y representar las particularidades de su tiempo.

Surrealismo y Dadaísmo se encuentran entre los movimientos más trascendentes de nuestra era. En su momento surgieron como una repuesta al arte tradicional, en un contexto de posguerra, en la que se utilizaban nuevos materiales y recursos visuales innovadores que poco a poco fueron transformando el vocabulario tradicional del arte. Pero fueron mucho más que un movimiento estético de experimentación formal, sus numerosos textos, manifiestos y proclamas los sitúan como movimientos ideológicos e intelectuales universales. Su particular forma de ver y entender el mundo traspasó fronteras y tuvo correspondencia en países de todo el mundo.

Par poder comprenderlos, es necesario sumergirse en su época, abrir la mente y dejarse llevar…

LOS GRANDES REVOLUCIONARIOS

La exposición se divide en cinco secciones que hacen alusión a los diferentes conceptos que engloban estos movimientos.

  1. EL DESEO, LA MUSA, LA VIOLENCIA

En la primera sección se abordan temas como el deseo y el subconsciente. Después de la Primera Guerra Mundial, el concepto del deseo adquirió gran protagonismo en el arte, que se convirtió en el medio perfecto para expresar las fantasías de los artistas. La liberación de la lívido se convirtió en una proclama de libertad de expresión, una respuesta hacia la censura política y social de los regímenes totalitarios. A esto contribuyeron decisivamente las teorías de Sigmund Freud sobre la sexualidad y el subconsciente, siendo las mismas una fuente primordial para la liberación de todos estos sentimientos a través del arte. Artistas como Dalí, Picasso o Man Ray fueron algunos de los que experimentaron con estos conceptos, ejemplificados en la muestra por algunas de sus obras maestras. En el caso de Man Ray, a través de una serie de fotografías en blanco y negro entre las que se encuentra Negro y Blanco o la famosa fotografía de la Calavarera de Dalí realizada con los cuerpos de mujeres desnudas inmortalizada por Philippe Halsman.

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Man Ray.Negro y Blanco, 1926

  1. YUXTAPOSICIONES MARAVILLOSAS

La experimentación material es uno de los capítulos más importantes en la historia de estos movimientos. La utilización de materiales ready-made en collages, objetos y montajes de todo tipo tenía como objetivo destruir la frontera entre el arte y la vida. Recurso que ya había utilizado la pintura cubista dándole protagonismo a los objetos de la vida cotidiana, este concepto adquiere una nueva dimensión que ofrece asociaciones de objetos inesperadas que impactan y acaparan irremediablemente nuestra atención. Esta es una de las salas más variopintas de la exposición, en las que las obras de artistas como  Kurt Schwitteers, André BretonHannah Höch nos transportan a un mundo onírico a través de piezas cotidianas. También en esta sección se peuden observar algunas piezas icónicas de uno de los padres del dadaísmo, Marcel Duchamp, presente a través de su famoso Secador de Botellas o su Rueda de Bicileta.

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Marcel Duchamp junto a su obra Rueda de Bicicleta

  1. AUTOMATISMO Y SUBCONSECIENTE

Los artistas adscritos al movimiento surrealista, tanto en su versión plástica como en la creación literaria, desarrollaron métodos automáticos para eludir el control de la consciencia y liberar el vasto mundo del subconsciente. Este automatismo es un reflejo del gran impacto que tuvieron las nuevas técnicas y avances que se habían producido en el ámbito de la psiquiatría y especialmente las de Sigmun Freud.

En esta sección de la muestra se pueden ver ejemplos de obras creadas a través de estos mecanismos, entre las que destaca una pequeña sección dedicada a Joan Miró.También se pueden apreciar los “dibujos automáticos” de Jean Arp y André Masson y los frottages (frotados) y grattages ( raspados) de Max Ernst. Además, algunos fotógrafos como Man Ray desarrollaron técnicas como la solarización, los fotogramas y los efectos aleatorios para crear misterio y ambigüedad.

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Joan Miró. Pájaro. 1960.

  1. BIOMORFISMO Y METAMORFISMO

La siguiente sección de la exposición acerca al público a los conceptos de biomorfismo y metamorfismo, que también han sido claves para el desarrollo de los nuevos movimientos de vanguardia del siglo XX. Aunque puedan parecer difíciles de comprender, estos conceptos se basan fundamentalmente en la preferencia de imágenes orgánicas, cargadas de reminiscencias de la naturaleza, e imágenes ambiguas. Estas obras están plagas de plantas, referencias acuáticas, anatómicas y de tipo astrológico. Muchas de estas obras se caracterizan por no establecer unos límites claros entre la abstracción y la figuración, sumergiéndonos en un mundo de sensaciones difícil de explicar. Es el caso de la obra de André Masson, Jean Hans Arp, Victor Brauner o Leonora Carrington, todos ellos representados en la exposición a través de varias obras.

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En esta imagen de la muestra podemos ver la obra de Max Ernst El rey jugando con la reina, de 1944.

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Yves Tanguy. Pintura. 1932

  1. EL PAISAJE ONÍRICO

La última sección de la exposición nos introduce en el mundo de los seuños. La obra de Freud La interpretación de los sueños fue clave para el desarrollo del movimiento surrealista, que en su manifiesto de 1924 recoge cómo en ellos las asociaciones entre ficción y realidad se desarrollan habitualmente en lugares confusos e inciertos.

La plasmación de los sueños y de los lugares en los que se desarrollan fue una práctica muy extendida entre los artistas suerrrealistas, siendo el más conocido en este campo el gran Salvador Dalí. No obstante, la muestra nos ofrece un panorama muy variado para sumergirnos en el mundo onírico, a través de obras de otros artistas surrealistas como Raoul Hausmann, Giorigio de Chirico, Dorothea Tanning, Giorgio Morandi y por supuesto  René Magritte, que cierra con broche de oro la muestra a través de una de sus obras más célebres de paisaje surrealista, El castillo de los Pirineos.

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René Magritte. El Castillo de los Pirineos.1959

Así finaliza una de las muestras más ambiciosas de la temporada, en la que no sólo podremos disfrutar de todas esas obras sino también de una serie de ambientes interactivos que nos invitan a participar activamente de la obra de estos artistas, un bosque onírico, una recreación de la Sala Mae West diseñada por Salvador Dalí…sin duda es una de las mejores propuestas culturales de estos meses en Madrid, y en Parte del Arte no nos la perdemos, así que entre en nuestras web www.partedelarte.com o síguenos en nuestras Redes Sociales ( Facebook, Instagram , Twitter y Youtube) para no perderte ningún detalle sobre las fechas en las que acudiremos con nuestras visitas guiadas. La última semana de mayo tienes una cita con nosotros y  el arte revolucionario ( miércoles 30 de mayo y viernes 1 de junio a las 18.00h.) ¡No te la pierdas! Te esperamos.

 

Rosario Weiss: la discípula olvidada de Goya

¡Ha llegado marzo! El mes femenino por excelencia, ya que el próximo día 8 se celebra el Día de la Mujer Trabajadora .En Parte del Arte nos sumamos a las reivindicaciones con un mes lleno de actividades en Madrid y visitas guiadas de temática femenina, como la  exposición Mujeres Nobel  del Museo Nacional de Ciencias Naturales, nuestra ruta “Mujeres en la literatura” por el Barrio de las Letras, y una visita muy especial a la muestra sobre Rosario Weiss que organiza la Biblioteca Nacional de España. En ella descubrimos a una artista muy conocida en su tiempo y olvidada con el transcurrir de los años. ¡Sigue leyendo para conocer su historia!

FRANCISCO DE GOYA: UN PARTICULAR PROFESOR DE DIBUJO

La figura de la artista Rosario Weiss ha quedado relegada a un mero apunte dentro de la biografía del gran Francisco de Goya, aunque en realidad fue una de las artistas más valoradas de su tiempo, con una producción artística verdaderamente extensa  y con una calidad excepcional.

Rosario nació en 1814 y fue hija de Leocadia Zorrilla, la última pareja sentimental de Goya,y un banquero judío de origen alemán del que termino separándose. La información que se tiene sobre su vida personal no es mucha, pero su obra y los datos que se conservan nos revelan una personalidad artística verdaderamente interesante que va mucho más allá de su relación con el pintor. Rosario Weiss convivió con el maestro en la Quinta del Sordo desde 1820 a 1824, momento en el que se trasladan a Burdeos. Durante estos primeros años de convivencia, la pequeña Rosario aprendió, a la vez que a escribir, a dibujar con el gran maestro. Goya, consciente de que Rosario era tan solo una niña diseñó un método de aprendizaje más entretenido que el académico y muy poco ortodoxo: él dibujaba pequeños dibujos o composiciones que ella repasaba o completaba, como la imagen que tenemos a continuación, en la que aparece la cabeza de un hombre en la que se pueden apreciar varios trazos, unos leves realizados por Goya y otros más gruesos trazados por Rosario:

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Caricatura masculina, Rosario Weiss y Francisco de Goya.Madrid, 1821-2824.Museo Lázaro Galdiano

Los primeros trabajos de Rosario Weiss están impregnados de este estilo libre de su maestro, con ese trazo nervioso y espontáneo que ha hecho incluso a los expertos dudar sobre quién es el autor de determinados dibujados. Los dibujos de formación de Rosario están dispersos en diferentes colecciones tanto españolas como extranjeras pero se conocen con el nombre de “Albúm Goya-Weiss”, ya que presentan señales de haber pertenecido en el pasado a un único conjunto.

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Lavanderas. Álbum Goya-Weiss.Biblioteca Nacional de España

 

Los rumores de que era hija biológica de Goya siempre estuvieron ahí, aunque por la documentación conservada y el hecho de que Goya no le dejase nada en su testamento a pesar de tenerle mucho aprecio demuestran que su buena relación sólo fue fruto de la convivencia.

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Leocadia Zorrilla. Francisco de Goya

UN CAMBIO DE ESTILO: LA FORMACIÓN DE ROSARIO EN BURDEOS

A partir de 1824 Goya junto con Leocadia y sus hijos se establecen en Burdeos. Parece ser que la vida que Rosario Weiss llevaba en Burdeos junto con Goya y su madre era de tipo familiar, era habitual verles juntos en el teatro o en el circo, tema que interesó a ambos artistas y que reflejaron en sus respectivas obras. Pero también Burdeos supuso para Weiss la oportunidad de conseguir una formación académica, ya que el método con el que había aprendido de Goya no era precisamente ortodoxo y el estilo también era muy particular. Goya era consciente de ello y siempre intentó que Rosario tuviese una formación más académica, tal y como prueban algunos documentos en los que se aprecia la intención de enviar a Rosario a París y en el hecho de que el verano de 1824 Rosario lo pasase bajo la tutela del arquitecto Tiburcio Pérez Cuervo, momento en el que realiza algunos interesantes dibujos de arquitectura.

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Rosario Weiss, Estudio de columna salomónica. Madrid, 1824.Museo del Romanticismo

También en Burdeos Rosario consigue entrar en una escuela pública y gratuita de dibujo, la escuela de Pierre Lacour donde empieza a adoptar un nuevo estilo, muy generalizado en la Francia de la época y cercano a la obra de Ingres. A partir de este momento la obra de Rosario Weiss empieza a cambiar para adaptarse a las circunstancias de su vida.

En la obra que podemos ver a continuación se puede apreciar cómo Rosario aprendió, en esta escuela, la técnica de la litografía, que llegaría a dominar de una manera extraordinaria. En esta litografía, además, Rosario demuestra sus inclinaciones políticas.

Tras el triunfo de la Revolución Liberal en Francia, Espoz y Mina organizó en julio de 1830 un ejército de exiliados españoles , entre los cuales se encontraba el hermano de Rosario, para derrocar la Monarquía Absoluta de Fernando VII. Tras su derrota, los supervivientes fueron confinados en campamentos en Francia. Esta estampa presenta una alegoría en la que España es liberada del Absolutismo por el general Espoz y Mina.

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Rosario Weiss, El Genio de la Libertad.París, hacia 1831.Litografía.Blibliothèque municipale de Bordeaux

GRANDES CONQUISTAS: ARTISTA, MUJER Y PROFESIONAL

Tras la muerte de Goya, Leocadia Zorrilla y Rosario se vieron absolutamente arruinadas y desprotegidas, ya que no figuraban en el testamento del pintor. En 1830 regresan a Madrid, donde Rosario tendrá que ponerse a trabajar duramente para mantener a su familia. Es el momento en el que se convierte en copista en el Museo del Prado y en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde consigue convertirse en la primera mujer académica de Mérito de la Academia. El cuadro con el que consigue tal reconocimiento es la imagen de la Virgen de la Contemplación.

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Rosario Weiss. Virgen de la Contemplación.Madrid.1840.Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

El nombre de Rosario Weiss era conocido y respetado en Madrid, ya que se movió siempre en círculos intelectuales, especialmente el del Liceo Artístico y Literario, del que fue un miembro muy activo. En esta etapa la producción de Rosario es muy variada: cultivó mucho el dibujo pero también desarrolló excepcionales dotes para la pintura a través de las copias y realizó numerosas litografías.

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Rosario Weiss.Francisco de Goya ( copia de Vicente López).Madrid, 1834. Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

UNA VIDA TRUNCADA.LA PREMATURA MUERTE DE ROSARIO WEISS

Además del título de académica de mérito, Rosario Weiss alcanzó otro gran reconocimiento  profesional en 1842, cuando gracias a los contactos con intelectuales liberales de su hermano Guillermo Weiss consigue convertirse en la profesora de dibujo de la infanta Isabel (futura Isabel II) y de su hermana Luisa Fernanda, lo que le permitía tener un sueldo fijo y una mayor estabilidad económica. Sin embargo, fue muy poco tiempo el que pudo disfrutar de su nueva condición, ya que en 1843 fallecerá de cólera, cuando tan sólo contaba con 29 años de edad, quedando así truncada una gran carrera artística que prometía grandes éxitos en el futuro.

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Rosario Weiss, Alegoría de la Atención ( autorretrato).Madrid, 1842. Museo del Romanticismo

A pesar de la brevedad de su vida, Rosario Weiss nos ha dejado una producción artística  muy extensa, de una calidad extraordinaria  y cargada de pequeños detalles que ensalzan la figura de la mujer: grandes artistas del mundo musical de la época, figurines de moda que leen libros…símbolos de que Rosario Weiss estaba orgullosa de ejercer una profesión que en su época era de hombres. Conocer y poner en valor su figura a través de visitas guiadas a esta exposición en la Biblioteca Nacional de España es una de las propuestas que Parte del Arte te propone con motivo del Día Internacional de la Mujer Trabajadora. Si no te quieres perder esta muestra reserva tu plaza el día 14 de marzo a las 11.00h.

Y si quieres apuntarte a otras actividades del Día Internacional de la Mujer Trabajadora ¡apunta!

– Visita Guiada a la exposición Mujeres Nobel en el Museo Nacional de Ciencias Naturales. Miércoles 7 de marzo a las 12.00h.

-Ruta temática por el Barrio de las Letras “Las mujeres en la literatura”. Viernes 9 de marzo a las 18.00h, miércoles 14 de marzo a las 11.00h. y miércoles 21 de marzo a las 11.00 y a las 17.30h.

Puedes hacer tus reservas escribiendo info@partedelarte.es/ o en el 645438576

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Parte del Arte

 

Mucho más que zapatos, el universo Blahnik

En Parte del Arte empezamos el año 2018 con las mejores visitas guiadas de Madrid. Si quieres una experiencia única apúntate a una visita guiada a la exposición de Manolo Blahnik que el Museo Nacional de Artes Decorativas acoge en la actualidad dedicada a la figura del diseñador Manolo Blahnik.

La muestra está organizada por Vogue España en colaboración con el museo y también con el propio equipo de Blahnik, que se trasladó desde Londres exclusivamente para el montaje de la exposición, que con anterioridad ha estado en otras sedes de gran categoría: el Palazzo Morando de Milán, seguido por el Museo del Hermitage en San Petersburgo y el Museo Kampa en Praga.

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Selección de zapatos en una de las vitrinas de la exposición

El objetivo de la exposición es mostrar las obsesiones, fuentes de inspiración e influencias que Blahnik ha recibido a lo largo de su trayectoria y que se proyectan de forma directa en sus zapatos.

La primera sección está dedicada a la figura de Blahnik, su taller y los materiales que utiliza. Blahnik es considerado en la actualidad como el mejor diseñador de zapatos del mundo y sus diseños son internacionalmente conocidos. Además de un talento innato para el diseño, los materiales que utiliza son de lo más original y exclusivo: encajes venecianos, sedas, otomán, diferentes pieles de animales…que los convierten en pequeñas obras de arte de un valor artístico y material incalculable.

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Algunos de estos materiales son muy sorprendentes, como esta bota realizada en piel de cordero de Mongolia

La segunda sección de la exposición está dedicada al mundo de la arquitectura y del arte, toda una fuente de inspiración para Blahnik, sobre todo la arquitectura racionalista y sus sistemas constructivos son una base muy útil para él, ya que algunos parecen pequeñas construcciones en las que todo tiene que estar perfectamente calculado. Muchos de estos diseños están inspirados en edificios concretos de arquitectos muy relevantes de la historia.

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Dos modelos de zapatos inspirados en el gran impulsor del modernismo vienés Joseph Hoffman

Además, el mundo del arte también ha sido una gran fuente de inspiración, sobre todo las vanguardias artísticas son especialmente evidentes en los zapatos que se muestran en la exposición: Picasso, Matisse, Sonia Delaunay, Kazimir Malevich…todo un mundo de colores y formas que hacen las delicias de todos los visitantes de la exposición.

 

En primer lugar, podemos ver una sandalia “arquitectónica” inspirada en Piet Mondrian y un zapato modelo “pump” inspirado en la pintura de Pablo Picasso.

El siguiente apartado de la exposición está dedicado al mundo de la botánica, otra de sus grandes pasiones: flores de todo tipo, algas, plantas marinas, pequeñas cerezas, fresas….se funden en el diseño de los espectaculares modelos que salen de la mente de Blahnik. En alguno de ellos, incluso, se cuela algún animalito.

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Dentro del montaje de la exposición se puede apreciar en diálogo con los zapatos algunas piezas del Museo Nacional de Artes Decorativas de Madrid que, cuidadosamente escogidas, crean ambientes únicos para los visitantes

A continuación, una extensa sala nos lleva de viaje junto con Blahnik a la Rusia de Catalina la Grande, a la época victoriana inglesa, a África, a las culturas esquimales, a Japón…ninguna estética se le resiste y es capaz de capturar toda la esencia de un territorio en algo tan pequeño como un zapato.

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Modelos inspirados en la cultura esquimal

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Visita guiada de Parte del Arte a la exposición, en la que nuestros guías complementan las explicaciones con imágenes de apoyo en soporte digital

Una de las secciones más espectaculares de la muestra es la dedicada a Maria Antonieta, la película de Sofía Coppola, para la cual Manolo diseñó una serie de espectaculares zapatos. Calzar a la Maria Antonieta de Copppola fue uno de los grandes retos del diseñador, que llevó a cabo una gran labor de documentación para diseñarlos, consiguiendo este espectacular resultado:

 

Milena Canonero fue la que encargó a Blahnik la realización de estos espectaculares zapatos, que reflejan el lujo de la corte francesa del siglo XVIII

El segundo piso del museo, acoge la segunda parte de la exposición, en la que podemos ver varias salas, una dedicada a la influencia de la cultura española, en la que se pueden apreciar modelos con claras referencias estilísticas a nuestro país como el color rojo y amarillo  colores y diseños que recuerdan a artistas españoles e incluso piezas con reminiscencias de la arquitectura española.

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Modelo Madrid, inspirado en los trajes de Goyescas

Otro apartado aborda las obsesiones de Blahnik y sus aficiones: el cine italiano, la literatura, personajes históricos como Carlo Magno y literarios como Madamme Bovary…todos tienen cabida en este universo tan alabado por la crítica.

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Sala dedicada a las obsesiones de Blahnik durante una visita guiada de Parte del Arte

La penúltima sala de la exposición es la más lujosa de todas y está dedicada los zapatos de gala, en los que Blahnik siempre ha mostrado una gran fidelidad a su estilo: tacones altos y cada vez más estilizados, puntas suaves y redondeadas y un gran derroche de materiales como sedas, piedras preciosas…un verdadero deleite

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Una de nuestras guías en la sala “gala” de la exposición durante una visita guiada

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El modelo Peperoncino es uno de los que más piedras preciosas contiene: amatista, rubelita y diamante de Bvlgari

Para finalizar la exposición, nos encontramos una sala dedicada a Vogue, la anfitriona de la exposición y una publicación verdaderamente decisiva para Blahnik. En esta sala podemos ver modelos muy dispares de Blahnik, desde zapatos clásicos, elegantes para cualquier ocasión a zapatos completamente deconstruidos fruto de la experimentación formal y de materiales.

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En el centro podemos ver el modelo  HANGISI, uno de los más famosos en los últimos tiempos por aparecer en la película Sexo en Nueva York

Además, en esta sala se pueden contemplar algunas de las fotografías de Vogue realizadas por los mejores fotógrafos de moda del mundo que reflejan en su máximo esplendor los zapatos de Blahnik en los pies de grandes modelos como Tina Chow, Linda Evangelista o Kate Moss.

Asistir con Parte del Arte a una visita guiada a esta exposición es un viaje al interior del diseñador, su mente, sus inspiraciones, su forma de ver el mundo…cuando salgas no sólo habrás visto zapatos, habrás visto literatura, pintura, arquitectura… ¿ te la vas a perder? Entra en nuestra página web y consulta las fechas de nuestras visitas guiadas a esta y otras exposiciones de Madrid.

¡Te esperamos!

 

80 AÑOS DE GUERNICA ¿Cuál es su significado?

En mayo y junio visitaremos en Parte del Arte la gran exposición del año: Piedad y terror en Picasso. Un camino hacia Guernica, la gran muestra que ha organizado el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía para conmemorar el 80 aniversario del el gran lienzo.

Realizaremos visitas guiadas por especialistas en arte para adentraros en la mente de Picasso: conoceremos su forma de entender el tiempo en que vivió, sus preocupaciones y las motivaciones que le llevaron a crear una de las obras más icónicas de toda la historia del arte.

Y para ir abriendo boca, en BaluArte os damos algunas claves para conocer los símbolos del cuadro.

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A lo largo de sus más de 7 metros de largo y 3 metros de alto se suceden numerosos personajes formando una composición triangular cuyo vértice es la lámpara y la base el cuerpo del hombre muerto. Las figuras son fruto de un lenguaje que Picasso fue madurando a lo largo del tiempo, por lo que las reminiscencias a épocas anteriores de su producción se pueden ver de una forma clara en el gran lienzo. Pero, ¿ qué nos quiere decir cada personaje? ¡Sigue leyendo!

1. EL TORO

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En las décadas anteriores al Guernica el toro fue un animal muy reproducido por el pintor. La interpretación más generalizada que se ha hecho de la imagen del toro es que Picasso lo introduce como un símbolo de brutalidad y oscuridad. Representa ese concepto a la vez que el reostro del animal pierde simetría como muestra de aturdimiento y pánico, siendo también identificado en muchas ocasiones como un autorretrato del propio Picasso.

Sin emnargo, el toro puede aludir a otras cuestiones. Cuando Picasso iba a acomenzar a pintar el Guernica no sabía muy bien cómo empezar, por lo que su amigo el escritor Larrea le dijo estas palabras:

Imagínate a un toro, en medio de una plaza, al que han estado hiriendo sin piedad. El dolor del toro es tan intenso que logra escapar del ruedo y entra, furioso, en una tienda de porcelanas, donde hay delicadas figuras de todo tipo, personas, animales… El toro se desahoga en el interior de la tienda. Cuando se haya marchado ¿te imaginas cómo habrá quedado la tienda? Pues así, más o menos, está ahora la villa de Guernica”.

Si miramos el lienzo pensando en estas palabras resulta totalmente coherente, el toro, simbolo de fortaleza, asustado, y los seres humanos frágiles y aterrorizados.

2. MADRE

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El motivo de la madre con el hijo muerto tiene numerosos ejemplos en la Historia del Arte, sobre todo en la historia cristiana, donde el tema iconográfico de la Piedad ha sido reproducido en infinidad de ocasiones. En este sentido, Picasso se inspira en ese tipo de composición triangular en cuyo vértice se sitúa la cabeza de la madre, que con un grito desgarrador y una contorsión del cuello pide clemencia, mientras que su hijo fallecido aparece representado con los ojos vacíos, sin pupilas, creando así una imagen más potente de la muerte infantil.

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La Piedad de Miguel Angel, icono de la escultura universal y en la que se puede ver la disposición triangular que utiliza Picasso en Guernica

3. EL SOLDADO MUERTO

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Resulta muy curioso que un cuadro dedicado a un motivo bélico tenga tan poca presencia masculina o tan pocas referencias de tipo militar. A pesar de que Picasso quería centrarse en las víctimas inocentes del suceso también introdujo esta figura de un soldado, símbolo de aquellos que lucharon por una causa y fallecieron. La figura muerta aparece mutilada, con un brazo separado del cuerpo que porta una espada rota, símbolo de la derrota. En palabras de Calvo Serraller, el soldado queda convertido en una escultura rota y mutilada.

Ejemplo de que Guernica es, en definitiva, el resultado del lenguaje personal de Picasso, podemos ver cómo el tema del brazo mutilado lo podemos ver en otro contexto completemente diferente, en sus bodegones de los años 20, por ejemplo, en los que incluía vacíados de yeso de esculturas antiguas. En este cuadro que os mostramos a continuación de puede ver de forma clara:

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Mandolina, frutero y brazo de yeso, 1925

Junto al brazo encontramos una flor, la cual representa la esperanza de un mundo nuevo y mejor.

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4. LA PALOMA

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La paloma casi se confunde con el fondo. Apenas visible lanza al aire un grito de agonía que simboliza una paz rota.

5. EL CABALLO

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Es la figura central de la obra. Aparece medio degollado con una gran estaca clavada en el centro de su lomo, se retuerce de dolor creando una unidad y conexión con la disposición de la cabeza del toro. El caballo ha sido interpretado habitualmente como un símbolo del sufrimiento del pueblo. En su cuerpo presenta unas líneas que en muchas ocasiones se han interpretado como las letras de un periódico, lo que algunas personas han identificado como un periódico, y por tanto, como un instrumento de propaganda política.

6. LÁMPARAS

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La representación de la lámpara nos ayuda a situar la escena, es decir, lo que vemos se está desarrollando en un interior. Picasso consideraba los interiores como su lugar de máxima inspiración ( la mayor parte de su producción artística anterior a Guernica se había desarrollado entre cuatro paredes) y esta lectura del bombardeo desde un interior le da una lectura marcadamente doméstica. La lámpara principal a menudo se ha asimilado al Sol o a una divinidad por su forma de ojo “ que todo lo ve”, mientras que la lámpara de queroseno que sujeta la mujer se ha relacionado con la República y la mujer la sostiene para observar aterrorizada todo los que está sucediendo a su alrededor. Además, la mujer se lleva la mano al pecho, como gesto patriótico.

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7. LA MUJER QUE HUYE

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Esta imagen es una de las que estilísticamente están más vinculadas con la producción anterior de Picasso. Una mujer desesperada que intenta huir del desastre, arrastrando su hinchada pierna en un movimiento de gran lentitud. Una imagen que simboliza la imposibilidad o dificultad de los protagonistas de la escena de escapar a su destino.

8. EL HOMBRE EN LLAMAS

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El hombre en llamas es otra de las figuras que podemos ver en Guernica como símbolo del horror, representando a todas aquellas víctimas de las bombas incendiarias. La disposición de la figura tiene numerosos preceentes en la obra de Picasso ( brazos deformados que se alzan en diferentes contextos) pero la figura con la que más se ha relacionado el hombre en llamas del Guernica por la similitud de la temática es con el famoso cuadro de los Fusilamientos del dos de mayo de Francisco de Goya, que al igual que este personaje alza la mirada pidiendo piedad.

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Detalle de la figura central de Los fusilamientos del dos de mayo de Francisco de Goya

El bombardeo de Guernica ha dado la vuelta al mundo gracias al cuadro de Picasso, pero esta gran obra maestra es mucho más, es la condensación de una iconografía propia y personal y es un canto de protesta ante la guerra. El título es sólo casual, ya que los horrores de la época de Picasso no se limitaron al contexto de la Guerra Civil Española.

El bombardeo de Guernica ha dado la vuelta al mundo gracias al cuadro de Picasso, pero esta gran obra maestra es mucho más, es la condensación de una iconografía propia y personal y es un canto de protesta ante la guerra. El título es sólo casual, ya que los horrores de la época de Picasso no se limitaron al contexto de la Guerra Civil Española.

José María Ucelay, Director General de Bellas Artes del Gobierno Vasco reconoció que no se trataba de un lienzo que representase de forma concreta el bombardeo de Guernica utilizando estas palabras:

“Fíjese bien, si yo le digo ahora mismo que este cuadro se titula Sodoma y Gomorra y usted no supiera de que obra se trata ¿ verdad que no le resultaría incoherente?”

Un símbolo universal de lucha contra los abusos de los conflictos armados que sigue estando más vivo que nunca.

Si quieres conocer más a fondo Guernica no dudes en apuntarte a las visitas guiadas que en Parte del Arte organizamos a esta magnífica exposición del Museo Reina Sofía. Tienes todos los detalles en www.partedelarte.com

Esther Arce Bayón