La reapertura del Museo del Prado: el Reencuentro

Ya estamos a las puertas de llegar a la ansiada fase dos y en Parte del Arte estamos preparándonos para ello. Esta nueva semana, clausuramos nuestro segundo ciclo de cursos on line pero os anunciamos que AMPLIAMOS todo el mes de julio todos nuestros cursos: Conoce Madrid, Exposiciones y Colecciones de Madrid y Grandes Momentos de la Historia. Abrimos plazo de inscripción desde el lunes 8 de junio hasta el viernes 12 de junio.Puedes ver todo el catálogo de cursos aquí.

Además, seguimos en contacto a través de nuestras Redes Sociales. Facebook, Twitter, Youtube e Instagram, donde continuamos cada día a partir de las 20.00h. con pequeños recorridos culturales por Madrid. Además, en nuestra web http://www.partedelarte.com podrás encontrar todas nuestras experiencias y podrás estar informado de todo. También con BaluArte, nuestro blog, te abrimos pequeñas ventanas a diferentes temas de actualidad sobre Madrid y sobre el contenido de nuestros cursos para que estés al día de todo.

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Estamos trabajando para ofrecerte nuevas experiencias que se ajusten a los nuevos tiempos y que garanticen la seguridad de todos.

No somos las únicas que nos adaptamos a los nuevos tiempos, ya que los museos e instituciones culturales de la ciudad también están preparando y ya se van incorporando de forma paulatina a esta “nueva normalidad”. Sin duda, el Museo del Prado, la pinacoteca española más importante, era una de las instituciones que con mayor empeño  ha preparado  su  reapertura, que se ha ido postergando en las últimas semanas para poder ofrecer todas las garantías sanitarias estipuladas por el Gobierno de España. El Prado que, junto a otros importantes museos estatales, ha reabierto el sábado 6 de julio, lo ha hecho con la inauguración de una exposición especial con la que ofrecer a los asistentes sus grandes tesoros de una forma muy particular.

VOLVER AL MUSEO DEL PRADO

Bajo el título de Reencuentro se ha establecido un recorrido reducido a las instalaciones del Prado con el fin de controlar mejor el aforo y garantizar las medidas sanitarias, pero garantizando también el disfrute del público y asegurando la visita a las obras más significativas.

La Galería Central es el lugar aglutinador y eje vertebrador que el museo ha establecido para su recorrido, un amplio espacio arquitectónico en el que la incidencia de la luz natural supone un factor imprescindible y en el que se podrá disfrutar de obras emblemáticas de la exposición, que se nos ofrecen de una forma diferente a la habitual pero en la que la esencia del Prado permanece muy reconocible. Las galerías adyacentes al espacio central también forman parte de la exposición.

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Acceso a la exposición “Reencuentro” en el Museo del Prado en su reapertura el sábado 6 de junio. ( Foto: Parte del Arte)

La muestra está compuesta por un total de 249 obras y aunque el criterio general suele ser el cronológico, dada la excepcionalidad y las circunstancias, el museo ha eliminado en algunas secciones la distribución tradicional de las obras por escuelas y ha establecido nuevos diálogos entre autores y obras de diferente procedencia geográfica haciando hincapié en interesantes aspectos como las influencias artísticas que ejercieron unos sobre otros, quiénes se admiraron y quiénes fueron rivales.

LAS GRANDES OBRAS

Las primeras obras pictóricas ya nos adelantan lo que nos vamos a encontrar. Se trata de dos pinturas icónicas, restauradas en tiempos recientes y que lucen en todo su esplendor: La Anunciación de Fra Angelico y el Descendimiento de Rogier van der Weyden, reunidas de forma sorprendente por primera vez en la historia del museo. Es el primero de una serie de interesantes diálogos entre artistas dispares, como es el caso de Goya y Rubens, que se ven las caras a través del tema mitológico que trataros ambos: Saturno devorando a sus hijos.

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La Anunciación. Fra Angelico. Hacia 1426. Museo Nacional del Prado ( Foto: Museo Nacional del Prado)

Además, una de las salas del museo, probablemente la más visitada, se ha engalanado de forma diferente para reencontrarse con el público. Se trata de la sala de Las Meninas, en la que se ha hecho una importante labor de investigación y reestructuración y se ha recuperado el aspecto que esta sala presentaba cuando el museo abrió sus puertas por primera vez hace doscientos años. De este modo, Las Meninas comparten espacio con los bufones de Velázquez y con Las Hilanderas. Eso si, esta vez podremos disfrutar de ellas sin las aglomeraciones habituales, ya que el número de visitantes diarios se establece en un tercio de la capacidad de ocupación de las salas.

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Las Meninas. Diego de Silva de Velázquez. 1656. Museo Nacional del Prado. ( Foto: Museo Nacional del Prado)

UN ITINERARIO PARA LA HISTORIA

La exposición está llena de sorpresas. Una de ellas, sin duda, es la que nos ofrece la escultura de Carlos V y el Furor, de Leone y Pompeo Leoni,  que por primera vez desde hace décadas aparecerá desprovista de su armadura, representado así al monarca desnudo, a la manera de un héroe clásico. Él será el encargado de de dar la bienvenida al visitante para conducirle hacia la Galería Central. En su antesala le esperan las ya mencionadas  La Anunciación de Fra Angelico y el Descendimiento de Rogier van der Weyden.

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La escultura de Carlos V y el furor de Leone y Pompeo Leoni, desprovista de su armadura por primera vez en décadas (1) Museo Nacional del Prado ( Foto: Museo Nacional del Prado)

 Se accede a continuación a un primer tramo de la gran galería (salas 25 y 26), que alberga obras de El Bosco, Patinir, Tiziano, Correggio, Rafael, Juan de Flandes, Veronés, Tintoretto y Guido Reni, por citar tan solo a algunos de los artistas italianos y flamencos de los siglos XVI y XVII aquí representados. Los retratos de Tiziano de los primeros Habsburgo, presididos por el archiconocido retrato ecuestre de Carlos V en Mülhberg, se mantendrán en el corazón de la Galería Central (sala 27) frente a dos de las Furias, encargadas de flanquear el acceso a la Sala XII.

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Acceso a la galería central dentro del recorrido de la exposición Reencuentro en el Museo Nacional del Prado. ( Foto: Parte del Arte)

La reunión por primera vez, desde al menos 1929, de Las Meninas y Las Hilanderas junto a todos los bufones de Velázquez, así como otros retratos y escenas religiosas supondrán, sin duda, uno de los momentos más emocionantes de toda la muestra. La parte final de la Galería (salas 28 y 29) acoge la pintura religiosa y mitológica de Rubens, mostrando además un magnífico guiño a Tiziano a través de su Dánae. Este espacio dota, además, a Las Lanzas de Velázquez de un nuevo contexto mediante su inclusión entre los retratos ecuestres de El duque de Lerma y El cardenal infante don Fernando.

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Dánae recibiendo la lluvia de oro. Tiziano Vecellio, 1560-1565. Museo Nacional del Prado. ( Foto: Museo del Prado)

En las salas del ala norte que flanquean la Galería (salas 8B, 9B y 10B), Ribera y el naturalismo español (junto a nombres fundamentales como Maíno y Zurbarán)  conviven con el europeo (protagonizado por Caravaggio y Latour), al igual que lo hacen Clara Peeters y los bodegonistas españoles coetáneos. Por otro lado, El Greco comparte estancia con Artemisia Gentileschi, pudiendo apreciar la labor de retratistas como Sánchez Coello, Sofonisba Anguissola y Antonio Moro reunida de manera muy orgánica.Bodegón con flores, copa de plata dorada, almendras, frutos secos, dulces, panecillos, vino y jarra de peltre

Bodegón con flores, copa de plata dorada, almendras, frutos secos, dulces, panecillos, vino y jarra de peltre. Clara Peeters, 1611. Museo Nacional del Prado. ( Foto: Museo Nacional del Prado)

La zona sur (sala 16B) acoge la obra de los maestros españoles de la segunda mitad del siglo XVII, con Murillo y Cano como principales protagonistas, a los que acompañan artistas contemporáneos de la escuela francesa, como Claudio de Lorena, y la flamenca, como Anton van Dyck.

Santa Isabel de Portugal

Santa Isabel de Portugal. Francisco de Zurbarán, 1635. Museo Nacional del Prado. ( Foto: Museo Nacional del Prado)

Un verdadero punto de fuga para la Galería Central converge en la sala 32 con La familia de Carlos IV y el 2 y el 3 de mayo de Goya, que se presentan en paredes enfrentadas. El genio aragonés, de quien se muestra también su actividad como retratista (salas 35 y 36), es vinculado a otros artistas del siglo XIX a través de su obra El perro semihundido.

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La familia de Carlos IV. Francisco de Goya, 1800. Museo Nacional del Prado. ( Foto:Museo Nacional del Prado)

NO SON TODAS LAS QUE ESTÁN

     Como las palabras, a veces se dice más con lo que se calla que con lo que se dice. Son, sin duda, muchas las grandes obras que se han tenido que quedar necesariamente fuera de esta muestra. Algunas de las obras maestras excluidas como centro de Reencuentro pueden verse en salas adyacentes, como las Bacanales de Tiziano o la Inmaculada de Tiépolo, despidiendo al espectador a la salida del Museo. Para algunos de los títulos más emblemáticos, como El jardín de las Delicias de El Bosco o la Judit de Rembrandt, se deberá esperar hasta mediados de septiembre, cuando se despida esta muestra y se regrese, según los planos previstos, a esa “nueva normalidad” también en el Prado…

Tríptico del Jardín de las delicias

Tríptico de El Jardín de las delicias. Jheronimus van Aken, El Bosco, 1490-1500. Museo Nacional del Prado ( Foto: Museo Nacional del Prado)

En Parte del Arte estamos deseando pisar de nuevo contigo estas salas y las de todos los museos de Madrid y por ello estamos diseñando interesantes experiencias y propuestas para que nuestro regreso sea seguro. Si no te lo quieres perder suscríbete a nuestra nesletter y te avisaremos por correo de todas las novedades. Además, en nuestras Redes Sociales Facebook, TwitterInstagram  y Youtube también estaremos compartiendo contenido e información sobre todos nuestros próximos pasos.

¡Nos vemos en las redes! ¡Y muy pronto en los museos!

 

 

 

Los inmortales retratos de Rembrandt. Una galería de emociones.

El mes de febrero en Madrid se viste de arte y son varias las exposiciones de gran interés que se inauguran en los próximos días. En Parte del Arte, por supuesto, somos las primeras en ofrecértelas a través de nuestras visitas guiadas para que estés al día con la tendencia artística y cultural de Madrid.

Hoy queremos hablaros de una de las muestras más esperadas para los amantes de la pintura y que estaremos guiando los días 21 de febrero, 29 de abril y 30 de abril. Se trata de Rembrandt y el retrato en Ámsterdam, 1590-1670, en el Museo Thyssen, una exposición en la que se toma como referencia de forma exclusiva el género del retrato, uno de los que más cultivó el gran genio del siglo XVII y en el que, como en otros géneros, destacó por encima de sus contemporáneos.

Si quieres saber lo que te descubriremos en nuestras visitas guiadas… ¡Sigue leyendo!

UNA MUESTRA CON GRAN AMBICIÓN

En la exposición, comisariada por Norbert E. Middelkoop, nos encontramos con una selección de casi un centenar  de pinturas y grabados que incluyen algunos de los mejores ejemplos de la retratística de Rembrandt y de sus contemporáneos, en los que dejó una importante huella.

La muestra cuenta con la colaboración de la Comunidad de Madrid y el apoyo de JTI y cuenta con préstamos de un gran número de importantes instituciones y pinacotecas como el Amsterdam Museum, el Rijksmuseum de Ámsterdam, el Metropolitan de Nueva York, la National Gallery de Washington y The National Gallery de Londres, . Muchas de las obras prestadas se pueden ver por primera vez en España, y algunas de ellas son prestadas por primera vez con ocasión de la muestra del Thyssen, como es el caso del retrato de un joven procedente del Nelson Atkins Museum de Kansas.

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Retrato de un hombre en un escritorio, 1631. Rembrandt. Museo del Ermitage, San Petersburgo.

La muestra sigue un orden cronológico, que abarca desde la tradición retratística inmediatamente anterior a la llegada de Rembrandt a Ámsterdam, el inicio de la renovación del género, proceso en el que Rembrandt fue decisivo, pasando por la efervescente producción de retratos en Ámsterdam en la “etapa dorada” pintor y sus últimas obras, en las que continuó  su trayectoria de una forma marcadamente personal.

También la exposición dedica, como broche final del recorrido, una excelente galería de grabados del genio holandés,  una técnica que trabajó con gran maestría y con la que también realizó excelentes retratos.

EL RETRATO ANTES DE REMBRANDT

Rembandt Harmenszoon van Rijn nació en Leiden en 1606 y no llegó a la ciudad de Ámsterdam hasta la década de 1630. En esta ciudad, entre 1590 y 1630 y fruto del auge económico en el que estaba inmersa la economía holandesa, existía un grupo de retratistas relativamente numeroso  que respondía a una alta demanda de este tipo de pintura. Entre los clientes de estos artistas se encontraban las personas que se habían enriquecido en este periodo de prosperidad o que habían contribuido a su desarrollo: antiguas familias de la ciudad, ricos inmigrantes de otras localidades y países… Muchas de estas familias y personalidades necesitaban viviendas adecuadas ( con su correspondiente ornamentación acorde a su estatus social) y las organizaciones cívicas precisaban de lugares de reunión representativos. Cualquiera que dispusiera del suficiente espacio en la pared y anhelase ser recordado era el cliente perfecto para los cada vez más numerosos retratistas de Ámsterdam.

Al tratarse, por tanto, de un género tan popular, podemos encontrar una gran variedad de tipos de retratos: artesanos trabajando, retratos individuales de eruditos y hombres de negocio de éxito, familias, gobernantes…y un gran número de retratos colectivos, entre los que destacaron los de cirujanos impartiendo lecciones de anatomía, hermandades o miembros de gremios.

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Gobernantas y celadoras de la Spinhuis, 1638. Dirck Santvoort. Amsterdam Museum

Rembrandt fue invitado a la ciudad por Hendrick Uylenburgh, marchante y pintor que lo convirtió en el director de su estudio de pintura, cargo que ostentó hasta 1636. Durante estos años Uylenburgh le introdujo en los círculos sociales de la ciudad, lo que supuso para Rembrandt la oportunidad de conocer clientes y mecenas. Además, se casó con Saskia Uylenburgh, hermana del marchante, lo que también contribuyó al ascenso social de Rembrandt. Pronto se convirtió en un fuerte competidor para su cuñado, se emancipó y abrió su propio estudio de pintura en Ámsterdam, en el que desarrolló varios géneros. Fueron años de prosperidad económica y reconocimiento para el pintor.

ÁMSTERDAM: CIUDAD DE RIVALES

El reconocimiento como gran retratista de Rembrandt y de otros de sus contemporáneos causó un efecto llamada, lo que derivó en una gran oleada de ambiciosos pintores que llegaban a la próspera ciudad con la idea de beneficiarse de la gran demanda de retratos. También llegaron a ser retratistas de éxito algunos de los colaboradores y alumnos de Rembrandt, como Ferdinand Bol, Govert Flinck o Gerbrand van den Eeckhout.

La ciudad de Ámsterdam se convierte así en escenario de un ambiente de sana competencia  artística, una verdadera lucha por conseguir el mayor número posible de encargos, lo que se tradujo en una extraordinaria calidad de los retratos, fruto del esfuerzo de sus autores por  deslumbrar a sus clientes en un lugar donde las opciones cada vez más numerosas.

AL MARGEN DE LAS TENDENCIAS. LA AUTENTICIDAD DE REMBRANDT.

En 1642 se produce un punto de inflexión en la carrera de Rembrandt al fallecer su esposa. El pintor se queda viudo y al cargo de su hijo Tito, de apenas un año de edad. Su ritmo de trabajo comienza a disminuir y enseguida llegan los problemas económicos.

En 1647 ingresa en el servicio de su vivienda la que se convertirá en su pareja definitiva, Hendrickje Stoeffels, con la que tendrá a su hija Cornelia. La imposibilidad de volver a casarse con su nueva compañera ( ya que perdería la herencia de su esposa fallecida), les convirtió en una pareja señalada socialmente, lo que contribuyó a que su situación fuese cada vez más delicada.

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Mujer con capa de piel, posiblemente Hendrickje Stoffels, 1652. Rembrandt. The National Gallery, Londres.

Hacia mediados de siglo, además, el panorama artístico de Ámsterdam estaba experimentando algunos cambios. Empezaron a surgir una serie de artista precursores de un estilo “académico” con una orientación más internacional en los retratos, que enseguida comenzó a sustituir el estilo anterior.

Sin embargo, y a pesar de las dificultades, Rembrandt siguió su propia evolución estilística y se mantuvo fiel a su estilo, reduciendo los colores de su paleta y desarrollando un estilo que se consideró demasiado adusto e inadecuado para algunos encargos oficiales, lo que le desvió de ciertos circuitos que podrían haberle reportado beneficios. Aún así, Rembrandt continuó pintando y recibiendo encargos; aunque no tuvo el éxito de etapas anteriores seguía siendo considerado un artista importante y reconocido que influyó en numerosos artistas posteriores.

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Venus y cupido, posiblemente Hendrickje y Cornelia, hacia 1657. Rembrandt. Museo del Louvre, París.

Rembrandt les otorgó a sus retratados una libertad poco usual en el mundo del retrato, siendo uno de los impulsores de la renovación retratística del primer tercio del siglo XVII. Sus protagonistas adquieren un tratamiento similar al de los personajes mitológicos de sus obras: poses dinámicas que sugieren la interacción con el público, utilización del claroscuro, cualidades narrativas….y sobre todo, la representación de las emociones humanas. Con el paso del tiempo el interés de Rembrandt se fue centrando más en los rasgos esenciales de sus retratados concentrados especialmente en el rostro, lo que le llevaba a un interés mayor en la representación del carácter o la personalidad que en el parecido físico del retratado.

Esta extraordinaria capacidad de hacer conectar al espectador con el retratado es la clave del éxito del Rembrandt retratista, que consiguió que, en pleno siglo XXI, sus obras sigan causando una fascinación sin límites.

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Autorretrato dibujando frente a una ventana, 1648. Rembrandt. Biblioteca Nacional, Madrid.

¿Quieres sentir en tu propia piel esta fascinación? En Parte del Arte lo hacemos posible, ofreciéndote una experiencia mucho más allá de una simple visita guiada. Una guía especialista en arte te introducirá en cada cuadro como si se tratase de una ventana, en la que nos asomaremos para conectar con todo un mundo de emociones y sensaciones.

¡No te lo pierdas y reserva ya!

INFORMACIÓN DE INTERÉS


Fechas y horarios:

  • Viernes 21 de febrero a las 16.30h
  • Miércoles 29 de abril a las 16.30h
  • Jueves 30 de abril a las 17.30h.

PVP: 23€/ persona. Incluye: Visita guiada por especialista+sistema de recepción de sonido para una óptima escucha de las explicaciones del guía + entrada a la exposición

Punto de encuentro: Hall interior del Museo Thyssen. Paseo del Prado, nº 8.

Cómo llegar: Metro: Banco de España (L2)/ Bus: 6, 10, 14, 26, 27, 32, 34, 37, 45

*IMPRESCINDIBLE RESERVA PREVIA. Puedes hacerla en info@partedelarte.es o en el 645438576.

¡Recuerda! Si no quieres perderte ninguna de nuestras experiencias culturales suscríbete a nuestra newsletter en http://www.partedelarte.com o síguenos en nuestras redes sociales: Facebook, twitter, instagram ( @parte_del_arte)  y nuestro canal de Youtube.

¡Te esperamos!

 

 

 

 

 

 

 

BRUEGHEL: CINCO GENERACIONES DE MARAVILLAS

¿Cómo va el otoño en Madrid? En Parte del Arte seguimos a tope ofreciendo las mejores experiencias culturales : visitas teatralizadas y nocturnas, rutas históricas y por supuesto visitas guiadas a las mejores exposiciones de Madrid. Por ello, hoy queremos hablaros de una exposición que tenemos muchas ganas de guiar  y que estamos seguras que será una de las más exitosas de la temporada.

Se trata de Brueghel. Maravillas del arte flamenco. El pasado 7 de octubre tuvimos el placer de asistir a la presentación de esta gran exposición, organizada por Arthemisia Group  y patrocinada por la Fondazione Terzo Pilastro-Internazionale que tiene lugar en el Palacio de Gaviria de Madrid hasta abril del próximo año. En esta presentación, además, tuvimos la oportunidad de asistir a una visita guiada por el propio comisario, Sergio Gaddi, uno de los grandes expertos en la figura de los Brueghel, quien nos dio las claves fundamentales de la exposición y nos contó infinidad de curiosidades que también os transmitiremos en las visitas. Fue un verdadero lujo escucharle. Por ello, para ir abriendo boca, queremos compartir con vosotros un pequeño aperitivo de lo que veremos en nuestras visitas guiadas a la exposición en el mes de enero.

¡Sigue leyendo!

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Natalia y Esther con Sergio Gaddi, comisario de la exposición

Brueghel. Maravillas del arte flamenco cuenta con más de un centenar de piezas representativas de los Brueghel, una familia cuyo linaje de pintores se extendió a través de cinco generaciones desde mediados del siglo XVI con Pieter Brueghel el Viejo. Todos ellos, hábiles pintores, reflejaron con un lenguaje muy personal toda una época, que se reconstruye a través de sus obras en la exposición. La exposición agrupa las obras, más de un centenar, en torno a los temas que trataron esta dinastía de artistas.

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Sergio Gaddi en la visita guiada de la presentación de la muestra

El primer apartado, titulado El juicio moral, entre la salvación y la condena, arranca con la obra de Pieter Brueghel el Viejo, un artista formado con otro prestigioso pintor, Pieter Coecke van Aelst y que enseguida descubrió y asimiló rasgos de la obra de El Bosco, algo muy patente en muchas de sus obras. Entre los temas contenidos en esta sección se encuentran paisajes con figuras religiosas, de campesinos, escenas de la vida rural en los que introduce una profunda reflexión sobre la condición humana y critica  de forma sarcástica los vicios humanos. Esta forma analítica de ver el mundo marcará la obra de todos sus sucesores.

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Gerard David. Descanso en la Huida a Egipto ( Colección privada)

El segundo apartado de la muestra está dedicado a La Reina Naturaleza, uno de los puntos fuertes de la pintura de Pieter Brueghel el Viejo y también de su hijo Jan Brueghel el Viejo, que fue su principal continuador en este tipo de creaciones. Pieter fue un gran observador de la naturaleza, especialmente le llamaron la atención los paisajes italianos, que plasmó con una habilidad extraordinaria en muchas de sus composiciones, entre las que destacan paisajes a vista de pájaro con un punto de observación extremadamente alto que nos transmite una sensación de inmensidad irreal y que reduce las figuras humanas a elementos diminutos e intrascendentes.

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Pieter Brueghel el Viejo. Paisaje con la parábola del sembrador (Colección privada)

En el siguiente apartado, Soldados y cazadores bañados en luz invernal podemos ver algunas de las copias que el primogénito de Pieter Brueghel el Viejo, Pieter Brueghel el Joven realizó de algunas de las obras más populares de su padre, los paisajes y escenas nevadas. Además de estas piezas se pueden contemplar algunas del imaginario personal de Pieter Brueghel el Joven, en las que que reflejaba la realidad de su tiempo: soldados que matan sin piedad, cazadores que regresan a la aldea, campesinos borrachos, toscos artesanos…con un tono irónico excepcional.

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Pieter Brueghel el Joven. La trampa para pájaros. (Colección privada)

El recorrido de la muestra continua en el gran salón de baile del Palacio de Gaviria y en en él podemos admirar Alegorías, historias maravillosas, una sección en la que podemos admirar la obra de Jan Brueghel el Joven ( hijo de Jan Brueghel el Viejo), que heredó el estudio de su padre. Además de terminar junto con Rubens gran parte de la obra de la obra que su padre había dejado inacabada dedicó gran parte de su carrera a tratar el tema de las Alegorías, tratando de explicar conceptos como el amor, la guerra, los elementos de la naturaleza, los sentidos humanos, la paz… que se hacen corpóreos a través de la figura humana.

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Jan Brueghel el Joven . Alegoría del Amor. ( Colección privada)

En Realtos de viajeros y mercaderes encontramos una pequeña sección dedicada a Pieter Brughel el Viejo y Jan Brueghel el Joven dedicada a las obras y grabados que se popularizaron  a mitad del siglo XVI en Amberes, una próspera ciudad que en estas fechas se había convertido en el nuevo centro económico del mundo occidental y que alumbra una clase media cuyos objetivos eran la riqueza y el éxito. Este nuevo estamento social contribuyó de forma decisiva al crecimiento económico, lo que implicó que el número de artesanos y artistas creciese considerablemente.

A continuación nos encontramos con Gloria y vanidad de la vida silenciosa, uno de los apartados más vistosos de la exposición. En él podemos observar la pintura de género floral y el bodegón de mediados del siglo XVII, que se utilizaba para transmitir un mensaje moral contenido en la idea de la vanitas ( vacuidad, insignificancia), a través de elementos perecederos y alusiones simbólicas de diferentes objetos, sin olvidar el contenido religioso de muchas de ellas vinculado a los ideales contrarreformistas, que despliegan todo un lenguaje floral vinculado con los valores cristianos. Se pueden apreciar obras de Abraham Brueghel, uno de los mejores representantes de esta tendencia.

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Abraham Brueghel. Detalle de Naturaleza muerta con fruta y ave exótica ( Colección privada)

La muestra finaliza con un baile, el Baile de los Pobres, un apartado en el que podemos ver obras de diferentes artistas de la familia Brueghel. Todos ellos fueron grandes observadores y retrataron , como una gran metáfora de la existencia, escenas de la vida cotidiana protagonizadas por campesinos, fiestas de carácter popular, el juego del cortejo, los rituales de matrimonio y las tradiciones transmitidas de generación en generación. La alegría de vivir a pesar de las dificultades se abre ante nuestros ojos como un perfecto broche de oro a una muestra excepcional.

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Pieter Brueghel el Joven. Baile de boda campesina al aire libre. (Colección privada)

¿Con ganas de asistir? Pues no te la pierdas y ven con Parte del Arte a nuestras visitas guiadas en las que una de nuestras especialistas en arte te descubrirá todas las claves, una a una, que se esconden tras las obras de la gran saga de los Brueghel. Para no perderte las fechas síguenos en nuestras redes sociales:  Instagram ( @ Parte_del_arte) Facebook ( Parte del Arte.) y Twitter ( @PartedelArte) y suscríbete a nuestra newsletter en www.partedelarte.com  y te avisaremos de todas las fechas y horarios disponibles.

Además, puedes enterarte de todas nuestras actividades: viajes de fin de semana, visitas teatralizadas y nocturnas, visitas a otras exposiciones temporales de Madrid. ¡Todo lo que busques lo tenemos en Parte del Arte!

¡Te esperamos!

 

 

 

BOLDINI Y LOS ESPAÑOLES. UNA ÉPOCA FASCINANTE

¡Comienzan los cursos culturales en Madrid en Parte del Arte! Arrancamos la temporada 2019-2020 con muchas ganas y muchas nuevas propuestas: interesantes rutas culturales por Madrid, rutas nocturnas, visitas teatralizadas, viajes culturales… y como siempre, continuamos con nuestros cursos estrella: Conoce Madrid, Grandes Momentos del Arte y la Historia y Exposiciones y Colecciones de Madrid. Además, este curso tenemos una novedad: el curso Descubriendo la ópera, una propuesta innovadora en la que una vez al mes te invitamos que descubras con Parte del Arte el fascinante mundo de la ópera a través de los grandes estrenos de la historia. Puedes consultar más información aquí.

Y como siempre nos gusta comenzar a lo grande, este mes de octubre estaremos haciendo visitas guiadas a una de las exposiciones más espectaculares de la temporada. Se trata de Boldini y la pintura española a finales del siglo XIX. El espíritu de una época, en Fundación Mapfre, una muestra que deja boquiabierto a quien la descubre.

¿Quieres saber un poquito más? ¡Sigue leyendo!

UNA OPORTUNIDAD ÚNICA.

Tal y como nos tiene acostumbrados la Fundación Mapfre, la exposición dedicada a Boldini es una propuesta de una gran calidad, tanto por el número de obras– un total de 124– como por la calidad de las mismas, procedentes de diferentes colecciones.

También se trata de una propuesta ambiciosa, ya que es la primera vez en España que se le dedica una retrospectiva a este pintor italiano, y además, se nutre de una gran número de pinturas de otros artistas que permiten a los visitantes adentrarse en el fascinante mundo de la pintura finisecular europea, centrando el foco de atención en España. Mariano Fortuny, Eduardo Zamacois, Raimundo de Madrazo…son algunos de los artistas que nos acompañarán en este fascinante recorrido.

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Retrato de Aline Masson. Raimundo de Madrazo y Garreta. Museo Nacional del Prado

BOLDINI, LA BELLE EPOQUE Y EL EXOTISMO ESPAÑOL 

Nacido en la localidad italiana de Ferrara, Giovanni Boldini se instaló en Florencia entre 1864 y 1870, ciudad en la que comienza a participar de la renovación cultural de la época frecuentando el Caffé Dorey, lugar de tertulia de artistas donde Boldini tuvo la oportunidad de establecer contacto con la alta burguesía y la nobleza internacional, encontrando incluso su primer mecenas.

El mismo estilo de vida llevará más adelante en su vida en París, donde se instala a partir del año 1871. Allí, se asentó en el bohemio barrio de Montmartre, una zona que poco después terminaría convirtiéndose en el lugar de residencia por excelencia de la bohemia nacional e internacional. La presencia de Boldini en París coincide con el surgimiento del Impresionismo, sin duda uno de los grandes acontecimientos de la historia de la pintura. Sin embargo, aunque Boldini va a pintar los mismos escenarios que autores como Signac, Renoir o Degas, el estilo del italiano no se desvió hacia esta nueva forma de concebir la pintura, sino que siguió su propio camino, desarrollando un estilo único que mantendrá a lo largo de toda su trayectoria y que tiene su base en la representación del instante y el movimiento a través de una pincelada ágil, pero sin perder nunca de vista las figuras. Este tipo de técnica es uno de los rasgos que comparte con algunos pintores españoles, especialmente con Mariano Fortuny, en el que coincide no sólo en la forma de concebir la pintura sino también en los temas del exotismo español, por ello no es extraño encontrar en su producción abundantes figuras vestidas con trajes folclóricos españoles o tocando una serenata con guitarras.

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Pareja en traje español con papagayos. Giovanni Boldini. Colección Banca Carige, Génova

Por otro lado, Boldini también participó en la creación del “retrato-icono” propio de la Belle Epoque, un tipo de retrato galante que reflejaba la nueva sensibilidad que empezaba a florecer en la pintura y que compartió con algunos pintores españoles como Joaquín Sorolla o Ignacio Zuloaga, además de los ya citados. Por ese motivo, el retrato tanto de Boldini como del resto de artistas es uno de los aspectos más analizados en la exposición.

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En el banco del Bois. Giovanni Boldini. Colección particular.

Boldini, apodado “The Little italian” por la alta sociedad británica, compartió con algunos de sus contemporáneos españoles–Sorolla, Madrazo y Zuloaga, entre otros– un espíritu empoderado y moderno con respecto al tópico de artista bohemio del artista que no puede vivir de su arte. Dedicó gran parte de su vida a construir una imagen digna y profesional y que explica y nos ayuda a comprender la vida y la obra de aun artista fundamental en un periodo artístico fascinante que quedó interrumpido con la llegada de la Primera Guerra Mundial.

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Clés de Mérode. Giovanni Boldini. Colección particular.

 

¿ Te has quedado con ganas de más? Pues tenemos una gran noticia para ti, y es que… ¡Abrimos plazo de inscripción para una visita guiada a  la exposición sobre Boldini con una de nuestras expertas de Parte del Arte! ¡Plazas muy limitadas!

¡Apunta! Martes  22 de octubre a las 14.15h. Para reservar escríbenos a info@partedelarte.es

Y ¡recuerda! En nuestra página web www.partedelarte.com puedes informarte sobre todas nuestras actividades culturales, cursos, experiencias, viajes… ¡No te pierdas nada!

¡Te esperamos!

 

 

 

 

 

EL VESTIR EN EL ARTE. BALENCIAGA Y LA PINTURA ESPAÑOLA EN MUSEO THYSSEN

¿Cómo os va el verano? ¿Mucho calor? En Parte del Arte tenemos una solución perfecta: acercarte las mejores exposiciones temporales de Madrid, en la que además de estar fresquito disfrutarás de una verdadera experiencia de conexión con el arte y la cultura. Por ello, siempre os ofrecemos las muestras imprescindibles de cada temporada: Velázquez, Rembrandt y Vermeer. Miradas afines en el Museo del Prado, y Balenciaga y la pintura española en Museo Thyssen, que estaremos guiando los próximos días 5 de julio ( completo) y el 12 de julio a las 18.15h.

Continua leyendo para ver qué es lo que te encontrarás en la exposición.

MUCHO MÁS QUE ARTE. MUCHO MÁS QUE MODA.

Cristobal Balenciaga está considerado el modisto más influyente de todos los tiempos, un título que sin la influencia del arte hubiese sido imposible de alcanzar, ya que las referencias de la pintura española siempre han estado presentes en sus creaciones: diseños minimalistas que nos recuerdan a la túnica de Cristo de los cuadros renacentistas, volantes que nos traen a la mente las batas de las bailaoras flamencas de las pinturas del siglo XIX, referencias al traje de luces del torero español, negros aterciopelados que evocan los retratos de los Austrias…toda una suerte de coincidencias que nos demuestran la amplia cultura y la atención al detalle del gran diseñador.

Esta ambiciosa muestra pretende poner de manifiesto una relación directa entre los diseños de diferentes etapas de la carrera de Balenciaga y la pintura española comprendida entre los siglos XVI y XX, con una extraordinaria selección de trajes procedentes del Museo Balenciaga de Getaria, el Museo del Traje de Madrid y el Museo del Disseny de Barcelona que dialogan con un gran número de personajes que pueblan las obras del Greco, Zurbarán, Murillo, Goya, Zuluaga…prestadas por el Museo del Prado, el Museo de Bellas Artes de Bilbao y colecciones privadas.

UNA NUEVA MIRADA 

La exposición sigue un recorrido cronológico a través de la pintura que está en constante diálogo con los trajes y vestidos de cada estilo o pintor. El criterio que se ha seguido para establecer estas conexiones tiene su base en elementos conceptuales, formas, volúmenes, concepciones cromáticas…De esta manera se nos presenta una nueva forma de ver la pintura, que se convierte ahora ante nuestros ojos en transmisora de moda y de un legado estético que va mucho más allá de su propia época.

El primer apartado de la exposición. Balenciaga y el arte, está dedicada a la pintura que Balenciaga contempló en su juventud en el palacete de los marqueses de Casa Torres, verdaderamente imprescindible como fuente de inspiración para sus primeras creaciones. En esta sala podemos contemplar algunos de esos cuadros, como es el caso del retrato del Cardenal Luis María de Borbón, de Goya, que se muestra junto a un extraordinario conjunto de chaqueta  y vestido de color rojo.

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Goya. El cardenal don Luis María de Borbón y Villabriga. Hacia 1800 / Conjunto de vestido y chaqueta.1960. Cristobal Balenciaga

La siguiente sección está dedicada e la influencia del Greco, del que Balenciaga tomó colores como el negro de la vestimenta de los personajes retratados, o los rosas, verdes y amarillos de la pintura religiosa, así como formas, como lazos en el cuello que recuerdan a las famosas golas que lucían los grandes hombres protagonistas de muchas obras del Greco.

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Algunos de los trajes y cuadros que se pueden contemplar en la sala del Greco.

La siguiente sección está dedicada a una de las grandes influencias en la producción de Balenciaga, la pintura de corte. En esta parte de la exposición se presta atención a varios aspectos.

El primero de ellos es el color negro, que la corte de Felipe II puso de moda y que durante mucho tiempo fue símbolo de estatus social y poder. Enseguida el vestir de negro riguroso se convirtió en sinónimo de “vestir a la española” y aunque con el paso del tiempo perdió algo de fuerza sigue siendo en la actualidad uno de los colores con un mayor poder visual y simbólico, interpretado desde nuestra perspectiva actual como símbolo de elegancia. Para Balenciaga fue uno de sus colores fetiche y en este apartado se muestran algunas creaciones de una belleza y elegancia fascinantes.

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Vestido de noche, 1943.Cristobal Balenciaga / Atribuido a Juan Pantoja de la Cruz. Retrato de la VI Condesa de Miranda.

El bodegón también es merecedor de atención, sobre todo los bodegones de flores. Cuando Balenciaga llega a París va a establecer contacto con los fabricantes de tejidos y artesanos de la estampación que inspirarán magníficos vestidos con estampados florales, bordados…de los cuales se pueden ver algunos ejemplos.

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Juan de van der Hamen. Ofrenda a Flora, 1627/ Vestido de noche con flores, hacia 1958. Cristobal Balenciaga.

Otro de los aspectos que se tratan dentro de la pintura de corte es el bordado, que Balenciaga incorporó en muchas de sus creaciones. Para sus bordados el modisto se inspiró tanto en su propia experiencia y conocimientos sobre la historia de la indumentaria en el arte como en su propia colección de indumentaria histórica, en la que abundaban ejemplares plagados de ricos bordados, encajes y abalorios.

La siguiente sección está centrada en la figura del pintor Francisco Zurbarán, un artista que siempre ha destacado por la gran atención que le presta a la indumentaria, a los tejidos, al movimiento y los pliegues de las telas…Esta concepción detallista y el juego de volúmenes de las formas y las telas se puede apreciar en gran parte de la producción de Cristobal Balenciaga.

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Conjunto de noche con sobre falda, hacia 1950. Cristobal Balenciaga/ Santa Isabel de Portugal, 1635. Zurbarán.

Otro de los artistas imprescindibles en el mundo de la moda y los tejidos y de forma obvia influyente en las creaciones de Balenciaga es Francisco de Goya, del que reinterpreta el brillo del satén, la transparencia del tul y los encajes…y el manejo del color tan extraordinario del pintor zaragozano. En esta sección se pueden apreciar esas conexiones con la exposición de algunos de los retratos más extraordinarios de Goya.

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Vestido de cóctel, hacia 1955-1960.Balenciaga/ La Duquesa de Alba de blanco, 1795.Goya

Por último, la muestra se centra en los siglos XIX y XX, de cuya estética, fundamentalmente la de muy finales del siglo XIX y principios del siglo XX fue contemporáneo el modisto. Esta estética bebe de dos fuentes. En primer lugar, de la pintura de la escuela española , como es el caso de Zuloaga entre muchos otros, y por otro lado de sus propias vivencias en su localidad natal (Getaria) y en el ambiente de exclusividad del San Sebastián del cambio de siglo. Las obras que se pueden ver en este cierre de la exposición se centran en la esencia española y regionalista de estos años.

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Vestido de noche, 1952. Cristobal Balenciaga./ Retrato de Maria del Rosario de Silva y Gutubay, duquesa de  Alba, 1921. Zuloaga.

Impresionante, ¿verdad? Pues aun estás a tiempo de conocer muchísimas joyas más de la pintura y de la producción de Cristobal Balenciaga en las visitas guiadas que Parte del Arte organiza a esta muestra, en las que una experta en arte te descubrirá esta nueva forma de ver la pintura y la moda.

INFORMACIÓN DE INTERÉS

Fecha: 12 de julio a las 18.15h.
PVP: 22€ Incluye: Visita guiada por especialista en arte+ sistema de recepción de sonido+entrada a la exposición
PUNTO DE ENCUENTRO: Hall del Museo Thyssen 10 minutos antes del comienzo de la visita.( Paseo del Prado, 8)
CÓMO LLEGAR: Metro: Banco de España. Bus: 1,2,5,9,10,14,15,20…
*IMPRESCINDIBLE RESERVA PREVIA EN: info@partedelarte.es o en el 645438576.

¡Te esperamos!

 

 

 

 

 

 

 

 

 

VELÁZQUEZ, VERMEER Y REMBRANDT, TRES GENIOS CON MUCHO EN COMÚN

¡Nuestros cursos han finalizado! Pero en Parte del Arte continuamos ofreciéndote las mejores experiencias culturales y planes de verano para este mes de julio en Madrid: rutas nocturnas para descubrir el Madrid oculto y misterioso, rutas por las azoteas de Madrid para que no te pierdas los mejores atardeceres de la ciudad, y por supuesto, las mejores exposiciones temporales, como Balenciaga y la pintura española en el Museo Thyssen o Velázquez, Vermeer y Rembrandt. Miradas afines, inaugurada hoy mismo en el Museo del Prado y de la que hoy te hablamos en nuestro blog. ¿Quieres saber un poquito más? Pues ¡sigue leyendo!

ESPAÑA Y HOLANDA.UNIDAS POR SUS GENIOS

Dentro de las celebraciones del bicentenario del Museo del Prado, esta exposición, organizada con el patrocinio de la Fundación AXA, se muestra como un proyecto de gran ambición en muchos sentidos. En primer lugar, se trata de una muestra de gran despliegue de medios, ya que reúne 72 obras procedentes de los propios fondos del museo anfitrión y de otras instituciones de relevancia, como el Rijksmuseum de Ámsterdam, la Narional Gallery de Londres o el Metropolitan de Nueva York, entre otros quince prestadores.

En segundo lugar, otro de los grandes méritos de la exposición es poner de manifiesto los puntos en común de la pintura española y holandesa de finales del siglo XVI y principios del siglo XVII, dos tradiciones pictóricas concebidas tradicionalmente en la Historia del Arte como antagónicas.

Partiendo del momento en el que los caminos de los Países Bajos y España comienzan a separarse tras las revueltas contra Felipe II y el posterior desarrollo de la Guerra de los Ochenta Años ( 1568-1648), la muestra aborda cual fue el destino pictórico de España y de la actual Holanda, que surgió de la repartición de los territorios de los Países Bajos tras el conflicto. Dos realidades aparentemente diferentes pero en las que los artistas compartieron la misma idea de trabajar una estética interesada en la representación real de las cosas y alejada del idealismo, a la que hay que sumarle la influencia, todavía vigente, que la pintura flamenca venía ejerciendo en la tradición española desde hace varios siglos.

UN CAMINO DE CONFLUENCIAS

La exposición está dividida en cinco apartados en los que de forma temática se abordan los diferentes ámbitos en los que se producen estas convergencias.

El primero aborda la idea de la imagen, la moda y la pintura en España y los Países Bajos. Este es un punto importante, ya que los protagonistas de los retratos de los pintores como Velázquez, El Greco o Rembrandt , que generalmente formaban parte de las élites sociales, vestían de la misma forma, generalmente de negro riguroso, herencia del gusto de la casa ducal de Borgoña, que gobernó en España y en los Países Bajos desde Felipe el Hermoso hasta Felipe II, pasando por su padre Carlos V.

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Los funcionarios del Gremio de Draper de Amsterdam, conocidos como ‘The Syndics’.Rijksmuseum Amsterdam

El segundo ámbito, Ficciones realistas, se hace hincapié en el lenguaje que utilizaron gran parte de los pintores españoles y flamencos durante el siglo XVII, que huía de la idealización propia del Renacimiento, presentándonos personajes reales encarnando santos o dioses, en lugares cotidianos y contemporáneos a sus creadores. Podemos contemplar en esta sección algunas de las obras más sugerentes de la muestra, como este fantástico Demócrito del pintor Hendrick ter Bruggen (izquierda), de aspecto risueño y cercano, que se muestra en comparación con la famosa imagen del mismo filósofo realizada por José de Ribera ( derecha) que nos presenta igualmente una imagen en la que el personaje se vuelve contemporáneo, humano y tangible.

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El siguiente apartado está centrado en el género de la naturaleza muerta, surgido en el siglo XVI y cultivado en toda Europa. En este campo los autores flamencos y españoles fueron mostrando intereses comunes: representación del lujo y la riqueza a través de todo tipo de animales, objetos y elementos naturales, y recursos técnicos similares que se pueden apreciar en algunas obras e la exposición

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Bodegón con cardo, francolín, uvas y lirios. Felipe Ramírez. Museo del Prado

La cuarta sección de la exposición está dedicada a los contactos directos entre los artistas y mecenas de España y los Países Bajos, como es el caso de Felipe IV, que además de los numerosos encargos a Velázquez también encargó de manera directa obra a artistas flamencos. También se nos muestran otros casos de autores españoles que entraron en contacto con el arte holandés y se dejaron influir por él, como es el caso de Bartolomé Esteban Murillo.

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Judit en el banquete de Holofernes. Rembrandt. Museo Nacional del Prado.

Por último, el cierre de la exposición se centra en la técnica, en muchos casos compartida, por los pintores españoles y holandeses, consistente en una pincelada suelta que le otorga un aspecto abocetado a las obras. Este rasgo se debe a la pervivencia de cierta influencia de la pintura veneciana del siglo XVI, que si bien en el resto de Europa se había ido perdiendo con el tiempo, en España y Países Bajos continuó haciéndose patente hasta bien entrado en siglo XVII.

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Izquierda: Vista del jardín de la Villa Médici de Roma. Velázquez.Museo del Prado. Derecha: Vista de casas de Delft, conocida como The Little Street. Johannes Vermeer. Rijksmuseum.

Artistas como Velázquez, Vermeery Rembrandt, y también otros como Murillo o el Greco, recibieron y ejercieron influencia en Flandes  a través de los maestros que estudiaron en su juventud y a través de los contactos tradicionalmente establecidos entre ambos territorios. A través de sus pinceles configuraron los escenarios y personajes de un viaje en el tiempo que puedes hacer con Parte del Arte, en una visita guiada a esta extraordinaria exposición, en un grupo reducido, sin prisas y disfrutando de cada detalle. ¿Te apuntas? Toma nota ¡Te esperamos!

DÍA: Domingo 30 de junio.
HORA: 12.00h y 17.30h.
PUNTO DE ENCUENTRO: Museo del Prado. Puerta alta de Goya, en la rotonda, junto a la escultura de Carlos V y el furor.
CÓMO LLEGAR: Metro: Banco de España. Bus: 1,2,5,9,10,14, 34…
PVP: 13€ visita guiada ( a este importe se deberá sumar el importe de la entrada que corresponda a cada visitante*)
INCLUYE: Recorrido de una hora y media por el Museo del Prado con entrada (sin colas), explicación de la exposición temporal con un experto en arte en un grupo reducido de máximo 6 personas.
IMPRESCINDIBLE RESERVA PREVIA. A través del correo info@partedelarte.es o en el 645438576.

* Entrada general: 15.50€
Reducida: 8€ ( mayores de 65 años, familias numerosas, etc.)
Gratuita ( desempleados,discapacitados y menores de 18 años)
***IMPORTANTE. A la hora de realizar la inscripción deberá indicar el tipo de entrada que le corresponda y hacer el pago conjunto. Ej: 13€ visita guiada+ entrada general/ reducida o gratuita. Las entradas serán adquiridas con anterioridad a la visita para evitar colas.
En caso de acogerse a entrada con reducción o gratuidad es necesario mostrar el día de la visita en taquilla la documentación que acredite dicha reducción, ya que serán solicitadas por el personal del museo y Parte del Arte no se hará responsable de dichos descuentos.

 

 

 

 

 

 

 

BALTHUS. UN ARTISTA A CONTRACORRIENTE

Ya sabéis que en Parte del Arte siempre acudimos a las exposiciones temporales más relevantes del panorama cultural de Madrid, y este mes de marzo no podíamos perdernos una muestra que ha dado mucho de que hablar: Balthus, en el Museo Thyssen, una retrospectiva sobre el artista de origen francés Balthasar Klossowski de Rola, más conocido como Balthus, organizada conjuntamente con la Fondation Beyeler en Riehen/Basilea. Para poder llevar a cabo una exposición de esta relevancia ha sido necesaria la colaboración de diferentes prestadores, como el MoMA, el Metropolitan Museum de Nueva York, el Centre
Pompidou de París, el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington, entre otras instituciones y colecciones privadas, por lo que la exposición se nos presenta como una gran oportunidad, ya que en España sólo contamos con una obra de Balthus, La partida de Naipes, que pertenece precisamente a las colecciones del Museo Thyssen y que se ha restaurado especialmente para la ocasión.

La muestra nos sumerge en la obra de este genio del siglo XX que suscitó  todo tipo de críticas, algunas más favorables que otras, y que siguió un camino contrario al de las vanguardias. En nuestras visitas guiadas a esta exposición os descubriremos su controvertida figura y nos asomaremos a  cada obra para desvelar sus secretos. No obstante, en BaluArte os ofrecemos un pequeño aperitivo a nuestras visitas.

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La partida de Naipes. Balthus. (Museo Thyssen)

¿UN PINTOR LIBRE? EL ESTILO DE BALTHUS

Una de las cuestiones fundamentales de la obra de Balthus es su independencia de los movimientos de vanguardia de su tiempo, aunque en muchas ocasiones se ha tildado su obra de surrealista. No obstante, el propio artista sí que señaló en su tiempo algunas de sus influencias y referentes que resultan de lo más variopinto: Piero della Francesca, Caravaggio Poussin, Géricault,  Courbet….aunque en nuestras visitas, además de apreciar ciertos detalles que evidencian esta herencia, nuestros guías expertos en arte os descubrirán algunas referencias a movimientos más modernos,  En un análisis más detenido,  como la Nueva Objetividad y los recursos que se utilizaban en las ilustraciones populares de libros infantiles del siglo XIX, como Alicia en el País de las Maravillas.

1512554873_669516_1512555378_noticia_normalPero a pesar de ello, Balthus siguió un camino diferente al del resto de los artistas de vanguardia.Su estilo fue figurativo y absolutamente personal. Sus figuras son rotundas, perfectamente delimitadas por un dibujo muy rotundo que las hace incluso escultóricas en algunas ocasiones y en sus escenas combina elementos que nos traen reminiscencias del lenguaje surrealista, tan lleno de contradicciones, referencias oníricas, erotismo, inocencia y tensión, creando a veces relaciones muy controvertidas entre estos elementos, como esta obra, Thèrese soñando.

UNA INFANCIA LLENA DE ARTE

No es de extrañar que Balthus se dedicase a la pintura, ya que desde su nacimiento en la ciudad de Praga en 1908 fue lo que vio entre sus familiares más directos ( su padre era historiador del arte y su madre pintora).

Un acontecimiento importante de este periodo, la Primera Guerra Mundial, traslada  a su familia a Berlín y a Suiza, y después de la contienda, al separase sus padres se traslada a Ginebra junto con su madre y su hermano mayor. Allí, el nuevo compañero sentimental de su madre, Rainer Maria Rilke asumirá el papel paterno y se convertirá en un verdadero mentor para Balthus.

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La Calle, 1933. Es una de las obras más importantes de Balthus ( MOMA, Nueva York)

LA MADUREZ

Tiempo más tarde, en 1924 Balthus se traslada a París para vivir de la pintura, aunque no quiso recibir ninguna directriz artística de ningún artista consolidado, como hacían la mayor parte de los recién llegados a la ciudad. Aun así, fue orientado por Pierre Bonnard, que era amigo de la familia, del que comenzó en sus inicios a asumir un estilo de tipo postimpresionista, aunque a él le interesasen más los grandes maestros que copiaba en el Louvre.

Después de varios viajes y contactos con artistas importantes del momento se organizó su primera exposición individual en en 1934, en la que recibió críticas favorables pero sin ninguna venta, por lo que para salir adelante comenzó pintando retratos por encargo y haciendo decorados teatrales, una salida muy habitual entre jóvenes artistas hasta que se hizo un hueco entre la selecta clientela parisina, de manera que en la década de 1940 ya era un pintor consolidado. A partir de este momento se empieza a interesar por temas como bañistas y paisajes en los que plasmaba su visión de su nuevo lugar de residencia en Borgoña. Finalmente se trasladará a Suiza con su segunda esposa hasta su fallecimiento en 2001.

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Los buenos tiempos, 1944-46.Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington

Si quieres conocer más en profundidad la obra de este gran artista del siglo XX, y descubrir por qué su obra fue ( y es) tan controvertida no dudes en venir  con Parte del Arte a nuestras visitas guiadas a esta exposición del Museo Thyssen. Una experiencia de conexión con el arte y la vida cultural de Madrid.

Las fechas disponibles son:

-26 de marzo a las 12.45 y 17.30
-28 de marzo  a las 17.15
-29 de marzo a las 17.30
¡Las plazas son limitadas! Date prisa y reserva la tuya en: info@partedelarte.es o en el 645438576.
¡Y recuerda! para no perderte ninguna de nuestras visitas guiadas a exposiciones temporales, rutas históricas, rutas nocturnas, rutas gastronómicas o visitas teatralizadas síguenos en Facebook, Twitter y en Instagram ( @parte_del_arte)
¡ Te esperamos!

 

 

 

 

 

UN OASIS DE ARTE ESPAÑOL EN AMÉRICA: LA HISPANIC SOCIETY

En Parte del Arte tenemos un compromiso con la cultura y por ello siempre organizamos visitas guiadas a las exposiciones temporales más relevantes de Madrid. Este año una de las citas imprescindibles es la exposición que el Museo Nacional del Prado ha organizado junto con la Hispanic Society y en la que se dan cita piezas de suma calidad e importancia del arte español. A través de visitas guiadas VIP, en grupos muy reducidos, os desvelamos los secretos de las obras en un recorrido de  deleite y disfrute incomparable.

Pero, ¿Qué es la Hispanic Society? ¿ Por qué tiene tanto arte español? Os lo contamos a continuación.

UN APASIONADO DE ESPAÑA: Archer Milton Huntington 

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Fotografía de Archer Milton Huntington

El origen de esta importante institución se remonta al año 1904 cuando Archer Milton Huntington, bibliófilo, poeta, coleccionista, arqueólogo e hispanista decidió formar una sociedad para el estudio de la cultura española con sede en Nueva York. Heredero de una gran fortuna familiar, durante su juventud se dedicó a viajar y comprar piezas de arte hispánico, por lo que crear la sociedad constituyó la culminación de uno de sus mayores sueños. El objetivo era crear un museo y una biblioteca para fomentar  la apreciación rigurosa de la cultura española y profundizara en el estudio de la literatura y el arte de España, Portugal y América Latina.

Además, él mismo se encargó de estudiar y divulgar personalmente la cultura hispánica, sobre todo la española. En 1892 viajó por primera vez a la Peninsula Ibérica y aprendió el español con la perfección suficiente como para escribir versos en nuestro idioma, además de realizar una cuidada edición en tres tomos del Cantar de mio Cid que supuso la primera edición completa en inglés además de las notas y el texto original en castellano. Fue también un apasionado de la ciudad de Sevilla, por lo que fue nombrado hijo adoptivo y miembro de la Real Academia de las Buenas Letras.

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Escultura del Cid junto a la fachada de la sede de la Hispanic Society en Nueva York

Su colección es tan variada y tiene tanta calidad que es una de las que recorre mejor nuestra historia.  Ninguna otra institución en el mundo, incluyendo España, permite por sí sola un recorrido tan completo por nuestra historia, arte y cultura. Una oportunidad única para disfrutar de piezas que se atesoran a miles de kilómetros de nosotros.

UN LUJOSO RECORRIDO POR NUESTRA HISTORIA

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Detalle de los Relicarios de Santa María y Santa Magdalena, de Juan de Juni ( Hispanic Society)

La exposición del Museo del Prado ha sido posible gracias a la ampliación de la sede de la Hispanic Society de Nueva York y nos ofrece un delicioso recorrido cronológico a través de piezas que abarcan desde la Prehistoria hasta arte del siglo XX, y algunas de ellas se muestran en esta exposición de forma inédita. El arte islámico, colonial y el siglo XIX latinoamericano también están presentes en las salas como un reflejo del espíritu del fundador.

Entre las obras que más destacan en la muestra nos encontramos con incunables, piezas muy significativas de la cultura celtíbera y visigodas, búcaros de las Indias…y una amplia selección de pintura que permite una reconstrucción de la identidad artística hispana. Autores como Valdés Leal, Murillo, Zurbarán, El Greco… tienen una especial relevancia dentro de las colecciones que van desde el siglo XI al XVIII.

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La vuelta del hijo pródigo. Murillo ( Hispanic Society )

 

También destacan importantes obras de  Velázquez, como Retrato de una niña, Camillo Astalli y Gaspar de Guzmán, Conde-Duque de Olivares y el famosísimo retrato de la Duquesa de Alba de Goya.

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Camillo Astalli. Diego de Velázquez ( Hispanic Society)

También los siglos XIX Y XX tiene una importante presencia con obras de algunos de los más destacados artistas  del modernismo como Santiago Rusiñol y en especial Zuoloaga y Sorolla, a quien le encargaron los conocidos lienzos de las provincias.

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Muchachas de Burriana. Anglada Camarasa ( Hispanic Society)

Además de la pintura, la colección de escultura y artes decorativas es una de las más completas del mundo con piezas muy significativas desde la Prehistoria hasta el siglo XX: piezas de orfebrería renacentista y barroca, cerámica de Manises, Talavera y Alcora, piezas textiles como un Fragmento de la túnica del príncipe Felipe de Castilla y una pieza de seda nazarí.

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Detalle un precioso píxide hispanomusulman ( Hispanic Society)

UNA FUENTE DE CONOCIMIENTO: LA BIBLIOTECA

El afán y los intereses bibliófilos del fundador contribuyeron a la creación de una de las mayores bibliotecas de temas hispánicos del mundo. Por ello, gran parte del tesoro que se puede contemplar en la exposición está relacionado con el mundo de los libros y manuscritos, con piezas de gran valor histórico, documental o artístico. Algunas de las joyas que se pueden contemplar son: el Privilegio emitido por Alfonso VII rey de Castilla y León, las excepcionales Biblia sacra iuxta versionem vulgate Biblia hebrea; cartas únicas como las Instrucciones del Emperador Carlos V a su hijo Felipe, la Carta dirigida a Felipe II de Isabel I, reina de Inglaterra o la Carta manuscrita, firmada “Diego de Silva Velazquez” para Damián Gotiens; y destacados ejemplos cartográficos como el Mapamundi portolan, 15 cartas manuscritas iluminadas, de Battista Agnese o el Mapamundi de Juan Vespucci.

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Mapamundi de Juan Vespuci ( Biblioteca de la Hispanic Society)

No te pierdas la oportunidad de conocer con Parte del Arte una de las mejores colecciones del mundo de una forma exclusiva, en grupos reducidos, en las que nuestros guías especializados en arte te explicarán cada detalle de las piezas dentro de su contexto para que le saques el máximo partido a esta experiencia cultural.

Próximas fechas:

  • Miércoles 12 de julio a las 11.30h.
  • Jueves 13 de julio a las 11.30h.

¡Te esperamos!

EL LADRÓN DE COLORES: SOROLLA MÁS ALLÁ DE NUESTRAS FRONTERAS

Es imposible hablar de la historia del arte español del siglo XX sin pronunciar el nombre de Joaquín Sorolla, el maestro de la luz, de las atmósferas y de la intimidad familiar. En Parte del Arte consideramos su casa museo de Madrid uno de los referentes culturales más importantes de la ciudad, por ello durante este mes de enero os proponemos un maravilloso plan cultural, ¿Qué os parece una visita guiada a su última exposición temporal: “Sorolla en París”, donde trasladarnos a una etapa fascinante para conocer el lado mas internacional de nuestro artista valenciano?

Mientras tanto en BaluArte os ofrecemos un recorrido por los aspectos más importantes de su vida y obra.

Joaquín Sorolla y Bastida nació en 1863 en Valencia. Desde muy joven sus inquietudes se inclinaron hacia el arte y sus aspiraciones se situaban más allá de su Valencia natal, en la que estudiaba en el taller del escultor Capuz. Sorolla quería ser un gran pintor a nivel internacional. Así que con 23 años y gracias a una beca viajó a Roma, lugar donde su interés se centró en la pintura de temática histórica. Pero realmente cuando Sorolla se encontró a sí mismo fue a partir de un viaje a París que realizó en 1894 en el que descubrió el Impresionismo. Al joven Sorolla le deslumbró-literalmente- la por entonces capital del arte, centro de la bohemia y hogar de los más interesantes pintores, de modo que pronto se declaró seguidor del naturalismo pictórico imperante en la capital francesa. Por su parte París tampoco le trató nada mal, otorgándole el Gran Prix en la Exposición Universal de 1900. Sus cuadros de historia fueron quedando en el olvido, salió a pintar al exterior y se dejó traspasar por la luz y los colores del mediterráneo. Así nacía el verdadero artista, quien arrancó de sus contemporáneos frases tan rotundas como la que pronunció sobre él Blasco Ibañez: “Aquello no es pintar, es robar a la naturaleza la luz y los colores”.

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El Grito de Palleter” (1884) Sorolla pintó este cuadro para concursar a la pensión de pintura de Roma que otorgaba la Diputación de Valencia. A pesar de que se trata de una pintura de temática histórica Sorolla ya apuntaba maneras como maestro en el tratamiento de la luz.

EL MAR DE SOROLLA INUNDA LOS GRANDES SALONES

Sorolla se empieza a introducir en este círculo artístico oficial a partir de 1890 cuando sus obras empiezan a verse en certámenes internacionales como las exposiciones de Berlín, Munich y Viena, en la bienal de Venecia y por supuesto en el Salón de París, el lugar donde todos los artistas buscaban el reconocimiento.

Resulta curioso que el estilo pictórico en el que se inspiró Sorolla a su llegada a París fuese precisamente el más rechazado en los salones oficiales de pintura y sin embargo en el caso del valenciano su obra fue de las más valoradas. Mientras que la obra de pintores como Renoir era calificada de “horrible” por la crítica, la producción de Sorolla fue valorada por encima de la muchos de sus colegas, tal y como recogen algunas de las crónicas de estos salones, centros del arte europeo en estos momentos.

Realmente el éxito de Sorolla residió en su forma tan personal de utilizar los recursos de la pintura y de conjugar las fuentes de las que había bebido durante su formación. Supo combinar a la perfección los grandes formatos heredados del estilo académico con las novedades estilísticas más modernas.

Sorolla comienza a introducir novedosas perspectivas influidas por artistas como Degas, la fotografía y la estampa japonesa y poco a poco va imprimiendo en sus pinturas la instantaneidad y luminosidad con su característica pincelaba suelta, ágil,vibrante, llena de matices y brillantez, pero sin abandonar la elegancia y la composición perfectamente asimilada de los viejos maestros de la pintura, especialmente de Velázquez.

El elemento principal de las obras más exitosas de Sorolla en los grandes salones fue el mar mediterráneo. Fue el escenario de sus recuerdos familiares más felices, que recoge en escenas cargadas de jovialidad, ternura y serenidad, pero también fue el escenario de asuntos relacionados con el trabajo. Sintió un gran interés por las faenas de los marineros y pescadores que llegaban al puerto de Valencia, lo cual plasma en obras en las que la experimentación con la luz se hace cada vez más evidente y arriesgada. Esta cuestión se ve de forma clara en la serie de pinturas que pintó en Jávea en el verano de 1905, en las que prescinde prácticamente por lo completo de la corporeidad de las figuras para centrarse al cien por cien en el carácter dinámico y cambiante del mar en sus diferentes horas y movimientos y los efectos que produce la luz sobre su superficie del agua.

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El barco blanco. Joaquín Sorolla. Jávea. 1905.

Estas obras ya desde el momento en el que las pintó tuvieron una gran aceptación y fueron protagonistas de la gran retrospectiva sobre Sorolla que se celebró en 1906 en la galería parisina Georges Petit, una de las más importantes que se hicieron durante su juventud. Supuso el inicio de una carrera imparable por todo el mundo, que culminó en su encargo más importante, el encargo de los murales de la Hispanic Society en Nueva York en 1911.

EL AMOR TRANSFORMADO EN PINTURA

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Madre.Joaquín Sorolla. En esta pintura representa a su mujer Clotilde junto a una de sus hijas recién nacida.

La época que Sorolla vivió, entre finales del siglo XIX y principios del siglo XX fue un momento decisivo en el mundo doméstico y familiar. La sociedad empieza a valorar cada vez más la vida privada, familiar y es un periodo en el que se produce el reconocimiento de los sentimientos experimentados dentro del hogar. Estos aspectos calaron muy hondo en la pintura de Sorolla, porque si había una cosa que Sorolla amase más que al Mediterráneo era su familia. Su mujer Clotilde y sus hijos María Clotilde, Joaquín y Elena fueron su mayor fuente de inspiración. Se convirtieron en los protagonistas de escenas de juego en la playa, largos y tranquilos paseos a diferentes horas del día pero también los captó en la vida más privada. Sorolla inmortalizó a su familia a través de espectaculares retratos que rezuman el amor de esposo y padre. Estos cuadros y los retratos que también realizó de otros familiares forman parte del legado familiar pero también son deliciosos testimonios de una época, la del cambio de siglo, a la que Sorolla contribuyó de forma decisiva, al igual que lo hicieron en su tiempo Goya, El Greco o Velázquez, los grandes maestros que tanto admiró y a los que nunca abandonó del todo.

Toda una vida dedicada a la pintura que bajo el título “Sorolla en París”, os contaremos en las visitas guiadas que en Parte del Arte desarrollaremos durante este mes de enero a la exposición temporal de su casa museo de Madrid. No hay mejor forma de empezar 2017 que haciendo homenaje a uno de los pintores españoles que más huella ha dejado en todo el mundo. Para informarte de todo entra en www.partedelarte.com Actualizare en breve la pagina para que aparezca, esta exposición.

¡Te esperamos!

Esther Arce Bayón

 

¿ESCUCHAR COLORES Y VER SONIDOS? Los orígenes del arte sonoro

Dentro de las actividades culturales programadas en Parte del Arte para los meses de noviembre y diciembre y dentro de nuestro curso Exposiciones Temporales estamos desarrollando visitas guiadas a una de las exposiciones más interesantes y diferentes del panorama actual en Madrid : Escuchar con los ojos. Arte Sonoro en España entre 1961 y 2016, en la Fundación Juan March. Una propuesta acompañada de un ciclo de conciertos que la complementa y ayuda a comprender el origen del Arte Sonoro, una disciplina artística en pleno desarrollo y con un marcado carácter experimental.

Hoy en BaluArte os hablaremos de cómo empiezan a surgir el interés por el sonido como materia artística y las primeras experimentaciones que se llevaron a cabo en este campo.

¿Nos acompañas?

¿POR QUÉ LOS COLORES CHILLAN, SON SUAVES O HUELEN?

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Colores “que chillan”

La experimentación con el sonido es algo que entraría de lleno en el mundo del arte a principios del siglo XX con la llegada de las Vanguardias Artísticas. En un primer momento surge en relación a las artes plásticas mediante la plasmación de las sinestesias que sentían los diferentes artistas. La sinestesia es un fenómeno neurofisiológico a través del cual los seres humanos somos capaces de asociar entre sí estímulos de diferentes procedencia, por ejemplo colores con sonidos. Este fenómeno no se da en todos los seres humanos pero en realidad sí que se trata de un concepto que utilizamos en nuestra vida diaria de forma prácticamente inconsciente ( por ejemplo cuando hablamos de “amarillo chillón” todos sabemos a lo que nos referimos a pesar de que “chillón” no sea una cualidad visual).

Las sinestesias, además, se pueden dar a muchos niveles según la persona, hay personas que asocian palabras a colores, colores o palabras a olores…las combinaciones son realmente variadas. Algunos expertos y neurólogos han establecido que gran parte de las sinestesias que sienten algunos seres humanos provienen de las primeras etapas de la infancia y que se basan en el sistema del aprendizaje en el que haya participado esa persona. Si para aprender los números a un niño le ponen siempre el 1 de color azul y el 2 de color rojo es probable que aunque la persona no recuerde posteriormente ese momento de su vida siempre relacionará en su mente esos números a determinados colores.

A lo largo de la historia han sido muchos los artistas de todos los ámbitos los que han afirmado sentir estas sinestesias y en torno a ellas han surgido movimientos artísticos y literarios.

En el caso de la literatura al hablar de sinestesia nos estamos refiriendo a una figura retórica que asociaba sensaciones percibidas por los sentidos físicos: tacto, olfato, gusto, vista y oído con sensaciones internas como los sentimientos. Para su desarrollo los autores han recurrido con frecuencia a la metáfora, creando lo que se llama metáfora sinestésica.

Este tipo de figuras literarias se han desarrollado desde la Antigüedad ( algunos ejemplos en obras de Virgilio) y en nuestro país durante el Barroco.

Pero el momento en el que la sinestesia se desarrolla plenamente dentro de la lírica es en el siglo XIX, especialmente en Francia dentro de lo que se conoció como “simbolismo”. En este movimiento destaca el poeta francés Arthur Rimbaud creó un soneto dedicado a las vocales, adjudicando a cada una de ellas un color:

A negra, E blanca, I roja, U verde, O azul: vocales,

Un día diré vuestros nacimientos latentes:

A, negro ajuar velludo de moscas relucientes

Que bombinan en torno a marismas brutales,

Golfos sombríos; E, candor de tienda, ardiente,

Lanzón glaciar, rey blanco, umbelas espasmales;

I, púrpuras, esputos, la risa de labiales

Bellezas en la cólera o embriagueces sufrientes;

U, ciclos, vibramientos de Dios en mar virido,

Paz de pastos sembrados de bestias, paz de hundido

Surco alquímico impreso en frentes de estudiosos;

O, supremo Clarín de estridores rotundos,

Silencios perforados por Ángeles y Mundos;

¡O, la Omega, centella violeta de Sus Ojos!

El simbolismo francés tuvo su correspondencia en España en lo que conocemos como Modernismo literario. Autores como Rubén Darío o Juan Ramón Jimenez son perfectos ejemplos de sinestesias literarias:

Duerme, que así me abismo en tu amor sordo,

ciego, mudo para mi ruego,

cual si fueras Dios mismo

( Juan Ramón Jiménez)

¡Salve al celeste sol sonoro!

(Rubén Darío)

EL GRAN DESCUBRIMIENTO DE KANDINSKY

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Vasili Kandinsky. Acuarela abstracta, 1911

En el mundo de las artes plásticas han sido también muchos los artistas que han manifestado sentir este tipo de sensaciones, sobre todo a partir de finales del siglo XIX, un momento de gran experimentación en estas cuestiones. El primer artista que comenzó a teorizar sobre la sinestesia fue el pintor ruso Vasili Kandinsky.

Los violines, los profundos tonos de los contrabajos, y muy especialmente los instrumentos de viento personificaban entonces para mí toda la fuerza de las horas del crepúsculo. Vi todos mis colores en mi mente, estaban ante mis ojos. Líneas salvajes, casi enloquecidas se dibujaron frente a mí”

Estas fueron las palabras que utilizó para describir su primera experiencia sinestésica. Todo sucedió tras asistir a la representación en Moscú de la colosal ópera Lohengrin de Wagner. Para él descubrir que tenía el don de tener percepciones múltiples fue algo de gran importancia y transformó por completo su forma de concebir sus creaciones.

El concepto de “obra de arte total” de Wagner fue algo que le fascinó y le llevó a crear su propia obra de arte total a partir de sus pinturas, concretamente lo plasmó en un ciclo de obras diseñadas con nombre de colores: sonido amarillo, sonido verde, sonido blanco y negro y sonido violeta en las que combinaban la música, el ballet, el juego y la pintura. La música fue del compositor y violinista Alexander Scriabin, música que también afirmaba tener experiencias sinestésicas.

En Sonorité Jaune (sonido amarillo) nos cuenta las tribulaciones de un gigante amarillo. En esta pieza de “arte total” el genio ruso despliega toda la complejidad de sus teorías: la duplicación y multiplicación de las formas como forma de representación de la ascensión mística, la transformación espiritual del gigante…Una “aventura cósmica” como él la definió. A medida que transcurría la historia el gigante se disuelve y desparece completamente en el color amarillo.

Lamentablemente no conservamos ninguna grabación de cómo fue esta experiencia sinestésica pero si de algo algo han servido los textos y obras de Kandinsky es para alimentar la inspiración de numerosos artistas que a lo largo de la historia han creado nuevas obras a partir de sus teorías y colores que cantan, susurran, bailan. Os ofrecemos una serie de vídeos en los que podréis ver esta relación explosiva de colores y sonidos, desde la música de Scriabin hasta los modernos montajes en los que los sonidos van construyendo las formas, como si fuese el propio Kandinsky quien va dibujando la música.

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Rueda de equivalencias entre colores y notas establecida por Alexander Scriabin

Las experiencias sinestésicas fueron el punto de partida en la experimentación artística con el sonido, que con el tiempo ha derivado en el nacimiento reciente del arte sonoro, una disciplina artística que ha tenido un gran desarrollo en España y a la que la Fundación Juan March dedica una gran retrospectiva. En las visitas guiadas de Parte del Arte te desvelamos todos los secretos de esta disciplina artística injustamente escasa en nuestros museos. Una oportunidad única para disfrutar en Madrid de una experiencia cultural interdisciplinar en la que podremos ver, escuchar y tocar el arte.

Esther Arce Bayón