Rebeldía, Color, Espíritu: Expresionismo Alemán

Una semana más en Parte del Arte os acercamos las exposiciones más interesantes que se han inaugurado en nuestra ciudad y que, por supuesto, incluimos en la programación de nuestro curso Exposiciones y Colecciones de Madrid.

En esta ocasión os hablamos de la reciente muestra del Museo Nacional Thyssen- Bornemisza que lleva como título “Expresionismo Alemán en la colección del Barón Thyssen-Bornemisza”. Lo cierto es que se trata de una muestra que estaba prevista para abril pero que, dadas las circunstancias sanitarias, finalmente se ha adelantado. Se inauguró el pasado 27 de octubre y uno de los aspectos más significativos es que con ella el museo arranca toda una serie de eventos programados para celebrar el “Año Heini” ya que, en 2021, se cumplirán 100 años del nacimiento de Hans Thyssen-Bornemisza, el barón fundador del Museo y uno de los coleccionistas más importantes del siglo XX.

El museo ha organizado una gran fiesta con un escenario de lujo repleto de colores vivos y llamativos, toda una explosión de color que nos harán disfrutar de esta muestra y acercarnos a la historia del Barón y de su pasión por este arte que, como os vamos a contar, fue el pistoletazo de salida para una de las colecciones de arte moderno más importantes del siglo XX. Además, a esta celebración no ha querido faltar nadie, y por ello, la exposición nos muestra obras que pertenecen a la propia colección del Museo y obras que pertenecen, por un lado, a Carmen Thyssen y, poro otro, a las colecciones privadas de sus hijos Francesca y Alexander, unas pinturas que nunca se habían mostrado al público en nuestro país.

Pero ¿cuándo se interesó el barón en este tipo de pintura? En mayo de 1961 el barón visitó una subasta de arte en Stuttgart y allí se quedó fascinado con una acuarela del pintor expresionista Emile Nolde. Esta joven pareja pintada entre 1931 y 1935, despertó en el Barón un interés que hacía tiempo que no sentía. Acostumbrado a la colección de su familia, centrada en pintura antigua (sobre todo renacentista y barroca) llamaron su atención las figuras silueteadas, la gama audaz de colores tan contrastada que creaba una atmósfera de tensión entre los personajes, por lo que decidió comprarla.

Emile Nolde. Joven Pareja (1931-1935) Parte del Arte

“Mi padre despreciaba el arte moderno. Siempre decía que el arte se había terminado al final del siglo XVIII y cuando yo era joven, me lavó el cerebro, me hizo pensar como él durante mucho tiempo”.

Hans Heinrich “Heini” Thyssen-Bornemisza

Como podéis imaginar, este nuevo camino que “Heini” iniciaba no gustó especialmente a su familia, y fue entonces cuando decidió rebelarse contra su padre. Esta rebeldía tan presente en la exposición provocó que, a partir de 1947, tras la muerte de su padre y cuando hereda la fortuna, empresas y colección de arte, decida iniciar un nuevo camino con una colección mas moderna, abierta e internacional cuando tenía ya unos cuarenta años.

“Empecé a pensar que, si los primeros años del siglo XX habían producido tantas cosas importantes en la ciencia, en la técnica y en otros campos, el arte de esa época tenía que ser también interesante”.

Hans Heinrich “Heini” Thyssen-Bornemisza

En este sentido fueron fundamentales amigos como Stavros Niarchos y David Rockefeller, que también coleccionaban arte moderno. Se sintió más cercano a ellos que a su familia y lo que había significado. Él no quería ser un gran magnate como su padre y su abuelo, ni tampoco mantener el carácter conservador de ambos. A él le interesaba el mundo moderno, y por eso fijó uno de sus primeros objetivos en el conocimiento del Expresionismo Alemán, tachado de arte degenerado por la Alemania del Tercer Reich.  

La exposición nos muestra muy bien todo este contexto político, histórico y social. Lo hace a través de las obras expuestas ya que se da a conocer el viaje y el contexto que ocupan desde que salen de los talleres de los artistas hasta que llegan a la colección. Además, no sigue un orden cronológico, sino temático, que ayuda a reforzar la comprensión del momento en el que se constituye esta colección.  Por supuesto, os contamos algunas claves de esta fantástica muestra:  

LOS ARTISTAS: PROCESOS DE CREACIÓN

“El expresionismo es una droga, es como si este arte te gritara, te bombardea con efectos y te provoca una excitación nerviosa como la de la música moderna”.

Hans Heinrich “Heini” Thyssen-Bornemisza

Sin duda, estas palabras del barón describen muy bien el sentimiento que compartían todos los artistas del movimiento: una misma forma de entender que el arte parte de la visión interior del artista y que ya no busca imitar una realidad, sino crear una nueva. Los artistas del grupo Die Brücke (el puente) o del Blaue Reiter (Jinete Azul) entendieron sus talleres como un laboratorio de nuevas ideas, decorado con esculturas cercanas a las de los pueblos primitivos, batiks estampados o muebles rústicos fabricados por ellos mismos.

Ernst Ludwing Kirchneer. Fränzi ante una silla tallada. 1910. Museo Nacional Thyssen Bornemisza. Parte del Arte.
Ernst Ludwig Kirchner. Cocina alpina, 1918. Museo Thyssen Bornemisza. Parte del Arte

REFERENTES

Los artistas expresionistas buscaban reivindicar una era preindustrial pura y sin contaminar, volviendo a representar exteriores o inspirándose en los referentes culturales de aquel tiempo como Munch. Por eso, en esta exposición encontramos obras de este novedoso y colorido estilo junto a, por ejemplo, pinturas de Van Gogh (Les Vessenots en Auvers, 1890) o Gauguin (Idas y venidas, 1887) Así, la exposición pretende para mostrar el interés que despertaron en ellos estos pioneros de la modernidad, cuya obra pudieron conocer de primera mano a través de publicaciones y exposiciones.

Izq: Vincent van Gogh. Les Vessenots en Auvers, 1890. Dcha: Erich Heckel Casa en Dangast (La casa blanca), 1908. Parte del Arte.

EXTERIORES

Uno de los aspectos más importantes para este movimiento de vanguardia fue el paisaje, objeto de múltiples obras. Y es que, para estos expresionistas, la relación entre el hombre y la naturaleza, como muy bien muestra la obra de Franz Marc (El sueño, 1912) fue fundamental para el desarrollo de su producción. El paisaje se transformó en su estudio al aire libre, donde
les llevo a una búsqueda incesante de lo originario y pueblos primitivos.

Karl Schmidt-Rottluff El pueblo de Dangast, 1909. Parte del Arte.
Ernst Ludwig Kirchner Paisaje con castaño, 1913. Parte del Arte.
Karl Schmidt-Rottluff Reflejo de nubes, 1936. Parte del Arte.

LA DIFUSIÓN DEL NUEVO MOVIMIENTO

Wassily Kandinsky Pintura con tres manchas, n. 196, 1914. Museo Thyssen Bornemisza .

La mayoría de estos artistas expresionistas escribieron manifiestos y organizaron muestras programáticas como vehículo de divulgación de sus ideas artísticas y poco a poco fueron alcanzando cierto reconocimiento de crítica y público. En estas salas se reúnen algunas de las obras que acabaron formando parte de la colección Thyssen y que fueron incluidas en las primeras exposiciones tanto colectivas como individuales del Jinete Azul; como por ejemplo la Vista de una plaza (1912) de Paul Klee o la pintura con tres manchas (1914) de Kandinsky.

Sin embargo esta creciente difusión pública de los expresionistas se vio interrumpida con el inicio de la Gran Guerra. Hacia 1913 el grupo inicial del Brücke ya se había dispersado y cada artista siguió su trayectoria por separado; Macke y Marc fallecieron en el frente; Kandinsky volvió a Rusia; Jawlensky se refugió en Suiza… Una década después, muchas de ellos como Kandinsky o Klee se desplazaron a Dessau para trabajar en la Bauhaus y otros como Grosz o Max Beckmann se dedicarían a mostrar en su obra la descomposición de la sociedad alemana.

Sala de Exposición con la Pintura con tres manchas de Kandinsky al fondo. Parte del Arte.

LA POLÍTICA: PERSECUCIÓN Y ESTIGMATIZACIÓN

Como ya hemos mencionado, uno de los aspectos que más llamaron la atención de Heini Thyssen fue el colorido y la fuerza expresiva de la pintura expresionista, pero también le persuadió las razones políticas del movimiento.

Debemos tener en cuenta que el ascenso de Hitler al régimen nacionalsocialista dio lugar a una política de depuración artística que creo conceptos como “arte degenerado”. Se organizaron diferentes exposiciones y varias pinturas que se encuentran hoy en la colección Thyssen formaron parte de aquellos fondos que fueron denigrados. Es el caso, por ejemplo, de la Metrópolis que pintó George Grosz, que fue catalogada como “herramienta de propaganda marxista contra el servicio militar”. Lo cierto es que el recorrido de la obra es muy interesante.

Greorge Grosz. Metrópolis, 1916-1917. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

Fue puesta a la venta directamente por el gobierno del Reich en una polémica subasta en 1939 en la Galerie Fischer de Lucerna, en la que se llegaron a vender más de cien obras incautadas. Metrópolis fue comprada por Curt Valentin, un galerista alemán instalado en Nueva York que rápidamente revendió la obra al coleccionista Herman Shulman. Pero cuando la figura de Grosz estaba asentada y consolidada en América, Curt Valentin volvió a adquirir la obra y poco antes de morir se la vendió a un marchante que, ya en 1978, se la vendería al Barón. Y es que, a pesar del intento de los nazis por pugnar el arte moderno, lo que consiguieron fue que creciera el interés por este arte en el ámbito internacional.

Max Beckmann. Quappi con suéter rosa, 1934-1934. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Lo mismo ocurrió con el pintor Max Beckmann. En esta exposición volvemos a ver a Quappi, una de las grandes obras que posee el museo y sin duda, una de nuestras obras favoritas. Quappi es el reflejo de toda esta época y su proceso de creación nos muestra un mundo que se torna triste e intranquilo. A través del testimonio de Stephan Lackner, el primer propietario del retrato y un buen amigo de Beckmann, sabemos que, en la primera versión, Quappi tenía una sonrisa más amplia. Sin embargo, en el intervalo que había transcurrido entre las dos sesiones, la vida de los Beckmann había sufrido una fuerte transformación. Los nazis habían obligado al pintor a abandonar su cargo de profesor de la academia de Frankfurt y la pareja vivía clandestinamente en Berlín, intentando pasar desapercibida. La sonrisa de Quappi se hizo más pequeña entonces.

LOS MARCHANTES: REHABILITACIÓN Y RECUPERACIÓN

Si hay algo que está muy presente en esta exposición es la figura del marchante. El propio Barón Thyssen encontró en uno de ellos la figura de un mentor, casi de un padre. Se trataba de Roman Norbert Ketterer, subastador y galerista que desde el final de la guerra había trabajado con enorme éxito recuperando el expresionismo alemán y sacándolo al mercado internacional. Él era el albacea de Ernst Ludwing Kirchneer, que pronto se convirtió en el artista favorito de Heini Thyssen. Cuando Ketterer necesitaba dinero, le vendía a Heini alguna obra de su colección. Así es como llegó a la colección, por ejemplo, la obra de Fränzi ante una silla tallada.

Franz Marc. El sueño, 1912. Museo Nacional Thyssen Bornemisza.

El barón Thyssen fue un coleccionista interesado por la historia de los cuadros que adquiría y se sintió especialmente atraído por obras emblemáticas, que contaran con un pasado memorable. El sueño de Franz Marc es sin duda el mejor ejemplo. La obra la encontramos al inicio de la exposición por la referencia a la naturaleza y el color expresivo, pero el recorrido de la pieza es uno de los más interesantes de la historia de la exposición. Fue el mismo pintor quien se lo regaló a Kandinsky y por eso, durante cierto tiempo el cuadro estuvo en Rusia (de 1914 a 1921). Años después, fue seleccionado para la International Exhibition of Modern Art de la Societé Anonyme celebrada en Nueva York y en varias ciudades americanas durante 1926 y 1927. Incluso cuando el barón Thyssen la compró, todavía pertenecía a Nina Kandinsky, segunda esposa del pintor. Y como esta, la exposición muestra el recorrido de diferentes obras que al igual que encandilaron al barón, también ganará al público que la contemple.

LA COLECCIÓN: UNA IMAGEN GLOBAL/INTERNACIONALIZACIÓN

El último de los ámbitos de la exposición nos recuerda la rebeldía del Barón a la hora de iniciarse en el coleccionismo del arte moderno. A través de un mapa muy visual y cronológico descubrimos las adquisiciones de Heini Thyssen y todos los proyectos que llevó a cabo, como por ejemplo la primera muestra de arte expresionista que realizó en Villa Favorita (Lugano, 1989)  y que acabó viajando a ciudades como Washington, Fort Worth y San Francisco.

Los barones Thyssen en la inauguración de la exposición Espressionismo. Capolavori della Collezione Thyssen-Bornemisza en Villa Favorita, Lugano, 1989. Parte del Arte.

Al final de la exposición entendemos el espíritu de libertad que embriagó al barón y que rompió con la tradición académica. El Expresionismo alemán le concedió la licencia de atreverse con todo; en 1963 se atrevió a comprar una obra de Pollock, y en los 70 adquirió dadá, surrealismo, expresionismo abstracto, pop art… De hecho, en términos de cantidad, ha sobrepasado la colección de maestros antiguos.

El coleccionismo fue para Heini la manera de vivir en primera persona y hacer suya la historia del arte, y por suerte, hoy esa historia del arte la podemos disfrutar en el museo y en esta fantástica exposición que estará hasta el próximo mes de marzo en el Museo Nacional Thyssen Bornemisza.

Wassily Kandinsky. La Ludwigskirche en Munich. 1908. Museo Nacional Thyssen Bornemisza. Parte del Arte.

Nos despedimos por hoy. Como siempre, nos encantará leeros y comentar con todos vosotros y vosotras qué os ha parecido la exposición. Ya sabéis que podéis encontrarnos en nuestras redes sociales (Instagram, Facebook y Twitter), nuestra página web y en este Baluarte. ¡Seguidnos para no perderos nada!

¡Feliz Semana!

Invitadas en el Prado

Esta semana en Parte del Arte seguimos hablando de la que, sin duda, es una de las exposiciones más importantes y destacadas del año. Las Invitadas llegaron por fin al Museo Nacional del Prado, a nuestros cursos culturales online y ahora a nuestro particular Baluarte, donde os contamos algunas claves y reflexiones sobre esta interesante y reivindicativa muestra.

Carlos Verger. Falenas. 1920. Museo Nacional del Prado. Parte del Arte.

Invitadas. “Fragmentos sobre mujeres, ideología y artes plásticas en España (1833-1931)” nos lleva de vuelta al siglo XIX y principios del siglo XX para mostrarnos la consideración de la mujer en la sociedad del siglo XIX y la manera en la que se adentra en el mercado artístico. Dice Carlos Navarro, el comisario de la exposición, que Invitadas son “aquellas personas que no eligen cuándo llegan, dónde se sientan y hasta cuándo pueden estar en un lugar”. Y ellas han llegado a las salas del Museo del Prado para hacernos pensar y reflexionar a través de más de 100 obras que se muestran en diferentes secciones cuyos títulos no dejan indiferente.

Las Invitadas que nos reciben en la primera sección son reinas, mujeres que gobernaron y que, con un simple borrón en el lienzo, pensaron que las olvidaríamos. Reinas intrusas (así las nombran en el título de la sección) a las que novelaron, como a Juana de Castilla, de la que nos hicieron creer que había enloquecido de amor pero a la que su propio padre manipuló en su propio beneficio político. Juana la Loca, la reina intrusa, demente y condenada a una vida encerrada en Tordesillas. Y como ella, muchas más.

Francisco Pradilla y Ortiz. La reina doña Juana la Loca, recluida en Tordesillas con su hija, la infanta doña Catalina. 1906. Museo Nacional del Prado.

Las siguientes secciones, el molde patriarcal y el arte de adoctrinar nos muestran a niñas, jóvenes y adultas que fueron educadas bajo los parámetros patriarcales basados en el cuidado y la atención del hogar, sus hijos y sus esposos. Por suerte, allí estuvieron muchas como Emilia Pardo Bazán o Concepción Arenal para reivindicar el papel y la educación de la mujer.

Plácido Francés y Pascual. 1902. El consejo del Padre 1892. Museo Nacional del prado.

En estas secciones llaman nuestra atención obras de gran formato como El Consejo del padre (Plácido Francés y Pascual, 1902), en la que un padre un albañil que ha parado de trabajar para comer está acompañado de sus hijas a las que parece dar consejos, según desvela el título de la obra.  No escuchamos su discurso, las figuras del fondo, que representan una escena galante, nos permiten intuirlo. Descubrimos también como algunas de las obras que concurrieron a los certámenes

oficiales, ademas de girar en torno a esta visión paternalista,estaban dotadas de lo que se calificó como la representación de la “naturaleza emocional” de las mujeres, la cual decían que “formaba parte de su encanto” pero también como una debilidad de su carácter. Esta idea quedó plasmada en obras como en imágenes desenfadadas con títulos que codificaban a la mujer como alegoría de los vicios de la soberbia (Baldomero Gili y Roig, 1908), la pereza o la venganza y que, en ocasiones, revelaban una clara crítica.

Es curioso ver como en la sala siguiente, titulada Brújulas para extraviadas, se da a conocer cómo la Exposición Nacional de 1895 supuso el triunfo de un nuevo subgénero sentimentalista inspirado en los folletines o novelas por entregas: el de las hijas pródigas que, tras haberse dejado seducir por un hombre, volvían a casa implorando el perdón paterno. Pero estas imágenes constituían, en realidad, advertencias educativas para las jóvenes más inconformistas. En los años sucesivos empezaron a exhibirse en los certámenes oficiales obras que denunciaban abiertamente las redes de prostitución y el consecuente proceso de degradación al que se veían sometidas sus víctimas. Miradas como la de la Falena de Carlos Verger (que es imagen de la exposición) fueron incluso adquiridas por el Estado en estos certámenes, legitimizando así el discurso de la mujer caída, mujer descarriada que debía obedecer si no quería terminar como las protagonistas de los cuadros.

Antonio Fillol Granell. La bestia huamana. 1897. Museo Nacional del Prado. Al fondo del sombrío escenario un hombre de apariencia corriente, como la de cualquiera de los espectadores que verían la obra 1897, espera impasible los servicios de la prostituta, una joven vestida de luto a la que una alcahueta termina de convencer.

Poco a poco vemos como desde finales del siglo XIX las imágenes reflejan el marco normativo y moral en el que debía moverse la mujer. Entre ellas, por supuesto, las referidas a la maternidad equiparada entonces a la realización personal femenina. En este tipo de obras, amparadas bajo la sección Madres a juicio, vemos como los artistas representaban entonces las consecuencias de los malos hábitos de los progenitores sobre la salud de sus hijos y su posterior abandono; pero también el drama que para muchas nodrizas del mundo rural suponía el tener que abandonar su casa y a sus propios hijos para atender a los de las familias pudientes de las ciudades. De nuevo, la mujer enjuiciada a través de imágenes aparentemente complacientes se convierte en objeto de la crítica.

Marceliano Santamaría Serrano. El precio de una madre. (A mejorar la raza). 1900. Ayuntamiento de Burgos.

Temas más polémicos como los desnudos (sección 5) y las censuras (sección 6) también se abordan. La Academia de aquel tiempo se inspiraba en los en relatos canónicos, pero muchos de estos temas sólo eran una excusa para justificar la representación de las fantasías y los impulsos de los hombres, enmascarándolos bajo excusas moralizantes que contraponían la castidad a la lujuria o, en el caso de las esclavas y las odaliscas, situando las escenas en remotos y exóticos escenarios orientales.

Concretamente, en la sala dedicada a los desnudos llaman nuestra atención dos obras muy curiosas. En una de las vitrinas encontramos un libro de Álvaro Retana titulado Una niña demasiado moderna. Delirantes extravíos de una ingenua libertina, y en el centro de la sala, imponente, una gran escultura de Gabriel Borrás Abellá representa las Tentaciones de San Antonio con la representación protagonista de una mujer que se muestra ante el ermitaño con poses suntuosos e interpretados como lujuriosos para la crítica del siglo XIX.

Gabriel Borrás Abellá. Las Tentaciones de San Antonio. 191Museo Nacional del Prado.

Continuamos el recorrido y nos vamos preguntando, ¿cuando veremos las obras de las mujeres artistas? Descubrimos a las primeras de la muestra cuando pasamos el ecuador de la exposición, ahí encontramos a las primeras bajo los títulos de náufragas (sección 9) o pintoras en miniatura (sección 11), entre otras. Ellas fueron partícipes de un contexto en el que a imitación de los usos y costumbres aristocráticos, pintar se convirtió en un complemento más –como el piano o el canto– de la formación de toda joven de la sociedad del siglo XIX. Sin embargo, al no tener acceso a las enseñanzas que impartían las Academias de Bellas Artes, la educación artística de las mujeres se limitó a la recibida en las escuelas de dibujo o en los talleres de otros pintores. A pesar de ello, algunas llegaron a exhibir sus habilidades como pintoras aficionadas en las exposiciones públicas, donde la crítica las tachó de “graciosas” o “encantadoras”. Las pocas que llegaron a desarrollar una carrera profesional –provenientes en su mayoría de familias de artistas– se dedicaron principalmente al retrato en miniatura o a la copia de obras, por lo general religiosas pero también bodegones e incluso, aunque en menor medida, retratos. Ellas mismas trataron de profesionalizar su trabajo y buscaron diferenciarse de los copistas varones instaurando el término copiantas (sección 13).

Últimas sala de la exposición. Mujeres artistas. Parte del Arte.

Seguimos el recorrido marcado, y avanzamos hasta llegar a secciones como las “viejas maestras” y las “verdaderas pintoras” o reinas y pintoras que nos llevan siglos atrás, cuando las pintoras se habían representado como las artistas que eran y habían intentado dejar claro su oficio. Se exhibían con elementos que las reconocieran como tales y, sin embargo, a finales del siglo XIX surge la necesidad de representarse a sí mismas como señoras, señalando que ya han pasado los tiempos de lucha y han conseguido un cierto reconocimiento: que eran señoras antes que pintoras, como observamos en la sección 16.

Por suerte, tal y como nos cuenta la última parte del recorrido expositivo, en las últimas dos décadas del siglo XIX la presencia de mujeres artistas en los certámenes públicos aumentó de manera notoria. Parte de la crítica llegó a reconocer la valía de muchas de ellas y juzgó su obra con independencia de su condición de mujeres, al menos en apariencia, porque el mérito y reconocimiento que por ejemplo tuvo Elena Brockmann fue “pintar como un hombre” o el de Antonia Bañuelos fue ser”el mejor pintor de su sexo”. Por suerte, estas últimas secciones nos hablan de aquellas mujeres que consiguieron vencer el sistema de representación artística y se representaron como anfitrionas de sí mismas (última sala, sección 17). En todas ellas se ve el influjo de Rosa Bonheur, que logró convertirse en la primera mujer condecorada públicamente con la Gran Cruz de Isabel la Católica y que parece que nos mira segura, desafiante y orgullosa a través del magnífico Cid en cuerpo de león.

Elena Brockmann de Llanos. Paso de una procesión por el claustro de San Juan de los reyes, Toledo, 1892. Museo Nacional del Prado.

Llegamos al final de la exposición y salimos desconcertadas, felices de verlas y al mismo tiempo con rabia de haber tardado tiempo en que ocupen un lugar destacado en el Museo. Quizá las Invitadas han llegado un poco tarde (y no sólo por la pandemia que ha retrasado su inauguración) pero han llegado pisando fuerte. Sería una gran noticia que se quedaran en las salas del museo, pero como bien nos recuerda el título de la exposición, como Invitadas que son, a finales de marzo se tendrán que marchar. Es evidente que el reconocimiento y el papel de la mujer ha cambiado, por suerte, desde el siglo XIX hasta hoy en día. Pero todavía queda mucho trabajo por hacer y esta gran iniciativa del Museo nos los recuerda.

Ahora es vuestro turno, nos encantará leeros y conversar sobre las sensaciones que habéis sentido al recorrer estas salas. ¡Contadnos!

Nosotras, os seguimos acercando más historia del arte en nuestros cursos online, pero también en nuestras redes sociales (InstagramFacebook y Twitter), nuestra página web y en este Baluarte.

¡Feliz Semana!

Invitadas en el Museo del Prado. Parte del Arte

La pintura de Botero llega a Madrid

La semana pasada comenzamos en Parte del Arte nuestros cursos culturales online y estamos encantadas de la buena acogida que están teniendo todos, entre ellos el curso de Exposiciones y Colecciones de Madrid, que hemos inaugurado con la exposición Botero, 60 años de pintura en CentroCentro Cibeles y de la que queremos hablaros en el post de hoy.

Botero, 60 años de pintura es una de las exposiciones más interesantes que encontramos ahora mismo en la ciudad de Madrid, ya que se trata de la muestra más extensa realizada en España hasta la fecha, contando con 67 obras de gran formato que nos acompañan mientras conocemos la trayectoria del pintor colombiano.

Entrada a la exposición Fuente: Parte del Arte

Ya sabéis que nos encanta profundizar en la vida de los artistas, desgranar algunos de los detalles que tuvieron un impacto en su vida artística así que vamos a conocer un poco más la figura de Botero.

Fernando Botero nació en Medellín (Colombia) el 19 de abril de 1932 y desde pequeño estuvo interesado en el mundo del arte. Tanto, que llegó a ser expulsado del colegio por escribir dos artículos que llevaban por título “Picasso y el no conformismo en el arte” y “Dalí, la anatomía de un loco” donde se alejaba de los parámetros tradicionales del arte.

Con tan sólo 16 años ya divulgaba sus trabajos en El Colombiano, una revista con cierto renombre en Medellín que le abrió las puertas a participar en diferentes exposiciones y a trabajar como escenógrafo para diferentes grupos teatrales como el de Faustro Cabrera. Con los primeros éxitos y reconocimientos, como el premio del IX Salón de Artistas Colombianos, Botero puede realizar los primeros viajes por Europa. Llega primero a Barcelona y luego a Madrid, donde visita el Museo del Prado y conoce la obra de los grandes artistas que dejarán huella en su obra. Motivado por este encuentro artístico, viajará a París para conocer el Museo del Louvre y a Florencia para inscribirse en la Academia de San Marcos.

Fernando Botero en su estudio. Fuente: Google Sites.

El Estilo Botero

Después de sus primeros viajes por Europa, Botero siente una gran admiración por la pintura occidental, especialmente por el arte del Renacimiento, pero también una atracción por lo latinoamericano, por sus raíces; así que decide dejar de lado el carácter épico del tema y opta por dedicarse a pintar objetos sencillos como vasijas y frutas. Es curioso porque el objeto en el que más se fijo fue una mandolina. A finales de 1956 realizó numerosos esbozos y dibujos del instrumento, hasta llegar a la experiencia estética que cambia su vida: con total consciencia de su búsqueda artística, Botero altera la escala de las diferentes partes de la mandolina en sentidos opuestos, obteniendo con ello que las proporciones cambien.

Naturaleza muerta con mandolina y uvas, 1956 Óleo sobre lienzo. Fuente: 3 minutos de arte

El resultado ha hecho que vulgarmente se diga que los protagonistas de sus obras están gordos, pero es erróneo, porque lo que él hace es buscar la deformación necesaria del objeto pintado sin que éste pierda su identidad y al mismo tiempo crea un nuevo lenguaje único y reconocible.

Esta temática que marca un poco el origen de la obra de Botero está presente en la primera sección de la exposición, donde es posible encontrar varias de estas famosas Naturalezas Muertas.

Naturalezas Muertas en la Exposición.
Fuente: Parte del Arte

A lo largo de la exposición se presentan diferentes áreas temáticas, en las que vamos encontrando los variados temas que ha abordado Botero a lo largo de toda su extensa carrera. Por ejemplo, en la sección América Latina encontramos los recuerdos de su infancia y su juventud; nos presenta a personajes cotidianos, músicos, bailarines, monjas, militares, hombres de alta sociedad, prostitutas… En definitiva, el Medellín que recuerda de su infancia.

Pinto el Medellín de los años treinta, una ciudad muy pequeña y provinciana, con una arquitectura homogénea. Un lugar que tenía una presencia aplastante del clero (…). Todo era como si le pusieran a uno un show inevitable delante de los ojos. Era una especie de microcosmos latinoamericano. Una pequeña república donde el alcalde era el presidente y el obispo el Papa. Había de todo…Además estaban las montañas al fondo, un colorido extraordinario, una vegetación maravillosa […] Medellín lo tenía todo. Se necesita una vida para pintar eso”.

Fernando Botero
América Latina representada en la exposición. Fuente: Parte del Arte

Continuando por el recorrido, nos encontramos con las fantásticas Versiones, donde se apropia de temas que han sido creados por otros y los transforma con su lenguaje en una obra de arte propia y completamente diferente. De todas ellas, llamará nuestra atención la versión del Matrimonio Arnolfini de Van Eyck o los retratos del duque de Urbino y su esposa de Piero della Francesca, a quien Botero descubrió en sus viajes por Europa y de quien es un gran admirador.

Matrimonio Arnofilni de Van Eyck. Fuente: Salir con Arte. Matrimonio Arnolfini de Botero. Fuente: Parte del Arte

La Religión es otro de los temas abordados por Botero. Su interés por estos temas no ha sido mas que una excusa para explorar pictóricamente las situaciones, las formas, los colores, el vestuario y el mundo plástico y poético del clero, abordando a sus personajes con humor y sátira. Los obispos, las monjas, los nuncios, los sacerdotes y los cardenales que ocuparon un lugar tan prominente en el ámbito provincial de Medellín de los años 30 y 40, se convierten en los protagonistas de esta serie de obras donde abunda la nostalgia, la sátira y el humor. Botero nos presenta unas composiciones un tanto inesperadas y sorprendentes, por eso muchas veces este tipo de imágenes se catalogan dentro del famoso realismo mágico latinoamericano, aunque realmente, es un término con el que el artista no se siente especialmente identificado.

El Circo o La Corrida son otros de los temas representados en la exposición. La fascinación por estos temas le viene desde pequeño, especialmente la tauromaquia, pues de pequeño su tío le inscribió en una escuela taurina de Medellín y fue en la Plaza de Toros de la Macarena donde el artista vendió su primera obra. Ya de adulto, Botero experimenta con las posibilidades y los retos que implica un tema de esta índole en cuanto a la composición y su riqueza cromática. No le interesa la representación fidedigna de la corrida o del espectáculo del circo, sino las posibilidades plásticas de las escenas, es decir, el color, la composición, los volúmenes y la sensualidad poética de este tema que ya habían tratado los grandes maestros como Goya o Picasso.

La Corrida representada en la exposición. Fuente: Parte del Arte

Para finalizar la exposición se muestran los mismos temas desplegados en el recorrido pero con la técnica de la Acuarela. Así, nos damos cuenta que aunque pasan los años Botero sigue en pleno rendimiento y presenta algunos cambios formales: se acentúa la sensualidad y se vuelve algo más delicado. Se trata de un trabajo inédito que se muestra en España por primera vez, por lo que, como decíamos al inicio, Botero se convierte en una figura que no deja indiferente a nadie.

Ahora es vuestro turno, nos encantará que nos contéis que os ha parecido la exposición y si os gusta la obra de Botero. Ya sabéis que podéis encontrar más información en nuestras redes sociales: Instagram, Facebook y Twitter y por supuesto, podéis descubrir mucha más historia del arte en nuestra página web y en nuestros cursos culturales.

¡Feliz Semana!

Floreciendo tras la Pandemia

En Parte del Arte poco a poco vamos volviendo a la nueva normalidad, ya sabes lo mucho que nos gustaría poder hacer visitas guiadas a las mejores exposiciones de Madrid, sin embargo por el momento tendremos que esperar un poco mas para hacerlas en grupo, eso si próximamente os anuciaremos cuando comenzamos los cursos Culturales, que llevamos impartiendo mas de diez años y que si o si empezaran en el mes de octubre 😉

Mientras tanto queremos hablarte de una interesante muestra que hoy hemos visitado la sugerente y atractiva exposición titulada «A un cuervo y los huracanes que, desde lugares desconocidos, traen de vuelta olores de humanos enamorados», sugerente ¿verdad? pues sigue leyendo que te contamos de que va, para que no te quedes solo con un ¡Oh que bonito! Ya que tiene cantidad de símbolos y referencias que van mucho más allá.

Petrit Halilaj, en el Palacio de Cristal – GUILLERMO NAVARRO. Imagen de ABC Cultura.

Primero hablemos un poco sobre el artista, ya que al ser joven y ser la primera muestra de Petrit Halilaj en nuestro país, tampoco es que sea muy conocido, pero para eso estamos nosotras, para ponerte en situación y sacarle el jugo a su creación de una manera amena a la vez que rigurosa.

Petrit Halilaj es un joven artista nacido en Kosovo de 34 años, que pese a su corta edad ¡fijaos! ya sabe lo que es tener que huir de la guerra, el drama y tener que vivir como refugiado. Ademas ha tenido que mantener otra “guerra interior”, defender su condición sexual: la homosexualidad tristemente no es aceptada en la sociedad kosovar que le vio nacer.

Palacio de Cristal transformado en nido. ImagenParte del Arte.

¿Qué podrás ver cuando visteis la exposición del Palacio de Cristal? en primer lugar lo verás diferente ya que ha transformado el espacio en un gran nido, sí como lo oyes, para que puedan entran todo tipo de criaturas a su interior, (incluido nosotros ;P) han abierto las ventanas y se han instalado comederos con alpiste para animar a los pájaros a entrar, que gran idea ésta! que sean bienvenidos y de hacer permeable y conectar interior y exterior.

El artista se ha inspirado en los bowerbirds, unas aves super curiosas que construyen elaboradas estructuras decoradas con objetos de colores y brillantes (por cierto no me preguntéis porqué pero les encanta el azul como podéis ver en el video que os linkamos) como ritual de cortejo para atraer a la pareja.

Los pájaros son un referente en la obra de Petrit, para él son una metáfora de la libertad, una libertad por la que lleva tanto tiempo luchando. 

Natalia bajo las grandes flores de cerezo. Imagen Parte del Arte.

Lo primero que llamará nuestra atención son las coloridas flores ya que son gigantescas (están hechas con lienzo pintado) verdaderamente impresiona la escala, todas las flores son monumentales y esplendorosas, tenemos claveles, lirios, amapolas y dos flores de cerezo preciosas, son como un canto al amor, Petrit siente que aqui, en nuestro país, puede manifestarlo abiertamente a diferencia de su país como ya os contábamos.

History of a Hug [Historia de un abrazo, 2020] Imagen Parte del Arte.

Una de las piezas mas interesantes de la exposición es la de un ave blanco llamada “Historia de un abrazo”. Es un cuervo blanco antropomórfico, es decir  un ave con apariencia humana, vestido de traje y aparece cogiendo un trozo de madera, ésta es una de las piezas simbólicas, que nos conecta con la biografía del artista. Le contaron que su abuelo, éste trabajaba en el campo, sostenía un tronco, cuando recibió la noticia que su esposa había dado a luz a su primer hijo. No estaba bien visto por la sociedad patriarcal de origen que un hombre expresara en público las emociones, seria considerado como debilidad, que cosas, en fin sigamos, el caso que él abrazó el tronco con tanta intensidad que pensó que podría romperlo. Para Halilaj, este cuervo blanco representa la diversidad, la lucha y la resistencia al cambio para ser aceptado. En el centro vemos también dos gigantescas patas de pájaro.

detalle de History of a Hug [Historia de un abrazo, 2020] Imagen Parte del Arte.

Con este nido, Halilaj ofrece un refugio, un hogar, nos devuelve la esperanza y nos brinda la posibilidad de otro futuro, mas esperanzador y positivo, donde el crecimiento de la sociedad atiende los sentimientos y  la naturaleza.

¿Dónde? Parque del Retiro, en el Palacio de Cristal.

¿Hasta cuando? Hasta el 28 de febrero

Precio: Entrada gratuita.

Si te ha gustado nos encantaría leer vuestros comentarios y nos contéis si la habéis visitado y que os ha parecido, os leemos!! 🙂

También podéis conectar con Parte del Arte a través de las redes sociales, visita nuestro instagram!!

Natalia Nuñez Dato. Fundadora de Parte del Arte.

La casa museo de Lope de Vega: el hogar de un genio del Siglo de Oro

Arrancamos esta semana en Parte del Arte nuestra tercera edición de cursos on line y no podemos estar más contentas y agradecidas de la buena acogida que han tenido nuestros cursos Conoce Madrid, Grandes Momentos de la Historia y Exposiciones y Colecciones de Madrid.

Poco a poco vamos recobrando la normalidad, pero mientras llega el momento de vernos de nuevo (lo estamos deseando) hemos decidido continuar con vosotros de forma virtual, compartiendo pequeños paseos culturales en nuestro Instagram todos los días a partir de las 20.00h y noticias e información de interés en todas nuestras redes sociales: Facebook, Twitter, Instagram y Youtube.  Además, como cada semana, en nuestro blog BaluArte os traemos un tema relacionado con el arte, la historia y la cultura de Madrid.

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Natalia Nuñez, fundadora del proyecto Parte del Arte, que cumple este año sus 10 años de vida. ( Foto: Parte del Arte)

MADRID: ESCENARIO DE LA VIDA DE LOPE DE VEGA

Esta semana queremos hablaros de uno de los temas que trataremos en Conoce Madrid esta semana: el Madrid de Lope de Vega y su casa museo.

El Madrid del siglo de oro fue testigo de las andanzas del gran escritor. Hijo de una pareja de montañeses cántabros, Félix Lope de Vega nació en Madrid  el 25 de noviembre (aunque algunos creen que fue el 2 de diciembre). Lo que sus padres no sabían es que se terminaría convirtiendo en uno de los escritores más importantes de la historia de la literatura, conocido en su época con el famoso nombre de “Fénix de los Ingenios”.En el terreno personal fue una persona polémica, muchas veces irreverente y alejado de los estereotipos morales de su época y de vida amorosa agitada a pesar de su faceta como sacerdote. Acérrimo enemigo del otro gran titán del Siglo de Oro, Miguel de Cervantes, vivió la mayor parte de su vida en Madrid, donde escribió gran parte de sus obras.

La curiosidad de Lope

Lope pasó parte de su infancia en Sevilla con su tío Miguel del Carpio, aunque poco después, cuando cumple 10 años, regresa a Madrid para cursar sus estudios en el Colegio Imperial, donde tuvo la oportunidad de demostrar que era un alumno aventajado y precoz, que era capaz de leer con fluidez en castellano y latín y traducir del latín al castellano. También en este periodo escribió algunas comedias: El Verdadero Amante y La pastoral de Jacinto. 

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Atribuida a Eugenio Cajés. Retrato de Lope de Vega, ca. 1627. Casa Museo de Lope de Vega. ( Foto: museoteca.com)

Con tan solo quince años ingresó en la Universidad de Alcalá de Henares donde cursó el bachillerato y al finalizar sus estudios, viajó a Salamanca para seguir con su financiación, aunque este acontecimiento de su vida todavía no se ha podido documentar con claridad.

Lope no fue sólo un hombre letras. Parece ser que siempre fue una persona curiosa y con un gran afán por aprender de diferentes materias, lo que explica sus estudios de Matemáticas y Astrología junto al cosmógrafo mayor de Felipe II, Juan Bautista Labraña y en Artes Liberales con Juan de Córdoba. Siempre destacó por ser un excelente estudiante.

UNA VIDA AMOROSA MUY AGITADA

La vida amorosa de Lope fue igual de intensa que su vida intelectual. De sus muchas relaciones amorosas algunas fueron de especial relevancia y calaron profundamente en él, lo que se ve reflejado en su obra. Se conocen once mujeres en la vida de Lope, además de sus dos esposas, relaciones que varían en cuanto a importancia, intensidad y duración.

Su primer amor conocido fue María de Aragón, con la que tuvo una hija, que murió sin haber llegado a cumplir los cinco años.

La siguiente mujer en aparecer en su vida fue Elena Osorio, una mujer casada con el actor Cristóbal Calderón. Después de cuatro años de relación ella terminó abandonando a Lope. Despechado por este acontecimiento emprendió una fuerte campaña de desprestigio contra su ex amante y comenzó a escribir injurias que le terminaron condenando al destierro en Alba de Tormes, donde permaneció durante ocho años.

En el año 1598 Lope de Vega se casa con Juana de Guardo, con la que tendría cuatro hijos: Jacinta , Juana , Carlos Félix y Feliciana, en cuyo parto murió Juana de Guardo.

Después de una amante portuguesa desconocida, manutvo una relación con Antonia Trillo de Armenta, una rica y atractiva mujer viuda que mantenía una casa de juegos en la Plaza de Matute.
Posteriormente conocerá a otra de las mujeres más importantes en su vida, Micaela de Luján. Una mujer de una belleza extraordinaria pero inculta y analfabeta. Con ella se convirtió en padre por segunda vez, en este caso de cuatro hijos, de los cuales sólo llegaron dos a la edad adulta: un niño llamado Lope Félix y una niña llamada Marcela, que en su juventud se convirtió en monja y que ha pasado a la historia como Sor Marcela de San Félix, una de las poetisas más importantes del siglo de Oro. Micaela de Luján aparace en las obras de Calderón como Camila Lucinda. La relación duró nueve años.

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Autor desconocido. Retrato de Sor Marcela de San Félix, poetisa e hija de Lope de Vega, ca. 1635, Convento de las Trinitarias Descalzas.( Foto: wikipedia.org)

Pero Lope parecía tener una tendencia natural a los enredos, lo que le llevó a mantener una relación amorosa intermitente con una íntima amiga casa, Jerónima de Burgos, que había sido madrina en el bautismo de su hijo Lope Félix.

Después de otra serie de amantes y relaciones menos significativas, Lope se enamoró de Marta de Nevares Serrano, una mujer casada desde los 13 años con Roque Fernandez, un hombre de negocios mucho más mayor que ella. Marta era una mujer de gran belleza y aunque Lope se había ordenado sacerdote recientemente, cayó rendido a sus pies.

Su relación fue polémica por la naturaleza de ambos (de “cura viejo” él y de joven casada ella) que se intensificó cuando tuvieron una hija, Antonia Clara, a la que tuvieron que inscribir como hija de Roque Fernández. Marta fue el último gran amor de Lope de Vega, a quien cuidó hasta que falleció en el año 1632, dejando al escritor sumido en una profunda tristeza. Fallecerá el poeta apenas tres años después.

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Ignacio Suárez Llanos, Sor Marcela de San Félix viendo pasar el entierro de su padre, Lope de Vega.1862. ( Foto: wikiwand.com)

LA VIVIENDA

En la actual calle Cervantes ( en la época Calle Francos), se encontraba la casa en la que vivió los últimos 25 años de su vida Lope de Vega. El escritor la compró por 9000 reales en el año 1610 como residencia para él y su familia.

Aunque a lo largo de estos más de cuatrocientos años de historia la vivienda ha sufrido muchas modificaciones todavía conserva en la actualidad algunas estructuras originales y ciertos aposentos en su ubicación inicial.

En el caso de las dependencias que no han podido documentarse pero que se conoce de su existencia se ha realizado un gran trabajo de investigación para poder recrear el ambiente original de la forma más exacta posible.

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Escalera de la Casa Museo de Lope de Vega. ( Foto: Parte del Arte)

La vivienda consta de planta baja, primera planta, una segunda planta abuhardillada y un jardín.

En la planta baja del edificio no se han encontrado evidencias suficientes para reproducir la distribución original de los aposentos. Se cree que, al igual que en otras viviendas similares de la época, en esta planta estaría el espacio para recibir visitas inesperadas, espacios pequeños probablemente para los hijos o invitados de paso, huéspedes o alguna criada y también la zona de la cocina.

Desde el centro de la escalera situada en el centro de la planta de entrada accedemos a la primera planta, donde existe un descansillo donde antes hubo un distribuidor de aposentos. En la primera crujía nos encontramos el estudio de Lope de Vega en el que podemos apreciar su escritorio, el recado de escribir y un gran número de libros que ponen de relieve la faceta más cultivada del escritor. De la pared cuelga el retrato de Lope, atribuido a Eugenio Cajés y pintado hacia 1627.

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Estudio del poeta en la Casa Museo de Lope de Vega. ( Fotos: Parte del Arte)

También en esta crujía se encuentra el estrado, estancia de uso femenino. Era el lugar donde las mujeres pasaban su tiempo cosiendo o recibiendo visitas. Está fielmente recreado con su brasero, sillas bajas, taburetes, bufetes, espejos y tapices.

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Estrado, Casa Museo de Lope de Vega. ( Foto: Parte del Arte)

En la segunda crujía se ubica la alcoba de Lope y el oratorio, que estaba ubicado en un lugar preferente de la vivienda y escogido de forma intencionada para que, en los días en los que el escritor no se encontraba bien de salud, pudiese, a través de una pequeña ventana, desde su cama, seguir el servicio religioso del oratorio celebrado por otro sacerdote.

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Alcoba de Lope, en la Casa Museo Lope de Vega. ( Foto: Parte del Arte)

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Imagen de San Isidro Labrador  perteneciente al retablo original de la casa en el Oratorio de la Casa Museo de Lope de Vega. ( Foto:Parte del Arte)

La tercera crujía, con fachada y vistas hacia el jardín, se encuentra el comedor, la cocina y la alcoba de las hijas de Lope.

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Comedor en la Casa Museo de Lope de Vega. ( Foto: Parte del Arte)

A continuación, subiendo de nuevo las escaleras, nos encontramos con el piso abuhardillado que aloja otras dependencias más pequeñas, entre las que se encuentra el cuarto de las criadas, alcobas y una recreación de los aposentos del Capitán Contreras, invitado en la casa de Lope durante ocho meses.

La casa de Lope contaba también  cuenta con un huerto y un jardín, dos de los espacios con más encanto de la vivienda, ya que el poeta le dedicó mucho tiempo, cuidando las flores y los árboles y dando largos paseos cada día por la mañana y al anochecer.

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Jardín de la Casa Museo Lope de Vega ( Foto: Casa Museo Lope de Vega)

A través de sus versos se ha podido conocer el aspecto que tenía el jardín y el huertecillo, donde siempre había jaulas para pájaros, que se cambiaban de ubicación según la estación para resguardar a la aves bien del frío excesivo del invierno del calor sofocante del verano.

También existen referencias a los árboles: naranjos, laureles, ciprés, una higuera y naranjos y a flores, las criaturas prferidas de Lope:  madreselva, tulipanes, claveles, azucenas, rosales, rosa mosqueta, jazmines, madreselva, tulipanes, lirios, que según las palabras del poeta “que dan hojas de espada”, violetas,jacintos, alelíes, tudescas que el autor afirma“que parecen llamas”, narcisos, jacintos, alelíes, jazmines valencianos …

En el huerto se cultivaban fresas, hierbas olorosas, alcachofas y espárragos.

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Detalle del Huerto de la Casa Museo Lope de Vega ( Foto: Visitando Madrid)

A la hora de llevar a cabo la rehabilitación de la casa y en su proyecto museográfico se ha tenido muy en cuenta el amor especial que Lope sentía por este espacio, intentando ser lo más respetuoso posible con respecto al jardín y huerto original. Se convierte así en un lugar en el que el ” Fénix de los ingenios” está más vivo que nunca.

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Detalle de uno de los bufetes de la Casa Museo Lope de Vega. ( Foto:Parte del Arte)

Si te ha parecido interesante este artículo recuerda que puedes acceder a más contenido y enterarte de las últimas novedades de Parte del Arte en nuestra web www.partedelarte.com y en nuestras Redes Sociales: Instagram, Facebook, Twitter y en nuestro canal de Youtube. Además, en nuestro blog publicamos un artículo semanalmente. Conecta con nosotras, te estamos esperando.

 

 

 

La reapertura del Museo del Prado: el Reencuentro

Ya estamos a las puertas de llegar a la ansiada fase dos y en Parte del Arte estamos preparándonos para ello. Esta nueva semana, clausuramos nuestro segundo ciclo de cursos on line pero os anunciamos que AMPLIAMOS todo el mes de julio todos nuestros cursos: Conoce Madrid, Exposiciones y Colecciones de Madrid y Grandes Momentos de la Historia. Abrimos plazo de inscripción desde el lunes 8 de junio hasta el viernes 12 de junio.Puedes ver todo el catálogo de cursos aquí.

Además, seguimos en contacto a través de nuestras Redes Sociales. Facebook, Twitter, Youtube e Instagram, donde continuamos cada día a partir de las 20.00h. con pequeños recorridos culturales por Madrid. Además, en nuestra web http://www.partedelarte.com podrás encontrar todas nuestras experiencias y podrás estar informado de todo. También con BaluArte, nuestro blog, te abrimos pequeñas ventanas a diferentes temas de actualidad sobre Madrid y sobre el contenido de nuestros cursos para que estés al día de todo.

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Estamos trabajando para ofrecerte nuevas experiencias que se ajusten a los nuevos tiempos y que garanticen la seguridad de todos.

No somos las únicas que nos adaptamos a los nuevos tiempos, ya que los museos e instituciones culturales de la ciudad también están preparando y ya se van incorporando de forma paulatina a esta “nueva normalidad”. Sin duda, el Museo del Prado, la pinacoteca española más importante, era una de las instituciones que con mayor empeño  ha preparado  su  reapertura, que se ha ido postergando en las últimas semanas para poder ofrecer todas las garantías sanitarias estipuladas por el Gobierno de España. El Prado que, junto a otros importantes museos estatales, ha reabierto el sábado 6 de julio, lo ha hecho con la inauguración de una exposición especial con la que ofrecer a los asistentes sus grandes tesoros de una forma muy particular.

VOLVER AL MUSEO DEL PRADO

Bajo el título de Reencuentro se ha establecido un recorrido reducido a las instalaciones del Prado con el fin de controlar mejor el aforo y garantizar las medidas sanitarias, pero garantizando también el disfrute del público y asegurando la visita a las obras más significativas.

La Galería Central es el lugar aglutinador y eje vertebrador que el museo ha establecido para su recorrido, un amplio espacio arquitectónico en el que la incidencia de la luz natural supone un factor imprescindible y en el que se podrá disfrutar de obras emblemáticas de la exposición, que se nos ofrecen de una forma diferente a la habitual pero en la que la esencia del Prado permanece muy reconocible. Las galerías adyacentes al espacio central también forman parte de la exposición.

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Acceso a la exposición “Reencuentro” en el Museo del Prado en su reapertura el sábado 6 de junio. ( Foto: Parte del Arte)

La muestra está compuesta por un total de 249 obras y aunque el criterio general suele ser el cronológico, dada la excepcionalidad y las circunstancias, el museo ha eliminado en algunas secciones la distribución tradicional de las obras por escuelas y ha establecido nuevos diálogos entre autores y obras de diferente procedencia geográfica haciando hincapié en interesantes aspectos como las influencias artísticas que ejercieron unos sobre otros, quiénes se admiraron y quiénes fueron rivales.

LAS GRANDES OBRAS

Las primeras obras pictóricas ya nos adelantan lo que nos vamos a encontrar. Se trata de dos pinturas icónicas, restauradas en tiempos recientes y que lucen en todo su esplendor: La Anunciación de Fra Angelico y el Descendimiento de Rogier van der Weyden, reunidas de forma sorprendente por primera vez en la historia del museo. Es el primero de una serie de interesantes diálogos entre artistas dispares, como es el caso de Goya y Rubens, que se ven las caras a través del tema mitológico que trataros ambos: Saturno devorando a sus hijos.

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La Anunciación. Fra Angelico. Hacia 1426. Museo Nacional del Prado ( Foto: Museo Nacional del Prado)

Además, una de las salas del museo, probablemente la más visitada, se ha engalanado de forma diferente para reencontrarse con el público. Se trata de la sala de Las Meninas, en la que se ha hecho una importante labor de investigación y reestructuración y se ha recuperado el aspecto que esta sala presentaba cuando el museo abrió sus puertas por primera vez hace doscientos años. De este modo, Las Meninas comparten espacio con los bufones de Velázquez y con Las Hilanderas. Eso si, esta vez podremos disfrutar de ellas sin las aglomeraciones habituales, ya que el número de visitantes diarios se establece en un tercio de la capacidad de ocupación de las salas.

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Las Meninas. Diego de Silva de Velázquez. 1656. Museo Nacional del Prado. ( Foto: Museo Nacional del Prado)

UN ITINERARIO PARA LA HISTORIA

La exposición está llena de sorpresas. Una de ellas, sin duda, es la que nos ofrece la escultura de Carlos V y el Furor, de Leone y Pompeo Leoni,  que por primera vez desde hace décadas aparecerá desprovista de su armadura, representado así al monarca desnudo, a la manera de un héroe clásico. Él será el encargado de de dar la bienvenida al visitante para conducirle hacia la Galería Central. En su antesala le esperan las ya mencionadas  La Anunciación de Fra Angelico y el Descendimiento de Rogier van der Weyden.

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La escultura de Carlos V y el furor de Leone y Pompeo Leoni, desprovista de su armadura por primera vez en décadas (1) Museo Nacional del Prado ( Foto: Museo Nacional del Prado)

 Se accede a continuación a un primer tramo de la gran galería (salas 25 y 26), que alberga obras de El Bosco, Patinir, Tiziano, Correggio, Rafael, Juan de Flandes, Veronés, Tintoretto y Guido Reni, por citar tan solo a algunos de los artistas italianos y flamencos de los siglos XVI y XVII aquí representados. Los retratos de Tiziano de los primeros Habsburgo, presididos por el archiconocido retrato ecuestre de Carlos V en Mülhberg, se mantendrán en el corazón de la Galería Central (sala 27) frente a dos de las Furias, encargadas de flanquear el acceso a la Sala XII.

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Acceso a la galería central dentro del recorrido de la exposición Reencuentro en el Museo Nacional del Prado. ( Foto: Parte del Arte)

La reunión por primera vez, desde al menos 1929, de Las Meninas y Las Hilanderas junto a todos los bufones de Velázquez, así como otros retratos y escenas religiosas supondrán, sin duda, uno de los momentos más emocionantes de toda la muestra. La parte final de la Galería (salas 28 y 29) acoge la pintura religiosa y mitológica de Rubens, mostrando además un magnífico guiño a Tiziano a través de su Dánae. Este espacio dota, además, a Las Lanzas de Velázquez de un nuevo contexto mediante su inclusión entre los retratos ecuestres de El duque de Lerma y El cardenal infante don Fernando.

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Dánae recibiendo la lluvia de oro. Tiziano Vecellio, 1560-1565. Museo Nacional del Prado. ( Foto: Museo del Prado)

En las salas del ala norte que flanquean la Galería (salas 8B, 9B y 10B), Ribera y el naturalismo español (junto a nombres fundamentales como Maíno y Zurbarán)  conviven con el europeo (protagonizado por Caravaggio y Latour), al igual que lo hacen Clara Peeters y los bodegonistas españoles coetáneos. Por otro lado, El Greco comparte estancia con Artemisia Gentileschi, pudiendo apreciar la labor de retratistas como Sánchez Coello, Sofonisba Anguissola y Antonio Moro reunida de manera muy orgánica.Bodegón con flores, copa de plata dorada, almendras, frutos secos, dulces, panecillos, vino y jarra de peltre

Bodegón con flores, copa de plata dorada, almendras, frutos secos, dulces, panecillos, vino y jarra de peltre. Clara Peeters, 1611. Museo Nacional del Prado. ( Foto: Museo Nacional del Prado)

La zona sur (sala 16B) acoge la obra de los maestros españoles de la segunda mitad del siglo XVII, con Murillo y Cano como principales protagonistas, a los que acompañan artistas contemporáneos de la escuela francesa, como Claudio de Lorena, y la flamenca, como Anton van Dyck.

Santa Isabel de Portugal

Santa Isabel de Portugal. Francisco de Zurbarán, 1635. Museo Nacional del Prado. ( Foto: Museo Nacional del Prado)

Un verdadero punto de fuga para la Galería Central converge en la sala 32 con La familia de Carlos IV y el 2 y el 3 de mayo de Goya, que se presentan en paredes enfrentadas. El genio aragonés, de quien se muestra también su actividad como retratista (salas 35 y 36), es vinculado a otros artistas del siglo XIX a través de su obra El perro semihundido.

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La familia de Carlos IV. Francisco de Goya, 1800. Museo Nacional del Prado. ( Foto:Museo Nacional del Prado)

NO SON TODAS LAS QUE ESTÁN

     Como las palabras, a veces se dice más con lo que se calla que con lo que se dice. Son, sin duda, muchas las grandes obras que se han tenido que quedar necesariamente fuera de esta muestra. Algunas de las obras maestras excluidas como centro de Reencuentro pueden verse en salas adyacentes, como las Bacanales de Tiziano o la Inmaculada de Tiépolo, despidiendo al espectador a la salida del Museo. Para algunos de los títulos más emblemáticos, como El jardín de las Delicias de El Bosco o la Judit de Rembrandt, se deberá esperar hasta mediados de septiembre, cuando se despida esta muestra y se regrese, según los planos previstos, a esa “nueva normalidad” también en el Prado…

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Tríptico de El Jardín de las delicias. Jheronimus van Aken, El Bosco, 1490-1500. Museo Nacional del Prado ( Foto: Museo Nacional del Prado)

En Parte del Arte estamos deseando pisar de nuevo contigo estas salas y las de todos los museos de Madrid y por ello estamos diseñando interesantes experiencias y propuestas para que nuestro regreso sea seguro. Si no te lo quieres perder suscríbete a nuestra nesletter y te avisaremos por correo de todas las novedades. Además, en nuestras Redes Sociales Facebook, TwitterInstagram  y Youtube también estaremos compartiendo contenido e información sobre todos nuestros próximos pasos.

¡Nos vemos en las redes! ¡Y muy pronto en los museos!

 

 

 

La colección Masaveu, la importancia del mecenazgo

Ya estamos en fase 1 y poco a poco la nueva normalidad llega a nuestras vidas. Desde Parte del Arte queremos ser prudentes y seguir unas semanas más con nuestros cursos on line   Conoce Madrid, Grandes Momentos de la Historia y Exposiciones y Colecciones de Madrid, aunque si os somos sinceras, estamos deseando veros, teneros cerca y recorrer juntos todos los rincones de Madrid y sus museos. Esperamos que pronto podamos hacerlo con todas las garantías de seguridad.

También comienzan a adaptarse a los nuevos tiempos los museos de toda España, abriendo con muchas medidas de seguridad y con restricciones de aforo. Así que, mientras esperamos a poder disfrutar juntos de estos espacios en vivo, en Parte del Arte seguimos compartiendo con vosotros nuestro contenido de forma virtual, no sólo a través de los cursos on line, sino también a través directos en nuestro Instagram, en los que cada día a partir de las 20.00h. os ofrecemos pequeños paseos culturales por Madrid y regularmente hacemos entrevistas a personajes relacionados con el arte y la cultura, comentarios de obras artísticas…que puedes encontrar unos días después en nuestro canal de Youtube Parte del Arte Madrid. Además, seguimos muy activas y en contacto con vosotros a través de todas nuestras Redes Sociales como Facebook y Twitter y también seguimos compartiendo con vosotros cada semana un artículo en nuestro blog en el que os hablamos de algún tema interesante relacionado con la cultura de Madrid. Queremos estar más cerca de ti que nunca.

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Natalia Nuñez Dato, fundadora y directora de Parte del Arte

Hoy queremos hablaros de la colección de la que hemos hablado en nuestra clase de esta semana en nuestro curso Exposiciones y Colecciones de Madrid y que es, todavía para muchos, algo desconocida, ya que está abierta al público desde hace menos de un año. Se trata del museo de la Fundación María Cristina Masaveu, que alberga una colección con una historia fascinante

Vamos a conocerla.

Una cámara de maravillas. La Fundación Masaveu

La colección Masaveu es una de las colecciones privadas más importantes de toda España, ya que, además de contener un gran número de piezas, éstas son de una extraordinaria calidad y abarcan un extenso periodo cronológico, que se extiende desde la Edad Media hasta la actualidad. Aunque en un primer momento la colección se centraba en pintura, artes decorativas medievales y renacentistas y en pintura del Siglo de Oro español, con el paso del tiempo la colección se ha ido transformando según los intereses de los mecenas, lo que ha permitido que en tiempos más próximos la colección haya incorporado obras de periodos más recientes. De este modo, obras de los grandes maestros del pasado como Ribera, el Greco, Murillo, Zurbarán, Goya…conviven con otras de Ramón Casas, Sorolla, Picasso, Braque, Miró, Dalí, Warhol…y obras de artistas contemporáneos como Blanca Muñoz.

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Antonio María Esquivel. El primogénito de Antonio Hompanera de Cos, 1852. Colección Masaveu. ( Foto: www.fundacioncristinamasaveu.com)

 

La familia Masaveu y el coleccionismo

El origen de esta colección se sitúa en la década de los 30 en el ámbito de una familia que pertenecía a la burguesía catalana enriquecida a través de la industria que surgió entre finales del siglo XIX y principios del siglo XX.

La historia comienza con Elías Masaveu Rivell, hijo de Pedro Masaveu Rovira, empresario que se había establecido en Oviedo en la década de los 40 del siglo XIX para abrir su negocio textil. Elías Masaveu fue el primer miembro de esta familia en demostrar interés por el arte, abriendo en Oviedo una galería llamada Salón Masaveu. Su hijo Pedo Masaveu Masaveu fue empresario, banquero y filántropo y continuó coleccionando pintura antigua. Su hijo, Pedro Masaveu Peterson continua esta labor convirtiéndose en el mayor impulsor de la colección, adquiriendo más piezas y de periodos mucho más amplios. Además, una parte importante de su labor estuvo centrada en el rescate de patrimonio que estaba disperso en colecciones extranjeras que estaban a la venta en subasta.

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Maria Cristina Masaveu Peterson, creadora e impulsora de la Fundación Maria Cristina Peterson ( Foto: www.lactual.cat)

Al morir sin descendencia, la colección pasa en herencia a su hermana Maria Cristina Masaveu Peterson, que junto con su primo continúa con el mecenazgo. A su muerte, tal y como ella había dejado establecido, la colección pasó a formar parte de la Corporación Masaveu y su gestión a través de la Fundación Maria Cristina Masaveu Peterson, que cumpliendo su voluntad cedió 410 piezas al Museo de Bellas Artes de Asturias.

Las sedes

La Fundación en la actualidad tiene varias sedes. Una de ellas se encuentra en la localidad asturiana de Siero. Se trata del Palacio de Hevia, cuya construcción se remonta al siglo XVII. En esta sede se encuentra el área administrativa de la Fundación, becas y se gestionan los proyectos que la entidad desarolla en Asturias.

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Palacio de Hevia, sede administrativa de la Fundación Maria Cristina Masaveu. Siero, Asturias. (Foto: www.fundacioncristinamasaveu.com)

La Fundación María Cristina Masaveu también gestiona el Centro Cultural de Morasverdes, en Salamanca, un albergue juvenil concebido como un espacio de encuentro e intercambio cultural y educativo entre la juventud y el entorno natural.

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Sede del Centro Cultural de Morasverdes ( Salamanca), creado por la Fundación Maria Cristina Masaveu. (Foto: www.fundacioncristinamasaveu.com)

Fuera de nuestras fronteras, la Fundación adquirió en las inmediaciones de la Universidad de Yale un edificio que ha convertido en un centro multidisciplinar para la difusión de la historia y cultura española.

Su más reciente inauguración es la de la sede madrileña, ubicada en la calle Alcalá Galiano, y situada en una construcción típica de la arquitectura palaciega madrileña de estilo neoclásico. Un edificio construido entre 1881 y 1882. Al tratarse de una construcción  protegida, el acondicionamiento del edificio se ha tenido que realizar teniendo en cuenta algunas cuestiones como el mantenimiento de la fachada y la volumetría original. Además, el proyecto de rehabilitación, llevado a cabo por los arquitectos Rafael Masaveu y Carolina Compostizo, tiene un compromiso ético y de sostenibilidad, por lo que los materiales y acabados utilizados tanto en el exterior como en el interior son de primera calidad, entre los que destaca el hormigón visto y las maderas tropicales, explotadas de forma sostenible.

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Patio interior del palacio en el que se sitúa la sede madrileña de la Fundación Maria Cristina Masaveu. (Foto: www.fundacioncristinamasaveu.com)

La colección madrileña. Pintura española del siglo XIX

La colección madrileña presenta una selección de 117 obras de una de las secciones más interesantes, la de pintura española del siglo XIX.

El punto de partida es Francisco de Goya. El genio aragonés, junto con otros pintores de su generación, ejemplifican a la perfección la transición de la pintura neoclásica hacia el romanticismo. Entre las obras de este grupo de artistas, destacan dos pequeños cuadros del propio Goya de temática taurina, un retrato de marcado estilo neoclásico de Zacarías González Velázquez y cuatro pinturas de Vicente López, otro de los grandes maestros de este periodo.

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Francisco de Goya. Banderilleros, 1793. Colección Masaveu. ( Foto: www.fundacioncristinamasaveu.com)

Dentro de la pintura del Romanticismo, la colección aborda los dos grandes focos pictóricos en este momento. En primer lugar encontramos la ciudad de Sevilla, centro en el que destaca un exquisito retrato firmado por Antonio María Esquivel, que lleva por título Promogénito  de Antonio Hompanera de Cos, en el que el joven, de unos trece años, muestra orgulloso sus conocimientos artísticos a través de un dibujo de corte académico.

El segundo núcleo del Romanticismo estaba situado en Madrid y está ejemplificado en la Colección Masaveu por el extraordinario Retrato de Inés Pérez de Seoane, realizado por el pintor Federico de Madrazo y Kuntz.

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Federico de Madrazo y Kuntz. Inés Pérez de Seoane, 1850. Colección Masaveu. ( Foto: www.fundacioncristinamasaveu.com)

Dentro del género costumbrista que surge durante el movimiento romántico en nuestro destaca lgunas obras de los pintores Dionisio Fierros y Eduardo Rosales, que ya anticipan la estética del Realismo.

A continuación, nos encontramos con un nuevo bloque que refleja las variadas corrientes artísticas que surgen en el último tercio del siglo XIX. Entre ellas encontramos el género histórico, el paisaje en su vertiente realista y en la naturalista y el género costumbrista.

Uno de los núcleos fundamentales de la colección está formaso por algunas de las nmerosas obras que la Colección Masaveu posee de Joaquín Sorolla, artista predilecto de Pedro Masaveu Peterson.

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Joaquin Sorolla y Bastida. Mi mujer y mis hijas en el jardín, 1910. Colección Masaveu. ( Foto: www.fundacioncristinamasaveu.com)

A continuación, nos encontramos perfectamente representada la corriente de renovación que siguió, como reacción al éxito de Sorolla. Podemos contemplar, en este sentido obras de artistas como Darío de Regoyos , Igancio Zuloaga o Julio Romero de Torres.

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Ignacio Zuloaga. Baile gitano en una terraza de Granda, 1903. Colección Masaveu. ( Foto: www.fundacioncristinamasaveu.com)

La renovación pictórica llevada a cabo por un nutrido foco de pintores catalanes nos ofrece un perfecto broche de oro a la visita a la colección, ya que se trata de un gran número de piezas de primer nivel de autores como RusiñolRamón Casas, Hermen Anglada-Camarasa, que es, después de Sorolla, el artista con más obras dentro de la colección.

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 Santiago Rusiñol y Prats. Le Gran Bal (Madeleine de Boisguillaume). 1891. Colección Masaveu. ( Foto: www.fundacioncristinamasaveu.com)

La exposición concluye con varias obras de gran interés del postmodernismo catalán: cuatro escenas de gitanas firmadas por Isidro Nonell y dos paisajes de Joaquín Mir y Joaquín Sunyer.

Se trata, por tanto, de una colección de visita imprescindible para todos los amantes de la pintura y una oportunidad excelente de conocer una de las colecciones privadas más relevantes de nuestro país.

Si quieres enterarte de todas las novedades del panorama artístico en Madrid recuerda que seguimos en contacto cada día a partir de las 20.00h  Instagram con nuestros pequeños paseos culturales, en nuestro blog BaluArte con artículos sobre arte y cultura de Madrid cada semana, en nuestro canal de Youtube y en Facebook y Twitter y en nuestra web www.partedelarte.com

¡Mas conectados que nunca!

#LaCulturaResiste

 

 

 

 

UN ICONO DEL LUJO. EL COMPLEJO CANALEJAS: GALERÍA Y HOTEL FOUR SEASONS

Arranca la semana con muchas ganas en Parte del Arte, ya que comenzamos la segunda edición de nuestros cursos on line entre los que puedes encontrar Conoce Madrid, Exposiciones y Colecciones de Madrid y Grandes Momentos de la Historia. La primera edición ha sido un gran éxito y nos sentimos muy agradecidas e ilusionadas en poder seguir a vuestro lado cumpliendo nuestra misión de acercaros el arte y la cultura de Madrid.

Como siempre, seguiremos también en contacto con vosotros a través de nuestras Redes Sociales: Facebook, Twitter y también en Instagram, donde seguiremos realizando directos cada día a partir de las 20.00h con pequeños paseos culturales por Madrid en los que os comentamos curiosidades y una vez a la semana para hablar de arte, historia y entrevistas a personajes interesantes del mundo de la cultura. (También podrás encontrar estos directos de forma diferida en nuestro canal de Youtube).

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Equipo de Parte del Arte ( de izquierda a derecha: Isabel Cámara, Laura de la Faya, Esther Arce y Natalia Nuñez, fundadora y directora del proyecto).

También en nuestro blog publicamos semanalmente artículos en los que os hablamos de historia, arte, cultura…y de lugares maravillosos de Madrid. Por ello, esta semana os hablamos de un lugar impresionante que, tras varios años de obras y un trabajo titánico está listo para que, en cuanto pase la crisis sanitaria del coronavirus, podamos disfrutarlo en todo su esplendor. Se trata del complejo Canalejas de la Calle Alcalá.

¿Quieres saber más? Pues sigue leyendo

CENTRO CANALEJAS. UNA OBRA TITÁNICA

Ya casi nos habíamos acostumbrado los madrileños a ver los andamios en ese complejo de edificios situado entre la Plaza de Canalejas y la calle Alcalá y es que, durante todos estos años hemos asistido a una de las rehabilitaciones arquitectónicas más impresionantes y ambiciosas de los últimos tiempos en Madrid. Por fin, los andamios han desaparecido y el Complejo Canalejas luce en todo su esplendor y embellece como pocos la Calle de Alcalá y su vecina Carrera de San Jerónimo.

Es el mastodóntico resultado de una obra larga  que supone la culminación de décadas de transformaciones y anexiones de un total de siete edificios construidos en los primeros años del siglo XX.

Acompáñanos a conocer esta fascinante historia.

SIETE EDIFICIOS EN UNO.

El origen de este conjunto de edificios se encuentra en la antigua sede del Banco Hispano Americano que había sido construida en 1902 por el arquitecto Eduardo Adaro y Magro en torno a la recién estrenada Plaza de Canalejas madrileña.

El edificio se transformó sustancialmente en 1942, momento en el que se aprovechó la absorción de la Banca Sanz por el Banco Hispano Americano para unificar los edificios de ambas entidades ( la sede de la Banca Sanz estaba muy próxima, en el nº 12 de la calle Alcalá) en todos sus niveles, lo que le permitió al banco abrir una nueva entrada que diese a la Calle Alcalá. Un año después, se hace una nueva adquisición por parte del banco. En esta ocasión fue la antigua sede de Credit Lyonnais, que correspondía con el nº 8 de la Calle Alcalá y el nº7 de la Carrera de San Jerónimo.

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Carrera de San Jerónimo a la altura de la Plaza de Canalejas. A la derecha se puede ver parte de la fachada de la sede del Banco Hispano Americano.

Fruto de estas tres construcciones surgió un aglomerado complejo con varios patios interiores y una organización cada vez más enrevesada que terminó siendo confusa y laberíntica.

Lejos de que el crecimiento cesara,  a partir del año 1975 siguió aumentando y se prolongó hasta finales de los años 90, fruto de fusiones entre entidades bancarias situadas en las proximidades, hasta llegar a estar constituido por un total de siete edificios, entre los que destacan, en esta última etapa, el Palacio de la Equitativa, situado en la confluencia entre las calles Alcalá y Sevilla. Una preciosa joya arquitectónica construida a finales del siglo XIX por el arquitecto José Grases Riera.

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 Confluencia de las calles Alcalá y Sevilla, lugar donde se encuentra el Palacio de la Equitativa ( Foto: Fede @hombrepelusas )

UNA NUEVA VIDA. EL COMPLEJO CANALEJAS EN EL SIGLO XIX

Después de un intento de venta fallida del conjunto en 2006 por parte del Banco Santander ( propietario del edificio), en 2012 por fin se firma la venta por 215 millones de euros al grupo OHL, perteneciente al Grupo Villa Mir, que presentó un plan de reforma que dio mucho de qué hablar. Las polémicas no tardaron en llegar ya que, a pesar de que el conjunto estaba declarado como Bien de Interés Cultural y las fachadas completamente protegidas, algunas gestiones hicieron que la Comunidad de Madrid otorgara ciertas concesiones que permitían  intervenciones en el edificio que no fueron bien vistas por algunas instituciones de defensa de patrimonio o la propia Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, que se declaró completamente contraria a la obra.

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Imágenes de las obras del Complejo Canalejas en las que se pueden ver los cambios introducidos en el inmueble, añadiendo varias alturas al edificio original y eliminando parte del remate central de la fachada ( Foto: www.elpais.com)

Finalmente, tras acogerse a la normativa, toda la estructura interna del edificio se demolió y se procedió a respetar y restaurar las fachadas de los siete edificios, quedando como resultad un gran complejo de ocio, entretenimiento y vivienda en el que conviven la tradición de los majestuosos edificios bancarios de la calle Alcalá con la vanguardia de la arquitectura contemporánea y las necesidades actuales.

LA ARTESANÍA NUNCA FALLA

Una de las labores más importantes dentro de la rehabilitación ha sido la de recuperar y restaurar elementos decorativos originales de los edificios como vidrieras, rejería, cubiertas de pizarra, mármoles…para lo cual se ha tenido que realizar, en primer lugar, el desmontaje de las piezas, posteriormente una catalogación y un intensiva restauración por parte de artesanos locales especializados en diferentes materiales y técnicas para después ubicarlas en su lugar original. Son elementos que han sobrevivido al paso del tiempo y que resultan hoy muy representativos de la identidad del conjunto.

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Detalle de uno de los apliques que iluminan la fachada del Palacio de la Equitativa, realizado con un exquisito trabajo de vidrio y hierro forjado y restaurado por artesanos durante la rehabilitación del edificio  ( Foto: Fede @hombrepelusas)

LAS FACHADAS

Los mayores esfuerzos de recuperación y restauración de los edificios del conjunto se han concentrado en las fachadas, sobre todo en las de los dos edificios más significativos del conjunto.

El primero de ellos es el edificio primigenio de Eduardo Adaro en el nº 1 de la Plaza de Canalejas, de enormes dimensiones y un depurado y elegante estilo neorrenacentista. El segundo, la extraordinaria fachada del nº 14 de la Calle Alcalá del anteriormente mencionado Grasses Riera, que supone uno de los grandes ejemplos del eclecticismo monumental finisecular y en tercer lugar nos encontramos con el edificio que en 1943 construyó, con reminiscencias Art Decó, el arquitecto Roberto Ochoa, y que con el friso en relieve en el dintel del gran acceso y sus elementos de cerrajería de extraordinaria calidad se consolida como otra de las fachadas más representativas de todo el conjunto.

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Una de las preciosas ménsulas en forma de elefante que rodean la fachada del Palacio de la Equitativa, que han sido cuidadosamente restauradas durante la rehabilitación del edificio ( Foto: www.proyectocanalejas.com)

EL FUTURO 

Toda la oferta del Complejo Canalejas se puede resumir con la palabra “lujo”. Dentro de las instalaciones del Complejo Canalejas que aspiran a convertirse en un icono se encuentra el Hotel Four Seasons, que será uno de los más importantes de toda la cadena. Constará de 200 habitaciones y un servicio cinco estrellas gran lujo en todas sus instalaciones.

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Entrada al hotel Four Seasons, complejo de cinco estrellas gran lujo dentro del Complejo Canalejas ( Foto: Fede @hombrepelusas)

Por otro lado, las viviendas que se ubicarán en el complejo estarán situadas en las plantas superiores del edificio y reciben el nombre de Four Seasons Private Residences. Se trata de las primeras viviendas en España dentro de la categoría  “Branded residences”,  lo que significa que tienen como principal ventaja la de poder disfrutar de todos los servicios que ofrece el hotel, pero en la propia vivienda.

Por último, el tercer gran pilar del Complejo Canalejas es el de la infraestructura comercial, la Galería Canalejas, constituida por tres plantas (un total de 15.000 metros cuadrados) con una extensa oferta de firmas de perfumería, joyas, moda y complementos así como un espacio gastronómico gourmet.

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Interior de la superficie comercial de tres plantas de la que se podrá disfrutar en el Complejo Canalejas, decorado con elementos que armonizan con los elementos decorativos originales de los edificios ( Foto: www.complejocanalejas.com)

Un lugar de ensueño que aspira a convertirse en un emblema del lujo en Madrid.

Puedes conocer todos los detalles sobre el proyecto del Complejo Canalejas en el siguiente pinchando aquí.

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Nos hemos asomado al interior del Palacio de la Equitativa y hemos podido ver estas preciosas columnas. ( Foto: Fede @hombrepelusas)

¿Quieres conocer más lugares increíbles de Madrid? En Parte del Arte desarrollamos experiencias que te hacen conectar con la ciudad y su historia de una forma rigurosa y amena. Por ello, te invitamos a que le eches un vistazo a nuestros cursos on line : Conoce Madrid, en el que hacemos recorridos virtuales por la ciudad en los que conocemos la historia y anécdotas de calles, edificios y personajes de la ciudad, Exposiciones y Colecciones de Madrid, en el que de forma on line disfrutamos de exposiciones temporales actualmente cerradas y conocemos las interesantes colecciones  que albergan de los museos de Madrid, y Grandes Momentos de la Historia, un curso en el que nos asomamos a la historia desde un punto de vista multidisciplinar: arte, literatura, grandes personajes históricos…

Además, recuerda que puedes seguir disfrutando de contenidos de Parte del Arte a través de nuestras Redes Sociales: Facebook, Twitter e Instagram. No olvides que todos los días nos conectamos en  directo en Instagram a partir de las 20.00h para pasear y comentar curiosidades de Madrid y los directos semanales en los que hablamos de arte los anunciamos a través de todas nuestras redes y los subimos posteriormente a nuestro canal de Youtube Parte del Arte Madrid.

¡ Nos vemos en las redes! ¡Te esperamos!

 

 

 

 

 

 

 

 

La Gran Vía: el Broadway madrileño

En Parte del Arte estamos de celebración. Nuestra primera edición de cursos on line ha sido un éxito y todo gracias a vosotros,que seguís siempre a nuestro lado, aunque sea detrás de la pantalla, apoyando este bonito proyecto. Por eso no hemos querido detenernos y lanzamos nuestra segunda edición de cursos on line, en la que podrás encontrar Conoce Madrid, Exposiciones y colecciones de Madrid y Grandes Momentos de la Historia. En nuestra web podrás consultar el programa completo.

También continuaremos rea realizando directos a través de Instagram ( sabemos que os encantan) siempre que nuestra actividad nos lo permita  y seguiremos con los artículos en nuestro blog para ofreceros contenido relacionado con nuestros cursos.

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Natalia Nuñez, fundadora de Parte del Arte, trabajando en las inscripciones de nuestra segunda edición de cursos on line

Hoy queremos hablaros de un tema que os ha encantado esta semana en nuestro curso Conoce Madrid: el Boradway madrileño, apelativo con el que se conoce la Gran Vía por el gran número de teatros y cines a los que dado vida a lo largo de toda su historia. Te descubrimos a continuación algunos de ellos.

EL ORIGEN. UNA GRAN VÍA “RECIÉN ESTRENADA”

La Gran Vía madrileña se construyó entre 1910 y 1930 y desde sus primeros años se convirtió en el lugar que albergaba los cines más lujosos y los que acogían las últimas tendencias y novedades en el sector. La década de los veinte y treinta, con una calle recién estrenada, fue la época de mayor glamour de la Gran Vía, a la que le siguieron, tras la Guerra Civil y los difíciles años de la posguerra, la década de los años cincuenta y sesenta, momento en el que la Gran Vía se transforma de una forma extraordinaria: se llena de coches, de tiendas, y de grandes carteles que anuncian los grandes estrenos de las películas americanas, tan del gusto del público de la época.

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Palacio de la música en los años 30

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El Palacio de la Música y el Cine Avenida en los años 60

TEATRO COLISEUM

El Teatro Coliseum se encuentra en un edificio de gran interés arquitectónico realizado entre 1931 y 1933. Constaba de diez plantas de viviendas y en su parte baja se construyó un teatro que también funcionó como cine, actividad a la que se dedica de forma exclusiva a partir de la década de los cuarenta.

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Teatro Coliseum en los años 30

Entre sus estrenos más recordados destaca  Colores y barro punto, en 1935 y Ki-Ki, una comedia protagonizada por Celia Gámez.

La cantante y actriz fue una de las grandes estrellas de la revista española de los primeros años del siglo XX. Aunque de origen argentino, Celia Gámez hizo una importante carrera y cosechó grandes éxitos en nuestro país. No obstante, su vida siempre estuvo plagada de escándalos, rumores y habladurías sobre sus numerosos amantes ( entre los cuales se apuntaba incluso al mismísimo Alfonso XIII), su tendencia a derrochar el dinero y un supuesto lesbianismo basado en la ambigüedad y gusto por vestir de hombre que le gustaba mostrar en sus espectáculos.

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Celia Gámez vestido de hombre en el estreno de “Las Leandras” ( 1931)

El 23 de febrero de 1936 el diario ABC publicaba la crítica de esta comedia estrenada en el Teatro Coliseum y protagonizada por la argentina, que decía así:

Celia Gámez fue la heroína de la obra y de la noche. En el tango supo dar todas las esencias de su nacionalidad, y en el del pueblecito andaluz se apoderó de las nuestras, llegando a hacer una reproducción muy acertada de la manera de Pastora Imperio. Tan diferentes aptitudes la confirman como una artista excepcional y justifican las ovaciones que se le tributaron.

TEATRO RIALTO

El Teatro Rialto fue construido entre 1926 y 1930 y se fundó en 1930 con el nombre de Cines Rialto, aunque durante un breve periodo de tiempo comprendido entre 1932 y 1934 se le denominó Cine Astoria.

Su primer estreno fue Variedades de la Paramount y fue un cine que se especializó, fundamentalmente en comedias musicales americanas, aunque su estreno más aclamado fue una película española.

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Se trata de El último cuplé, una película de Juan de Orduña que fue protagonizada por Sara Montiel que se estrenó en el año 1957. El film se convirtió en el récord de permanencia y recaudación de toda la historia del cine, con 13 meses en pantalla y llenos diarios en todas las sesiones.

El éxito de la película fue algo inesperado para todos. Cuando Juan de Orduña le propone a Sara Montiel que sea la protagonista , ella accede sin imaginarse la repercusión que tendría en su carrera. Por aquel entonces ella vivía en México, lugar al que se había ido debido a que no le ofrecían papeles de interés en España. Decidió venir para el rodaje de la película pero regresó a México y no volvió ni siquiera para el estreno. Sin embargo, la película arrasó y supuso una verdadera lanzadera en la carrera de la actriz.sara montiel

Cartel de la película El último cuplé, estrenada en el teatro Rialto en 1957

En el año 2017, para conmemorar el uarenta aniversario de la película, el Teatro Rialto organizó un espectáculo en honor a Sara Montiel.

CINE CALLAO

El Cine Callao es uno de los más emblemáticos de la zona y de los pocos que siguen funcionando como tal. El edificio es uno de los máximos representantes del Art Decó en Madrid, un estilo que no es especialmente habitual en la capital.

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Exterior del Cine Callao en los años 30

La sala de cine fue diseñada al más puro estilo americano de la época, es decir, sin palcos aristocráticos y con visión más plena desde todas las butacas. Además, su terraza, actualmente en desuso, fue construida para realizar proyecciones cinematográficas al aire libre, lo que le convirtió en uno de los primeros cines de verano de Madrid. También tuvo un café con billar al más puro estilo americano.

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Escaleras en el interior del Cine Callao

El cine Callao se inauguró en 1926 con la emisión de la película  Luis Candelas, el bandolero de Madrid, y fue una sala especialmente sensible a las novedades cinematográficas. En sus butacas el público madrileño pudo vivir momentos verdaderamente históricos, como el estreno de El Cantor de Jazz, la primera película sonora de la historia.

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Cartel de la película El cantor de jazz, estrenada en el Cine Callao en 1929

EL CINE AVENIDA

El Cine Avenida se inauguró en 1928 y durante mucho tiempo se consideró uno de los locales con más capacidad de toda Europa, con un aforo de más de 1600 personas.

También destacó por su elegancia. El edificio, de líneas clásicas, tenia un magnífico vestíbulo ricamente decorado con materiales suntuosos y de primera calidad, como es el caso de las vidrieras de Maumejean.

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Exterior del Cine Avenida en los años 60

Fue cine mudo hasta 1931 que se instala la infraestructura  para proyectar cine sonoro, y en él también tuvieron lugar estrenos de gran impacto en la época por el desarrollo de su tecnología, como es el caso de la película Los crímenes del museo de cera, estrenada en 1953 en tecnología Warnercolor y 3D, para lo que el cine tuvo que realizar una gran inversión en gafas para ofrecer a su público esta exitosa novedad.

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Cartel de la película Los crímenes del museo de cera, con tecnología Warnercolor y 3 dimensiones, estrenada en el Cine Avenida en el año 1953

Estos son sólo algunos de los numerosos cines y teatros que han entretenido a varias generaciones de madrileños a lo largo de décadas. Muchos de ellos desaparecieron con el paso de los años y otros se han tenido que reinventar para adaptarse a nuevos tiempos, una misión que lamentablemente tendrán que volver a emprender tras la crisis sanitaria actual. Cuando todo esto pase, nuestra querida Gran Vía nos ofrecerá, como ha hecho siempre, una nueva versión de este “Broadway madrileño”.

Si no quieres perderte todos los contenidos y experiencias culturales que Parte del Arte tiene para ti, te recordamos que además de nuestros cursos on line  Conoce Madrid, Exposiciones y Colecciones de Madrid y Grandes Momentos de la Historia estamos muy activas en nuestras Redes Sociales: Facebook, Twitter e Instagram, donde realizamos cada semana interesantes directos en los que hablamos de arte, historia y entrevistamos a personas del mundo cultural que podrás ver en diferido posteriormente en nuestro canal de Youtube Parte del Arte Madrid.

¡Estamos en contacto!

 

 

 

Julio Verne y su literatura visionaria

Ha llegado el buen tiempo, el confinamiento nos está dando un poco de tregua con el inicio de la desescalada y empezamos a ver la luz al final del túnel. En Parte del Arte continuamos con nuestros cursos on line y cada vez estamos más contentas de cómo los habéis recibido. Muchísimas gracias por la acogida y por el apoyo al proyecto Parte del Arte que nos hacéis llegar cada día con vuestros mensajes de aliento y vuestro interés por nuestros contenidos. Cada semana, además de en nuestros cursos, sentimos vuestro calor en los directos de Instagram, en los que tratamos diferentes temas artísticos y entrevistamos a colaboradores relacionados con la cultura. De verdad, mil gracias por estar ahí cada semana.

También queremos continuar compartiendo con vosotros en nuestro blog BaluArte algunos de los temas que tratamos cada semana en nuestros cursos on line : Conoce Madrid, Exposiciones y Colecciones de Madrid, Grandes Momentos de la Historia y Descubriendo la ópera.

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Equipo Parte del Arte ( de izquierda a derecha: Laura, Natalia, Esther e Isabel)

Hoy os hablamos de un tema fascinante que hemos tratado en nuestro curso Grandes Momentos de la Historia: la literatura de Julio Verne y cómo a través de sus libros de viajes y aventuras se convirtió en un verdadero visionario de lo que el progreso nos iba a ofrecer. Un autor cuya huella en la literatura y en el cine sigue todavía muy marcada en el pleno siglo XXI.

¡Acompáñanos!

JULIO VERNE. UN HOMBRE DE SU ÉPOCA.

Julio Verne vivió entre finales del siglo XIX y principios del siglo XX, una época de grandes cambios y transformaciones que afectaron a todos los ámbitos de la sociedad. Se produce, al abrigo de la Revolución Industrial, un desarrollo tecnológico sin precedentes el mundo científico, la medicina, los medios de transporte…La sociedad estaba aprendiendo a ver el mundo con nuevos ojos, y Verne es uno de esos hombres que se empaparon de todo ese conocimiento, convirtiéndolo en el eje central de su obra.

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Retrato fotográfico de Julio Verne, realizado por el fotógrafo Nadar (Foto: www.nationalgeographic.com)

Julio Verne no lo tuvo nada fácil. Nació en 1828 en una familia con una larga tradición de abogados, que sus padres se empeñaban en mantener. A pesar de que él sentía más interés por la observación de la naturaleza, la geografía y la ciencia, no le quedó otro remedio que ir a París a estudiar la carrera de Derecho, eso sí, con una asignación económica muy ajustada por parte de sus padres, que conociendo a su hijo, querían evitarle distracciones. Sin embargo, Verne lo tenía muy claro y aunque finalizó sus estudios de Derecho, les comunicó a sus padres que no tenía intención de ejercer como abogado, lo que supuso la retirada de su estipendio familiar. Comienza una etapa de dificultades para el joven Verne, que superó cuando en 1863 publica Cinco semanas en globo, su primera novela de viajes y aventuras que tuvo un gran éxito y que le permitió vivir el resto de su vida de su literatura.

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Portada de Cinco semanas en globo. ( Foto: www.laestanteriadeloslibros.blogspot.es)

AMIGOS INFLUYENTES

Durante su juventud en París, Julio Verne tiene la oportunidad de conocer a varios personajes, que terminarán convirtiéndose en amigos y que fueron decisivos en su carrera, como Alejandro Dumas, a quien conoció en su época universitaria.

El año 1860 supone un punto de inflexión para Verne en este sentido, ya que conoce a Gaspar Félix Tournachon, más conocido como Nadar, fotógrafo decisivo en esta época, y un gran admirador de la tecnología de su tiempo, especialmente de los globos aerostáticos. Muy vinculado con algunos de los artistas del Impresionismo, Nadar fue uno de los primeros fotógrafos que fotografió la ciudad de París desde las alturas, precisamente desde un globo aerostático, una gran hazaña teniendo en cuenta que los equipos fotográficos de la época exigían largos tiempos de exposición estática.

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Caritactura de Nadar haciendo fotograías desde un globo aerostático. Honoré Daumier.1869. (Foto: www.sicalipsisnow.blogspot.com)

Fue precisamente Nadar quien le presentó a Pierre- Jules Hetzel, quien será su editor y uno de sus inseparables amigos.

EL FUROR POR LOS VIAJES. JULIO VERNE Y LOS AVENTUREROS

Una de las pasiones de Julio Verne fue la geografía y el mundo de los viajes, algo que se ve especialmente reflejado en su serie de novelas conocidas como “Viajes Extraordinarios”. Con esta denominación se engloban todos los libros de aventuras publicados por Verne desde 1863 con la publicación de Cinco semanas en globo, hasta La impresionante aventura de la misión Barsac, publicada en 1918, trece años después del fallecimiento de Verne. Con estas novelas Verne pretendía despertar y formar el espíritu científico tanto en el lector consagrado como en el público juvenil.

En estas novelas, en las que Verne mezcla una imaginación desbordante con precisas descripciones y localizaciones geográficas muy bien documentadas, el protagonista o protagonistas se embarcan en increíbles aventuras de las que el lector es también partícipe.

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Albert Robida. Carte des Voyages très Extraordinaires, Paris 1879. (Foto: www.agenciasinc.es)

En estos viajes no faltan los artilugios, medios de transporte e inventos más modernos de su época y algunos que anticipan el futuro, convirtiéndole así en un visionario de la tecnología. Sus obras inspiraron a infinidad de aventureros que quisieron llevar a cabo todas esas hazañas de los protagonistas de las novelas de Julio Verne, consiguiendo que la realidad superase la ficción. Conozcamos a algunos de ellos.

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En Cinco semanas en globo, Julio Verne nos cuenta la historia de Samuel Ferggusson, un sabio explorador inglés que, acompañado de su criado y su amigo deciden atravesar el continente africano, que hasta ese momento era conocido sólo parcialmente, usando un globo hinchado con hidrógeno, un dispositivo de su invención que permitía subir o bajar a voluntad sin perder gas o echar lastre en busca de corrientes favorables.

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Fotogramas de la película “Cinco semanas en globo”, estrenada en 1962 y dirigida por Irwin Allen. ( Foto: www.jverne.net)

Lo que no sabía Julio Verne al escribir esta historia, que uno de sus jóvenes lectores, un joven asturiano, se iba a inspirar en su novela para realizar una hazaña similar. Se trata de Jesús Fernández Duro, ingeniero mecánico que se convirtió, entre muchas otras hazañas, en el primer hombre en cruzar los Pirineos en globo, logro por el cual fue nombrado Caballero de la Legión de Honor Francesa y por el que ganó La Copa de los Pirineos.

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Jesús Fernández Duro en su globo, el Alcotán. ( Foto: www.lne.es)

El gran reto de la Vuelta al mundo

Una de las novelas más famosas y que más trascendencia ha tenido dentro del universo verniano es La vuelta al mundo en 80 días, publicada en 1872. En ella, Verne recoge la revolución de los medios de trasporte que se estaba produciendo en esos momentos en la historia de Phileas Fogg, un caballero inglés que se apuesta con sus amigos la mitad de su fortuna a que es capaz de dar la vuelta al mundo con todos los medios de transporte existentes hasta el momento en tan solo 80 días, un reto que quisieron llevar a cabo muchos aventureros de carne y hueso tras la publicación de la novela.

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Mapa de La vuelta al mundo en 80 días, realizado por Aventuras Literarias ( Foto: www.nationalgeografic.com)

Algunos de estos exploradores llegaron inlcuso a superar el reto. Es el caso de la intrépida periodista americana Nelly Bly, que decidió emprender esta aventura y realizarla en el tiempo récord de 72 días.

 

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Nellie Bly con la indumentaria con la que comenzó su aventura. (Foto: www.publico.es)

Pasión por el mar.Veinte mil leguas de Viaje submarino

Aunque son varias las novelas que giran en torno al mar, como Los hijos del Capitán Grant, es sin duda Veinte mil leguas de viaje submarino su creación más emblemática.

La obra se publicó en dos partes en 1869 y 1870 y nos cuenta la historia del profesor francés Pierre Aronaxx, notable biólogo que es hecho prisionero por el capitán Nemo y es conducido por los océanos a bordo del submarino Nautilus, en compañía de su criado y un arponero, con quienes había acudido en busca de una criatura marina, un extraño cetáceo, que había causado la desaparición  misteriosa de varias embarcaciones.

La novela destaca por una descripción meticulosa de los paisajes submarinos y la infinidad de animales y seres del fondo marino que aparecen y que han alimentado las numerosas versiones cinematográficas de la historia.

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Cartel  para la película Veinte mil leguas de viaje submarino, estrenada en 1952 y dirigida por Walt Diseny ( Foto:www.wall.alphacoders.com)

Poco tiempo tuvieron que esperar los admiradores de la obra de Verne para ver hecho realidad uno de los sueños que planteaba esta aventura: viajar en submarino. En 1885 por fin se logró conseguir la solución a la navegación submarina, algo que había obsesionado a numerosos ingenieros de la época. El responsable de este mérito fue el militar e ingeniero español Isaac Peral, realizándose la botadura de su creación en el año 1888 en Cádiz.

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El submarino de Isaac Peral en el Puerto de Cádiz a punto de sumergirse. ( Foto:  www.submarinos.net

Las novelas heladas de Julio Verne. La realidad supera la ficción

En la época en la que vivió Julio Verne, los polos representaban el límite entre lo conocido y lo desconocido y fascinaban a muchos de sus lectores. Este interés, que se extiende a su época, queda plasmado en algunas de sus novelas, como es el caso de La esfinge de los hielos y Las aventuras del Capitán Hatteras. En ellas se recogen aventuras por tierras congeladas que Verne imaginó pero que se terminarían materializando poco tiempo después por parte de algunos intrépidos aventureros. Una vez más, el escritor nos ofrece su espíritu más visionario.

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Ilustración de Las aventuras del Capitán Hatteras. (Foto: www.gutemberg.org)

Dentro de estos aventureros destaca la figura de Sir Ernest Shackleton, un verdadero “capitán Hatteras de carne y hueso”. Tras varias expediciones fallidas, en el año 1909 logra, junto con sus compañeros, llegar al punto más al sur de la Antártida, un lugar que nunca había sido explorado por el ser humano. Gracias a esta hazaña el rey Eduardo VII le dio el título de “Sir”. El éxito de esta misión le animó a emprender una nueva aventura: cruzar el continente helado de punta a punta pasando a través del polo. Esta misión, fue bautizada como Expedición Imperial Trans- Antártica y que tuvo lugar entre 1914 y 1917, se vio truncada cuando su barco se quedó atrapado en una banquisa de hielo que lo fue aplastando lentamente y lo acabó hundiendo.

Los exploradores estuvieron aislados más de dos años, pero gracias a la habilidad de Shackleton consiguieron ser rescatados y volvieron todos con vida, por lo que el explorador fue considerado un verdadero héroe.

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El “Endurance”, embarcación de la expedición, atrapado en el hielo. ( Foto: www. irreductible.naukas.com)

Aunque estos son algunos de ejemplos, las novelas de Julio Verne están plagadas de referencias a eventos y acontecimientos que con el tiempo llegaron a hacerse realidad, como por ejemplo la llegada del hombre a la Luna, que Verne describe con algunos detalles de parecido asombroso con la llegada real del hombre en 1969, el helicóptero, las armas de destrucción masiva o el ascensor.

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