Rebeldía, Color, Espíritu: Expresionismo Alemán

Una semana más en Parte del Arte os acercamos las exposiciones más interesantes que se han inaugurado en nuestra ciudad y que, por supuesto, incluimos en la programación de nuestro curso Exposiciones y Colecciones de Madrid.

En esta ocasión os hablamos de la reciente muestra del Museo Nacional Thyssen- Bornemisza que lleva como título “Expresionismo Alemán en la colección del Barón Thyssen-Bornemisza”. Lo cierto es que se trata de una muestra que estaba prevista para abril pero que, dadas las circunstancias sanitarias, finalmente se ha adelantado. Se inauguró el pasado 27 de octubre y uno de los aspectos más significativos es que con ella el museo arranca toda una serie de eventos programados para celebrar el “Año Heini” ya que, en 2021, se cumplirán 100 años del nacimiento de Hans Thyssen-Bornemisza, el barón fundador del Museo y uno de los coleccionistas más importantes del siglo XX.

El museo ha organizado una gran fiesta con un escenario de lujo repleto de colores vivos y llamativos, toda una explosión de color que nos harán disfrutar de esta muestra y acercarnos a la historia del Barón y de su pasión por este arte que, como os vamos a contar, fue el pistoletazo de salida para una de las colecciones de arte moderno más importantes del siglo XX. Además, a esta celebración no ha querido faltar nadie, y por ello, la exposición nos muestra obras que pertenecen a la propia colección del Museo y obras que pertenecen, por un lado, a Carmen Thyssen y, poro otro, a las colecciones privadas de sus hijos Francesca y Alexander, unas pinturas que nunca se habían mostrado al público en nuestro país.

Pero ¿cuándo se interesó el barón en este tipo de pintura? En mayo de 1961 el barón visitó una subasta de arte en Stuttgart y allí se quedó fascinado con una acuarela del pintor expresionista Emile Nolde. Esta joven pareja pintada entre 1931 y 1935, despertó en el Barón un interés que hacía tiempo que no sentía. Acostumbrado a la colección de su familia, centrada en pintura antigua (sobre todo renacentista y barroca) llamaron su atención las figuras silueteadas, la gama audaz de colores tan contrastada que creaba una atmósfera de tensión entre los personajes, por lo que decidió comprarla.

Emile Nolde. Joven Pareja (1931-1935) Parte del Arte

“Mi padre despreciaba el arte moderno. Siempre decía que el arte se había terminado al final del siglo XVIII y cuando yo era joven, me lavó el cerebro, me hizo pensar como él durante mucho tiempo”.

Hans Heinrich “Heini” Thyssen-Bornemisza

Como podéis imaginar, este nuevo camino que “Heini” iniciaba no gustó especialmente a su familia, y fue entonces cuando decidió rebelarse contra su padre. Esta rebeldía tan presente en la exposición provocó que, a partir de 1947, tras la muerte de su padre y cuando hereda la fortuna, empresas y colección de arte, decida iniciar un nuevo camino con una colección mas moderna, abierta e internacional cuando tenía ya unos cuarenta años.

“Empecé a pensar que, si los primeros años del siglo XX habían producido tantas cosas importantes en la ciencia, en la técnica y en otros campos, el arte de esa época tenía que ser también interesante”.

Hans Heinrich “Heini” Thyssen-Bornemisza

En este sentido fueron fundamentales amigos como Stavros Niarchos y David Rockefeller, que también coleccionaban arte moderno. Se sintió más cercano a ellos que a su familia y lo que había significado. Él no quería ser un gran magnate como su padre y su abuelo, ni tampoco mantener el carácter conservador de ambos. A él le interesaba el mundo moderno, y por eso fijó uno de sus primeros objetivos en el conocimiento del Expresionismo Alemán, tachado de arte degenerado por la Alemania del Tercer Reich.  

La exposición nos muestra muy bien todo este contexto político, histórico y social. Lo hace a través de las obras expuestas ya que se da a conocer el viaje y el contexto que ocupan desde que salen de los talleres de los artistas hasta que llegan a la colección. Además, no sigue un orden cronológico, sino temático, que ayuda a reforzar la comprensión del momento en el que se constituye esta colección.  Por supuesto, os contamos algunas claves de esta fantástica muestra:  

LOS ARTISTAS: PROCESOS DE CREACIÓN

“El expresionismo es una droga, es como si este arte te gritara, te bombardea con efectos y te provoca una excitación nerviosa como la de la música moderna”.

Hans Heinrich “Heini” Thyssen-Bornemisza

Sin duda, estas palabras del barón describen muy bien el sentimiento que compartían todos los artistas del movimiento: una misma forma de entender que el arte parte de la visión interior del artista y que ya no busca imitar una realidad, sino crear una nueva. Los artistas del grupo Die Brücke (el puente) o del Blaue Reiter (Jinete Azul) entendieron sus talleres como un laboratorio de nuevas ideas, decorado con esculturas cercanas a las de los pueblos primitivos, batiks estampados o muebles rústicos fabricados por ellos mismos.

Ernst Ludwing Kirchneer. Fränzi ante una silla tallada. 1910. Museo Nacional Thyssen Bornemisza. Parte del Arte.
Ernst Ludwig Kirchner. Cocina alpina, 1918. Museo Thyssen Bornemisza. Parte del Arte

REFERENTES

Los artistas expresionistas buscaban reivindicar una era preindustrial pura y sin contaminar, volviendo a representar exteriores o inspirándose en los referentes culturales de aquel tiempo como Munch. Por eso, en esta exposición encontramos obras de este novedoso y colorido estilo junto a, por ejemplo, pinturas de Van Gogh (Les Vessenots en Auvers, 1890) o Gauguin (Idas y venidas, 1887) Así, la exposición pretende para mostrar el interés que despertaron en ellos estos pioneros de la modernidad, cuya obra pudieron conocer de primera mano a través de publicaciones y exposiciones.

Izq: Vincent van Gogh. Les Vessenots en Auvers, 1890. Dcha: Erich Heckel Casa en Dangast (La casa blanca), 1908. Parte del Arte.

EXTERIORES

Uno de los aspectos más importantes para este movimiento de vanguardia fue el paisaje, objeto de múltiples obras. Y es que, para estos expresionistas, la relación entre el hombre y la naturaleza, como muy bien muestra la obra de Franz Marc (El sueño, 1912) fue fundamental para el desarrollo de su producción. El paisaje se transformó en su estudio al aire libre, donde
les llevo a una búsqueda incesante de lo originario y pueblos primitivos.

Karl Schmidt-Rottluff El pueblo de Dangast, 1909. Parte del Arte.
Ernst Ludwig Kirchner Paisaje con castaño, 1913. Parte del Arte.
Karl Schmidt-Rottluff Reflejo de nubes, 1936. Parte del Arte.

LA DIFUSIÓN DEL NUEVO MOVIMIENTO

Wassily Kandinsky Pintura con tres manchas, n. 196, 1914. Museo Thyssen Bornemisza .

La mayoría de estos artistas expresionistas escribieron manifiestos y organizaron muestras programáticas como vehículo de divulgación de sus ideas artísticas y poco a poco fueron alcanzando cierto reconocimiento de crítica y público. En estas salas se reúnen algunas de las obras que acabaron formando parte de la colección Thyssen y que fueron incluidas en las primeras exposiciones tanto colectivas como individuales del Jinete Azul; como por ejemplo la Vista de una plaza (1912) de Paul Klee o la pintura con tres manchas (1914) de Kandinsky.

Sin embargo esta creciente difusión pública de los expresionistas se vio interrumpida con el inicio de la Gran Guerra. Hacia 1913 el grupo inicial del Brücke ya se había dispersado y cada artista siguió su trayectoria por separado; Macke y Marc fallecieron en el frente; Kandinsky volvió a Rusia; Jawlensky se refugió en Suiza… Una década después, muchas de ellos como Kandinsky o Klee se desplazaron a Dessau para trabajar en la Bauhaus y otros como Grosz o Max Beckmann se dedicarían a mostrar en su obra la descomposición de la sociedad alemana.

Sala de Exposición con la Pintura con tres manchas de Kandinsky al fondo. Parte del Arte.

LA POLÍTICA: PERSECUCIÓN Y ESTIGMATIZACIÓN

Como ya hemos mencionado, uno de los aspectos que más llamaron la atención de Heini Thyssen fue el colorido y la fuerza expresiva de la pintura expresionista, pero también le persuadió las razones políticas del movimiento.

Debemos tener en cuenta que el ascenso de Hitler al régimen nacionalsocialista dio lugar a una política de depuración artística que creo conceptos como “arte degenerado”. Se organizaron diferentes exposiciones y varias pinturas que se encuentran hoy en la colección Thyssen formaron parte de aquellos fondos que fueron denigrados. Es el caso, por ejemplo, de la Metrópolis que pintó George Grosz, que fue catalogada como “herramienta de propaganda marxista contra el servicio militar”. Lo cierto es que el recorrido de la obra es muy interesante.

Greorge Grosz. Metrópolis, 1916-1917. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

Fue puesta a la venta directamente por el gobierno del Reich en una polémica subasta en 1939 en la Galerie Fischer de Lucerna, en la que se llegaron a vender más de cien obras incautadas. Metrópolis fue comprada por Curt Valentin, un galerista alemán instalado en Nueva York que rápidamente revendió la obra al coleccionista Herman Shulman. Pero cuando la figura de Grosz estaba asentada y consolidada en América, Curt Valentin volvió a adquirir la obra y poco antes de morir se la vendió a un marchante que, ya en 1978, se la vendería al Barón. Y es que, a pesar del intento de los nazis por pugnar el arte moderno, lo que consiguieron fue que creciera el interés por este arte en el ámbito internacional.

Max Beckmann. Quappi con suéter rosa, 1934-1934. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Lo mismo ocurrió con el pintor Max Beckmann. En esta exposición volvemos a ver a Quappi, una de las grandes obras que posee el museo y sin duda, una de nuestras obras favoritas. Quappi es el reflejo de toda esta época y su proceso de creación nos muestra un mundo que se torna triste e intranquilo. A través del testimonio de Stephan Lackner, el primer propietario del retrato y un buen amigo de Beckmann, sabemos que, en la primera versión, Quappi tenía una sonrisa más amplia. Sin embargo, en el intervalo que había transcurrido entre las dos sesiones, la vida de los Beckmann había sufrido una fuerte transformación. Los nazis habían obligado al pintor a abandonar su cargo de profesor de la academia de Frankfurt y la pareja vivía clandestinamente en Berlín, intentando pasar desapercibida. La sonrisa de Quappi se hizo más pequeña entonces.

LOS MARCHANTES: REHABILITACIÓN Y RECUPERACIÓN

Si hay algo que está muy presente en esta exposición es la figura del marchante. El propio Barón Thyssen encontró en uno de ellos la figura de un mentor, casi de un padre. Se trataba de Roman Norbert Ketterer, subastador y galerista que desde el final de la guerra había trabajado con enorme éxito recuperando el expresionismo alemán y sacándolo al mercado internacional. Él era el albacea de Ernst Ludwing Kirchneer, que pronto se convirtió en el artista favorito de Heini Thyssen. Cuando Ketterer necesitaba dinero, le vendía a Heini alguna obra de su colección. Así es como llegó a la colección, por ejemplo, la obra de Fränzi ante una silla tallada.

Franz Marc. El sueño, 1912. Museo Nacional Thyssen Bornemisza.

El barón Thyssen fue un coleccionista interesado por la historia de los cuadros que adquiría y se sintió especialmente atraído por obras emblemáticas, que contaran con un pasado memorable. El sueño de Franz Marc es sin duda el mejor ejemplo. La obra la encontramos al inicio de la exposición por la referencia a la naturaleza y el color expresivo, pero el recorrido de la pieza es uno de los más interesantes de la historia de la exposición. Fue el mismo pintor quien se lo regaló a Kandinsky y por eso, durante cierto tiempo el cuadro estuvo en Rusia (de 1914 a 1921). Años después, fue seleccionado para la International Exhibition of Modern Art de la Societé Anonyme celebrada en Nueva York y en varias ciudades americanas durante 1926 y 1927. Incluso cuando el barón Thyssen la compró, todavía pertenecía a Nina Kandinsky, segunda esposa del pintor. Y como esta, la exposición muestra el recorrido de diferentes obras que al igual que encandilaron al barón, también ganará al público que la contemple.

LA COLECCIÓN: UNA IMAGEN GLOBAL/INTERNACIONALIZACIÓN

El último de los ámbitos de la exposición nos recuerda la rebeldía del Barón a la hora de iniciarse en el coleccionismo del arte moderno. A través de un mapa muy visual y cronológico descubrimos las adquisiciones de Heini Thyssen y todos los proyectos que llevó a cabo, como por ejemplo la primera muestra de arte expresionista que realizó en Villa Favorita (Lugano, 1989)  y que acabó viajando a ciudades como Washington, Fort Worth y San Francisco.

Los barones Thyssen en la inauguración de la exposición Espressionismo. Capolavori della Collezione Thyssen-Bornemisza en Villa Favorita, Lugano, 1989. Parte del Arte.

Al final de la exposición entendemos el espíritu de libertad que embriagó al barón y que rompió con la tradición académica. El Expresionismo alemán le concedió la licencia de atreverse con todo; en 1963 se atrevió a comprar una obra de Pollock, y en los 70 adquirió dadá, surrealismo, expresionismo abstracto, pop art… De hecho, en términos de cantidad, ha sobrepasado la colección de maestros antiguos.

El coleccionismo fue para Heini la manera de vivir en primera persona y hacer suya la historia del arte, y por suerte, hoy esa historia del arte la podemos disfrutar en el museo y en esta fantástica exposición que estará hasta el próximo mes de marzo en el Museo Nacional Thyssen Bornemisza.

Wassily Kandinsky. La Ludwigskirche en Munich. 1908. Museo Nacional Thyssen Bornemisza. Parte del Arte.

Nos despedimos por hoy. Como siempre, nos encantará leeros y comentar con todos vosotros y vosotras qué os ha parecido la exposición. Ya sabéis que podéis encontrarnos en nuestras redes sociales (Instagram, Facebook y Twitter), nuestra página web y en este Baluarte. ¡Seguidnos para no perderos nada!

¡Feliz Semana!

EL SABOR DEL RENACIMIENTO. CORONA CATALINA, POR ASCASO.

No nos lo podemos callar. Tenemos que contaros todo sobre el evento al que Parte del Arte ha acudido este lunes 25 de noviembre porque sabemos que os encantará. Se trata de la presentación de una nueva delicia creada para el Museo Thyssen inspirada en una de sus obras.

En esta ocasión el museo ha vuelto a contar con un colaborador habitual,  Vicente Ascaso, reconocido recientemente con el Premio Memorial de la Real Academia de Gastronomía al Mejor Pastelero Repostero de España. Ascaso se ha inspirado en el Retrato de una infanta, Catalina de Aragón del pintor Juan de Flandes. Para poder realizarlo, el equipo de Ascaso quiso hacer un viaje en el tiempo a la época renacentista, investigando sobre qué tipo de dulces se hubiesen podido degustar en aquella época y además realizar una creación que pudiese reflejar los gustos de la princesa.

¿Quieres saber cómo es este dulce? ¡Sigue leyendo!

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Mesa con la presentación de la Corona Catalina el pasado lunes en el Thyssen

CATALINA DE ARAGÓN. DE PRINCESA A MUSA DE PASTELEROS

Aunque no se ha podido determinar con seguridad la identidad de la joven que retrata Juan de Flandes, la mayor parte de los expertos consideran que podría tratarse con bastante seguridad de Catalina de Aragón, hija de los Reyes Católicos, que podría tener, según las interpretaciones, once o catorce años.

En el retrato aparece sosteniendo el capullo de una rosa ( elemento fundamental en la investigación para el dulce) lo que ha dado lugar a tres interpretaciones. La primera nos llevaría a ver en la flor el símbolo de la casa Tudor, algo lógico teniendo en cuenta  que Catalina se casó con Arturo, príncipe de Gales. La segunda, considera la rosa como un atributo relacionado con la extrema juventud de la retratada, mientras que la tercera la identifica simplemente como un atributo habitual en los retratos de esponsales. Sea como fuere, y sea cual sea la identidad de la muchacha, nos encontramos sin duda alguna ante una de las obras más bellas de Juan de Flandes.

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Retrato de Catalina de Aragón. Juan de Flandes. Museo Thyssen

EL RENACIMIENTO EN EL PALADAR

La labor de investigación llevada a cabo para la elaboración del dulce fue muy exhaustiva. Entre las labores de búsqueda de los dulces de la época el equipo de Ascaso consultó varias  obras culinarias, como es el caso del libro de cocina de Ruperto Nola  (1470-1525) y experimentó con ingredientes recurrentes en la época.

El resultado es una extraordinaria corona de mazapán con agua de rosas y azafrán, yema de huevo, jengibre y pera, ingredientes muy apreciados por los comensales de la época. La decoración que se puede apreciar en la superficie del postre está realizada con yema de huevo y pétalos de rosas cristalizados, lo que le aporta una enorme belleza y elegancia.

En el acto de presentación pudimos conocer en profundidad todos los ingredientes del dulce a través de una experiencia llena de sensaciones: el olor del azafrán, la pera, el jengibre y el aroma de la rosa de forma individual para poder luego apreciarlos con todos sus matices en la degustación del dulce, en el que todos estos sabores se funden de una forma extraordinariamente delicada en textura mazapán.  Un verdadero viaje al Renacimiento a través de todos los sentidos.

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Emplatado del dulce durante la presentación en el Museo Thyssen

EL DULCE SABOR DEL LUJO. PASTELERÍA ASCASO

La pastelería Ascaso es uno de los negocios centenarios de Huesca. Nació hace 129 años y desde su apertura su sello ha sido la investigación de nuevas fórmulas basadas en recetas tradicionales y la innovación. Por ello, no es de extrañar que haya recibido numerosos galardones y que se haya convertido en uno de los referentes de la gastronomía del dulce en nuestro país.

Actualmente, la labor de la Pastelería Ascaso continúa su trayectoria familiar con la cuarta generación  y tres establecimientos en Huesca, Zaragoza y Madrid, donde se podrá adquirir esta delicia realizada para el Thyssen por un precio de 20, 80€. También se puede adquirir en la tienda física del Museo Thyssen y en su tienda online.

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Caja de presentación del dulce inspirado por el retrato de Catalina de Aragón de Juan de Flandes

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Sura y Vicente Ascaso junto a a Ana Cela, Directora de Publicaciones y Tienda-Librería del Museo Thyssen

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BRUEGHEL: CINCO GENERACIONES DE MARAVILLAS

¿Cómo va el otoño en Madrid? En Parte del Arte seguimos a tope ofreciendo las mejores experiencias culturales : visitas teatralizadas y nocturnas, rutas históricas y por supuesto visitas guiadas a las mejores exposiciones de Madrid. Por ello, hoy queremos hablaros de una exposición que tenemos muchas ganas de guiar  y que estamos seguras que será una de las más exitosas de la temporada.

Se trata de Brueghel. Maravillas del arte flamenco. El pasado 7 de octubre tuvimos el placer de asistir a la presentación de esta gran exposición, organizada por Arthemisia Group  y patrocinada por la Fondazione Terzo Pilastro-Internazionale que tiene lugar en el Palacio de Gaviria de Madrid hasta abril del próximo año. En esta presentación, además, tuvimos la oportunidad de asistir a una visita guiada por el propio comisario, Sergio Gaddi, uno de los grandes expertos en la figura de los Brueghel, quien nos dio las claves fundamentales de la exposición y nos contó infinidad de curiosidades que también os transmitiremos en las visitas. Fue un verdadero lujo escucharle. Por ello, para ir abriendo boca, queremos compartir con vosotros un pequeño aperitivo de lo que veremos en nuestras visitas guiadas a la exposición en el mes de enero.

¡Sigue leyendo!

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Natalia y Esther con Sergio Gaddi, comisario de la exposición

Brueghel. Maravillas del arte flamenco cuenta con más de un centenar de piezas representativas de los Brueghel, una familia cuyo linaje de pintores se extendió a través de cinco generaciones desde mediados del siglo XVI con Pieter Brueghel el Viejo. Todos ellos, hábiles pintores, reflejaron con un lenguaje muy personal toda una época, que se reconstruye a través de sus obras en la exposición. La exposición agrupa las obras, más de un centenar, en torno a los temas que trataron esta dinastía de artistas.

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Sergio Gaddi en la visita guiada de la presentación de la muestra

El primer apartado, titulado El juicio moral, entre la salvación y la condena, arranca con la obra de Pieter Brueghel el Viejo, un artista formado con otro prestigioso pintor, Pieter Coecke van Aelst y que enseguida descubrió y asimiló rasgos de la obra de El Bosco, algo muy patente en muchas de sus obras. Entre los temas contenidos en esta sección se encuentran paisajes con figuras religiosas, de campesinos, escenas de la vida rural en los que introduce una profunda reflexión sobre la condición humana y critica  de forma sarcástica los vicios humanos. Esta forma analítica de ver el mundo marcará la obra de todos sus sucesores.

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Gerard David. Descanso en la Huida a Egipto ( Colección privada)

El segundo apartado de la muestra está dedicado a La Reina Naturaleza, uno de los puntos fuertes de la pintura de Pieter Brueghel el Viejo y también de su hijo Jan Brueghel el Viejo, que fue su principal continuador en este tipo de creaciones. Pieter fue un gran observador de la naturaleza, especialmente le llamaron la atención los paisajes italianos, que plasmó con una habilidad extraordinaria en muchas de sus composiciones, entre las que destacan paisajes a vista de pájaro con un punto de observación extremadamente alto que nos transmite una sensación de inmensidad irreal y que reduce las figuras humanas a elementos diminutos e intrascendentes.

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Pieter Brueghel el Viejo. Paisaje con la parábola del sembrador (Colección privada)

En el siguiente apartado, Soldados y cazadores bañados en luz invernal podemos ver algunas de las copias que el primogénito de Pieter Brueghel el Viejo, Pieter Brueghel el Joven realizó de algunas de las obras más populares de su padre, los paisajes y escenas nevadas. Además de estas piezas se pueden contemplar algunas del imaginario personal de Pieter Brueghel el Joven, en las que que reflejaba la realidad de su tiempo: soldados que matan sin piedad, cazadores que regresan a la aldea, campesinos borrachos, toscos artesanos…con un tono irónico excepcional.

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Pieter Brueghel el Joven. La trampa para pájaros. (Colección privada)

El recorrido de la muestra continua en el gran salón de baile del Palacio de Gaviria y en en él podemos admirar Alegorías, historias maravillosas, una sección en la que podemos admirar la obra de Jan Brueghel el Joven ( hijo de Jan Brueghel el Viejo), que heredó el estudio de su padre. Además de terminar junto con Rubens gran parte de la obra de la obra que su padre había dejado inacabada dedicó gran parte de su carrera a tratar el tema de las Alegorías, tratando de explicar conceptos como el amor, la guerra, los elementos de la naturaleza, los sentidos humanos, la paz… que se hacen corpóreos a través de la figura humana.

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Jan Brueghel el Joven . Alegoría del Amor. ( Colección privada)

En Realtos de viajeros y mercaderes encontramos una pequeña sección dedicada a Pieter Brughel el Viejo y Jan Brueghel el Joven dedicada a las obras y grabados que se popularizaron  a mitad del siglo XVI en Amberes, una próspera ciudad que en estas fechas se había convertido en el nuevo centro económico del mundo occidental y que alumbra una clase media cuyos objetivos eran la riqueza y el éxito. Este nuevo estamento social contribuyó de forma decisiva al crecimiento económico, lo que implicó que el número de artesanos y artistas creciese considerablemente.

A continuación nos encontramos con Gloria y vanidad de la vida silenciosa, uno de los apartados más vistosos de la exposición. En él podemos observar la pintura de género floral y el bodegón de mediados del siglo XVII, que se utilizaba para transmitir un mensaje moral contenido en la idea de la vanitas ( vacuidad, insignificancia), a través de elementos perecederos y alusiones simbólicas de diferentes objetos, sin olvidar el contenido religioso de muchas de ellas vinculado a los ideales contrarreformistas, que despliegan todo un lenguaje floral vinculado con los valores cristianos. Se pueden apreciar obras de Abraham Brueghel, uno de los mejores representantes de esta tendencia.

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Abraham Brueghel. Detalle de Naturaleza muerta con fruta y ave exótica ( Colección privada)

La muestra finaliza con un baile, el Baile de los Pobres, un apartado en el que podemos ver obras de diferentes artistas de la familia Brueghel. Todos ellos fueron grandes observadores y retrataron , como una gran metáfora de la existencia, escenas de la vida cotidiana protagonizadas por campesinos, fiestas de carácter popular, el juego del cortejo, los rituales de matrimonio y las tradiciones transmitidas de generación en generación. La alegría de vivir a pesar de las dificultades se abre ante nuestros ojos como un perfecto broche de oro a una muestra excepcional.

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Pieter Brueghel el Joven. Baile de boda campesina al aire libre. (Colección privada)

¿Con ganas de asistir? Pues no te la pierdas y ven con Parte del Arte a nuestras visitas guiadas en las que una de nuestras especialistas en arte te descubrirá todas las claves, una a una, que se esconden tras las obras de la gran saga de los Brueghel. Para no perderte las fechas síguenos en nuestras redes sociales:  Instagram ( @ Parte_del_arte) Facebook ( Parte del Arte.) y Twitter ( @PartedelArte) y suscríbete a nuestra newsletter en www.partedelarte.com  y te avisaremos de todas las fechas y horarios disponibles.

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¡Te esperamos!

 

 

 

EL VESTIR EN EL ARTE. BALENCIAGA Y LA PINTURA ESPAÑOLA EN MUSEO THYSSEN

¿Cómo os va el verano? ¿Mucho calor? En Parte del Arte tenemos una solución perfecta: acercarte las mejores exposiciones temporales de Madrid, en la que además de estar fresquito disfrutarás de una verdadera experiencia de conexión con el arte y la cultura. Por ello, siempre os ofrecemos las muestras imprescindibles de cada temporada: Velázquez, Rembrandt y Vermeer. Miradas afines en el Museo del Prado, y Balenciaga y la pintura española en Museo Thyssen, que estaremos guiando los próximos días 5 de julio ( completo) y el 12 de julio a las 18.15h.

Continua leyendo para ver qué es lo que te encontrarás en la exposición.

MUCHO MÁS QUE ARTE. MUCHO MÁS QUE MODA.

Cristobal Balenciaga está considerado el modisto más influyente de todos los tiempos, un título que sin la influencia del arte hubiese sido imposible de alcanzar, ya que las referencias de la pintura española siempre han estado presentes en sus creaciones: diseños minimalistas que nos recuerdan a la túnica de Cristo de los cuadros renacentistas, volantes que nos traen a la mente las batas de las bailaoras flamencas de las pinturas del siglo XIX, referencias al traje de luces del torero español, negros aterciopelados que evocan los retratos de los Austrias…toda una suerte de coincidencias que nos demuestran la amplia cultura y la atención al detalle del gran diseñador.

Esta ambiciosa muestra pretende poner de manifiesto una relación directa entre los diseños de diferentes etapas de la carrera de Balenciaga y la pintura española comprendida entre los siglos XVI y XX, con una extraordinaria selección de trajes procedentes del Museo Balenciaga de Getaria, el Museo del Traje de Madrid y el Museo del Disseny de Barcelona que dialogan con un gran número de personajes que pueblan las obras del Greco, Zurbarán, Murillo, Goya, Zuluaga…prestadas por el Museo del Prado, el Museo de Bellas Artes de Bilbao y colecciones privadas.

UNA NUEVA MIRADA 

La exposición sigue un recorrido cronológico a través de la pintura que está en constante diálogo con los trajes y vestidos de cada estilo o pintor. El criterio que se ha seguido para establecer estas conexiones tiene su base en elementos conceptuales, formas, volúmenes, concepciones cromáticas…De esta manera se nos presenta una nueva forma de ver la pintura, que se convierte ahora ante nuestros ojos en transmisora de moda y de un legado estético que va mucho más allá de su propia época.

El primer apartado de la exposición. Balenciaga y el arte, está dedicada a la pintura que Balenciaga contempló en su juventud en el palacete de los marqueses de Casa Torres, verdaderamente imprescindible como fuente de inspiración para sus primeras creaciones. En esta sala podemos contemplar algunos de esos cuadros, como es el caso del retrato del Cardenal Luis María de Borbón, de Goya, que se muestra junto a un extraordinario conjunto de chaqueta  y vestido de color rojo.

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Goya. El cardenal don Luis María de Borbón y Villabriga. Hacia 1800 / Conjunto de vestido y chaqueta.1960. Cristobal Balenciaga

La siguiente sección está dedicada e la influencia del Greco, del que Balenciaga tomó colores como el negro de la vestimenta de los personajes retratados, o los rosas, verdes y amarillos de la pintura religiosa, así como formas, como lazos en el cuello que recuerdan a las famosas golas que lucían los grandes hombres protagonistas de muchas obras del Greco.

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Algunos de los trajes y cuadros que se pueden contemplar en la sala del Greco.

La siguiente sección está dedicada a una de las grandes influencias en la producción de Balenciaga, la pintura de corte. En esta parte de la exposición se presta atención a varios aspectos.

El primero de ellos es el color negro, que la corte de Felipe II puso de moda y que durante mucho tiempo fue símbolo de estatus social y poder. Enseguida el vestir de negro riguroso se convirtió en sinónimo de “vestir a la española” y aunque con el paso del tiempo perdió algo de fuerza sigue siendo en la actualidad uno de los colores con un mayor poder visual y simbólico, interpretado desde nuestra perspectiva actual como símbolo de elegancia. Para Balenciaga fue uno de sus colores fetiche y en este apartado se muestran algunas creaciones de una belleza y elegancia fascinantes.

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Vestido de noche, 1943.Cristobal Balenciaga / Atribuido a Juan Pantoja de la Cruz. Retrato de la VI Condesa de Miranda.

El bodegón también es merecedor de atención, sobre todo los bodegones de flores. Cuando Balenciaga llega a París va a establecer contacto con los fabricantes de tejidos y artesanos de la estampación que inspirarán magníficos vestidos con estampados florales, bordados…de los cuales se pueden ver algunos ejemplos.

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Juan de van der Hamen. Ofrenda a Flora, 1627/ Vestido de noche con flores, hacia 1958. Cristobal Balenciaga.

Otro de los aspectos que se tratan dentro de la pintura de corte es el bordado, que Balenciaga incorporó en muchas de sus creaciones. Para sus bordados el modisto se inspiró tanto en su propia experiencia y conocimientos sobre la historia de la indumentaria en el arte como en su propia colección de indumentaria histórica, en la que abundaban ejemplares plagados de ricos bordados, encajes y abalorios.

La siguiente sección está centrada en la figura del pintor Francisco Zurbarán, un artista que siempre ha destacado por la gran atención que le presta a la indumentaria, a los tejidos, al movimiento y los pliegues de las telas…Esta concepción detallista y el juego de volúmenes de las formas y las telas se puede apreciar en gran parte de la producción de Cristobal Balenciaga.

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Conjunto de noche con sobre falda, hacia 1950. Cristobal Balenciaga/ Santa Isabel de Portugal, 1635. Zurbarán.

Otro de los artistas imprescindibles en el mundo de la moda y los tejidos y de forma obvia influyente en las creaciones de Balenciaga es Francisco de Goya, del que reinterpreta el brillo del satén, la transparencia del tul y los encajes…y el manejo del color tan extraordinario del pintor zaragozano. En esta sección se pueden apreciar esas conexiones con la exposición de algunos de los retratos más extraordinarios de Goya.

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Vestido de cóctel, hacia 1955-1960.Balenciaga/ La Duquesa de Alba de blanco, 1795.Goya

Por último, la muestra se centra en los siglos XIX y XX, de cuya estética, fundamentalmente la de muy finales del siglo XIX y principios del siglo XX fue contemporáneo el modisto. Esta estética bebe de dos fuentes. En primer lugar, de la pintura de la escuela española , como es el caso de Zuloaga entre muchos otros, y por otro lado de sus propias vivencias en su localidad natal (Getaria) y en el ambiente de exclusividad del San Sebastián del cambio de siglo. Las obras que se pueden ver en este cierre de la exposición se centran en la esencia española y regionalista de estos años.

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Vestido de noche, 1952. Cristobal Balenciaga./ Retrato de Maria del Rosario de Silva y Gutubay, duquesa de  Alba, 1921. Zuloaga.

Impresionante, ¿verdad? Pues aun estás a tiempo de conocer muchísimas joyas más de la pintura y de la producción de Cristobal Balenciaga en las visitas guiadas que Parte del Arte organiza a esta muestra, en las que una experta en arte te descubrirá esta nueva forma de ver la pintura y la moda.

INFORMACIÓN DE INTERÉS

Fecha: 12 de julio a las 18.15h.
PVP: 22€ Incluye: Visita guiada por especialista en arte+ sistema de recepción de sonido+entrada a la exposición
PUNTO DE ENCUENTRO: Hall del Museo Thyssen 10 minutos antes del comienzo de la visita.( Paseo del Prado, 8)
CÓMO LLEGAR: Metro: Banco de España. Bus: 1,2,5,9,10,14,15,20…
*IMPRESCINDIBLE RESERVA PREVIA EN: info@partedelarte.es o en el 645438576.

¡Te esperamos!

 

 

 

 

 

 

 

 

 

VELÁZQUEZ, VERMEER Y REMBRANDT, TRES GENIOS CON MUCHO EN COMÚN

¡Nuestros cursos han finalizado! Pero en Parte del Arte continuamos ofreciéndote las mejores experiencias culturales y planes de verano para este mes de julio en Madrid: rutas nocturnas para descubrir el Madrid oculto y misterioso, rutas por las azoteas de Madrid para que no te pierdas los mejores atardeceres de la ciudad, y por supuesto, las mejores exposiciones temporales, como Balenciaga y la pintura española en el Museo Thyssen o Velázquez, Vermeer y Rembrandt. Miradas afines, inaugurada hoy mismo en el Museo del Prado y de la que hoy te hablamos en nuestro blog. ¿Quieres saber un poquito más? Pues ¡sigue leyendo!

ESPAÑA Y HOLANDA.UNIDAS POR SUS GENIOS

Dentro de las celebraciones del bicentenario del Museo del Prado, esta exposición, organizada con el patrocinio de la Fundación AXA, se muestra como un proyecto de gran ambición en muchos sentidos. En primer lugar, se trata de una muestra de gran despliegue de medios, ya que reúne 72 obras procedentes de los propios fondos del museo anfitrión y de otras instituciones de relevancia, como el Rijksmuseum de Ámsterdam, la Narional Gallery de Londres o el Metropolitan de Nueva York, entre otros quince prestadores.

En segundo lugar, otro de los grandes méritos de la exposición es poner de manifiesto los puntos en común de la pintura española y holandesa de finales del siglo XVI y principios del siglo XVII, dos tradiciones pictóricas concebidas tradicionalmente en la Historia del Arte como antagónicas.

Partiendo del momento en el que los caminos de los Países Bajos y España comienzan a separarse tras las revueltas contra Felipe II y el posterior desarrollo de la Guerra de los Ochenta Años ( 1568-1648), la muestra aborda cual fue el destino pictórico de España y de la actual Holanda, que surgió de la repartición de los territorios de los Países Bajos tras el conflicto. Dos realidades aparentemente diferentes pero en las que los artistas compartieron la misma idea de trabajar una estética interesada en la representación real de las cosas y alejada del idealismo, a la que hay que sumarle la influencia, todavía vigente, que la pintura flamenca venía ejerciendo en la tradición española desde hace varios siglos.

UN CAMINO DE CONFLUENCIAS

La exposición está dividida en cinco apartados en los que de forma temática se abordan los diferentes ámbitos en los que se producen estas convergencias.

El primero aborda la idea de la imagen, la moda y la pintura en España y los Países Bajos. Este es un punto importante, ya que los protagonistas de los retratos de los pintores como Velázquez, El Greco o Rembrandt , que generalmente formaban parte de las élites sociales, vestían de la misma forma, generalmente de negro riguroso, herencia del gusto de la casa ducal de Borgoña, que gobernó en España y en los Países Bajos desde Felipe el Hermoso hasta Felipe II, pasando por su padre Carlos V.

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Los funcionarios del Gremio de Draper de Amsterdam, conocidos como ‘The Syndics’.Rijksmuseum Amsterdam

El segundo ámbito, Ficciones realistas, se hace hincapié en el lenguaje que utilizaron gran parte de los pintores españoles y flamencos durante el siglo XVII, que huía de la idealización propia del Renacimiento, presentándonos personajes reales encarnando santos o dioses, en lugares cotidianos y contemporáneos a sus creadores. Podemos contemplar en esta sección algunas de las obras más sugerentes de la muestra, como este fantástico Demócrito del pintor Hendrick ter Bruggen (izquierda), de aspecto risueño y cercano, que se muestra en comparación con la famosa imagen del mismo filósofo realizada por José de Ribera ( derecha) que nos presenta igualmente una imagen en la que el personaje se vuelve contemporáneo, humano y tangible.

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El siguiente apartado está centrado en el género de la naturaleza muerta, surgido en el siglo XVI y cultivado en toda Europa. En este campo los autores flamencos y españoles fueron mostrando intereses comunes: representación del lujo y la riqueza a través de todo tipo de animales, objetos y elementos naturales, y recursos técnicos similares que se pueden apreciar en algunas obras e la exposición

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Bodegón con cardo, francolín, uvas y lirios. Felipe Ramírez. Museo del Prado

La cuarta sección de la exposición está dedicada a los contactos directos entre los artistas y mecenas de España y los Países Bajos, como es el caso de Felipe IV, que además de los numerosos encargos a Velázquez también encargó de manera directa obra a artistas flamencos. También se nos muestran otros casos de autores españoles que entraron en contacto con el arte holandés y se dejaron influir por él, como es el caso de Bartolomé Esteban Murillo.

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Judit en el banquete de Holofernes. Rembrandt. Museo Nacional del Prado.

Por último, el cierre de la exposición se centra en la técnica, en muchos casos compartida, por los pintores españoles y holandeses, consistente en una pincelada suelta que le otorga un aspecto abocetado a las obras. Este rasgo se debe a la pervivencia de cierta influencia de la pintura veneciana del siglo XVI, que si bien en el resto de Europa se había ido perdiendo con el tiempo, en España y Países Bajos continuó haciéndose patente hasta bien entrado en siglo XVII.

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Izquierda: Vista del jardín de la Villa Médici de Roma. Velázquez.Museo del Prado. Derecha: Vista de casas de Delft, conocida como The Little Street. Johannes Vermeer. Rijksmuseum.

Artistas como Velázquez, Vermeery Rembrandt, y también otros como Murillo o el Greco, recibieron y ejercieron influencia en Flandes  a través de los maestros que estudiaron en su juventud y a través de los contactos tradicionalmente establecidos entre ambos territorios. A través de sus pinceles configuraron los escenarios y personajes de un viaje en el tiempo que puedes hacer con Parte del Arte, en una visita guiada a esta extraordinaria exposición, en un grupo reducido, sin prisas y disfrutando de cada detalle. ¿Te apuntas? Toma nota ¡Te esperamos!

DÍA: Domingo 30 de junio.
HORA: 12.00h y 17.30h.
PUNTO DE ENCUENTRO: Museo del Prado. Puerta alta de Goya, en la rotonda, junto a la escultura de Carlos V y el furor.
CÓMO LLEGAR: Metro: Banco de España. Bus: 1,2,5,9,10,14, 34…
PVP: 13€ visita guiada ( a este importe se deberá sumar el importe de la entrada que corresponda a cada visitante*)
INCLUYE: Recorrido de una hora y media por el Museo del Prado con entrada (sin colas), explicación de la exposición temporal con un experto en arte en un grupo reducido de máximo 6 personas.
IMPRESCINDIBLE RESERVA PREVIA. A través del correo info@partedelarte.es o en el 645438576.

* Entrada general: 15.50€
Reducida: 8€ ( mayores de 65 años, familias numerosas, etc.)
Gratuita ( desempleados,discapacitados y menores de 18 años)
***IMPORTANTE. A la hora de realizar la inscripción deberá indicar el tipo de entrada que le corresponda y hacer el pago conjunto. Ej: 13€ visita guiada+ entrada general/ reducida o gratuita. Las entradas serán adquiridas con anterioridad a la visita para evitar colas.
En caso de acogerse a entrada con reducción o gratuidad es necesario mostrar el día de la visita en taquilla la documentación que acredite dicha reducción, ya que serán solicitadas por el personal del museo y Parte del Arte no se hará responsable de dichos descuentos.

 

 

 

 

 

 

 

MUCHO MÁS QUE UN COLOR. “LA VIE EN ROSE” EN EL MUSEO DEL TRAJE

Este mes lo hemos bautizado como el mes de la moda en Parte del Arte, ya que entre las numerosas visitas guiadas a museos y exposiciones temporales de Madrid que guiamos cada mes, en febrero contamos con dos grandes muestras vinculadas con la moda. Una de ellas es MODUS. A la manera de España, en la Sala Canal de Isabel II, y le segunda es La Vie en rose, en el Museo del Traje, una interesantísima muestra sobre el color rosa y sus significados. Sigue leyendo para conocer las fechas en las que puedes acudir a nuestras visitas guiadas y descubrir todos los secretos de ambas muestras.

LA LUCHA POR EL ROSA, EL COLOR DEL LUJO

Si algo ha marcado la historia del color rosa es su vinculación con el lujo y lo suntuario. No existe ninguna fuente natural, ya sea animal, vegetal o mineral de la que se extraiga directamente el color rosa, por lo que hay que acudir a la mezcla resultante del rojo y el blanco o a la disolución en agua del color rojo, especialmente extraído de la cochinilla, cuya explotación a partir de la llegada de los españoles a América terminó convirtiéndolo en un color lujoso, al alcance de unos pocos, y el negocio del rosa llegó a ser equiparable al del oro o la plata.

Este lujo lo podemos ver en la utilización del color rosa en piezas suntuarias desde la antigüedad, algunas de ellas visibles en la exposición, como un vaso funerario de época helenística, o en la rica decoración miniada en los manuscritos medievales, hasta nuestros días. No es casual por tanto que la Iglesia, desde antiguo al amparo de monarcas y nobles, utilizase este color dándole una simbología muy específica, relacionada con la resurrección y la carnación de Cristo. De este modo, tanto la representación de Cristo resucitado como la indumentaria eclesiástica se tiñen de rosa para hacer más vivo este mensaje.

TODA UNA HISTORIA. EL ROSA A TRAVÉS DEL TIEMPO

La muestra parte de un momento concreto, el siglo XVIII, periodo en el que el rosa fue especialmente relevante en su tonalidad pastel, obtenida en gran medida debido a los avances que se producen en estos momentos en la industria textil y los tintes. Sin embargo, dos acontecimientos culturales relevantes del siglo XVIII cambian esa preferencia de los rosas pastel. Son nada más y nada menos que el descubrimiento de los yacimientos de Pompeya y Herculano, que dan comienzo al Neoclasicismo, y con él llegó la recuperación de los rosas de la Antigüedad, mucho más intensos.

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Casaca de hombre en rosa pastel , siglo XVIII 

El siguiente periodo en el que el rosa cobra protagonismo es el Romanticismo, una época  excesivamente jerarquizada en lo social en la que vuelve el rosa, especialmente en los vestidos femeninos, a cobrar un tono más tenue, símbolo de la pureza y virtud de la dama, no hay que olvidar que la moda en este periodo es un espejo de la personalidad de la dama. El rosa invade no sólo los vestidos, sino también todos los complementos necesarios para una dama de la sociedad del “buen tono”: sombrillas, mantones de Manila, guantes… Además, en el momento previo al cambio de siglo aparecen los tintes sintéticos, que produjeron una verdadera revolución en el mundo del color rosa, apareciendo en primer lugar el violeta y a continuación los ciruela, cereza…una verdadera explosión de color que quedó mitigada con el estallido de la primera guerra mundial.

También el mundo del toreo se apropió a partir del siglo XIX del color rosa, asociándolo a la buena suerte y presente tanto en algunas prendas del traje de luces ( las medias y el fajín) como el capote de brera.

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Vestido romántico en el famoso “rosa rubor de doncella”, tono especialmente popular.

A lo largo del siglo XX, el rosa se utilizó de diferentes formas, durante el periodo de entreguerras como un color positivo, de vuelta a la normalidad después de la Primera Guerra Mundial, pero también como un color que simbolizaba lo frívolo, vacío o sin sustancia. Los años 50, especialmente en Estados Unidos, fueron un periodo en el que el rosa dio un giro. Es el momento en el que el rosa empieza a ser el color de la mujer, con una abanderada poderosa, nada más y nada menos que Mamie Eisenhower, esposa del presidente de Estados Unidos, un momento en el que el rosa se asoció a una serie de criterios asociados a la actitud dócil de la mujer que produjeron un gran retroceso en el proceso de emancipación femenino.

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Abanico de plumas en tonos rosas intensos, fruto de la introducción de los tintes sintéticos en la industria de la moda.

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Mamie Eisenhower vestida de rosa en la proclamación de su marido Dwight Eisenhower como presidente de los Estados Unidos.

Sin embargo, en los últimos años el rosa ha vuelto con fuerza, han sido muchos los colectivos que lo han utilizado como lucha contra la opresión, contra el cáncer…El rosa ya no tiene género: futbolistas, cantantes…todos visten de rosa, porque el rosa es de todos, y aun tiene mucho que decir.

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Pink Flamingos, diseñados por Dondal Featherstone

¿Quieres conocer más sobre esta interesante historia? ¿O lo tuyo es la moda española? En Parte del Arte te ofrecemos visitas guiadas tanto a la muestra del Museo del Traje como a la de la Sala de Canal de Isabel II, sólo tienes que elegir una de estas fechas y reservar tu plaza. No te pierdas este mes de la moda de Parte del Arte.

¡Toma nota!

La vie en rose. Martes 19 de febrero a las 11.30h.

MODUS. A la manera de España. Viernes 22 de febrero a las 18.00h

Reservas en: info@partedelarte.es o en el 645438576.

http://www.partedelarte.com

 

TAMARA DE LEMPICKA, UNA PROPUESTA FEMENINA EN EL PALACIO DE GAVIRIA

 En Parte del Arte nos encanta ir a las exposiciones del Palacio de Gaviria y (sabemos que a vosotros también) y si además es en clave femenina mucho mejor. Es cada vez más frecuente encontrar en Madrid exposiciones monográficas sobre artistas femeninas como en este caso la de Tamara de Lempicka organizada por Arthemisia Group o la que el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedica a Dorothea Tanning. Hay un cambio de paradigma que nos encanta en la programación de exposiciones en la capital. Por eso hoy en nuestro blog BaluArte queremos prepararos para nuestras próximas visitas guiadas a esta magnífica muestra sobre la reina del Art Decó Tamra de Lempicka ¿Nos acompañas?

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Natalia preparando nuestras visitas guiadas a la exposición en el Palacio de Gaviria

TAMARA LLEGA AL PALACIO

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Y lo hace con fuerza. Más de 200 piezas procedentes de alrededor de 40 colecciones privadas, museos y diferentes prestadores nos acompañan no sólo por la obra de la artista sino que nos proponen un verdadero viaje a otra época, la de los locos años veinte, que se viste de Art Decó. Porque este periodo no es solo pintura estática y  pasiva, es diseño, es innovación, música, fotografía, muebles,moda…por ello, toda una suerte de objetos se nos presentan en diálogo con los lienzos, consiguiendo que con nuestras visitas guiadas y un entorno así, el visitante viva una auténtico viaje en el tiempo.

Además, con esta muestra, la comisaria y experta en la obra de Lempicka Gioia Mori pretende arrojar algo de luz sobre aspectos desconocidos de la artista.

CONOCIENDO A LEMPICKA

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No se sabe con exactitud su fecha de nacimiento (entre 1895 y 1889) en una familia polaca de clase alta. Su vida fue una verdadera aventura. Se casó en San Petersburgo con Tadeusz Lempicki en 1916 y debido a los cambios políticos en Rusia decide mudarse a Paris en 1918, donde, sin sustento, comienza su historia de amor con el arte. En poco tiempo pasó de aprendiz a profesional como ilustradora en revistas femeninas y después como artista independiente.

Tamara desprendía una elegancia única, especial, como la de una estrella de cine. No quiso seguir a otros aunque siempre reconoció el impacto en su pintura de los grandes maestros y creó su propio estilo con sus volumétricas figuras que se antojan esculturas pintadas con toques cubistas y siempre con una doble lectura, porque si alguien rompió los estereotipos de la mujer frívola del Art Decó esa fue Lempicka. Mujeres empoderadas, inspiradoras, mujeres adelantadas a su tiempo fueron sus musas, las heroínas de su propia forma de entender el arte.

EL COMIENZO: TAMARA EN LA CIUDAD DE LA LUZ

París se consolidó de nuevo como Centro artístico indiscutible tras la Primera Guerra Mundial. Al abrigo de las tertulias en los cafés, las fiestas y los espectáculos que bautizaron esta época como los locos años 20 llegaron intelectuales y artistas de todo el mundo, entre los cuales se encontraba Tamara, que había llegado allí huyendo de la revolución bolchevique. Su primera exposición fue en 1922 en el Salón de Otoño y enseguida obtuvo un gran reconocimiento que marcó el inicio de su carrera. La primera sala de la exposición nos muestra algunas de sus primeras obras, en las que sentaba las bases de ese mundo del glamour y la moda que terminará reflejando como nadie.

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El fondo rosa (Retrato de Bibi Zógbé)1923

VIVIENDO LA MODERNIDAD

La segunda sala de la muestra lleva por título La Casa más moderna de París y hace referencia a la vivienda que Lempicka compró en 1930 en la Rue de Méchain, alabada en las revistas francesas, polacas y británicas como un ejemplo de modernidad y que fue decorada en su interior por su propia hermana Adrienne Gorska, la primera polaca que logró licenciarse en arquitectura y fue pionera en el diseño de salas de cine.

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Príncipe Eristoff. Tamara de Lempicka

VIVIENDO LA MODA

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Otro de los apartados imprescindibles de la obra de Lempicka es su relación con la moda, un sector en auge y con mucha relevancia en la época. Lempicka comenzó su andadura en el mundo artístico como ilustradora de revistas femeninas. La sala muestra algunos de esos figurines y bocetos junto a obras maestras como Las confidencias ( las dos amigas) de 1928 que aparecen en diálogo con vestidos, sombreros…diferentes piezas textiles que nos transportan a los cánones de belleza y preceptos de la moda del momento, siempre seguidos de cerca por Lempicka.

AMAZONAS

La siguiente sala de la muestra profundiza sobre la vida íntima de Lempicka y su orientación sexual. Amazonas era el término con el que en la época se hacía alusión a las mujeres homosexuales, como es el caso de Tamara, que nunca ocultó sus relaciones con otras mujeres, ya que se trata de una época que trató el tema con relativa naturalidad, aunque en cierto modo seguían siendo un tabú para la sociedad. En esta sala se recoge ese ambiente oculto de los locales “solo para mujeres” además de un gran número de desnudos en los que se puede ver su evolución pictórica.

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Sala Amazonas

LOS BODEGONES

Otro de los temas tratados por Lempicka fue el de la naturaleza muerta con flores, un género del que llegó a convertirse en una verdadera virtuosa. Sus naturalezas muertas se distinguen por una gran sobriedad compositiva y un cromatismo muy personal donde el gusto por el decorativismo es un fiel reflejo de la cultura Art Decó de la que Lempicka formó parte. En la sala sus flores dialogan con obras escultóricas de otros artistas.

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Jarrón con rosas. Tamara de Lempicka

MATERNIDAD

La siguiente sala de la exposición está dedicada al tema de la maternidad y en ella sobre todo se exponen obras en las que la artista usó a su hija Kizette como modelo, tanto de niña como en la edad adulta, obras que siempre tuvieron una gran acogida por parte tanto del público como de la crítica. También se puede ver una singular imagen de la Virgen con el Niño, un tema poco frecuente en la temática habitual de Lempicka.

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Retrato de Kizette. Tamara de Lempicka.

ALFONSO XIII.

image_content_8735165_20181005003152Esta sección  de la muestra es muy especial ya que en ella se muestra un hasta hace poco tiempo desconocido retrato (incompleto) que Tamara de Lempicka le hizo a Alfonoso XIII en su paso por España y que se ha podido recuperar gracias a las investigaciones de la comisaria de la exposición. Sin duda una extraordinaria sorpresa que se aleja de la temática habitual de Lempicka y que se puede contemplar en la exposición den diálogo con otros retratos del monarca.

 

EL MANUAL DE HISTORIA DEL ARTE

Así se puede denominar la obra de Tamara de Lempicka, un verdadero manual de Historia del Arte, en el que se puede apreciar la influencia de los primitivos flamencos como Van der Weyden, Vermeer o Crivelli pero también del Greco, Pontormo, Miguel Ángel, Botticelli o Rafael, además de la estatuaria antigua de Roma, Grecia…En esta sala se pueden apreciar las obras en las que más influyeron otros artistas y que se encuentra en verdadera sintonía con el movimiento Art Decó, que recupera formas griegas, etruscas, egipcias…

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Il velo verde. Tamara de Lempicka

BARONESA

Tamara se casa por segunda vez con el barón Raoul Kuffner, con el que se trasladará a Estados Unidos en 1939 tras el clima de inestabilidad previo a la II Guerra Mundial. En esta sección de la exposición se muestran algunas fotografías de las grandes fiestas que dio el matrimonio en su casa de Beverly Hills y algunas de las obras que realizó en Estados Unidos, donde su obra se consideró anacrónica y cuyas exposiciones fueron sufragadas por su marido. También se incluyen obras y fotografías de manos, un tema que interesó a Tamara durante este periodo.

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Fotografía de Tamara de Lempicka pintando

VISIONES AMOROSAS

IMG-20181014-WA0008Con el nombre de visiones amorosas Tamara de Lempicka se refería a las imágenes que despiden la muestra, en las que se muestran imágenes fruto de sus relaciones amorosas con mujeres. En ellas se pueden apreciar a algunas de las modelos con las que se relacionó y son obras cargadas de sensualidad,  reflejo de una modernidad transgresora y precursora de nuevos tiempos que estaban por venir en el arte y en la sociedad y de los que Tamara fue uno de los mejores ejemplos.

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Las muchachas jóvenes. Tamara de Lempicka

Seguramente después de este breve repaso te hayan entrado ganas de conocer más sobre esta gran artista del Art Decó. Pues estás de suerte, ya que el próximo mes de Noviembre en Parte del Arte estaremos haciendo visitas guiadas a esta exposición para descubrirte de la mano de un experto todos los detalles de la obra de Tamara de Lempicka. Las fechas son :

Miercoles 21 noviembre a las 12h.

Jueves 22 de noviembre a las 12h.

Viernes 23 de noviembre 18h.

¡No te la pierdas! Reserva en info@partedelarte.es o en el 645438576

Te esperamos.

LOS REVOLUCIONARIOS LLEGAN A MADRID

En Parte del Arte comenzamos nuestro tercer trimestre con mucha ilusión y os ofrecemos unos meses cargados de las mejores salidas culturales, cursos de arte, visitas teatralizadas, rutas nocturnas y por supuesto, visitas guiadas a las exposiciones temporales más importantes e interesantes de la actualidad en Madrid.

El próximo mes de mayo acudiremos a una de las citas más importantes de la temporada, la recién inaugura exposición en el Palacio de Gaviria sobre los artistas revolucionarios del siglo XX

¿Quieres saber de que va? ¡Sigue leyendo!

El pasado 10 de abril se ha inaugurado en el Palacio de Gaviria la exposición Duchamp. Magritte. Dalí. Revolucionarios del siglo XX, una de las exposiciones de arte contemporáneo más importantes de Madrid. En esta ocasión, la propuesta que nos ofrece la empresa Arthemisia Group, Art Projects y Fondazione Cultura e Arte engloba un conjunto de más de 180 obras  de  los grandes artistas surrealistas y dadaístas, que en su mayoría proceden de las colecciones del Museo de Israel en Jerusalén. Piezas de Dalí, Magritte, Man Ray, Duchamp, Tanguy…forman parte de esta rica que colección que se formó a partir de la donación de 800 obras por parte del académico, poeta y marchante de arte milanés Arturo Schwarz.

MUCHO MÁS QUE ARTE

La exposición ahonda en el contexto y los postulados de los movimientos del Surrealismo y el Dadaísmo a través de obras de todo tipo: pintura, escultura, objetos…todos aquellos medios que estos revolucionarios del siglo XX utilizaron para difundir sus ideas y representar las particularidades de su tiempo.

Surrealismo y Dadaísmo se encuentran entre los movimientos más trascendentes de nuestra era. En su momento surgieron como una repuesta al arte tradicional, en un contexto de posguerra, en la que se utilizaban nuevos materiales y recursos visuales innovadores que poco a poco fueron transformando el vocabulario tradicional del arte. Pero fueron mucho más que un movimiento estético de experimentación formal, sus numerosos textos, manifiestos y proclamas los sitúan como movimientos ideológicos e intelectuales universales. Su particular forma de ver y entender el mundo traspasó fronteras y tuvo correspondencia en países de todo el mundo.

Par poder comprenderlos, es necesario sumergirse en su época, abrir la mente y dejarse llevar…

LOS GRANDES REVOLUCIONARIOS

La exposición se divide en cinco secciones que hacen alusión a los diferentes conceptos que engloban estos movimientos.

  1. EL DESEO, LA MUSA, LA VIOLENCIA

En la primera sección se abordan temas como el deseo y el subconsciente. Después de la Primera Guerra Mundial, el concepto del deseo adquirió gran protagonismo en el arte, que se convirtió en el medio perfecto para expresar las fantasías de los artistas. La liberación de la lívido se convirtió en una proclama de libertad de expresión, una respuesta hacia la censura política y social de los regímenes totalitarios. A esto contribuyeron decisivamente las teorías de Sigmund Freud sobre la sexualidad y el subconsciente, siendo las mismas una fuente primordial para la liberación de todos estos sentimientos a través del arte. Artistas como Dalí, Picasso o Man Ray fueron algunos de los que experimentaron con estos conceptos, ejemplificados en la muestra por algunas de sus obras maestras. En el caso de Man Ray, a través de una serie de fotografías en blanco y negro entre las que se encuentra Negro y Blanco o la famosa fotografía de la Calavarera de Dalí realizada con los cuerpos de mujeres desnudas inmortalizada por Philippe Halsman.

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Man Ray.Negro y Blanco, 1926

  1. YUXTAPOSICIONES MARAVILLOSAS

La experimentación material es uno de los capítulos más importantes en la historia de estos movimientos. La utilización de materiales ready-made en collages, objetos y montajes de todo tipo tenía como objetivo destruir la frontera entre el arte y la vida. Recurso que ya había utilizado la pintura cubista dándole protagonismo a los objetos de la vida cotidiana, este concepto adquiere una nueva dimensión que ofrece asociaciones de objetos inesperadas que impactan y acaparan irremediablemente nuestra atención. Esta es una de las salas más variopintas de la exposición, en las que las obras de artistas como  Kurt Schwitteers, André BretonHannah Höch nos transportan a un mundo onírico a través de piezas cotidianas. También en esta sección se peuden observar algunas piezas icónicas de uno de los padres del dadaísmo, Marcel Duchamp, presente a través de su famoso Secador de Botellas o su Rueda de Bicileta.

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Marcel Duchamp junto a su obra Rueda de Bicicleta

  1. AUTOMATISMO Y SUBCONSECIENTE

Los artistas adscritos al movimiento surrealista, tanto en su versión plástica como en la creación literaria, desarrollaron métodos automáticos para eludir el control de la consciencia y liberar el vasto mundo del subconsciente. Este automatismo es un reflejo del gran impacto que tuvieron las nuevas técnicas y avances que se habían producido en el ámbito de la psiquiatría y especialmente las de Sigmun Freud.

En esta sección de la muestra se pueden ver ejemplos de obras creadas a través de estos mecanismos, entre las que destaca una pequeña sección dedicada a Joan Miró.También se pueden apreciar los “dibujos automáticos” de Jean Arp y André Masson y los frottages (frotados) y grattages ( raspados) de Max Ernst. Además, algunos fotógrafos como Man Ray desarrollaron técnicas como la solarización, los fotogramas y los efectos aleatorios para crear misterio y ambigüedad.

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Joan Miró. Pájaro. 1960.

  1. BIOMORFISMO Y METAMORFISMO

La siguiente sección de la exposición acerca al público a los conceptos de biomorfismo y metamorfismo, que también han sido claves para el desarrollo de los nuevos movimientos de vanguardia del siglo XX. Aunque puedan parecer difíciles de comprender, estos conceptos se basan fundamentalmente en la preferencia de imágenes orgánicas, cargadas de reminiscencias de la naturaleza, e imágenes ambiguas. Estas obras están plagas de plantas, referencias acuáticas, anatómicas y de tipo astrológico. Muchas de estas obras se caracterizan por no establecer unos límites claros entre la abstracción y la figuración, sumergiéndonos en un mundo de sensaciones difícil de explicar. Es el caso de la obra de André Masson, Jean Hans Arp, Victor Brauner o Leonora Carrington, todos ellos representados en la exposición a través de varias obras.

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En esta imagen de la muestra podemos ver la obra de Max Ernst El rey jugando con la reina, de 1944.

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Yves Tanguy. Pintura. 1932

  1. EL PAISAJE ONÍRICO

La última sección de la exposición nos introduce en el mundo de los seuños. La obra de Freud La interpretación de los sueños fue clave para el desarrollo del movimiento surrealista, que en su manifiesto de 1924 recoge cómo en ellos las asociaciones entre ficción y realidad se desarrollan habitualmente en lugares confusos e inciertos.

La plasmación de los sueños y de los lugares en los que se desarrollan fue una práctica muy extendida entre los artistas suerrrealistas, siendo el más conocido en este campo el gran Salvador Dalí. No obstante, la muestra nos ofrece un panorama muy variado para sumergirnos en el mundo onírico, a través de obras de otros artistas surrealistas como Raoul Hausmann, Giorigio de Chirico, Dorothea Tanning, Giorgio Morandi y por supuesto  René Magritte, que cierra con broche de oro la muestra a través de una de sus obras más célebres de paisaje surrealista, El castillo de los Pirineos.

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René Magritte. El Castillo de los Pirineos.1959

Así finaliza una de las muestras más ambiciosas de la temporada, en la que no sólo podremos disfrutar de todas esas obras sino también de una serie de ambientes interactivos que nos invitan a participar activamente de la obra de estos artistas, un bosque onírico, una recreación de la Sala Mae West diseñada por Salvador Dalí…sin duda es una de las mejores propuestas culturales de estos meses en Madrid, y en Parte del Arte no nos la perdemos, así que entre en nuestras web www.partedelarte.com o síguenos en nuestras Redes Sociales ( Facebook, Instagram , Twitter y Youtube) para no perderte ningún detalle sobre las fechas en las que acudiremos con nuestras visitas guiadas. La última semana de mayo tienes una cita con nosotros y  el arte revolucionario ( miércoles 30 de mayo y viernes 1 de junio a las 18.00h.) ¡No te la pierdas! Te esperamos.

 

LOTERÍA DE NAVIDAD: LA HISTORIA DE UNA ILUSIÓN

Comienza la cuenta atrás para la Navidad y en Parte del Arte estamos preparados para ello. Durante estas fechas tenemos preparadas actividades especiales para que disfrutes las fechas rodeado de tus seres más queridos.

Si no te pierdes nada de la actualidad cultural de Madrid la exposición sobre Mariano Fortuny del Museo del Prado no puede faltar en tu agenda. Y si además te lo explica un experto en arte en un grupo reducido de máximo 6 personas muchísimo mejor (Consulta fechas y disponibilidad aquí)

Si lo que te gusta es pasear y disfrutar del bullicio, las luces y el ambiente navideño de estos días tu actividad es Los Secretos de la Navidad, una ruta made in Parte del  Arte, llena de historias curiosas sobre las costumbres  navideñas especialmente diseñada para el disfrute de toda la familia (La fecha disponible para esta ruta es el 29 de diciembre a las 17.30h.)

Pero si lo que quieres es vivir una aventura con los más pequeños de la casa no te puedes perder nuestra visita dinamizada a El poder del  pasado, la exposición temporal  del Museo Arqueológico Nacional en la que os proponemos ser “arqueólogos por un día” y descubrir todos los tesoros que se esconden en el museo.

Como estamos con el espíritu navideño por las nubes hoy 22 de diciembre, día de la lotería, os contamos en BaluArte la historia de esta tradición navideña que tan arraigada está en nuestros hogares.

MUCHO MÁS QUE EL PREMIO: LA LOTERÍA DE NAVIDAD

El origen del Sorteo Extraordinario de Lotería de Navidad se remonta a 1812, época de las Cortes de Cádiz y sus fines estaban vinculados a la recaudación de impuestos. El ministro de la Cámara de Indias quería conseguir  un medio para aumentar los ingresos del erario público sin quebranto de los contribuyentes.  De este modo, el 18 de diciembre de 1812 se celebró el primer sorteo. El primer nombre que recibió  fue el de “Lotería Moderna”, para diferenciarla de la Lotería Primitiva que había iniciado el Marqués de Esquilache. Habrá que esperar hasta 1892 para ver impreso en los boletos el nuevo nombre “Sorteo de Navidad”.

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Antiguo boleto de la Lotería Nacional ( 1812)

Han sido varias las modificaciones que con el paso del tiempo ha tenido el sorteo en cuanto a fiscalidad, cantidad de los premios…pero el encanto del sorteo, la ceremonia y la ilusión de quienes fielmente participan año a año sigue intacta. Una de las tradiciones más arraigadas en el sorteo es el canto de los números ganadores. Desde el primer sorteo, fueron los niños de San Ildefonso los encargados de cantar los números, primero los leían de un papel impreso, y a partir de  1913  se implantó el sistema de bombos y bolas de madera que se sigue utilizando hoy. De hecho, esta tradición de los niños cantores parece que es incluso previa al sorteo, ya que estos niños ya cantaban en las plazas antes de la creación de la lotería. En 1771 debutaron en el mundo de los juegos de azar y posteriormente se convirtieron en los grandes protagonistas de la lotería. Como sucede en muchos países europeos, tradicionalmente los cantores eran niños, y en este caso las niñas tuvieron que esperar hasta 1984 para poder participar en el sorteo, tras la nueva situación del centro como colegio mixto.

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Niños de San Ildefonso muestran las bolas premiadas para su comprobación en el Sorteo de Navidad de 1939. ( Fotografía RTVE)

VENTURAS Y DESVENTURAS DE LA LOTERÍA

Pero la historia del sorteo mas emblemático de nuestro país está plagada de curiosidades y pequeñas historias. Aquí te presentamos algunas de ellas.

En sus 205 años de historia, el sorteo de la Navidad no se ha cancelado nunca, ni siquiera durante la Guerra Civil, momento en el cual no sólo se siguió celebrando sino que se llegó a soluciones muy curiosas, como la que se tomó en 1938, año en el que se celebraron dos sorteos, uno por cada bando del conflicto.

Otro de los hitos de la lotería fue su retransmisión por televisión en el año 1957. Por primera vez los españoles pudieron vivir la emoción del sorteo desde sus hogares.

Pero la lotería de Navidad siempre ha estado envuelta de ese halo de magia que siempre nos sorprende. El adivinar la combinación ganadora del Gordo ha sido siempre el sueño de muchos, pero el adivinarla de verdad sólo el sueño de unos pocos. En el año 1949 se produjo un acontecimiento insólito. Un hombre que vivía en Málaga acudió un día  muy excitado a una Oficina de Correos  asegurando que había soñado con la combinación ganadora del sorteo ( soñó con el número 55666) . Nadie le creyó hasta que justo ese año fue exactamente ese número el del premio Gordo. ¿Sueño premonitorio o casualidad?

También muy casual fue la historia de dos amigos que compraron dos décimos de lotería, uno en Madrid y otro en Sevilla y resultaron ser el primer y el segundo premio.

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El dueño de una tienda de ultramarinos celebra haber sido premiado con el gordo ( fotografía  periodistadigital.com)

Pero la historia de la lotería también está llena de desventuras de algunos jugadores. Una jefa de una inmobiliaria compró un boleto para todos sus empleados y uno diferente para ella,algo de lo cual terminó arrepintiéndose. También hay quien juega al mismo número siempre y el año que decide cambiar la suerte le hace una mala jugada…

Son infinitas las historias de la lotería, sus aventuras y desventuras,¿ conoces alguna más? Dájanonsla en los comentarios y ¡ Mucha suerte!

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