Rebeldía, Color, Espíritu: Expresionismo Alemán

Una semana más en Parte del Arte os acercamos las exposiciones más interesantes que se han inaugurado en nuestra ciudad y que, por supuesto, incluimos en la programación de nuestro curso Exposiciones y Colecciones de Madrid.

En esta ocasión os hablamos de la reciente muestra del Museo Nacional Thyssen- Bornemisza que lleva como título “Expresionismo Alemán en la colección del Barón Thyssen-Bornemisza”. Lo cierto es que se trata de una muestra que estaba prevista para abril pero que, dadas las circunstancias sanitarias, finalmente se ha adelantado. Se inauguró el pasado 27 de octubre y uno de los aspectos más significativos es que con ella el museo arranca toda una serie de eventos programados para celebrar el “Año Heini” ya que, en 2021, se cumplirán 100 años del nacimiento de Hans Thyssen-Bornemisza, el barón fundador del Museo y uno de los coleccionistas más importantes del siglo XX.

El museo ha organizado una gran fiesta con un escenario de lujo repleto de colores vivos y llamativos, toda una explosión de color que nos harán disfrutar de esta muestra y acercarnos a la historia del Barón y de su pasión por este arte que, como os vamos a contar, fue el pistoletazo de salida para una de las colecciones de arte moderno más importantes del siglo XX. Además, a esta celebración no ha querido faltar nadie, y por ello, la exposición nos muestra obras que pertenecen a la propia colección del Museo y obras que pertenecen, por un lado, a Carmen Thyssen y, poro otro, a las colecciones privadas de sus hijos Francesca y Alexander, unas pinturas que nunca se habían mostrado al público en nuestro país.

Pero ¿cuándo se interesó el barón en este tipo de pintura? En mayo de 1961 el barón visitó una subasta de arte en Stuttgart y allí se quedó fascinado con una acuarela del pintor expresionista Emile Nolde. Esta joven pareja pintada entre 1931 y 1935, despertó en el Barón un interés que hacía tiempo que no sentía. Acostumbrado a la colección de su familia, centrada en pintura antigua (sobre todo renacentista y barroca) llamaron su atención las figuras silueteadas, la gama audaz de colores tan contrastada que creaba una atmósfera de tensión entre los personajes, por lo que decidió comprarla.

Emile Nolde. Joven Pareja (1931-1935) Parte del Arte

“Mi padre despreciaba el arte moderno. Siempre decía que el arte se había terminado al final del siglo XVIII y cuando yo era joven, me lavó el cerebro, me hizo pensar como él durante mucho tiempo”.

Hans Heinrich “Heini” Thyssen-Bornemisza

Como podéis imaginar, este nuevo camino que “Heini” iniciaba no gustó especialmente a su familia, y fue entonces cuando decidió rebelarse contra su padre. Esta rebeldía tan presente en la exposición provocó que, a partir de 1947, tras la muerte de su padre y cuando hereda la fortuna, empresas y colección de arte, decida iniciar un nuevo camino con una colección mas moderna, abierta e internacional cuando tenía ya unos cuarenta años.

“Empecé a pensar que, si los primeros años del siglo XX habían producido tantas cosas importantes en la ciencia, en la técnica y en otros campos, el arte de esa época tenía que ser también interesante”.

Hans Heinrich “Heini” Thyssen-Bornemisza

En este sentido fueron fundamentales amigos como Stavros Niarchos y David Rockefeller, que también coleccionaban arte moderno. Se sintió más cercano a ellos que a su familia y lo que había significado. Él no quería ser un gran magnate como su padre y su abuelo, ni tampoco mantener el carácter conservador de ambos. A él le interesaba el mundo moderno, y por eso fijó uno de sus primeros objetivos en el conocimiento del Expresionismo Alemán, tachado de arte degenerado por la Alemania del Tercer Reich.  

La exposición nos muestra muy bien todo este contexto político, histórico y social. Lo hace a través de las obras expuestas ya que se da a conocer el viaje y el contexto que ocupan desde que salen de los talleres de los artistas hasta que llegan a la colección. Además, no sigue un orden cronológico, sino temático, que ayuda a reforzar la comprensión del momento en el que se constituye esta colección.  Por supuesto, os contamos algunas claves de esta fantástica muestra:  

LOS ARTISTAS: PROCESOS DE CREACIÓN

“El expresionismo es una droga, es como si este arte te gritara, te bombardea con efectos y te provoca una excitación nerviosa como la de la música moderna”.

Hans Heinrich “Heini” Thyssen-Bornemisza

Sin duda, estas palabras del barón describen muy bien el sentimiento que compartían todos los artistas del movimiento: una misma forma de entender que el arte parte de la visión interior del artista y que ya no busca imitar una realidad, sino crear una nueva. Los artistas del grupo Die Brücke (el puente) o del Blaue Reiter (Jinete Azul) entendieron sus talleres como un laboratorio de nuevas ideas, decorado con esculturas cercanas a las de los pueblos primitivos, batiks estampados o muebles rústicos fabricados por ellos mismos.

Ernst Ludwing Kirchneer. Fränzi ante una silla tallada. 1910. Museo Nacional Thyssen Bornemisza. Parte del Arte.
Ernst Ludwig Kirchner. Cocina alpina, 1918. Museo Thyssen Bornemisza. Parte del Arte

REFERENTES

Los artistas expresionistas buscaban reivindicar una era preindustrial pura y sin contaminar, volviendo a representar exteriores o inspirándose en los referentes culturales de aquel tiempo como Munch. Por eso, en esta exposición encontramos obras de este novedoso y colorido estilo junto a, por ejemplo, pinturas de Van Gogh (Les Vessenots en Auvers, 1890) o Gauguin (Idas y venidas, 1887) Así, la exposición pretende para mostrar el interés que despertaron en ellos estos pioneros de la modernidad, cuya obra pudieron conocer de primera mano a través de publicaciones y exposiciones.

Izq: Vincent van Gogh. Les Vessenots en Auvers, 1890. Dcha: Erich Heckel Casa en Dangast (La casa blanca), 1908. Parte del Arte.

EXTERIORES

Uno de los aspectos más importantes para este movimiento de vanguardia fue el paisaje, objeto de múltiples obras. Y es que, para estos expresionistas, la relación entre el hombre y la naturaleza, como muy bien muestra la obra de Franz Marc (El sueño, 1912) fue fundamental para el desarrollo de su producción. El paisaje se transformó en su estudio al aire libre, donde
les llevo a una búsqueda incesante de lo originario y pueblos primitivos.

Karl Schmidt-Rottluff El pueblo de Dangast, 1909. Parte del Arte.
Ernst Ludwig Kirchner Paisaje con castaño, 1913. Parte del Arte.
Karl Schmidt-Rottluff Reflejo de nubes, 1936. Parte del Arte.

LA DIFUSIÓN DEL NUEVO MOVIMIENTO

Wassily Kandinsky Pintura con tres manchas, n. 196, 1914. Museo Thyssen Bornemisza .

La mayoría de estos artistas expresionistas escribieron manifiestos y organizaron muestras programáticas como vehículo de divulgación de sus ideas artísticas y poco a poco fueron alcanzando cierto reconocimiento de crítica y público. En estas salas se reúnen algunas de las obras que acabaron formando parte de la colección Thyssen y que fueron incluidas en las primeras exposiciones tanto colectivas como individuales del Jinete Azul; como por ejemplo la Vista de una plaza (1912) de Paul Klee o la pintura con tres manchas (1914) de Kandinsky.

Sin embargo esta creciente difusión pública de los expresionistas se vio interrumpida con el inicio de la Gran Guerra. Hacia 1913 el grupo inicial del Brücke ya se había dispersado y cada artista siguió su trayectoria por separado; Macke y Marc fallecieron en el frente; Kandinsky volvió a Rusia; Jawlensky se refugió en Suiza… Una década después, muchas de ellos como Kandinsky o Klee se desplazaron a Dessau para trabajar en la Bauhaus y otros como Grosz o Max Beckmann se dedicarían a mostrar en su obra la descomposición de la sociedad alemana.

Sala de Exposición con la Pintura con tres manchas de Kandinsky al fondo. Parte del Arte.

LA POLÍTICA: PERSECUCIÓN Y ESTIGMATIZACIÓN

Como ya hemos mencionado, uno de los aspectos que más llamaron la atención de Heini Thyssen fue el colorido y la fuerza expresiva de la pintura expresionista, pero también le persuadió las razones políticas del movimiento.

Debemos tener en cuenta que el ascenso de Hitler al régimen nacionalsocialista dio lugar a una política de depuración artística que creo conceptos como “arte degenerado”. Se organizaron diferentes exposiciones y varias pinturas que se encuentran hoy en la colección Thyssen formaron parte de aquellos fondos que fueron denigrados. Es el caso, por ejemplo, de la Metrópolis que pintó George Grosz, que fue catalogada como “herramienta de propaganda marxista contra el servicio militar”. Lo cierto es que el recorrido de la obra es muy interesante.

Greorge Grosz. Metrópolis, 1916-1917. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

Fue puesta a la venta directamente por el gobierno del Reich en una polémica subasta en 1939 en la Galerie Fischer de Lucerna, en la que se llegaron a vender más de cien obras incautadas. Metrópolis fue comprada por Curt Valentin, un galerista alemán instalado en Nueva York que rápidamente revendió la obra al coleccionista Herman Shulman. Pero cuando la figura de Grosz estaba asentada y consolidada en América, Curt Valentin volvió a adquirir la obra y poco antes de morir se la vendió a un marchante que, ya en 1978, se la vendería al Barón. Y es que, a pesar del intento de los nazis por pugnar el arte moderno, lo que consiguieron fue que creciera el interés por este arte en el ámbito internacional.

Max Beckmann. Quappi con suéter rosa, 1934-1934. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Lo mismo ocurrió con el pintor Max Beckmann. En esta exposición volvemos a ver a Quappi, una de las grandes obras que posee el museo y sin duda, una de nuestras obras favoritas. Quappi es el reflejo de toda esta época y su proceso de creación nos muestra un mundo que se torna triste e intranquilo. A través del testimonio de Stephan Lackner, el primer propietario del retrato y un buen amigo de Beckmann, sabemos que, en la primera versión, Quappi tenía una sonrisa más amplia. Sin embargo, en el intervalo que había transcurrido entre las dos sesiones, la vida de los Beckmann había sufrido una fuerte transformación. Los nazis habían obligado al pintor a abandonar su cargo de profesor de la academia de Frankfurt y la pareja vivía clandestinamente en Berlín, intentando pasar desapercibida. La sonrisa de Quappi se hizo más pequeña entonces.

LOS MARCHANTES: REHABILITACIÓN Y RECUPERACIÓN

Si hay algo que está muy presente en esta exposición es la figura del marchante. El propio Barón Thyssen encontró en uno de ellos la figura de un mentor, casi de un padre. Se trataba de Roman Norbert Ketterer, subastador y galerista que desde el final de la guerra había trabajado con enorme éxito recuperando el expresionismo alemán y sacándolo al mercado internacional. Él era el albacea de Ernst Ludwing Kirchneer, que pronto se convirtió en el artista favorito de Heini Thyssen. Cuando Ketterer necesitaba dinero, le vendía a Heini alguna obra de su colección. Así es como llegó a la colección, por ejemplo, la obra de Fränzi ante una silla tallada.

Franz Marc. El sueño, 1912. Museo Nacional Thyssen Bornemisza.

El barón Thyssen fue un coleccionista interesado por la historia de los cuadros que adquiría y se sintió especialmente atraído por obras emblemáticas, que contaran con un pasado memorable. El sueño de Franz Marc es sin duda el mejor ejemplo. La obra la encontramos al inicio de la exposición por la referencia a la naturaleza y el color expresivo, pero el recorrido de la pieza es uno de los más interesantes de la historia de la exposición. Fue el mismo pintor quien se lo regaló a Kandinsky y por eso, durante cierto tiempo el cuadro estuvo en Rusia (de 1914 a 1921). Años después, fue seleccionado para la International Exhibition of Modern Art de la Societé Anonyme celebrada en Nueva York y en varias ciudades americanas durante 1926 y 1927. Incluso cuando el barón Thyssen la compró, todavía pertenecía a Nina Kandinsky, segunda esposa del pintor. Y como esta, la exposición muestra el recorrido de diferentes obras que al igual que encandilaron al barón, también ganará al público que la contemple.

LA COLECCIÓN: UNA IMAGEN GLOBAL/INTERNACIONALIZACIÓN

El último de los ámbitos de la exposición nos recuerda la rebeldía del Barón a la hora de iniciarse en el coleccionismo del arte moderno. A través de un mapa muy visual y cronológico descubrimos las adquisiciones de Heini Thyssen y todos los proyectos que llevó a cabo, como por ejemplo la primera muestra de arte expresionista que realizó en Villa Favorita (Lugano, 1989)  y que acabó viajando a ciudades como Washington, Fort Worth y San Francisco.

Los barones Thyssen en la inauguración de la exposición Espressionismo. Capolavori della Collezione Thyssen-Bornemisza en Villa Favorita, Lugano, 1989. Parte del Arte.

Al final de la exposición entendemos el espíritu de libertad que embriagó al barón y que rompió con la tradición académica. El Expresionismo alemán le concedió la licencia de atreverse con todo; en 1963 se atrevió a comprar una obra de Pollock, y en los 70 adquirió dadá, surrealismo, expresionismo abstracto, pop art… De hecho, en términos de cantidad, ha sobrepasado la colección de maestros antiguos.

El coleccionismo fue para Heini la manera de vivir en primera persona y hacer suya la historia del arte, y por suerte, hoy esa historia del arte la podemos disfrutar en el museo y en esta fantástica exposición que estará hasta el próximo mes de marzo en el Museo Nacional Thyssen Bornemisza.

Wassily Kandinsky. La Ludwigskirche en Munich. 1908. Museo Nacional Thyssen Bornemisza. Parte del Arte.

Nos despedimos por hoy. Como siempre, nos encantará leeros y comentar con todos vosotros y vosotras qué os ha parecido la exposición. Ya sabéis que podéis encontrarnos en nuestras redes sociales (Instagram, Facebook y Twitter), nuestra página web y en este Baluarte. ¡Seguidnos para no perderos nada!

¡Feliz Semana!

Invitadas en el Prado

Esta semana en Parte del Arte seguimos hablando de la que, sin duda, es una de las exposiciones más importantes y destacadas del año. Las Invitadas llegaron por fin al Museo Nacional del Prado, a nuestros cursos culturales online y ahora a nuestro particular Baluarte, donde os contamos algunas claves y reflexiones sobre esta interesante y reivindicativa muestra.

Carlos Verger. Falenas. 1920. Museo Nacional del Prado. Parte del Arte.

Invitadas. “Fragmentos sobre mujeres, ideología y artes plásticas en España (1833-1931)” nos lleva de vuelta al siglo XIX y principios del siglo XX para mostrarnos la consideración de la mujer en la sociedad del siglo XIX y la manera en la que se adentra en el mercado artístico. Dice Carlos Navarro, el comisario de la exposición, que Invitadas son “aquellas personas que no eligen cuándo llegan, dónde se sientan y hasta cuándo pueden estar en un lugar”. Y ellas han llegado a las salas del Museo del Prado para hacernos pensar y reflexionar a través de más de 100 obras que se muestran en diferentes secciones cuyos títulos no dejan indiferente.

Las Invitadas que nos reciben en la primera sección son reinas, mujeres que gobernaron y que, con un simple borrón en el lienzo, pensaron que las olvidaríamos. Reinas intrusas (así las nombran en el título de la sección) a las que novelaron, como a Juana de Castilla, de la que nos hicieron creer que había enloquecido de amor pero a la que su propio padre manipuló en su propio beneficio político. Juana la Loca, la reina intrusa, demente y condenada a una vida encerrada en Tordesillas. Y como ella, muchas más.

Francisco Pradilla y Ortiz. La reina doña Juana la Loca, recluida en Tordesillas con su hija, la infanta doña Catalina. 1906. Museo Nacional del Prado.

Las siguientes secciones, el molde patriarcal y el arte de adoctrinar nos muestran a niñas, jóvenes y adultas que fueron educadas bajo los parámetros patriarcales basados en el cuidado y la atención del hogar, sus hijos y sus esposos. Por suerte, allí estuvieron muchas como Emilia Pardo Bazán o Concepción Arenal para reivindicar el papel y la educación de la mujer.

Plácido Francés y Pascual. 1902. El consejo del Padre 1892. Museo Nacional del prado.

En estas secciones llaman nuestra atención obras de gran formato como El Consejo del padre (Plácido Francés y Pascual, 1902), en la que un padre un albañil que ha parado de trabajar para comer está acompañado de sus hijas a las que parece dar consejos, según desvela el título de la obra.  No escuchamos su discurso, las figuras del fondo, que representan una escena galante, nos permiten intuirlo. Descubrimos también como algunas de las obras que concurrieron a los certámenes

oficiales, ademas de girar en torno a esta visión paternalista,estaban dotadas de lo que se calificó como la representación de la “naturaleza emocional” de las mujeres, la cual decían que “formaba parte de su encanto” pero también como una debilidad de su carácter. Esta idea quedó plasmada en obras como en imágenes desenfadadas con títulos que codificaban a la mujer como alegoría de los vicios de la soberbia (Baldomero Gili y Roig, 1908), la pereza o la venganza y que, en ocasiones, revelaban una clara crítica.

Es curioso ver como en la sala siguiente, titulada Brújulas para extraviadas, se da a conocer cómo la Exposición Nacional de 1895 supuso el triunfo de un nuevo subgénero sentimentalista inspirado en los folletines o novelas por entregas: el de las hijas pródigas que, tras haberse dejado seducir por un hombre, volvían a casa implorando el perdón paterno. Pero estas imágenes constituían, en realidad, advertencias educativas para las jóvenes más inconformistas. En los años sucesivos empezaron a exhibirse en los certámenes oficiales obras que denunciaban abiertamente las redes de prostitución y el consecuente proceso de degradación al que se veían sometidas sus víctimas. Miradas como la de la Falena de Carlos Verger (que es imagen de la exposición) fueron incluso adquiridas por el Estado en estos certámenes, legitimizando así el discurso de la mujer caída, mujer descarriada que debía obedecer si no quería terminar como las protagonistas de los cuadros.

Antonio Fillol Granell. La bestia huamana. 1897. Museo Nacional del Prado. Al fondo del sombrío escenario un hombre de apariencia corriente, como la de cualquiera de los espectadores que verían la obra 1897, espera impasible los servicios de la prostituta, una joven vestida de luto a la que una alcahueta termina de convencer.

Poco a poco vemos como desde finales del siglo XIX las imágenes reflejan el marco normativo y moral en el que debía moverse la mujer. Entre ellas, por supuesto, las referidas a la maternidad equiparada entonces a la realización personal femenina. En este tipo de obras, amparadas bajo la sección Madres a juicio, vemos como los artistas representaban entonces las consecuencias de los malos hábitos de los progenitores sobre la salud de sus hijos y su posterior abandono; pero también el drama que para muchas nodrizas del mundo rural suponía el tener que abandonar su casa y a sus propios hijos para atender a los de las familias pudientes de las ciudades. De nuevo, la mujer enjuiciada a través de imágenes aparentemente complacientes se convierte en objeto de la crítica.

Marceliano Santamaría Serrano. El precio de una madre. (A mejorar la raza). 1900. Ayuntamiento de Burgos.

Temas más polémicos como los desnudos (sección 5) y las censuras (sección 6) también se abordan. La Academia de aquel tiempo se inspiraba en los en relatos canónicos, pero muchos de estos temas sólo eran una excusa para justificar la representación de las fantasías y los impulsos de los hombres, enmascarándolos bajo excusas moralizantes que contraponían la castidad a la lujuria o, en el caso de las esclavas y las odaliscas, situando las escenas en remotos y exóticos escenarios orientales.

Concretamente, en la sala dedicada a los desnudos llaman nuestra atención dos obras muy curiosas. En una de las vitrinas encontramos un libro de Álvaro Retana titulado Una niña demasiado moderna. Delirantes extravíos de una ingenua libertina, y en el centro de la sala, imponente, una gran escultura de Gabriel Borrás Abellá representa las Tentaciones de San Antonio con la representación protagonista de una mujer que se muestra ante el ermitaño con poses suntuosos e interpretados como lujuriosos para la crítica del siglo XIX.

Gabriel Borrás Abellá. Las Tentaciones de San Antonio. 191Museo Nacional del Prado.

Continuamos el recorrido y nos vamos preguntando, ¿cuando veremos las obras de las mujeres artistas? Descubrimos a las primeras de la muestra cuando pasamos el ecuador de la exposición, ahí encontramos a las primeras bajo los títulos de náufragas (sección 9) o pintoras en miniatura (sección 11), entre otras. Ellas fueron partícipes de un contexto en el que a imitación de los usos y costumbres aristocráticos, pintar se convirtió en un complemento más –como el piano o el canto– de la formación de toda joven de la sociedad del siglo XIX. Sin embargo, al no tener acceso a las enseñanzas que impartían las Academias de Bellas Artes, la educación artística de las mujeres se limitó a la recibida en las escuelas de dibujo o en los talleres de otros pintores. A pesar de ello, algunas llegaron a exhibir sus habilidades como pintoras aficionadas en las exposiciones públicas, donde la crítica las tachó de “graciosas” o “encantadoras”. Las pocas que llegaron a desarrollar una carrera profesional –provenientes en su mayoría de familias de artistas– se dedicaron principalmente al retrato en miniatura o a la copia de obras, por lo general religiosas pero también bodegones e incluso, aunque en menor medida, retratos. Ellas mismas trataron de profesionalizar su trabajo y buscaron diferenciarse de los copistas varones instaurando el término copiantas (sección 13).

Últimas sala de la exposición. Mujeres artistas. Parte del Arte.

Seguimos el recorrido marcado, y avanzamos hasta llegar a secciones como las “viejas maestras” y las “verdaderas pintoras” o reinas y pintoras que nos llevan siglos atrás, cuando las pintoras se habían representado como las artistas que eran y habían intentado dejar claro su oficio. Se exhibían con elementos que las reconocieran como tales y, sin embargo, a finales del siglo XIX surge la necesidad de representarse a sí mismas como señoras, señalando que ya han pasado los tiempos de lucha y han conseguido un cierto reconocimiento: que eran señoras antes que pintoras, como observamos en la sección 16.

Por suerte, tal y como nos cuenta la última parte del recorrido expositivo, en las últimas dos décadas del siglo XIX la presencia de mujeres artistas en los certámenes públicos aumentó de manera notoria. Parte de la crítica llegó a reconocer la valía de muchas de ellas y juzgó su obra con independencia de su condición de mujeres, al menos en apariencia, porque el mérito y reconocimiento que por ejemplo tuvo Elena Brockmann fue “pintar como un hombre” o el de Antonia Bañuelos fue ser”el mejor pintor de su sexo”. Por suerte, estas últimas secciones nos hablan de aquellas mujeres que consiguieron vencer el sistema de representación artística y se representaron como anfitrionas de sí mismas (última sala, sección 17). En todas ellas se ve el influjo de Rosa Bonheur, que logró convertirse en la primera mujer condecorada públicamente con la Gran Cruz de Isabel la Católica y que parece que nos mira segura, desafiante y orgullosa a través del magnífico Cid en cuerpo de león.

Elena Brockmann de Llanos. Paso de una procesión por el claustro de San Juan de los reyes, Toledo, 1892. Museo Nacional del Prado.

Llegamos al final de la exposición y salimos desconcertadas, felices de verlas y al mismo tiempo con rabia de haber tardado tiempo en que ocupen un lugar destacado en el Museo. Quizá las Invitadas han llegado un poco tarde (y no sólo por la pandemia que ha retrasado su inauguración) pero han llegado pisando fuerte. Sería una gran noticia que se quedaran en las salas del museo, pero como bien nos recuerda el título de la exposición, como Invitadas que son, a finales de marzo se tendrán que marchar. Es evidente que el reconocimiento y el papel de la mujer ha cambiado, por suerte, desde el siglo XIX hasta hoy en día. Pero todavía queda mucho trabajo por hacer y esta gran iniciativa del Museo nos los recuerda.

Ahora es vuestro turno, nos encantará leeros y conversar sobre las sensaciones que habéis sentido al recorrer estas salas. ¡Contadnos!

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¡Feliz Semana!

Invitadas en el Museo del Prado. Parte del Arte

BRUEGHEL: CINCO GENERACIONES DE MARAVILLAS

¿Cómo va el otoño en Madrid? En Parte del Arte seguimos a tope ofreciendo las mejores experiencias culturales : visitas teatralizadas y nocturnas, rutas históricas y por supuesto visitas guiadas a las mejores exposiciones de Madrid. Por ello, hoy queremos hablaros de una exposición que tenemos muchas ganas de guiar  y que estamos seguras que será una de las más exitosas de la temporada.

Se trata de Brueghel. Maravillas del arte flamenco. El pasado 7 de octubre tuvimos el placer de asistir a la presentación de esta gran exposición, organizada por Arthemisia Group  y patrocinada por la Fondazione Terzo Pilastro-Internazionale que tiene lugar en el Palacio de Gaviria de Madrid hasta abril del próximo año. En esta presentación, además, tuvimos la oportunidad de asistir a una visita guiada por el propio comisario, Sergio Gaddi, uno de los grandes expertos en la figura de los Brueghel, quien nos dio las claves fundamentales de la exposición y nos contó infinidad de curiosidades que también os transmitiremos en las visitas. Fue un verdadero lujo escucharle. Por ello, para ir abriendo boca, queremos compartir con vosotros un pequeño aperitivo de lo que veremos en nuestras visitas guiadas a la exposición en el mes de enero.

¡Sigue leyendo!

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Natalia y Esther con Sergio Gaddi, comisario de la exposición

Brueghel. Maravillas del arte flamenco cuenta con más de un centenar de piezas representativas de los Brueghel, una familia cuyo linaje de pintores se extendió a través de cinco generaciones desde mediados del siglo XVI con Pieter Brueghel el Viejo. Todos ellos, hábiles pintores, reflejaron con un lenguaje muy personal toda una época, que se reconstruye a través de sus obras en la exposición. La exposición agrupa las obras, más de un centenar, en torno a los temas que trataron esta dinastía de artistas.

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Sergio Gaddi en la visita guiada de la presentación de la muestra

El primer apartado, titulado El juicio moral, entre la salvación y la condena, arranca con la obra de Pieter Brueghel el Viejo, un artista formado con otro prestigioso pintor, Pieter Coecke van Aelst y que enseguida descubrió y asimiló rasgos de la obra de El Bosco, algo muy patente en muchas de sus obras. Entre los temas contenidos en esta sección se encuentran paisajes con figuras religiosas, de campesinos, escenas de la vida rural en los que introduce una profunda reflexión sobre la condición humana y critica  de forma sarcástica los vicios humanos. Esta forma analítica de ver el mundo marcará la obra de todos sus sucesores.

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Gerard David. Descanso en la Huida a Egipto ( Colección privada)

El segundo apartado de la muestra está dedicado a La Reina Naturaleza, uno de los puntos fuertes de la pintura de Pieter Brueghel el Viejo y también de su hijo Jan Brueghel el Viejo, que fue su principal continuador en este tipo de creaciones. Pieter fue un gran observador de la naturaleza, especialmente le llamaron la atención los paisajes italianos, que plasmó con una habilidad extraordinaria en muchas de sus composiciones, entre las que destacan paisajes a vista de pájaro con un punto de observación extremadamente alto que nos transmite una sensación de inmensidad irreal y que reduce las figuras humanas a elementos diminutos e intrascendentes.

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Pieter Brueghel el Viejo. Paisaje con la parábola del sembrador (Colección privada)

En el siguiente apartado, Soldados y cazadores bañados en luz invernal podemos ver algunas de las copias que el primogénito de Pieter Brueghel el Viejo, Pieter Brueghel el Joven realizó de algunas de las obras más populares de su padre, los paisajes y escenas nevadas. Además de estas piezas se pueden contemplar algunas del imaginario personal de Pieter Brueghel el Joven, en las que que reflejaba la realidad de su tiempo: soldados que matan sin piedad, cazadores que regresan a la aldea, campesinos borrachos, toscos artesanos…con un tono irónico excepcional.

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Pieter Brueghel el Joven. La trampa para pájaros. (Colección privada)

El recorrido de la muestra continua en el gran salón de baile del Palacio de Gaviria y en en él podemos admirar Alegorías, historias maravillosas, una sección en la que podemos admirar la obra de Jan Brueghel el Joven ( hijo de Jan Brueghel el Viejo), que heredó el estudio de su padre. Además de terminar junto con Rubens gran parte de la obra de la obra que su padre había dejado inacabada dedicó gran parte de su carrera a tratar el tema de las Alegorías, tratando de explicar conceptos como el amor, la guerra, los elementos de la naturaleza, los sentidos humanos, la paz… que se hacen corpóreos a través de la figura humana.

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Jan Brueghel el Joven . Alegoría del Amor. ( Colección privada)

En Realtos de viajeros y mercaderes encontramos una pequeña sección dedicada a Pieter Brughel el Viejo y Jan Brueghel el Joven dedicada a las obras y grabados que se popularizaron  a mitad del siglo XVI en Amberes, una próspera ciudad que en estas fechas se había convertido en el nuevo centro económico del mundo occidental y que alumbra una clase media cuyos objetivos eran la riqueza y el éxito. Este nuevo estamento social contribuyó de forma decisiva al crecimiento económico, lo que implicó que el número de artesanos y artistas creciese considerablemente.

A continuación nos encontramos con Gloria y vanidad de la vida silenciosa, uno de los apartados más vistosos de la exposición. En él podemos observar la pintura de género floral y el bodegón de mediados del siglo XVII, que se utilizaba para transmitir un mensaje moral contenido en la idea de la vanitas ( vacuidad, insignificancia), a través de elementos perecederos y alusiones simbólicas de diferentes objetos, sin olvidar el contenido religioso de muchas de ellas vinculado a los ideales contrarreformistas, que despliegan todo un lenguaje floral vinculado con los valores cristianos. Se pueden apreciar obras de Abraham Brueghel, uno de los mejores representantes de esta tendencia.

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Abraham Brueghel. Detalle de Naturaleza muerta con fruta y ave exótica ( Colección privada)

La muestra finaliza con un baile, el Baile de los Pobres, un apartado en el que podemos ver obras de diferentes artistas de la familia Brueghel. Todos ellos fueron grandes observadores y retrataron , como una gran metáfora de la existencia, escenas de la vida cotidiana protagonizadas por campesinos, fiestas de carácter popular, el juego del cortejo, los rituales de matrimonio y las tradiciones transmitidas de generación en generación. La alegría de vivir a pesar de las dificultades se abre ante nuestros ojos como un perfecto broche de oro a una muestra excepcional.

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Pieter Brueghel el Joven. Baile de boda campesina al aire libre. (Colección privada)

¿Con ganas de asistir? Pues no te la pierdas y ven con Parte del Arte a nuestras visitas guiadas en las que una de nuestras especialistas en arte te descubrirá todas las claves, una a una, que se esconden tras las obras de la gran saga de los Brueghel. Para no perderte las fechas síguenos en nuestras redes sociales:  Instagram ( @ Parte_del_arte) Facebook ( Parte del Arte.) y Twitter ( @PartedelArte) y suscríbete a nuestra newsletter en www.partedelarte.com  y te avisaremos de todas las fechas y horarios disponibles.

Además, puedes enterarte de todas nuestras actividades: viajes de fin de semana, visitas teatralizadas y nocturnas, visitas a otras exposiciones temporales de Madrid. ¡Todo lo que busques lo tenemos en Parte del Arte!

¡Te esperamos!

 

 

 

La magia del Renacimiento en los pinceles de Fra Angelico

¿Cómo el verano? Desde Parte del Arte esperamos que muy bien tanto para los que estáis de vacaciones como para los que ya os encontráis de vuelta. Nosotras ya estamos al pie del cañón, realizando rutas nocturnas estos días de verano y diseñando y preparando todos nuestros cursos de arte en Madrid para la temporada 2019/2020. Este nuevo curso tenemos sorpresas y promociones nuevas que hemos preparado con la ilusión, el rigor y la profesionalidad que nos caracteriza. Para no perderte nada entra en nuestra web www.partedelarte.com y suscríbete a nuestra newsletter, en la que te informaremos de novedades, visitas especiales, promociones…

¿Te unes a nuestra comunidad?

En Parte del Arte estamos siempre en contacto con las tendencias culturales y os ponemos en conexión con los eventos y exposiciones más significativos de Madrid. Uno de los acontecimientos más importantes de este año es el de la celebración del bicentenario del Museo del Prado, para la cual la pinacoteca ha organizado excelentes exposiciones, como Velázquez, Rembrandt y Vermeer. Miradas afines, de la que os hablábamos recientemente en nuestro blog ( puedes leer el artículo aquí), que guiaremos en el mes de septiembre (más info aquí) y la muestra Fra Angelico y los inicios del Renacimiento en Florencia, de la que haremos un seminario y una visita acompañada el próximo mes de septiembre.

fra_angelico_visitas_guiadas_parte_del_arte.jpgDetalle de Historia de los padres del desierto. Fra Angelico ( Florencia, Galería de los Ufizzi). 1419-1420.

UNA MUESTRA AMBICIOSA

Teniendo en cuenta que este año no es un año cualquiera para el Museo, las exposiciones que podemos contemplar enmarcadas en la celebración del bicentenario son especialmente ambiciosas. En el caso de la exposición de Fra Angelico y los inicios del Renacimiento en Florencia este esmero queda patente en la reunión de un número más que considerable de obras de Fra Angelico que se exponen en diálogo con obras de otros artistas del periodo que nos ayudan a comprender mejor esa maravillosa Florencia del Renacimiento, como  Masaccio, MasolinoFilippo Lippi, Donatello o Ghiberti.

Por otro lado, uno de los aspectos más interesantes de la exposición y uno de los grandes motivos por los que el Museo del Prado escogió la figura de Fra Angelico para este año es la gran restauración de la tabla más icónica del artista  dentro de las colecciones del Prado. La Anunciación de Fran Angelico se ha sometido en los últimos meses a un exhaustivo proceso de restauración cuyo resultado es verdaderamente impactante.

Hoy en BaluArte os hablamos de dos de las piezas más importantes de la muestra, La Virgen de la Granada, recientemente adquirida por la Fundación de Amigos del Museo del Prado y la propia Anunciación y su proceso de restauración, aunque podrás disfrutar y conocer todas las claves de la muestra en nuestro seminario.

exposicion_museo_del_prado_parte_del_arte_visitas_guiadasDetalle de la obra Cristo glorificado. Tablas del retablo mayor de San Doménico de Fiésole. Fra Angelico. Londres, The National Gallery. 1421-1422.

UNA OBRA MUY ESPECIAL. LA VIRGEN DE LA GRANADA

Esta extraordinaria obra forma parte de una serie de Vírgenes con Niño que Fra Angelico pintó en la década de 1420, un momento en el que al artista ya demostraba un gran conocimiento y dominio de los espacios, los volúmenes, la anatomía y la luz.

En ella podemos ver una majestuosa Virgen entronizada en cuyo regazo se sienta el Niño Jesús. Ambas figuras están flanqueadas por dos ángeles que sujetan un manto  dorado de una extraordinaria calidad. Probablemente lo más llamativo de la tabla es la granada que sostiene la Virgen en su mano y que también está en contacto con la mano del Niño. La iconografía de la granada fue muy popular en la Florencia del siglo XV, lo que se puede ver en obras de otros artistas del momento como Leonardo da Vinci o Boticelli.

En este caso concreto el significado de la granada es doble. En relación a la Virgen, se trata de un símbolo que alude a la castidad, y en relación al Niño, se convierte en un elemento que prefigura la muerte y resurrección de Cristo.virgen_de_la_granda_visitas_guiadas_parte_del_arte

La Virgen de la Granada. Fra Angelico. Museo del Prado. Hacia 1426.

Otro dato que llama la atención sobre esta obra y que la hace especial es la extraordinaria calidad de los materiales con los que está realizada, algo especialmente visible en la gran cantidad de oro que podemos encontrar, ya que no solo se limita al paño de honor y los nimbos como en otras obras de esta tipología, sino que se puede apreciar también en las alas de los ángeles y también como base para el suelo con hierba donde se asientan las figuras. Estos datos, aunque se desconoce quien encargó esta obra y los motivos, nos indican que se trató, sin duda alguna, de un encargo de importancia para el artista.

Actualmente se considera por los expertos como una de las obras más bellas de la producción de Fra Angelico y una de las que más tiempo ha tardado en incorporarse a una institución museística, ya que desde el siglo XIX, momento en el que comenzó el interés coleccionista por los autores del primer Renacimiento, permaneció en manos de la Casa de Alba.

El pasado 2016 se cerró la venta de la obra en dieciocho millones de euros, de los cuales diez fueron aportados por el Estado, cuatro por la Fundación de Amigos del Museo del Prado y otros cuatro con fondos del propio museo.

RECOBRANDO EL ESPLENDOR PERDIDO. LA ANUNCIACIÓN.

La Anunciación está datada cronológicamente entre 1423 y 1429, momento en el que Fra Angelico ya había tomado los hábitos en el Monasterio de Santo Domingo de Fiésole, lugar para el que fue pintada. Se cree que la obra fue sufragada por Angelo di Zanobi di Taddeo Gadi, nieto del famoso pintor Tadeo Gaddi.

la_anunciacion_parte_del_arte_visitas_guiadasLa Anunciación. Fra Angelico. Museo del Prado.1425-1426.

La obra nos muestra el conocido pasaje de la Anunciación del nacimiento de Jesús a la Virgen a través del arcángel Gabriel. La escena principal se desarrolla en una estructura arquitectónica abovedada que sigue las pautas indicadas por Brunelleschi en 1425 para los retablos de la catedral de San Lorenzo: la arquitectura debe ser cuadrada y sin adornos. Además, sigue los pasos de la representación arquitectónica de sus colegas Masolino y Masaccio en la Capilla Brancacci. Estos datos indican cómo el joven Fra Angelico (su nombre real era Guido di Piero) ya conocía los últimos avances que se estaban produciendo en el arte toscano.

Tras el motivo principal nos encontramos la escena de la expulsión del Paraíso de Adán y Eva, lo que completa el significado simbólico de toda la obra ( la expulsión haciendo alusión al Pecado y la salvación del hombre a través de la llegada de Cristo en la Anunciación). En esta segunda escena se puede apreciar la influencia de Gentile da Fabriano, otro gran artista influyente del momento, en la minuciosidad en la representación de las flores, la vegetación del Paraíso y los objetos, y en el recurso de unificar el espacio mediante la arquitectura.

La obra se remata en la parte inferior con una predela en la que se muestran en tamaño reducido escenas de la vida de la Virgen en las que se puede ver la destreza del artista trabajando con el pequeño formato, algo lógico teniendo en cuenta que la formación de Fra Angelico y sus primeros pasos en el mundo del arte se produjeron dentro del ámbito de la iluminación de manuscritos.

QUE SE HAGA DE NUEVO LA LUZ. LA RESTAURACIÓN DE LA ANUNCIACIÓN

A pesar de la gran cantidad de obras de artistas destacados, y del propio Fra Angelico, que podemos contemplar en la exposición, probablemente la que más impacta al visitante es La Anunciación. No es de extrañar, ya que quien ya conocía la obra la reedescubre en esta cita. Todo esto ha sido posible gracias a la extraordinaria restauración que se ha llevado a cabo los últimos meses. Ha sido un trabajo minucioso y exhaustivo, puesto que la técnica con la que está realizada la obra, el temple al huevo, es extremadamente delicada. Aunque aparentemente la tabla no parecía estar en muy mal estado, la capa pictórica presentaba numerosos repintes de restauraciones anteriores poco afortunadas y una gran capa de suciedad, dos motivos por los que la obra no brillaba con todo su esplendor. Gracias a esta restauración podemos actualmente contemplar elementos que hasta ahora nos pasaban desapercibidos, como la perspectiva real de la arquitectura, el color verdadero de los arcos y los capiteles, que ya no son gris pardo sino blanco luminoso, así como la fisionomía real del ala del ángel y el manto lapislázuli de la Virgen, los elementos más repintados en la ultima restauración en los años 40. Un proceso de gran dificultad que le ha devuelto a La Anunciación el esplendor, el color, el espacio y esa luz espiritual que salió directa del pincel de Fra Angelico.

angel_visitas_guiadas_parte_del_arte_fra_angelicoDetalle del ala del ángel antes y después de la restauración

¿Interesante, verdad? Pues descubre con Parte del Arte todas las claves de estas y muchas otras obras de Fra Angelico y sus contemporáneos en nuestro seminario el próximo mes de septiembre ( Proximamente más información)

¡Y recuerda! También guiaremos la otra gran muestra del Museo del Prado: Velázquez, Rembrandt y Vermeer. Miradas afines. El día 13 de septiembre a las 12.00 y el 20 de septiembre a las 12.00 y a las 17.30h. Toda la información y reservas en nuestra web.

¡Te esperamos!

 

 

 

 

 

 

 

 

EL VESTIR EN EL ARTE. BALENCIAGA Y LA PINTURA ESPAÑOLA EN MUSEO THYSSEN

¿Cómo os va el verano? ¿Mucho calor? En Parte del Arte tenemos una solución perfecta: acercarte las mejores exposiciones temporales de Madrid, en la que además de estar fresquito disfrutarás de una verdadera experiencia de conexión con el arte y la cultura. Por ello, siempre os ofrecemos las muestras imprescindibles de cada temporada: Velázquez, Rembrandt y Vermeer. Miradas afines en el Museo del Prado, y Balenciaga y la pintura española en Museo Thyssen, que estaremos guiando los próximos días 5 de julio ( completo) y el 12 de julio a las 18.15h.

Continua leyendo para ver qué es lo que te encontrarás en la exposición.

MUCHO MÁS QUE ARTE. MUCHO MÁS QUE MODA.

Cristobal Balenciaga está considerado el modisto más influyente de todos los tiempos, un título que sin la influencia del arte hubiese sido imposible de alcanzar, ya que las referencias de la pintura española siempre han estado presentes en sus creaciones: diseños minimalistas que nos recuerdan a la túnica de Cristo de los cuadros renacentistas, volantes que nos traen a la mente las batas de las bailaoras flamencas de las pinturas del siglo XIX, referencias al traje de luces del torero español, negros aterciopelados que evocan los retratos de los Austrias…toda una suerte de coincidencias que nos demuestran la amplia cultura y la atención al detalle del gran diseñador.

Esta ambiciosa muestra pretende poner de manifiesto una relación directa entre los diseños de diferentes etapas de la carrera de Balenciaga y la pintura española comprendida entre los siglos XVI y XX, con una extraordinaria selección de trajes procedentes del Museo Balenciaga de Getaria, el Museo del Traje de Madrid y el Museo del Disseny de Barcelona que dialogan con un gran número de personajes que pueblan las obras del Greco, Zurbarán, Murillo, Goya, Zuluaga…prestadas por el Museo del Prado, el Museo de Bellas Artes de Bilbao y colecciones privadas.

UNA NUEVA MIRADA 

La exposición sigue un recorrido cronológico a través de la pintura que está en constante diálogo con los trajes y vestidos de cada estilo o pintor. El criterio que se ha seguido para establecer estas conexiones tiene su base en elementos conceptuales, formas, volúmenes, concepciones cromáticas…De esta manera se nos presenta una nueva forma de ver la pintura, que se convierte ahora ante nuestros ojos en transmisora de moda y de un legado estético que va mucho más allá de su propia época.

El primer apartado de la exposición. Balenciaga y el arte, está dedicada a la pintura que Balenciaga contempló en su juventud en el palacete de los marqueses de Casa Torres, verdaderamente imprescindible como fuente de inspiración para sus primeras creaciones. En esta sala podemos contemplar algunos de esos cuadros, como es el caso del retrato del Cardenal Luis María de Borbón, de Goya, que se muestra junto a un extraordinario conjunto de chaqueta  y vestido de color rojo.

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Goya. El cardenal don Luis María de Borbón y Villabriga. Hacia 1800 / Conjunto de vestido y chaqueta.1960. Cristobal Balenciaga

La siguiente sección está dedicada e la influencia del Greco, del que Balenciaga tomó colores como el negro de la vestimenta de los personajes retratados, o los rosas, verdes y amarillos de la pintura religiosa, así como formas, como lazos en el cuello que recuerdan a las famosas golas que lucían los grandes hombres protagonistas de muchas obras del Greco.

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Algunos de los trajes y cuadros que se pueden contemplar en la sala del Greco.

La siguiente sección está dedicada a una de las grandes influencias en la producción de Balenciaga, la pintura de corte. En esta parte de la exposición se presta atención a varios aspectos.

El primero de ellos es el color negro, que la corte de Felipe II puso de moda y que durante mucho tiempo fue símbolo de estatus social y poder. Enseguida el vestir de negro riguroso se convirtió en sinónimo de “vestir a la española” y aunque con el paso del tiempo perdió algo de fuerza sigue siendo en la actualidad uno de los colores con un mayor poder visual y simbólico, interpretado desde nuestra perspectiva actual como símbolo de elegancia. Para Balenciaga fue uno de sus colores fetiche y en este apartado se muestran algunas creaciones de una belleza y elegancia fascinantes.

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Vestido de noche, 1943.Cristobal Balenciaga / Atribuido a Juan Pantoja de la Cruz. Retrato de la VI Condesa de Miranda.

El bodegón también es merecedor de atención, sobre todo los bodegones de flores. Cuando Balenciaga llega a París va a establecer contacto con los fabricantes de tejidos y artesanos de la estampación que inspirarán magníficos vestidos con estampados florales, bordados…de los cuales se pueden ver algunos ejemplos.

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Juan de van der Hamen. Ofrenda a Flora, 1627/ Vestido de noche con flores, hacia 1958. Cristobal Balenciaga.

Otro de los aspectos que se tratan dentro de la pintura de corte es el bordado, que Balenciaga incorporó en muchas de sus creaciones. Para sus bordados el modisto se inspiró tanto en su propia experiencia y conocimientos sobre la historia de la indumentaria en el arte como en su propia colección de indumentaria histórica, en la que abundaban ejemplares plagados de ricos bordados, encajes y abalorios.

La siguiente sección está centrada en la figura del pintor Francisco Zurbarán, un artista que siempre ha destacado por la gran atención que le presta a la indumentaria, a los tejidos, al movimiento y los pliegues de las telas…Esta concepción detallista y el juego de volúmenes de las formas y las telas se puede apreciar en gran parte de la producción de Cristobal Balenciaga.

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Conjunto de noche con sobre falda, hacia 1950. Cristobal Balenciaga/ Santa Isabel de Portugal, 1635. Zurbarán.

Otro de los artistas imprescindibles en el mundo de la moda y los tejidos y de forma obvia influyente en las creaciones de Balenciaga es Francisco de Goya, del que reinterpreta el brillo del satén, la transparencia del tul y los encajes…y el manejo del color tan extraordinario del pintor zaragozano. En esta sección se pueden apreciar esas conexiones con la exposición de algunos de los retratos más extraordinarios de Goya.

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Vestido de cóctel, hacia 1955-1960.Balenciaga/ La Duquesa de Alba de blanco, 1795.Goya

Por último, la muestra se centra en los siglos XIX y XX, de cuya estética, fundamentalmente la de muy finales del siglo XIX y principios del siglo XX fue contemporáneo el modisto. Esta estética bebe de dos fuentes. En primer lugar, de la pintura de la escuela española , como es el caso de Zuloaga entre muchos otros, y por otro lado de sus propias vivencias en su localidad natal (Getaria) y en el ambiente de exclusividad del San Sebastián del cambio de siglo. Las obras que se pueden ver en este cierre de la exposición se centran en la esencia española y regionalista de estos años.

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Vestido de noche, 1952. Cristobal Balenciaga./ Retrato de Maria del Rosario de Silva y Gutubay, duquesa de  Alba, 1921. Zuloaga.

Impresionante, ¿verdad? Pues aun estás a tiempo de conocer muchísimas joyas más de la pintura y de la producción de Cristobal Balenciaga en las visitas guiadas que Parte del Arte organiza a esta muestra, en las que una experta en arte te descubrirá esta nueva forma de ver la pintura y la moda.

INFORMACIÓN DE INTERÉS

Fecha: 12 de julio a las 18.15h.
PVP: 22€ Incluye: Visita guiada por especialista en arte+ sistema de recepción de sonido+entrada a la exposición
PUNTO DE ENCUENTRO: Hall del Museo Thyssen 10 minutos antes del comienzo de la visita.( Paseo del Prado, 8)
CÓMO LLEGAR: Metro: Banco de España. Bus: 1,2,5,9,10,14,15,20…
*IMPRESCINDIBLE RESERVA PREVIA EN: info@partedelarte.es o en el 645438576.

¡Te esperamos!

 

 

 

 

 

 

 

 

 

VELÁZQUEZ, VERMEER Y REMBRANDT, TRES GENIOS CON MUCHO EN COMÚN

¡Nuestros cursos han finalizado! Pero en Parte del Arte continuamos ofreciéndote las mejores experiencias culturales y planes de verano para este mes de julio en Madrid: rutas nocturnas para descubrir el Madrid oculto y misterioso, rutas por las azoteas de Madrid para que no te pierdas los mejores atardeceres de la ciudad, y por supuesto, las mejores exposiciones temporales, como Balenciaga y la pintura española en el Museo Thyssen o Velázquez, Vermeer y Rembrandt. Miradas afines, inaugurada hoy mismo en el Museo del Prado y de la que hoy te hablamos en nuestro blog. ¿Quieres saber un poquito más? Pues ¡sigue leyendo!

ESPAÑA Y HOLANDA.UNIDAS POR SUS GENIOS

Dentro de las celebraciones del bicentenario del Museo del Prado, esta exposición, organizada con el patrocinio de la Fundación AXA, se muestra como un proyecto de gran ambición en muchos sentidos. En primer lugar, se trata de una muestra de gran despliegue de medios, ya que reúne 72 obras procedentes de los propios fondos del museo anfitrión y de otras instituciones de relevancia, como el Rijksmuseum de Ámsterdam, la Narional Gallery de Londres o el Metropolitan de Nueva York, entre otros quince prestadores.

En segundo lugar, otro de los grandes méritos de la exposición es poner de manifiesto los puntos en común de la pintura española y holandesa de finales del siglo XVI y principios del siglo XVII, dos tradiciones pictóricas concebidas tradicionalmente en la Historia del Arte como antagónicas.

Partiendo del momento en el que los caminos de los Países Bajos y España comienzan a separarse tras las revueltas contra Felipe II y el posterior desarrollo de la Guerra de los Ochenta Años ( 1568-1648), la muestra aborda cual fue el destino pictórico de España y de la actual Holanda, que surgió de la repartición de los territorios de los Países Bajos tras el conflicto. Dos realidades aparentemente diferentes pero en las que los artistas compartieron la misma idea de trabajar una estética interesada en la representación real de las cosas y alejada del idealismo, a la que hay que sumarle la influencia, todavía vigente, que la pintura flamenca venía ejerciendo en la tradición española desde hace varios siglos.

UN CAMINO DE CONFLUENCIAS

La exposición está dividida en cinco apartados en los que de forma temática se abordan los diferentes ámbitos en los que se producen estas convergencias.

El primero aborda la idea de la imagen, la moda y la pintura en España y los Países Bajos. Este es un punto importante, ya que los protagonistas de los retratos de los pintores como Velázquez, El Greco o Rembrandt , que generalmente formaban parte de las élites sociales, vestían de la misma forma, generalmente de negro riguroso, herencia del gusto de la casa ducal de Borgoña, que gobernó en España y en los Países Bajos desde Felipe el Hermoso hasta Felipe II, pasando por su padre Carlos V.

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Los funcionarios del Gremio de Draper de Amsterdam, conocidos como ‘The Syndics’.Rijksmuseum Amsterdam

El segundo ámbito, Ficciones realistas, se hace hincapié en el lenguaje que utilizaron gran parte de los pintores españoles y flamencos durante el siglo XVII, que huía de la idealización propia del Renacimiento, presentándonos personajes reales encarnando santos o dioses, en lugares cotidianos y contemporáneos a sus creadores. Podemos contemplar en esta sección algunas de las obras más sugerentes de la muestra, como este fantástico Demócrito del pintor Hendrick ter Bruggen (izquierda), de aspecto risueño y cercano, que se muestra en comparación con la famosa imagen del mismo filósofo realizada por José de Ribera ( derecha) que nos presenta igualmente una imagen en la que el personaje se vuelve contemporáneo, humano y tangible.

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El siguiente apartado está centrado en el género de la naturaleza muerta, surgido en el siglo XVI y cultivado en toda Europa. En este campo los autores flamencos y españoles fueron mostrando intereses comunes: representación del lujo y la riqueza a través de todo tipo de animales, objetos y elementos naturales, y recursos técnicos similares que se pueden apreciar en algunas obras e la exposición

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Bodegón con cardo, francolín, uvas y lirios. Felipe Ramírez. Museo del Prado

La cuarta sección de la exposición está dedicada a los contactos directos entre los artistas y mecenas de España y los Países Bajos, como es el caso de Felipe IV, que además de los numerosos encargos a Velázquez también encargó de manera directa obra a artistas flamencos. También se nos muestran otros casos de autores españoles que entraron en contacto con el arte holandés y se dejaron influir por él, como es el caso de Bartolomé Esteban Murillo.

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Judit en el banquete de Holofernes. Rembrandt. Museo Nacional del Prado.

Por último, el cierre de la exposición se centra en la técnica, en muchos casos compartida, por los pintores españoles y holandeses, consistente en una pincelada suelta que le otorga un aspecto abocetado a las obras. Este rasgo se debe a la pervivencia de cierta influencia de la pintura veneciana del siglo XVI, que si bien en el resto de Europa se había ido perdiendo con el tiempo, en España y Países Bajos continuó haciéndose patente hasta bien entrado en siglo XVII.

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Izquierda: Vista del jardín de la Villa Médici de Roma. Velázquez.Museo del Prado. Derecha: Vista de casas de Delft, conocida como The Little Street. Johannes Vermeer. Rijksmuseum.

Artistas como Velázquez, Vermeery Rembrandt, y también otros como Murillo o el Greco, recibieron y ejercieron influencia en Flandes  a través de los maestros que estudiaron en su juventud y a través de los contactos tradicionalmente establecidos entre ambos territorios. A través de sus pinceles configuraron los escenarios y personajes de un viaje en el tiempo que puedes hacer con Parte del Arte, en una visita guiada a esta extraordinaria exposición, en un grupo reducido, sin prisas y disfrutando de cada detalle. ¿Te apuntas? Toma nota ¡Te esperamos!

DÍA: Domingo 30 de junio.
HORA: 12.00h y 17.30h.
PUNTO DE ENCUENTRO: Museo del Prado. Puerta alta de Goya, en la rotonda, junto a la escultura de Carlos V y el furor.
CÓMO LLEGAR: Metro: Banco de España. Bus: 1,2,5,9,10,14, 34…
PVP: 13€ visita guiada ( a este importe se deberá sumar el importe de la entrada que corresponda a cada visitante*)
INCLUYE: Recorrido de una hora y media por el Museo del Prado con entrada (sin colas), explicación de la exposición temporal con un experto en arte en un grupo reducido de máximo 6 personas.
IMPRESCINDIBLE RESERVA PREVIA. A través del correo info@partedelarte.es o en el 645438576.

* Entrada general: 15.50€
Reducida: 8€ ( mayores de 65 años, familias numerosas, etc.)
Gratuita ( desempleados,discapacitados y menores de 18 años)
***IMPORTANTE. A la hora de realizar la inscripción deberá indicar el tipo de entrada que le corresponda y hacer el pago conjunto. Ej: 13€ visita guiada+ entrada general/ reducida o gratuita. Las entradas serán adquiridas con anterioridad a la visita para evitar colas.
En caso de acogerse a entrada con reducción o gratuidad es necesario mostrar el día de la visita en taquilla la documentación que acredite dicha reducción, ya que serán solicitadas por el personal del museo y Parte del Arte no se hará responsable de dichos descuentos.

 

 

 

 

 

 

 

EL INGENIO ANÓNIMO DE BANKSY. GENIUS OR VANDAL?

En Parte del Arte seguimos trabajando sin parar para ofrecerte las mejores experiencias culturales de Madrid a través de rutas históricas y artísticas, rutas nocturnas llenas de anécdotas y curiosidades, visitas teatralizadas para disfrutar en familia…y por supuesto, visitas guiadas a las mejores exposiciones de Madrid. En estas visitas, nuestras guías expertas en arte te harán vivir una verdadera experiencia inmersiva en el mundo del arte, descubriéndote las claves de cada obra y conectándote con la sensibilidad del artista. Si eres habitual en nuestras actividades, ¡sabes que lo damos todo!

Y si estás leyendo este blog es porque sabes que lo que vas a encontrarte no te va a dejar indiferente…porque hoy os hablamos de la gran exposición Banksy: Genius or Vandal?, que está teniendo lugar en el Espacio 5.1 de IFEMA, una muestra en la que se exponen un gran número de piezas del artista urbano más importante de nuestro tiempo, que incluye obras originales, esculturas, instalaciones, vídeos y fotografías. Las piezas, procedentes de colecciones privadas y con la colaboración de Lilley Fine Art/Contemporary Art Trader Gallery, se exhiben en España por primera vez.

La exposición, que comenzó en diciembre y tenía prevista su finalización en marzo, ha tenido que prorrogarse por el gran éxito y la enorme afluencia de público; y es que Banksy atrapa a quien lo conoce de cerca.

¿Quieres saber algo más sobre la exposición? ¡Sigue leyendo!

MENSAJES DESDE EL ANONIMATO

En pleno siglo XXI, Banksy sigue siendo un misterio, ya que nadie conoce quién es realmente la persona que se encuentra detrás del artista. Siempre escurridizo, ha traído en jaque a medio mundo dando lugar a infinidad de teorías. Aunque se han planteado una gran número de teorías sobre quien puede ser, la que más peso ha ganado en los últimos tiempos es la de Carig Williams, un estudiante de periodismo de Glasgow que asegura que Banksy es Robert del Naja, fundador del grupo musical Massive Attack. LLegó a esta conclusión después de haber investigado la geografía de las actuaciones del grupo musical, que llegaron a coincidir hasta en 15 ocasiones con la aparición de piezas de Banksy en las calles. A pesar de estas grandes coincidencias no se ha podido demostrar si esta información es cierta.

Desde el anonimato, Banksy ha recorrido el mundo con sus imágenes de crítica social, mostrándonos la ciudad como un lugar de reflexión sobre nosotros mismos y nuestra sociedad. La muestra nos da la bienvenida con un vídeo en el que se puede ver su amplio campo de actuación en las ciudades más importantes del mundo.

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Imagen de uno de los grafitis originales que se pueden ver en la exposición (imagen: http://www.rtve.es)

Tras el vídeo, nos recibe una recreación del estudio de Banksy, ya que es complicado organizar una exposición sin hablar de la biografía del artista o de su formación. En esta parte podemos ver cómo trabaja el artista con la serigrafía, ya que es la técnica con la que están realizadas la mayor parte de las piezas que nos vamos a encontrar en la exposición.

La exposición está dividida según los temas con los que Banksy pretende agitar nuestra conciencia.

CONSUMO. Una visión crítica del Capitalismo

Uno de los temas más recurrentes de Banksy es hacernos ver la pérdida de valores que el consumismo está desencadenando en nuestras vidas, desde un punto de vista incluso alarmista, ya que las imágenes que nos rodean constantemente y nos invitan a consumir no nos muestran la realidad, convirtiéndonos en compradores engañados. También trata de forma voraz la idea de las “nuevas necesidades” que el capitalismo nos ha creado.

En esta obra, titulada ” Compradora volando” Banksy nos muestra una mujer que cae al vacío sin soltar su carro de la compra, lleno de productos que probablemente no necesite para sobrevivir.

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Compradora volando. 2011. (Londres) 

 

POLÍTICA. Enemigo del Brexit

Banksy considera que la política es un medio de manipular la conciencia de la sociedad y la muestra igual de nociva que la violencia o el consumismo. El propio Banksy, a través de su web, declaró en una ocasión: “No hay nada más peligroso que alguien dispuesto a hacer del mundo un lugar mejor”. Entre sus protestas políticas más recientes se encuentran un gran número de obras en las que abiertamente se muestra contrario al Brexit en Inglaterra, como esta obra cuyo título es precisamente “Brexit” en el que un obrero aparece borrando una de las estrellas de la bandera europea.

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Brexit. 2017. (Dover)

PROTESTA. Sacudiendo nuestra conciencia

El propio arte del grafiti surgió como un modo de protesta en sí mismo, por lo que podríamos decir que, en realidad, toda la obra de Banksy es una forma de protesta. Aun así, en el siguiente apartado de la exposición se nos muestran algunas de las obras en las que se ve de una manera más evidente, como en la famosa obra “El amor está en el aire”, en la que de una forma muy poética nos muestra un manifestante de una protesta callejera cuyo gesto nos sugiere que está lanzando de una forma violenta un cóctel Molotov, aunque sustituye este objeto por un ramo de flores, sacándonos una sonrisa.

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El amor está en alaire. 2003 (Palestina)

LA GUERRA. Pacifista convencido

El tema de la guerra es una constante en la obra de Banksy, que se muestra abiertamente pacifista y antimilitarista, siendo este mundo militar una de sus imágenes más recurrentes. Desde el punto de vista de Banksy, “los mayores crímenes del mundo no han sido cometidos por aquellos que se saltan las reglas sino por los que cumplen las normas. Son aquellos que obedecen las normas establecidas los que lanzan las bombas, acabando con la pura existencia de pueblos enteros”. Las imágenes de militares, tanques de guerra y helicópteros pueblan las imágenes antibelicistas de Banksy, como esta irónica obra en la que los “Helicópteros felices”muestran y¡unos candorosos lazos rosas.

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Helicópteros felices.2002. (Londres)

En relación al tema de la guerra nos encontramos con una sala llamada El muro, en las que se nos muestran una serie de obras que hizo Banksy en Palestina.Después de varias visitas a Palestina, Banksy pintó varias obras en el muro que divide Israel y Palestina, y además creó un hotel, que se publicita como el hotel con peores vistas del mundo, y un museo en el que se narra la historia del conflicto palestino-israelí. tanto el hotel como el museo reciben numerosas visitas y resultan tan frágiles y efímeros como los propios grafitis, pudiendo desaparecer en cualquier momento.

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Decoración de una de las habitaciones del hotel de Banksy The Walled Off, en Belén, Cisjordania Ocupada.

DISMALAND. Un parque temático poco común

En 2015 Banksy llevó a cabo el proyecto Dismaland, un parque temático “poco apropiado para niños” ubicado en el antiguo parque “Tropicana” que el propio Banksy había visitado en su infancia y que ofrecía una especie de Scape Room. En la muestra podemos ver un vídeo sobre este proyecto que convirtió las ideas y la estética de Banksy en una verdadera experiencia.

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Dismaland. 2015. ( Somerset)

LAS RATAS. Una iconografía muy reconocible

La obra de Banksy ha ido creando una iconografía muy particular. Como hemos comentado anteriormente, hay temas e imágenes muy recurrentes, como los soldados, policías…pero también existen de manera habitual algunos animales, como los monos y especialmente las ratas. No es casual que este último animal cobre protagonismo, ya que para Banksy tiene un significado especial. Por un lado, la rata, como animal suburbano, despreciado y marginal hace referencia al nacimiento del propio arte urbano, cuyo origen está vinculado a las clases más bajas de la sociedad, a sectores que se sienten tratados “como ratas” por las esferas más altas. Por otro lado, la rata es el único animal salvaje capaz de sobrevivir a cualquier situación y adaptarse al máximo a la ciudad. Para Banksy, de un modo u otro, todos somos ratas, por ello son especialmente recurrentes, como en el ejemplo que vemos a continuación, una de las pocas obras en las que Banksy trata el tema del amor, en este caso haciendo referencia a su amor por el arte urbano.

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Rata del amor. 2010. (Liverpool)

Para finalizar la muestra, nos encontramos un apartado dedicado a la última y más polémica intervención de Banksy, en la que utilizó una de sus imágenes más conocidas, Niña con globo, para lanzar una original crítica hacia el mercado del arte.

La obra, realizada en serigrafía iba a ser subastada en la famosa casa de subastas Sotheby’s cuando, en el momento en el que un coleccionista pagó por ella y la obra se declarado “adjudicada” se puso en marcha un mecanismo realizado por el propio artista que destruyó la obra, como si de una trituradora de papel se tratase. En este caso, Banksy dio un paso más en su siempre genial y controvertida crítica a la sociedad, dejándonos claro que no es un simple grafitero, sino un verdadero artista dispuesto a seguir sorprendiendo desde el misterio de su anonimato. (puedes ver el vídeo completo de cómo se destruyó la obra aquí.)

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Imagen cómo quedó el cuadro “niña con globo” después de la acción de Autodestrucción.

¿Te ha parecido interesante?

Pues no te pierdas la visita guiada  de Parte del Arte a la exposición en Madrid , en la que nuestras expertas en arte te desvelarán muchos más secretos de la obra de este artista. ¡Recuerda! las plazas son limitadas. Reserva ya la tuya en: info@partedelarte.es o en el 645438576.

INFORMACIÓN DE INTERÉS

-Fecha: 16 de mayo

-Hora: 17.15h.

-PVP: 17,50€/ persona. Incluye: visita guiada por especialista+sistema de recepción de sonido+ entrada a la exposición.

-IMPRESCINDIBLE RESERVA PREVIA.

-Punto de encuentro: Entrada a IFEMA. Avenida del Partenón, 5

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LA GRAN RENOVACIÓN DEL SIGLO XX: DE CHAGALL A MALÉVICH EN FUNDACIÓN MAPFRE

Sabemos que muchos de vosotros no os perdéis nada de la actualidad cultural de Madrid. En una de las ciudades con más museos del mundo la oferta artística es a veces abrumadora y requiere incluso de planificación. En Parte del Arte estamos precisamente para eso. Después de un riguroso análisis de todas las propuestas culturales y  exposiciones temporales de Madrid hacemos una selección de las más interesantes y relevantes y te las servimos en bandeja. Gestionamos la reserva y te indicamos fecha y hora para que solamente tengas que preocuparte de reservar tu plaza y sobre todo de disfrutar de una experiencia inmersiva en la cultura, en la que una  de nuestras expertas en arte te hará conectar con épocas pasadas, artistas y personajes históricos.

Por ello hoy queremos hablaros de una de las muestras imprescindibles de la temporada. De Chagall a Malévich: El arte en revolución, la última propuesta de Fundación Mapfre, que estaremos guiando durante las últimas semanas de este mes de abril.

En la muestra nos encontraremos más de 90 piezas y 23 publicaciones de un gran elenco de artistas que durante las primeras décadas del siglo XX se adelantaron a la modernidad de una forma que no conocía precedentes en Rusia. Para poder llevarla a cabo se ha contado con prestigiosos prestadores, como el Museo Estatal Ruso de San Petersburgo, la Galería Estatal Tretiakov de Moscú o el Museo Estatal de Nizhny Novgorod, entre otras instituciones.

¿Quieres conocer un poco más sobre el contenido de la muestra? ¡Sigue leyendo!

UN AMBIENTE DE CAMBIO

La muestra nos habla de uno de los capítulos más influyentes  en el desarrollo del arte moderno, un momento convulso en el que los grandes protagonistas fueron la experimentación y la expectación ante la llegada de un nuevo orden, y es que Rusia durante el comienzo del nuevo siglo se consolida como uno de los centros fundamentales de la vanguardia artística.

Todo comienza cuando un gran número de artistas de origen ruso viajan a Francia y Alemania en los primeros años del siglo y se sumergen en las tendencias culturales más actuales. En algunos casos, incluso, se integraron en los grupos que articulaban los primeros movimientos de vanguardia que suponían una ruptura con el arte del pasado e incluyen una serie de aspectos de esencia rusa que impactarán en Europa, como la tradición de los iconos rusos ortodoxos y un interés por los temas rurales.

En relación al ambiente social que se vivía en Rusia en estos momentos es importante recordar que estamos en los momentos previos a la Revolución de Octubre, por lo que gran parte del contenido de la obra de estos artistas anuncian o ilustran lo que estaba por venir, son artistas revolucionarios antes de la Revolución. La muestra, por tanto, termina en la década de los 30, puesto que los artistas en estos momentos ven reducida considerablemente su capacidad de acción con el establecimiento del régimen totalitario.

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Kazimir Malévich. Suprematismo. 1915.1916. Museo regional de Bellas Artes de Kovalenko

UN VIAJE EN EL TIEMPO: CONOCIENDO A LOS RUSOS REVOLUCIONARIOS

La exposición nos pone de referencia a dos de los artistas rusos más icónicos de este momento: Marc Chagall, un autor poético, figurativo y narrativo vinculado con el inicio del surrealismo, y Kazimir Malévich, mucho más radical y vinculado con la abstracción geométrica. Entre la obra de ambos artistas nos encontramos un gran despliegue de artistas que rompen con las normas clásicas del arte en pintura y escultura.

Este viaje se articula en ocho secciones:

1. Clasicismo y neoprimitivismo. En esta sección se habla fundamentalmente del neoprimitivismo, un movimiento nacional que combinaba un renovado interés en las formas tradicionales del arte popular rusa con las técnicas pictóricas del postimpresionismo que estaban en boga en esos momentos en París y Múnich.

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Marc Chagall. The Promenade, 1917-1918. Museo Estatal de San Petersburgo

2. Cubofuturismo y rayonismo. Nos encontramos con la obra de una serie de artistas que  a partir de 1912 comenzaron a trabajar con un nuevo lenguaje que combinaba la fragmentación y los múltiples puntos de vista del cubismo francés con la energía y el enfoque urbano del futurismo italiano, como la siguiente obra, de Liubov Popova.

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Liubov Popova. Sin título. 1915. Colección Ekaterina & Vladimir Semenikhin.

3. El camino a la abstracción. En esta sección se aborda una de las innovaciones más importantes de la vanguardia rusa: la abstracción. Se abordan los diferentes caminos que llevaron a los artistas a la abstracción, uno que va desde el expresionismo y su liberación de formas y colores y otro desde el cubismo y su reducción de formas. En este apartado no podían faltar obras del padre de la abstracción Vasili Kandinski,como la siguiente obra

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Vasili Kandinski. Nublado. 1917. Galería Estatal Tretiakov, Moscú.

4. Suprematismo. Se aborda este movimiento en el que se suspenden las referencias figurativas y se apuesta por la destilación máxima de la pintura para generar nuevos iconos que sustituyeran a los que habían marcado milenios de pintura rusa.

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Kazimir Malévich. Cuadrado negro. 1923.Museo Estatal Ruso, San Petersburgo.

5. Constructivismo. Este movimiento ilustra a la perfección  el momento inicial del nuevo modelo estatal que se iba a imponer en Rusia, y por extensión, muestra una nueva forma de concebir el mundo, desde una perspectiva estrictamente visual y objetual que inundará todas las disciplinas artísticas.

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Alexander Ródchenko. Composición, 1918. Galería Estatal de Bellas Artes, Perm.

6. La escuela de Matiushin. Se aborda la influencia del compositor, violinista, teórico, editor, pintor y profesor en el arte de vanguardia.

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Mijaíl Matiushin. Movimiento en el espacio, 1921.Museo Estatal Ruso, San Petersburgo.

7. Hacia una nueva representación. En esta sección se habla de cómo el arte a partir de 1920, momento en el que se presentan dos caminos distintos a la hora de intentar conciliar el fervor revolucionario, la admiración por las tradiciones artísticas locales  y la integridad  creativa en un momento en el que la experimentación y los nuevos lenguajes comienzan a ser cuestionados por parte del nuevo régimen.

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Pável Filónov. Cabeza, 1925-1926. Momus, Museo de Arte Moderno-Colección Costakis, Tesalónica.

8. Nuevos libros para nuevos lenguajes. Para finalizar la muestra, la última sección está dedicada al gran avance creativo en el campo de las publicaciones en el que se pueden ver algunos de los trabajos clave en el ámbito literario y editorial de los poetas y artistas visuales asociados con los movimientos de vanguardia que hemos conocido a lo largo de la exposición.

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Kazimir Malévich. Deportistas. 1930- 1931. Museo Estatal Ruso, San Petersburgo.

¿Interesante, verdad? Pues conoce en profundidad y comprende mejor todos estos movimientos tan interesantes en nuestras visitas guiadas a la exposición De Chagall a Málevich: El arte en revolución.

¡Apunta! Jueves 25 de abril a las 17.00 o a las 18.30. Reserva tu plaza en: info@partedelarte.es o en el 645438576. Además, puedes seguirnos para no perderte ninguna experiencia cultural en Madrid en nuestras redes sociales: Facebook, twitter  e Instagram: @parte_del_arte y en nuestra página web www.partedelarte.com

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BALTHUS. UN ARTISTA A CONTRACORRIENTE

Ya sabéis que en Parte del Arte siempre acudimos a las exposiciones temporales más relevantes del panorama cultural de Madrid, y este mes de marzo no podíamos perdernos una muestra que ha dado mucho de que hablar: Balthus, en el Museo Thyssen, una retrospectiva sobre el artista de origen francés Balthasar Klossowski de Rola, más conocido como Balthus, organizada conjuntamente con la Fondation Beyeler en Riehen/Basilea. Para poder llevar a cabo una exposición de esta relevancia ha sido necesaria la colaboración de diferentes prestadores, como el MoMA, el Metropolitan Museum de Nueva York, el Centre
Pompidou de París, el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington, entre otras instituciones y colecciones privadas, por lo que la exposición se nos presenta como una gran oportunidad, ya que en España sólo contamos con una obra de Balthus, La partida de Naipes, que pertenece precisamente a las colecciones del Museo Thyssen y que se ha restaurado especialmente para la ocasión.

La muestra nos sumerge en la obra de este genio del siglo XX que suscitó  todo tipo de críticas, algunas más favorables que otras, y que siguió un camino contrario al de las vanguardias. En nuestras visitas guiadas a esta exposición os descubriremos su controvertida figura y nos asomaremos a  cada obra para desvelar sus secretos. No obstante, en BaluArte os ofrecemos un pequeño aperitivo a nuestras visitas.

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La partida de Naipes. Balthus. (Museo Thyssen)

¿UN PINTOR LIBRE? EL ESTILO DE BALTHUS

Una de las cuestiones fundamentales de la obra de Balthus es su independencia de los movimientos de vanguardia de su tiempo, aunque en muchas ocasiones se ha tildado su obra de surrealista. No obstante, el propio artista sí que señaló en su tiempo algunas de sus influencias y referentes que resultan de lo más variopinto: Piero della Francesca, Caravaggio Poussin, Géricault,  Courbet….aunque en nuestras visitas, además de apreciar ciertos detalles que evidencian esta herencia, nuestros guías expertos en arte os descubrirán algunas referencias a movimientos más modernos,  En un análisis más detenido,  como la Nueva Objetividad y los recursos que se utilizaban en las ilustraciones populares de libros infantiles del siglo XIX, como Alicia en el País de las Maravillas.

1512554873_669516_1512555378_noticia_normalPero a pesar de ello, Balthus siguió un camino diferente al del resto de los artistas de vanguardia.Su estilo fue figurativo y absolutamente personal. Sus figuras son rotundas, perfectamente delimitadas por un dibujo muy rotundo que las hace incluso escultóricas en algunas ocasiones y en sus escenas combina elementos que nos traen reminiscencias del lenguaje surrealista, tan lleno de contradicciones, referencias oníricas, erotismo, inocencia y tensión, creando a veces relaciones muy controvertidas entre estos elementos, como esta obra, Thèrese soñando.

UNA INFANCIA LLENA DE ARTE

No es de extrañar que Balthus se dedicase a la pintura, ya que desde su nacimiento en la ciudad de Praga en 1908 fue lo que vio entre sus familiares más directos ( su padre era historiador del arte y su madre pintora).

Un acontecimiento importante de este periodo, la Primera Guerra Mundial, traslada  a su familia a Berlín y a Suiza, y después de la contienda, al separase sus padres se traslada a Ginebra junto con su madre y su hermano mayor. Allí, el nuevo compañero sentimental de su madre, Rainer Maria Rilke asumirá el papel paterno y se convertirá en un verdadero mentor para Balthus.

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La Calle, 1933. Es una de las obras más importantes de Balthus ( MOMA, Nueva York)

LA MADUREZ

Tiempo más tarde, en 1924 Balthus se traslada a París para vivir de la pintura, aunque no quiso recibir ninguna directriz artística de ningún artista consolidado, como hacían la mayor parte de los recién llegados a la ciudad. Aun así, fue orientado por Pierre Bonnard, que era amigo de la familia, del que comenzó en sus inicios a asumir un estilo de tipo postimpresionista, aunque a él le interesasen más los grandes maestros que copiaba en el Louvre.

Después de varios viajes y contactos con artistas importantes del momento se organizó su primera exposición individual en en 1934, en la que recibió críticas favorables pero sin ninguna venta, por lo que para salir adelante comenzó pintando retratos por encargo y haciendo decorados teatrales, una salida muy habitual entre jóvenes artistas hasta que se hizo un hueco entre la selecta clientela parisina, de manera que en la década de 1940 ya era un pintor consolidado. A partir de este momento se empieza a interesar por temas como bañistas y paisajes en los que plasmaba su visión de su nuevo lugar de residencia en Borgoña. Finalmente se trasladará a Suiza con su segunda esposa hasta su fallecimiento en 2001.

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Los buenos tiempos, 1944-46.Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington

Si quieres conocer más en profundidad la obra de este gran artista del siglo XX, y descubrir por qué su obra fue ( y es) tan controvertida no dudes en venir  con Parte del Arte a nuestras visitas guiadas a esta exposición del Museo Thyssen. Una experiencia de conexión con el arte y la vida cultural de Madrid.

Las fechas disponibles son:

-26 de marzo a las 12.45 y 17.30
-28 de marzo  a las 17.15
-29 de marzo a las 17.30
¡Las plazas son limitadas! Date prisa y reserva la tuya en: info@partedelarte.es o en el 645438576.
¡Y recuerda! para no perderte ninguna de nuestras visitas guiadas a exposiciones temporales, rutas históricas, rutas nocturnas, rutas gastronómicas o visitas teatralizadas síguenos en Facebook, Twitter y en Instagram ( @parte_del_arte)
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TAMARA DE LEMPICKA, UNA PROPUESTA FEMENINA EN EL PALACIO DE GAVIRIA

 En Parte del Arte nos encanta ir a las exposiciones del Palacio de Gaviria y (sabemos que a vosotros también) y si además es en clave femenina mucho mejor. Es cada vez más frecuente encontrar en Madrid exposiciones monográficas sobre artistas femeninas como en este caso la de Tamara de Lempicka organizada por Arthemisia Group o la que el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedica a Dorothea Tanning. Hay un cambio de paradigma que nos encanta en la programación de exposiciones en la capital. Por eso hoy en nuestro blog BaluArte queremos prepararos para nuestras próximas visitas guiadas a esta magnífica muestra sobre la reina del Art Decó Tamra de Lempicka ¿Nos acompañas?

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Natalia preparando nuestras visitas guiadas a la exposición en el Palacio de Gaviria

TAMARA LLEGA AL PALACIO

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Y lo hace con fuerza. Más de 200 piezas procedentes de alrededor de 40 colecciones privadas, museos y diferentes prestadores nos acompañan no sólo por la obra de la artista sino que nos proponen un verdadero viaje a otra época, la de los locos años veinte, que se viste de Art Decó. Porque este periodo no es solo pintura estática y  pasiva, es diseño, es innovación, música, fotografía, muebles,moda…por ello, toda una suerte de objetos se nos presentan en diálogo con los lienzos, consiguiendo que con nuestras visitas guiadas y un entorno así, el visitante viva una auténtico viaje en el tiempo.

Además, con esta muestra, la comisaria y experta en la obra de Lempicka Gioia Mori pretende arrojar algo de luz sobre aspectos desconocidos de la artista.

CONOCIENDO A LEMPICKA

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No se sabe con exactitud su fecha de nacimiento (entre 1895 y 1889) en una familia polaca de clase alta. Su vida fue una verdadera aventura. Se casó en San Petersburgo con Tadeusz Lempicki en 1916 y debido a los cambios políticos en Rusia decide mudarse a Paris en 1918, donde, sin sustento, comienza su historia de amor con el arte. En poco tiempo pasó de aprendiz a profesional como ilustradora en revistas femeninas y después como artista independiente.

Tamara desprendía una elegancia única, especial, como la de una estrella de cine. No quiso seguir a otros aunque siempre reconoció el impacto en su pintura de los grandes maestros y creó su propio estilo con sus volumétricas figuras que se antojan esculturas pintadas con toques cubistas y siempre con una doble lectura, porque si alguien rompió los estereotipos de la mujer frívola del Art Decó esa fue Lempicka. Mujeres empoderadas, inspiradoras, mujeres adelantadas a su tiempo fueron sus musas, las heroínas de su propia forma de entender el arte.

EL COMIENZO: TAMARA EN LA CIUDAD DE LA LUZ

París se consolidó de nuevo como Centro artístico indiscutible tras la Primera Guerra Mundial. Al abrigo de las tertulias en los cafés, las fiestas y los espectáculos que bautizaron esta época como los locos años 20 llegaron intelectuales y artistas de todo el mundo, entre los cuales se encontraba Tamara, que había llegado allí huyendo de la revolución bolchevique. Su primera exposición fue en 1922 en el Salón de Otoño y enseguida obtuvo un gran reconocimiento que marcó el inicio de su carrera. La primera sala de la exposición nos muestra algunas de sus primeras obras, en las que sentaba las bases de ese mundo del glamour y la moda que terminará reflejando como nadie.

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El fondo rosa (Retrato de Bibi Zógbé)1923

VIVIENDO LA MODERNIDAD

La segunda sala de la muestra lleva por título La Casa más moderna de París y hace referencia a la vivienda que Lempicka compró en 1930 en la Rue de Méchain, alabada en las revistas francesas, polacas y británicas como un ejemplo de modernidad y que fue decorada en su interior por su propia hermana Adrienne Gorska, la primera polaca que logró licenciarse en arquitectura y fue pionera en el diseño de salas de cine.

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Príncipe Eristoff. Tamara de Lempicka

VIVIENDO LA MODA

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Otro de los apartados imprescindibles de la obra de Lempicka es su relación con la moda, un sector en auge y con mucha relevancia en la época. Lempicka comenzó su andadura en el mundo artístico como ilustradora de revistas femeninas. La sala muestra algunos de esos figurines y bocetos junto a obras maestras como Las confidencias ( las dos amigas) de 1928 que aparecen en diálogo con vestidos, sombreros…diferentes piezas textiles que nos transportan a los cánones de belleza y preceptos de la moda del momento, siempre seguidos de cerca por Lempicka.

AMAZONAS

La siguiente sala de la muestra profundiza sobre la vida íntima de Lempicka y su orientación sexual. Amazonas era el término con el que en la época se hacía alusión a las mujeres homosexuales, como es el caso de Tamara, que nunca ocultó sus relaciones con otras mujeres, ya que se trata de una época que trató el tema con relativa naturalidad, aunque en cierto modo seguían siendo un tabú para la sociedad. En esta sala se recoge ese ambiente oculto de los locales “solo para mujeres” además de un gran número de desnudos en los que se puede ver su evolución pictórica.

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Sala Amazonas

LOS BODEGONES

Otro de los temas tratados por Lempicka fue el de la naturaleza muerta con flores, un género del que llegó a convertirse en una verdadera virtuosa. Sus naturalezas muertas se distinguen por una gran sobriedad compositiva y un cromatismo muy personal donde el gusto por el decorativismo es un fiel reflejo de la cultura Art Decó de la que Lempicka formó parte. En la sala sus flores dialogan con obras escultóricas de otros artistas.

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Jarrón con rosas. Tamara de Lempicka

MATERNIDAD

La siguiente sala de la exposición está dedicada al tema de la maternidad y en ella sobre todo se exponen obras en las que la artista usó a su hija Kizette como modelo, tanto de niña como en la edad adulta, obras que siempre tuvieron una gran acogida por parte tanto del público como de la crítica. También se puede ver una singular imagen de la Virgen con el Niño, un tema poco frecuente en la temática habitual de Lempicka.

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Retrato de Kizette. Tamara de Lempicka.

ALFONSO XIII.

image_content_8735165_20181005003152Esta sección  de la muestra es muy especial ya que en ella se muestra un hasta hace poco tiempo desconocido retrato (incompleto) que Tamara de Lempicka le hizo a Alfonoso XIII en su paso por España y que se ha podido recuperar gracias a las investigaciones de la comisaria de la exposición. Sin duda una extraordinaria sorpresa que se aleja de la temática habitual de Lempicka y que se puede contemplar en la exposición den diálogo con otros retratos del monarca.

 

EL MANUAL DE HISTORIA DEL ARTE

Así se puede denominar la obra de Tamara de Lempicka, un verdadero manual de Historia del Arte, en el que se puede apreciar la influencia de los primitivos flamencos como Van der Weyden, Vermeer o Crivelli pero también del Greco, Pontormo, Miguel Ángel, Botticelli o Rafael, además de la estatuaria antigua de Roma, Grecia…En esta sala se pueden apreciar las obras en las que más influyeron otros artistas y que se encuentra en verdadera sintonía con el movimiento Art Decó, que recupera formas griegas, etruscas, egipcias…

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Il velo verde. Tamara de Lempicka

BARONESA

Tamara se casa por segunda vez con el barón Raoul Kuffner, con el que se trasladará a Estados Unidos en 1939 tras el clima de inestabilidad previo a la II Guerra Mundial. En esta sección de la exposición se muestran algunas fotografías de las grandes fiestas que dio el matrimonio en su casa de Beverly Hills y algunas de las obras que realizó en Estados Unidos, donde su obra se consideró anacrónica y cuyas exposiciones fueron sufragadas por su marido. También se incluyen obras y fotografías de manos, un tema que interesó a Tamara durante este periodo.

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Fotografía de Tamara de Lempicka pintando

VISIONES AMOROSAS

IMG-20181014-WA0008Con el nombre de visiones amorosas Tamara de Lempicka se refería a las imágenes que despiden la muestra, en las que se muestran imágenes fruto de sus relaciones amorosas con mujeres. En ellas se pueden apreciar a algunas de las modelos con las que se relacionó y son obras cargadas de sensualidad,  reflejo de una modernidad transgresora y precursora de nuevos tiempos que estaban por venir en el arte y en la sociedad y de los que Tamara fue uno de los mejores ejemplos.

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Las muchachas jóvenes. Tamara de Lempicka

Seguramente después de este breve repaso te hayan entrado ganas de conocer más sobre esta gran artista del Art Decó. Pues estás de suerte, ya que el próximo mes de Noviembre en Parte del Arte estaremos haciendo visitas guiadas a esta exposición para descubrirte de la mano de un experto todos los detalles de la obra de Tamara de Lempicka. Las fechas son :

Miercoles 21 noviembre a las 12h.

Jueves 22 de noviembre a las 12h.

Viernes 23 de noviembre 18h.

¡No te la pierdas! Reserva en info@partedelarte.es o en el 645438576

Te esperamos.