Descubriendo tesoros: Las artes del metal en Al-Andalus brillan en el Museo Arqueológico Nacional

¡Arrancamos 2020 en Parte del Arte! Y lo hacemos fuerte, ya que tenemos un mes de enero alucinante, cargado de interesantes experiencias culturales en Madrid, como rutas nocturnas todos los sábados, nuestros clásicos cursos Conoce Madrid, Exposiciones Temporales y colecciones de Madrid, Grandes Momentos del Arte y la Historia y Descubriendo la Ópera, además de viajes culturales  y por supuesto, las mejores exposiciones temporales de Madrid, que este invierno están siendo extraordinarias.

Hoy en BaluArte queremos hablarte de una de las muestras que estaremos guiando este mes de enero y que nos tiene fascinadas. Se trata de “Las artes del metal en Al-Ándalus” en el Museo Arqueológico Nacional, la primera muestra dedicada en exclusiva a esta manifestación artística.

¿Suena bien, verdad? Pues sigue leyendo y te contamos más detalles.

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Tesoro de Costix. S.XII. -primer tercio S. XIII. (periodo almorávide o almohade). Cuevas de Mestre Perico. (Costix, Mallorca)

UNA EXPOSICIÓN FASCINANTE

Siguiendo el recorrido cronológico de la historia de Al-Ándalus, desde la etapa emiral al esplendor del reino nazarí de Granada, esta exposición nos muestra un gran número de vestigios materiales que ponen de relieve la importancia que tuvo el metal en Al-Andalus. Se reúnen por primera vez de forma conjunta en un mismo espacio las obras más significativas de la metalistería andalusí, obras de gran calidad y suntuosidad en muchos casos que no dejan al espectador indiferente.

A través de los préstamos de diferentes instituciones y museos españoles y extranjeros y un ilustrativo apoyo audiovisual a través de vídeos explicativos, esta exposición se convierte en una de las más ilustrativas de la actualidad.

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Esenciero de la esposa de ‘Abd al-Malik ibn Jalaf . S. XI. Los Tejadillos (Albarracín, Teruel).

LA IMPORTANCIA DEL METAL.

Los vestigios materiales que han llegado hasta nosotros  nos permiten comprender la importancia que tuvo el metal en al-Ándalus, desde la extracción de los materiales en las minas  hasta su manufactura final, dando como resultando una gran variedad de objetos en los que se unen la precisión técnica y la belleza estética.

Pero antes de la llegada de los musulmanes, la extracción del metal ya tenía cierta relevancia en la Península Ibérica, tal y como se nos muestra en las primeras vitrinas de la exposición. Han llegado hasta nosotros vestigios que nos hablan de una explotación metalúrgica en diferentes puntos de la geografía peninsular que corresponden a diferentes periodos históricos anteriores a la llegada de los musulmanes.

En cuanto a los vestigios de la actividad minera en al-Ándalus, aunque no son muy numerosos, contamos con varias fuentes documentales que se han conservado y que nos sirven para conocer cómo se desarrollaba esta actividad, así como los objetos, más numerosos, que son la prueba más contundente de la importancia  del metal, y la sofisticación y la belleza de las piezas.

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Tesoro de Charilla. S.X. Charilla (Alcalá la Real, Jaén)

METAL POR TODAS PARTES

El grueso de la exposición está dedicado a los numerosos usos que tuvo el metal en al-Ándalus: la moneda, la religión, la ciencia y la medicina, el uso personal a través de adornos, el uso doméstico con objetos utilizados en la vida cotidiana, los útiles de trabajo, defensa y defensa y armamento, con la exposición de piezas de una extraordinaria calidad técnica y decorativa.

De entre todos estos objetos, destacan algunos de una extraordinaria calidad, como los dedicados al estudio de la astronomía, una disciplina de decisiva importancia en la cultura musulmana y que se desarrolló durante siglos en la Península Ibérica.

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Globo celeste. Hacia 1085 d. C. Valencia.

MAJESTUOSOS ANIMALES DE BRONCE

Probablemente la sección más impresionante de la muestra es la dedicada a los bronces zoomorfos, un pequeño zoológico de fantásticos animales realizados en distintos metales, ya que, a pesar del extendido aniconismo vinculado siempre a las manifestaciones artísticas islámicas, las representaciones de animales son muy habituales en la mayor parte de los objetos, tanto en metal como en otros materiales. De este modo, a cada animal se le asociaban diferentes propiedades que se pueden interpretar en clave religiosa, moralizante, o simplemente práctica. En esta sección podemos ver algunas piezas icónicas del Museo Arqueológico Nacional, como el surtidor en forma de cervatillo procedente de Córdoba, así como otras piezas con formas de animal, como ataifores, píxides, candiles, aguamaniles…

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Grifo de Pisa (réplica). Bronce. Finales del s. XI- principios del s.XII. Al-Ándalus

EL ESPLENDOR DE LA ORFEBRERÍA

Como perfecto broche de oro de la muestra ( y nunca mejor dicho), nos encontramos con un apartado dedicado al arte de la orfebrería andalusí, que tuvo un gran apogeo en gran parte de la historia de al-Ándalus, algo que conocemos gracias a las crónicas de diferentes periodos y a las piezas llegadas hasta nuestros días. Éstas, a pesar de ser escasas, reflejan un altísimo grado de belleza y sofisticación, y suponen la cumbre del uso de los metales en este periodo tan fascinante como es la historia de al-Ándalus.

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Tintero Nazarí de Cuéllar. S.XIV ( nazarí)

 

Impresionante, ¿Verdad? Pues si no quieres perderte estos tesoros en directo y muchos más no dudes en apuntarte a una de nuestras visitas guiadas, en las que nuestras guías expertas en arte despertarán tu mirada, desvelándote detalles y secretos de estas piezas tan especiales. ¡Toma nota!

¿Cuándo?

Viernes 17 de enero a las 18.00h

¿Dónde?

En el Museo Arqueológico Nacional ( Punto de encuentro en el hall del museo)

¿Cuánto cuesta?

12€/ persona. Incluye: Visita guiada por especialista+entrada a la exposición+ sistema de recepción de sonido para una escucha óptima del guía.

*IMPRESCINDIBLE RESERVA PREVIA. Puedes hacerlo a través del mail info@partedelarte.es o en el 645438576.

¡Plazas limitadas!

Recuerda que puedes consultar todas nuestras experiencias culturales en nuestra web http://www.partedelarte.com y a través de nuestras Redes Sociales, en las que además publicamos promociones y sorteos que seguro te encantarán.

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¡Te esperamos!

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EL SABOR DEL RENACIMIENTO. CORONA CATALINA, POR ASCASO.

No nos lo podemos callar. Tenemos que contaros todo sobre el evento al que Parte del Arte ha acudido este lunes 25 de noviembre porque sabemos que os encantará. Se trata de la presentación de una nueva delicia creada para el Museo Thyssen inspirada en una de sus obras.

En esta ocasión el museo ha vuelto a contar con un colaborador habitual,  Vicente Ascaso, reconocido recientemente con el Premio Memorial de la Real Academia de Gastronomía al Mejor Pastelero Repostero de España. Ascaso se ha inspirado en el Retrato de una infanta, Catalina de Aragón del pintor Juan de Flandes. Para poder realizarlo, el equipo de Ascaso quiso hacer un viaje en el tiempo a la época renacentista, investigando sobre qué tipo de dulces se hubiesen podido degustar en aquella época y además realizar una creación que pudiese reflejar los gustos de la princesa.

¿Quieres saber cómo es este dulce? ¡Sigue leyendo!

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Mesa con la presentación de la Corona Catalina el pasado lunes en el Thyssen

CATALINA DE ARAGÓN. DE PRINCESA A MUSA DE PASTELEROS

Aunque no se ha podido determinar con seguridad la identidad de la joven que retrata Juan de Flandes, la mayor parte de los expertos consideran que podría tratarse con bastante seguridad de Catalina de Aragón, hija de los Reyes Católicos, que podría tener, según las interpretaciones, once o catorce años.

En el retrato aparece sosteniendo el capullo de una rosa ( elemento fundamental en la investigación para el dulce) lo que ha dado lugar a tres interpretaciones. La primera nos llevaría a ver en la flor el símbolo de la casa Tudor, algo lógico teniendo en cuenta  que Catalina se casó con Arturo, príncipe de Gales. La segunda, considera la rosa como un atributo relacionado con la extrema juventud de la retratada, mientras que la tercera la identifica simplemente como un atributo habitual en los retratos de esponsales. Sea como fuere, y sea cual sea la identidad de la muchacha, nos encontramos sin duda alguna ante una de las obras más bellas de Juan de Flandes.

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Retrato de Catalina de Aragón. Juan de Flandes. Museo Thyssen

EL RENACIMIENTO EN EL PALADAR

La labor de investigación llevada a cabo para la elaboración del dulce fue muy exhaustiva. Entre las labores de búsqueda de los dulces de la época el equipo de Ascaso consultó varias  obras culinarias, como es el caso del libro de cocina de Ruperto Nola  (1470-1525) y experimentó con ingredientes recurrentes en la época.

El resultado es una extraordinaria corona de mazapán con agua de rosas y azafrán, yema de huevo, jengibre y pera, ingredientes muy apreciados por los comensales de la época. La decoración que se puede apreciar en la superficie del postre está realizada con yema de huevo y pétalos de rosas cristalizados, lo que le aporta una enorme belleza y elegancia.

En el acto de presentación pudimos conocer en profundidad todos los ingredientes del dulce a través de una experiencia llena de sensaciones: el olor del azafrán, la pera, el jengibre y el aroma de la rosa de forma individual para poder luego apreciarlos con todos sus matices en la degustación del dulce, en el que todos estos sabores se funden de una forma extraordinariamente delicada en textura mazapán.  Un verdadero viaje al Renacimiento a través de todos los sentidos.

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Emplatado del dulce durante la presentación en el Museo Thyssen

EL DULCE SABOR DEL LUJO. PASTELERÍA ASCASO

La pastelería Ascaso es uno de los negocios centenarios de Huesca. Nació hace 129 años y desde su apertura su sello ha sido la investigación de nuevas fórmulas basadas en recetas tradicionales y la innovación. Por ello, no es de extrañar que haya recibido numerosos galardones y que se haya convertido en uno de los referentes de la gastronomía del dulce en nuestro país.

Actualmente, la labor de la Pastelería Ascaso continúa su trayectoria familiar con la cuarta generación  y tres establecimientos en Huesca, Zaragoza y Madrid, donde se podrá adquirir esta delicia realizada para el Thyssen por un precio de 20, 80€. También se puede adquirir en la tienda física del Museo Thyssen y en su tienda online.

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Caja de presentación del dulce inspirado por el retrato de Catalina de Aragón de Juan de Flandes

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Sura y Vicente Ascaso junto a a Ana Cela, Directora de Publicaciones y Tienda-Librería del Museo Thyssen

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Madrid al fresco: Las mejores terrazas de Madrid

En Parte del Arte estamos a tope trabajando para ofreceros las mejores experiencias culturales, cursos de arte en Madrid y viajes culturales el próximo curso 2019/2020. Pero antes de irnos de vacaciones queremos ayudaros a combatir el calor madrileño de estos días con un ranking de las 5 terrazas que más nos gustan de Madrid, algunas escondidas y otras en las alturas…donde poder disfrutar de una cerveza fresquita, una caña o un buen cocktail.

¡Comenzamos!

Terraza del Florida Retiro.

Junto a la icónica cúpula de Fernando VII, sobre el pabellón, se encuentra escondida entre las copas de los árboles esta exclusiva terraza, desde la que se pueden ver los preciosos atardeceres que nos ofrece el Parque del Retiro. Además de poder disfrutar de una deliciosa cena en un entorno que recuerda a los oasis del desierto de Marruecos, se puede disfrutar de una extraordinaria coctelera a cargo del barman de Florida Retiro, Miguel Ángel Jiménez.

(Paseo de Panamá s/n. Parque del Retiro)

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Una de las zonas chillout de la Terraza del Florida Retiro ( Imagen: www. floridaretiro.com)

 Picalagartos Sky-Bar.

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Vista del edificio Telefónica desde la terraza de Picalagartos (Imagen: Parte del Arte)

Este año, Parte del Arte estuvo presente en el primer cumpleaños de esta terraza, situada en el Hotel NH Collection Gran Vía. Bautizado con el nombre de la famosa taberna de Luces de Bohemia de Valle-Inclán, se encuentra situado en lo alto de un precioso edificio de estilo neobarroco construido en 1918 por los arquitectos Julio Martínez Zapata y José López Sallaberry.

parte_del_arte_visitas_guiadas_azotea_picalagartosAdemás de ofrecer una amplia variedad de cócteles, en la azotea de Picalagartos puedes disfrutar de su carta de picoteo entre la que puedes encontrar croquetas, tablas de embutidos y otros platos más elaborados. Además, Azotea Group, la empresa que gestiona el local, ha creado Gastroescuela, un interesante proyecto en colaboración con Coca-Cola en el que se apuesta por la inclusión laboral de jóvenes en situaciones de vulnerabilidad.                        (Calle Gran Vïa, 21. Octava planta)

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Vistas de Madrid desde la azotea de Picalagartos durante la celebración del primer cumpleaños del espacio (Imagen: Parte del Arte)

 Raimunda. Palacio de Linares

El Palacio de Linares esconde muchos secretos. Os contamos algunos de ellos en nuestra ruta Madrid Oculto y Misterioso. Fantasmas, palacios y casas encantadas, pero en esta ocasión os hablamos de la preciosa terraza que esconde en su jardín. En este bello jardín podrás disfrutar de un entorno único y una comida exquisita que combina la cocina iberoamericana con platos autóctonos, ofreciendo experiencia culinaria única para disfrutar con todos los sentidos, ya que su decoración combinado con las vistas del palacio y todas las plantas del jardín son un verdadero espectáculo.

(Paseo de Recoletos, 2)

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Terraza del Restaurante Raimunda, en el Palacio de Linares ( Imagen: http://www.decoracion.trendencias.com)

The Principal.

La terraza del Hotel The Principal es una de las más privilegiadas de la ciudad, ya que, al estar situada al inicio de Gran Vía, ofrece unas vistas inmejorables de la gran arteria madrileña y de algunos de sus edificios más emblemáticos, como el edificio Metrópoli. En esta preciosa azotea, que cuenta con una sencilla decoración atemporal embellecida por una fuente que proporciona un agradable sonido, se puede disfrutar de una coctelería de lujo. Y además, si vais de nuestra parte (Parte del Arte) os harán un 15% de descuento tanto en la carta del restaurante como en el alojamiento.

(Calle del Marqués de Valdeiglesias, 1)

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Vistas desde la azotea de The Principal al atardecer. (Imagen: Parte del Arte)

Dear Hotel.

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Vistas desde la azotea del Dear Hotel (Imagen: Parte del Arte)

El Dear Hotel también cuenta con una ubicación extraordinaria, en este caso muy próxima a Plaza España, por lo que también se pueden disfrutar de unas espectaculares vistas mientras se disfruta de una copa, una cerveza o un vino al atardecer tras un largo día de trabajo. Además, cuenta con un solárium y una piscina, aunque lamentablemente estas instalaciones están reservadas exclusivamente para clientes del hotel.

(Gran Vía, 80)

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Natalia y Laura brindando con las preciosas vistas hacia Plaza España en la azotea del Dear Hotel (Imagen: Parte del Arte)

¿Cuál vas a probar? Si lo tuyo es lo de ponerse a remojo aquí te dejamos nuestro post sobre las mejores azoteas con piscina de Madrid para que puedes darle un respiro al calor sin salir del centro de la ciudad.

¡ Y recuerda!

En septiembre Parte del Arte vuelve con muchas más experiencias culturales, visitas guiadas a exposiciones como Velázquez, Rembrandt y Vermeer en el Museo del Prado o Balenciaga y la pintura española en Museo Thyssen y un estupendo monográfico + visita a la exposición de Fra Angelico en Museo del Prado.

¡Muy atentos a nuestras Redes Sociales y a nuestra web www.partedelarte.com para no perderos nada!

¡Os esperamos!

EL INGENIO ANÓNIMO DE BANKSY. GENIUS OR VANDAL?

En Parte del Arte seguimos trabajando sin parar para ofrecerte las mejores experiencias culturales de Madrid a través de rutas históricas y artísticas, rutas nocturnas llenas de anécdotas y curiosidades, visitas teatralizadas para disfrutar en familia…y por supuesto, visitas guiadas a las mejores exposiciones de Madrid. En estas visitas, nuestras guías expertas en arte te harán vivir una verdadera experiencia inmersiva en el mundo del arte, descubriéndote las claves de cada obra y conectándote con la sensibilidad del artista. Si eres habitual en nuestras actividades, ¡sabes que lo damos todo!

Y si estás leyendo este blog es porque sabes que lo que vas a encontrarte no te va a dejar indiferente…porque hoy os hablamos de la gran exposición Banksy: Genius or Vandal?, que está teniendo lugar en el Espacio 5.1 de IFEMA, una muestra en la que se exponen un gran número de piezas del artista urbano más importante de nuestro tiempo, que incluye obras originales, esculturas, instalaciones, vídeos y fotografías. Las piezas, procedentes de colecciones privadas y con la colaboración de Lilley Fine Art/Contemporary Art Trader Gallery, se exhiben en España por primera vez.

La exposición, que comenzó en diciembre y tenía prevista su finalización en marzo, ha tenido que prorrogarse por el gran éxito y la enorme afluencia de público; y es que Banksy atrapa a quien lo conoce de cerca.

¿Quieres saber algo más sobre la exposición? ¡Sigue leyendo!

MENSAJES DESDE EL ANONIMATO

En pleno siglo XXI, Banksy sigue siendo un misterio, ya que nadie conoce quién es realmente la persona que se encuentra detrás del artista. Siempre escurridizo, ha traído en jaque a medio mundo dando lugar a infinidad de teorías. Aunque se han planteado una gran número de teorías sobre quien puede ser, la que más peso ha ganado en los últimos tiempos es la de Carig Williams, un estudiante de periodismo de Glasgow que asegura que Banksy es Robert del Naja, fundador del grupo musical Massive Attack. LLegó a esta conclusión después de haber investigado la geografía de las actuaciones del grupo musical, que llegaron a coincidir hasta en 15 ocasiones con la aparición de piezas de Banksy en las calles. A pesar de estas grandes coincidencias no se ha podido demostrar si esta información es cierta.

Desde el anonimato, Banksy ha recorrido el mundo con sus imágenes de crítica social, mostrándonos la ciudad como un lugar de reflexión sobre nosotros mismos y nuestra sociedad. La muestra nos da la bienvenida con un vídeo en el que se puede ver su amplio campo de actuación en las ciudades más importantes del mundo.

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Imagen de uno de los grafitis originales que se pueden ver en la exposición (imagen: http://www.rtve.es)

Tras el vídeo, nos recibe una recreación del estudio de Banksy, ya que es complicado organizar una exposición sin hablar de la biografía del artista o de su formación. En esta parte podemos ver cómo trabaja el artista con la serigrafía, ya que es la técnica con la que están realizadas la mayor parte de las piezas que nos vamos a encontrar en la exposición.

La exposición está dividida según los temas con los que Banksy pretende agitar nuestra conciencia.

CONSUMO. Una visión crítica del Capitalismo

Uno de los temas más recurrentes de Banksy es hacernos ver la pérdida de valores que el consumismo está desencadenando en nuestras vidas, desde un punto de vista incluso alarmista, ya que las imágenes que nos rodean constantemente y nos invitan a consumir no nos muestran la realidad, convirtiéndonos en compradores engañados. También trata de forma voraz la idea de las “nuevas necesidades” que el capitalismo nos ha creado.

En esta obra, titulada ” Compradora volando” Banksy nos muestra una mujer que cae al vacío sin soltar su carro de la compra, lleno de productos que probablemente no necesite para sobrevivir.

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Compradora volando. 2011. (Londres) 

 

POLÍTICA. Enemigo del Brexit

Banksy considera que la política es un medio de manipular la conciencia de la sociedad y la muestra igual de nociva que la violencia o el consumismo. El propio Banksy, a través de su web, declaró en una ocasión: “No hay nada más peligroso que alguien dispuesto a hacer del mundo un lugar mejor”. Entre sus protestas políticas más recientes se encuentran un gran número de obras en las que abiertamente se muestra contrario al Brexit en Inglaterra, como esta obra cuyo título es precisamente “Brexit” en el que un obrero aparece borrando una de las estrellas de la bandera europea.

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Brexit. 2017. (Dover)

PROTESTA. Sacudiendo nuestra conciencia

El propio arte del grafiti surgió como un modo de protesta en sí mismo, por lo que podríamos decir que, en realidad, toda la obra de Banksy es una forma de protesta. Aun así, en el siguiente apartado de la exposición se nos muestran algunas de las obras en las que se ve de una manera más evidente, como en la famosa obra “El amor está en el aire”, en la que de una forma muy poética nos muestra un manifestante de una protesta callejera cuyo gesto nos sugiere que está lanzando de una forma violenta un cóctel Molotov, aunque sustituye este objeto por un ramo de flores, sacándonos una sonrisa.

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El amor está en alaire. 2003 (Palestina)

LA GUERRA. Pacifista convencido

El tema de la guerra es una constante en la obra de Banksy, que se muestra abiertamente pacifista y antimilitarista, siendo este mundo militar una de sus imágenes más recurrentes. Desde el punto de vista de Banksy, “los mayores crímenes del mundo no han sido cometidos por aquellos que se saltan las reglas sino por los que cumplen las normas. Son aquellos que obedecen las normas establecidas los que lanzan las bombas, acabando con la pura existencia de pueblos enteros”. Las imágenes de militares, tanques de guerra y helicópteros pueblan las imágenes antibelicistas de Banksy, como esta irónica obra en la que los “Helicópteros felices”muestran y¡unos candorosos lazos rosas.

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Helicópteros felices.2002. (Londres)

En relación al tema de la guerra nos encontramos con una sala llamada El muro, en las que se nos muestran una serie de obras que hizo Banksy en Palestina.Después de varias visitas a Palestina, Banksy pintó varias obras en el muro que divide Israel y Palestina, y además creó un hotel, que se publicita como el hotel con peores vistas del mundo, y un museo en el que se narra la historia del conflicto palestino-israelí. tanto el hotel como el museo reciben numerosas visitas y resultan tan frágiles y efímeros como los propios grafitis, pudiendo desaparecer en cualquier momento.

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Decoración de una de las habitaciones del hotel de Banksy The Walled Off, en Belén, Cisjordania Ocupada.

DISMALAND. Un parque temático poco común

En 2015 Banksy llevó a cabo el proyecto Dismaland, un parque temático “poco apropiado para niños” ubicado en el antiguo parque “Tropicana” que el propio Banksy había visitado en su infancia y que ofrecía una especie de Scape Room. En la muestra podemos ver un vídeo sobre este proyecto que convirtió las ideas y la estética de Banksy en una verdadera experiencia.

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Dismaland. 2015. ( Somerset)

LAS RATAS. Una iconografía muy reconocible

La obra de Banksy ha ido creando una iconografía muy particular. Como hemos comentado anteriormente, hay temas e imágenes muy recurrentes, como los soldados, policías…pero también existen de manera habitual algunos animales, como los monos y especialmente las ratas. No es casual que este último animal cobre protagonismo, ya que para Banksy tiene un significado especial. Por un lado, la rata, como animal suburbano, despreciado y marginal hace referencia al nacimiento del propio arte urbano, cuyo origen está vinculado a las clases más bajas de la sociedad, a sectores que se sienten tratados “como ratas” por las esferas más altas. Por otro lado, la rata es el único animal salvaje capaz de sobrevivir a cualquier situación y adaptarse al máximo a la ciudad. Para Banksy, de un modo u otro, todos somos ratas, por ello son especialmente recurrentes, como en el ejemplo que vemos a continuación, una de las pocas obras en las que Banksy trata el tema del amor, en este caso haciendo referencia a su amor por el arte urbano.

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Rata del amor. 2010. (Liverpool)

Para finalizar la muestra, nos encontramos un apartado dedicado a la última y más polémica intervención de Banksy, en la que utilizó una de sus imágenes más conocidas, Niña con globo, para lanzar una original crítica hacia el mercado del arte.

La obra, realizada en serigrafía iba a ser subastada en la famosa casa de subastas Sotheby’s cuando, en el momento en el que un coleccionista pagó por ella y la obra se declarado “adjudicada” se puso en marcha un mecanismo realizado por el propio artista que destruyó la obra, como si de una trituradora de papel se tratase. En este caso, Banksy dio un paso más en su siempre genial y controvertida crítica a la sociedad, dejándonos claro que no es un simple grafitero, sino un verdadero artista dispuesto a seguir sorprendiendo desde el misterio de su anonimato. (puedes ver el vídeo completo de cómo se destruyó la obra aquí.)

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Imagen cómo quedó el cuadro “niña con globo” después de la acción de Autodestrucción.

¿Te ha parecido interesante?

Pues no te pierdas la visita guiada  de Parte del Arte a la exposición en Madrid , en la que nuestras expertas en arte te desvelarán muchos más secretos de la obra de este artista. ¡Recuerda! las plazas son limitadas. Reserva ya la tuya en: info@partedelarte.es o en el 645438576.

INFORMACIÓN DE INTERÉS

-Fecha: 16 de mayo

-Hora: 17.15h.

-PVP: 17,50€/ persona. Incluye: visita guiada por especialista+sistema de recepción de sonido+ entrada a la exposición.

-IMPRESCINDIBLE RESERVA PREVIA.

-Punto de encuentro: Entrada a IFEMA. Avenida del Partenón, 5

-Cómo llegar: Metro: Feria de Madrid. Bus: 112, 128,828.

¡Te esperamos!

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LA GRAN RENOVACIÓN DEL SIGLO XX: DE CHAGALL A MALÉVICH EN FUNDACIÓN MAPFRE

Sabemos que muchos de vosotros no os perdéis nada de la actualidad cultural de Madrid. En una de las ciudades con más museos del mundo la oferta artística es a veces abrumadora y requiere incluso de planificación. En Parte del Arte estamos precisamente para eso. Después de un riguroso análisis de todas las propuestas culturales y  exposiciones temporales de Madrid hacemos una selección de las más interesantes y relevantes y te las servimos en bandeja. Gestionamos la reserva y te indicamos fecha y hora para que solamente tengas que preocuparte de reservar tu plaza y sobre todo de disfrutar de una experiencia inmersiva en la cultura, en la que una  de nuestras expertas en arte te hará conectar con épocas pasadas, artistas y personajes históricos.

Por ello hoy queremos hablaros de una de las muestras imprescindibles de la temporada. De Chagall a Malévich: El arte en revolución, la última propuesta de Fundación Mapfre, que estaremos guiando durante las últimas semanas de este mes de abril.

En la muestra nos encontraremos más de 90 piezas y 23 publicaciones de un gran elenco de artistas que durante las primeras décadas del siglo XX se adelantaron a la modernidad de una forma que no conocía precedentes en Rusia. Para poder llevarla a cabo se ha contado con prestigiosos prestadores, como el Museo Estatal Ruso de San Petersburgo, la Galería Estatal Tretiakov de Moscú o el Museo Estatal de Nizhny Novgorod, entre otras instituciones.

¿Quieres conocer un poco más sobre el contenido de la muestra? ¡Sigue leyendo!

UN AMBIENTE DE CAMBIO

La muestra nos habla de uno de los capítulos más influyentes  en el desarrollo del arte moderno, un momento convulso en el que los grandes protagonistas fueron la experimentación y la expectación ante la llegada de un nuevo orden, y es que Rusia durante el comienzo del nuevo siglo se consolida como uno de los centros fundamentales de la vanguardia artística.

Todo comienza cuando un gran número de artistas de origen ruso viajan a Francia y Alemania en los primeros años del siglo y se sumergen en las tendencias culturales más actuales. En algunos casos, incluso, se integraron en los grupos que articulaban los primeros movimientos de vanguardia que suponían una ruptura con el arte del pasado e incluyen una serie de aspectos de esencia rusa que impactarán en Europa, como la tradición de los iconos rusos ortodoxos y un interés por los temas rurales.

En relación al ambiente social que se vivía en Rusia en estos momentos es importante recordar que estamos en los momentos previos a la Revolución de Octubre, por lo que gran parte del contenido de la obra de estos artistas anuncian o ilustran lo que estaba por venir, son artistas revolucionarios antes de la Revolución. La muestra, por tanto, termina en la década de los 30, puesto que los artistas en estos momentos ven reducida considerablemente su capacidad de acción con el establecimiento del régimen totalitario.

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Kazimir Malévich. Suprematismo. 1915.1916. Museo regional de Bellas Artes de Kovalenko

UN VIAJE EN EL TIEMPO: CONOCIENDO A LOS RUSOS REVOLUCIONARIOS

La exposición nos pone de referencia a dos de los artistas rusos más icónicos de este momento: Marc Chagall, un autor poético, figurativo y narrativo vinculado con el inicio del surrealismo, y Kazimir Malévich, mucho más radical y vinculado con la abstracción geométrica. Entre la obra de ambos artistas nos encontramos un gran despliegue de artistas que rompen con las normas clásicas del arte en pintura y escultura.

Este viaje se articula en ocho secciones:

1. Clasicismo y neoprimitivismo. En esta sección se habla fundamentalmente del neoprimitivismo, un movimiento nacional que combinaba un renovado interés en las formas tradicionales del arte popular rusa con las técnicas pictóricas del postimpresionismo que estaban en boga en esos momentos en París y Múnich.

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Marc Chagall. The Promenade, 1917-1918. Museo Estatal de San Petersburgo

2. Cubofuturismo y rayonismo. Nos encontramos con la obra de una serie de artistas que  a partir de 1912 comenzaron a trabajar con un nuevo lenguaje que combinaba la fragmentación y los múltiples puntos de vista del cubismo francés con la energía y el enfoque urbano del futurismo italiano, como la siguiente obra, de Liubov Popova.

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Liubov Popova. Sin título. 1915. Colección Ekaterina & Vladimir Semenikhin.

3. El camino a la abstracción. En esta sección se aborda una de las innovaciones más importantes de la vanguardia rusa: la abstracción. Se abordan los diferentes caminos que llevaron a los artistas a la abstracción, uno que va desde el expresionismo y su liberación de formas y colores y otro desde el cubismo y su reducción de formas. En este apartado no podían faltar obras del padre de la abstracción Vasili Kandinski,como la siguiente obra

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Vasili Kandinski. Nublado. 1917. Galería Estatal Tretiakov, Moscú.

4. Suprematismo. Se aborda este movimiento en el que se suspenden las referencias figurativas y se apuesta por la destilación máxima de la pintura para generar nuevos iconos que sustituyeran a los que habían marcado milenios de pintura rusa.

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Kazimir Malévich. Cuadrado negro. 1923.Museo Estatal Ruso, San Petersburgo.

5. Constructivismo. Este movimiento ilustra a la perfección  el momento inicial del nuevo modelo estatal que se iba a imponer en Rusia, y por extensión, muestra una nueva forma de concebir el mundo, desde una perspectiva estrictamente visual y objetual que inundará todas las disciplinas artísticas.

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Alexander Ródchenko. Composición, 1918. Galería Estatal de Bellas Artes, Perm.

6. La escuela de Matiushin. Se aborda la influencia del compositor, violinista, teórico, editor, pintor y profesor en el arte de vanguardia.

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Mijaíl Matiushin. Movimiento en el espacio, 1921.Museo Estatal Ruso, San Petersburgo.

7. Hacia una nueva representación. En esta sección se habla de cómo el arte a partir de 1920, momento en el que se presentan dos caminos distintos a la hora de intentar conciliar el fervor revolucionario, la admiración por las tradiciones artísticas locales  y la integridad  creativa en un momento en el que la experimentación y los nuevos lenguajes comienzan a ser cuestionados por parte del nuevo régimen.

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Pável Filónov. Cabeza, 1925-1926. Momus, Museo de Arte Moderno-Colección Costakis, Tesalónica.

8. Nuevos libros para nuevos lenguajes. Para finalizar la muestra, la última sección está dedicada al gran avance creativo en el campo de las publicaciones en el que se pueden ver algunos de los trabajos clave en el ámbito literario y editorial de los poetas y artistas visuales asociados con los movimientos de vanguardia que hemos conocido a lo largo de la exposición.

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Kazimir Malévich. Deportistas. 1930- 1931. Museo Estatal Ruso, San Petersburgo.

¿Interesante, verdad? Pues conoce en profundidad y comprende mejor todos estos movimientos tan interesantes en nuestras visitas guiadas a la exposición De Chagall a Málevich: El arte en revolución.

¡Apunta! Jueves 25 de abril a las 17.00 o a las 18.30. Reserva tu plaza en: info@partedelarte.es o en el 645438576. Además, puedes seguirnos para no perderte ninguna experiencia cultural en Madrid en nuestras redes sociales: Facebook, twitter  e Instagram: @parte_del_arte y en nuestra página web www.partedelarte.com

¡Te esperamos!

 

 

MUCHO MÁS QUE UN COLOR. “LA VIE EN ROSE” EN EL MUSEO DEL TRAJE

Este mes lo hemos bautizado como el mes de la moda en Parte del Arte, ya que entre las numerosas visitas guiadas a museos y exposiciones temporales de Madrid que guiamos cada mes, en febrero contamos con dos grandes muestras vinculadas con la moda. Una de ellas es MODUS. A la manera de España, en la Sala Canal de Isabel II, y le segunda es La Vie en rose, en el Museo del Traje, una interesantísima muestra sobre el color rosa y sus significados. Sigue leyendo para conocer las fechas en las que puedes acudir a nuestras visitas guiadas y descubrir todos los secretos de ambas muestras.

LA LUCHA POR EL ROSA, EL COLOR DEL LUJO

Si algo ha marcado la historia del color rosa es su vinculación con el lujo y lo suntuario. No existe ninguna fuente natural, ya sea animal, vegetal o mineral de la que se extraiga directamente el color rosa, por lo que hay que acudir a la mezcla resultante del rojo y el blanco o a la disolución en agua del color rojo, especialmente extraído de la cochinilla, cuya explotación a partir de la llegada de los españoles a América terminó convirtiéndolo en un color lujoso, al alcance de unos pocos, y el negocio del rosa llegó a ser equiparable al del oro o la plata.

Este lujo lo podemos ver en la utilización del color rosa en piezas suntuarias desde la antigüedad, algunas de ellas visibles en la exposición, como un vaso funerario de época helenística, o en la rica decoración miniada en los manuscritos medievales, hasta nuestros días. No es casual por tanto que la Iglesia, desde antiguo al amparo de monarcas y nobles, utilizase este color dándole una simbología muy específica, relacionada con la resurrección y la carnación de Cristo. De este modo, tanto la representación de Cristo resucitado como la indumentaria eclesiástica se tiñen de rosa para hacer más vivo este mensaje.

TODA UNA HISTORIA. EL ROSA A TRAVÉS DEL TIEMPO

La muestra parte de un momento concreto, el siglo XVIII, periodo en el que el rosa fue especialmente relevante en su tonalidad pastel, obtenida en gran medida debido a los avances que se producen en estos momentos en la industria textil y los tintes. Sin embargo, dos acontecimientos culturales relevantes del siglo XVIII cambian esa preferencia de los rosas pastel. Son nada más y nada menos que el descubrimiento de los yacimientos de Pompeya y Herculano, que dan comienzo al Neoclasicismo, y con él llegó la recuperación de los rosas de la Antigüedad, mucho más intensos.

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Casaca de hombre en rosa pastel , siglo XVIII 

El siguiente periodo en el que el rosa cobra protagonismo es el Romanticismo, una época  excesivamente jerarquizada en lo social en la que vuelve el rosa, especialmente en los vestidos femeninos, a cobrar un tono más tenue, símbolo de la pureza y virtud de la dama, no hay que olvidar que la moda en este periodo es un espejo de la personalidad de la dama. El rosa invade no sólo los vestidos, sino también todos los complementos necesarios para una dama de la sociedad del “buen tono”: sombrillas, mantones de Manila, guantes… Además, en el momento previo al cambio de siglo aparecen los tintes sintéticos, que produjeron una verdadera revolución en el mundo del color rosa, apareciendo en primer lugar el violeta y a continuación los ciruela, cereza…una verdadera explosión de color que quedó mitigada con el estallido de la primera guerra mundial.

También el mundo del toreo se apropió a partir del siglo XIX del color rosa, asociándolo a la buena suerte y presente tanto en algunas prendas del traje de luces ( las medias y el fajín) como el capote de brera.

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Vestido romántico en el famoso “rosa rubor de doncella”, tono especialmente popular.

A lo largo del siglo XX, el rosa se utilizó de diferentes formas, durante el periodo de entreguerras como un color positivo, de vuelta a la normalidad después de la Primera Guerra Mundial, pero también como un color que simbolizaba lo frívolo, vacío o sin sustancia. Los años 50, especialmente en Estados Unidos, fueron un periodo en el que el rosa dio un giro. Es el momento en el que el rosa empieza a ser el color de la mujer, con una abanderada poderosa, nada más y nada menos que Mamie Eisenhower, esposa del presidente de Estados Unidos, un momento en el que el rosa se asoció a una serie de criterios asociados a la actitud dócil de la mujer que produjeron un gran retroceso en el proceso de emancipación femenino.

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Abanico de plumas en tonos rosas intensos, fruto de la introducción de los tintes sintéticos en la industria de la moda.

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Mamie Eisenhower vestida de rosa en la proclamación de su marido Dwight Eisenhower como presidente de los Estados Unidos.

Sin embargo, en los últimos años el rosa ha vuelto con fuerza, han sido muchos los colectivos que lo han utilizado como lucha contra la opresión, contra el cáncer…El rosa ya no tiene género: futbolistas, cantantes…todos visten de rosa, porque el rosa es de todos, y aun tiene mucho que decir.

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Pink Flamingos, diseñados por Dondal Featherstone

¿Quieres conocer más sobre esta interesante historia? ¿O lo tuyo es la moda española? En Parte del Arte te ofrecemos visitas guiadas tanto a la muestra del Museo del Traje como a la de la Sala de Canal de Isabel II, sólo tienes que elegir una de estas fechas y reservar tu plaza. No te pierdas este mes de la moda de Parte del Arte.

¡Toma nota!

La vie en rose. Martes 19 de febrero a las 11.30h.

MODUS. A la manera de España. Viernes 22 de febrero a las 18.00h

Reservas en: info@partedelarte.es o en el 645438576.

http://www.partedelarte.com

 

Entre versos de Machado. Descubre Soria

El final de nuestros cursos está cerca y para poner un buen cierre de temporada en Parte del Arte hemos organizado un viaje cultural a Soria, un lugar mágico lleno de historia, arte y preciosos paisajes. Aunque olvidada por muchos, nos dejaremos sorprender por una tierra cuyos parajes han inspirado algunos de los versos más bonitos de la poesía española. En nuestro viaje, a través de rutas históricas y visitas guiadas a monumentos conoceremos la encantadora ciudad de Soria y sus rincones, visitaremos el majestuoso Monasterio de San Juan de Duero y la Ermita de San Saturio, lugar donde paisaje y arte se funden en una imagen difícil de olvidar. Todo ello acompañado de los versos de Bécquer, Gerardo Diego y Machado.
¿Quieres un adelanto? ¡Sigue leyendo!

SORIA, MUROS CARGADOS DE HISTORIA

Las dos edades de oro de Soria se desarrollan en primer lugar en el siglo XII, lo que la ha convertido en una de las cunas fundamentales del románico español; en segundo lugar, el siglo XVII, un momento histórico en el que uno podía contemplar una ciudad llena de palacios del Renacimiento y Barroco.

De este primer periodo, que ha hecho inmortal a Soria, destaca la concatedral de San Pedro. El origen de la iglesia que podemos ver actualmente corresponde a la construcción de una iglesia monacal construida en el siglo XII en un estilo románico muy cercano a los monasterios de Silos y Sahagún. Se convirtió en la iglesia más grande de Soria e incluso de la región. En el siglo XVI se convierte en colegiata y algunas de sus partes se transforman, lo que deriva en que gran parte de la iglesia se desmorona durante las obras y tiene que reconstruirse  prácticamente desde cero, por lo que son muy numerosos los elementos renacentistas que nos podemos encontrar en ella en la actualidad.

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Claustro de la Concatedral de San Pedro ( Soria) Imagen: http://www.circuloromanico.com

También Soria destaca por ofrecernos ejemplos de una calidad insuperable de las dos corrientes principales del Románico español, la más internacional, de influencia francesa y con elementos también renacentistas representada por la antigua iglesia de Santo Tomé, hoy iglesia de Santo Domingo y el románico más sobrio y castellano inmortalizado en los muros de San Juan de Rabanera, en cuyo interior destacan obras escultóricas de calidad extraordinaria.

LA PAZ ENTRE LOS ARCOS. MONASTERIO DE SAN JUAN DE DUERO

Además de los ejemplos arquitectónicos que acabamos de señalar, los alrededores de Soria cuentan con algunos de sus reclamos turísticos imprescindibles. Uno de ellos es el  Monasterio de San Juan de Duero, también conocido como Arcos de San Juan de Duero, pues su espléndida arquería románica es uno de los emplazamientos más mágicos de toda la provincia y capital sorianas. Un lugar en el que arquitectura y naturaleza se funden, creando un paraje de gran belleza y recogimiento que invita a una mirada nostálgica. Para muchos, este templo puede considerarse como una de las grandes joyas del Románico español, situándose cercano a ejemplos tan espectaculares como San Isidoro de León, la Catedral de Santiago de Compostela y la Catedral Vieja de Salamanca, lo que queda bien patente teniendo en cuenta que, ya en una fecha tan temprana como la de 1882, fue proclamado Monumento Nacional.

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Arquerías del Monasterio de San Juan de Duero ( Soria)

Su origen se remonta al siglo XII, cuando la Orden de los Hospitalarios de San Juan de Jerusalén decidió reformar una iglesia románica de pequeñas dimensiones que ya existía, levantando en torno a ella el resto del monasterio. De entre todos los elementos que se conservan del monasterio, probablemente el más impresionante sea su claustro, que puede presumir de ser uno de los espacios claustrales más excepcionales no solo de España, sino de Europa. Esta parte del monasterio fue construida a inicios del siglo XIII, y aunque ha perdido la techumbre conserva en un magnífico estado aquello que le ha dado su fama: una arquería absolutamente brillante, en la que se conjugan un gran número de influencias artísticas diferentes: trazas románicas y mudéjares con influencias normando-sicilianas, y otras con claros tintes árabes. Puede decirse de él que es el claustro románico más exótico de todos los conservados en España.

También merece mención el programa iconográfico de los capiteles, que ofrece un verdadero deleite para los ojos. Los elementos que más abundan son los motivos vegetales, muy variados y realizados con una técnica exquisita que les confiere volumen y gran realismo. Sobre todo son hojas de acanto y flores de aro. Por su parte, los capiteles historiados son casi testimoniales y están, además, muy dañados. El mundo animal aparece representado con ejemplos del bestiario, como leones, aves, arpías de ambos sexos…En definitiva, una iconografía que reúne lo más característico del fascinante mundo románico.

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Detalle de un capitel de motivos vegetales en San Juan de Duero ( Soria). Imagen: blogintimopersonal.blogspot.com)

ERMITA DE SAN SATURIO. LA BELLEZA DE LA ROCA.

Circundada por el río Duero, en un paisaje natural privilegiado y de gran belleza nos encontramos con otro de los lugares más impresionantes de Soria, la Ermita de San Saturio. En Parte del Arte  nos adentraremos en este lugar, ya impresionante desde el exterior, para desvelar todos los secretos que se encuentran tras los muros.La iglesia que se puede apreciar en la actualidad fue construida en el siglo XVIII sobre una gruta eremítica visigoda situada a orillas del Duero, aunque conserva elementos antiguos de gran belleza. Nada más llegar nos encontraremos con la entrada a la antigua gruta en la que vivió San Saturio, noble del siglo V canonizado por haber entregado todos sus bienes a los más necesitados y después decidir llevar una vida de anacoreta. Su interior, además, está plagado de pinturas con pasajes de su vida y obras artísticas de gran calidad. Atravesando la gruta impresionante bancadas de piedra, figuras de santos como San Miguel dominando al demonio, Santa Ana o el propio San Saturio nos aguardan. Muros cargados de historia y de belleza que nos dejarán un imborrable recuerdo.

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Imagen de la Ermita de San Saturio ( Soria)

SORIA.UN LUGAR PARA LA FELICIDAD. ANTONIO MACHADO EN SORIA

Estos lugares, que nos trasladan a la Edad Media en un viaje profundamente evocador cobraron de nuevo vida en las leyendas de Bécquer, en los poemas de Gerardo Diego…pero sin duda el poeta más vinculado a Soria y que destaca por encima de los demás en su relación con este lugar es Antonio Machado. El gran poeta vivió en Soria entre 1907 y 1912, periodo que él definió como el más feliz de su vida. En estas tierras escribirá “Campos de Castilla”, obra clave no sólo de su producción poética, sino también de toda la historia de la poesía española. Además, en Soria Machado también encontró el amor y se casó con Leonor Izquierdo, que morirá pocos años después. Más de cien años después de la llegada del poeta a Soria, su espíritu sigue vivo en cada lugar que visitó e inmortalizó a través de sus versos.

¿Quieres vivir Soria? En Parte del Arte lo tenemos todo preparado para ti. A través de nuestras visitas guiadas y rutas históricas por los lugares más emblemáticos de Soria viviremos juntos una experiencia inolvidable de conexión con la cultura.
Más información en: https://bit.ly/2kqpreJ
Formulario de inscripción: https://bit.ly/2LCrg4x

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