Los inmortales retratos de Rembrandt. Una galería de emociones.

El mes de febrero en Madrid se viste de arte y son varias las exposiciones de gran interés que se inauguran en los próximos días. En Parte del Arte, por supuesto, somos las primeras en ofrecértelas a través de nuestras visitas guiadas para que estés al día con la tendencia artística y cultural de Madrid.

Hoy queremos hablaros de una de las muestras más esperadas para los amantes de la pintura y que estaremos guiando los días 21 de febrero, 29 de abril y 30 de abril. Se trata de Rembrandt y el retrato en Ámsterdam, 1590-1670, en el Museo Thyssen, una exposición en la que se toma como referencia de forma exclusiva el género del retrato, uno de los que más cultivó el gran genio del siglo XVII y en el que, como en otros géneros, destacó por encima de sus contemporáneos.

Si quieres saber lo que te descubriremos en nuestras visitas guiadas… ¡Sigue leyendo!

UNA MUESTRA CON GRAN AMBICIÓN

En la exposición, comisariada por Norbert E. Middelkoop, nos encontramos con una selección de casi un centenar  de pinturas y grabados que incluyen algunos de los mejores ejemplos de la retratística de Rembrandt y de sus contemporáneos, en los que dejó una importante huella.

La muestra cuenta con la colaboración de la Comunidad de Madrid y el apoyo de JTI y cuenta con préstamos de un gran número de importantes instituciones y pinacotecas como el Amsterdam Museum, el Rijksmuseum de Ámsterdam, el Metropolitan de Nueva York, la National Gallery de Washington y The National Gallery de Londres, . Muchas de las obras prestadas se pueden ver por primera vez en España, y algunas de ellas son prestadas por primera vez con ocasión de la muestra del Thyssen, como es el caso del retrato de un joven procedente del Nelson Atkins Museum de Kansas.

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Retrato de un hombre en un escritorio, 1631. Rembrandt. Museo del Ermitage, San Petersburgo.

La muestra sigue un orden cronológico, que abarca desde la tradición retratística inmediatamente anterior a la llegada de Rembrandt a Ámsterdam, el inicio de la renovación del género, proceso en el que Rembrandt fue decisivo, pasando por la efervescente producción de retratos en Ámsterdam en la “etapa dorada” pintor y sus últimas obras, en las que continuó  su trayectoria de una forma marcadamente personal.

También la exposición dedica, como broche final del recorrido, una excelente galería de grabados del genio holandés,  una técnica que trabajó con gran maestría y con la que también realizó excelentes retratos.

EL RETRATO ANTES DE REMBRANDT

Rembandt Harmenszoon van Rijn nació en Leiden en 1606 y no llegó a la ciudad de Ámsterdam hasta la década de 1630. En esta ciudad, entre 1590 y 1630 y fruto del auge económico en el que estaba inmersa la economía holandesa, existía un grupo de retratistas relativamente numeroso  que respondía a una alta demanda de este tipo de pintura. Entre los clientes de estos artistas se encontraban las personas que se habían enriquecido en este periodo de prosperidad o que habían contribuido a su desarrollo: antiguas familias de la ciudad, ricos inmigrantes de otras localidades y países… Muchas de estas familias y personalidades necesitaban viviendas adecuadas ( con su correspondiente ornamentación acorde a su estatus social) y las organizaciones cívicas precisaban de lugares de reunión representativos. Cualquiera que dispusiera del suficiente espacio en la pared y anhelase ser recordado era el cliente perfecto para los cada vez más numerosos retratistas de Ámsterdam.

Al tratarse, por tanto, de un género tan popular, podemos encontrar una gran variedad de tipos de retratos: artesanos trabajando, retratos individuales de eruditos y hombres de negocio de éxito, familias, gobernantes…y un gran número de retratos colectivos, entre los que destacaron los de cirujanos impartiendo lecciones de anatomía, hermandades o miembros de gremios.

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Gobernantas y celadoras de la Spinhuis, 1638. Dirck Santvoort. Amsterdam Museum

Rembrandt fue invitado a la ciudad por Hendrick Uylenburgh, marchante y pintor que lo convirtió en el director de su estudio de pintura, cargo que ostentó hasta 1636. Durante estos años Uylenburgh le introdujo en los círculos sociales de la ciudad, lo que supuso para Rembrandt la oportunidad de conocer clientes y mecenas. Además, se casó con Saskia Uylenburgh, hermana del marchante, lo que también contribuyó al ascenso social de Rembrandt. Pronto se convirtió en un fuerte competidor para su cuñado, se emancipó y abrió su propio estudio de pintura en Ámsterdam, en el que desarrolló varios géneros. Fueron años de prosperidad económica y reconocimiento para el pintor.

ÁMSTERDAM: CIUDAD DE RIVALES

El reconocimiento como gran retratista de Rembrandt y de otros de sus contemporáneos causó un efecto llamada, lo que derivó en una gran oleada de ambiciosos pintores que llegaban a la próspera ciudad con la idea de beneficiarse de la gran demanda de retratos. También llegaron a ser retratistas de éxito algunos de los colaboradores y alumnos de Rembrandt, como Ferdinand Bol, Govert Flinck o Gerbrand van den Eeckhout.

La ciudad de Ámsterdam se convierte así en escenario de un ambiente de sana competencia  artística, una verdadera lucha por conseguir el mayor número posible de encargos, lo que se tradujo en una extraordinaria calidad de los retratos, fruto del esfuerzo de sus autores por  deslumbrar a sus clientes en un lugar donde las opciones cada vez más numerosas.

AL MARGEN DE LAS TENDENCIAS. LA AUTENTICIDAD DE REMBRANDT.

En 1642 se produce un punto de inflexión en la carrera de Rembrandt al fallecer su esposa. El pintor se queda viudo y al cargo de su hijo Tito, de apenas un año de edad. Su ritmo de trabajo comienza a disminuir y enseguida llegan los problemas económicos.

En 1647 ingresa en el servicio de su vivienda la que se convertirá en su pareja definitiva, Hendrickje Stoeffels, con la que tendrá a su hija Cornelia. La imposibilidad de volver a casarse con su nueva compañera ( ya que perdería la herencia de su esposa fallecida), les convirtió en una pareja señalada socialmente, lo que contribuyó a que su situación fuese cada vez más delicada.

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Mujer con capa de piel, posiblemente Hendrickje Stoffels, 1652. Rembrandt. The National Gallery, Londres.

Hacia mediados de siglo, además, el panorama artístico de Ámsterdam estaba experimentando algunos cambios. Empezaron a surgir una serie de artista precursores de un estilo “académico” con una orientación más internacional en los retratos, que enseguida comenzó a sustituir el estilo anterior.

Sin embargo, y a pesar de las dificultades, Rembrandt siguió su propia evolución estilística y se mantuvo fiel a su estilo, reduciendo los colores de su paleta y desarrollando un estilo que se consideró demasiado adusto e inadecuado para algunos encargos oficiales, lo que le desvió de ciertos circuitos que podrían haberle reportado beneficios. Aún así, Rembrandt continuó pintando y recibiendo encargos; aunque no tuvo el éxito de etapas anteriores seguía siendo considerado un artista importante y reconocido que influyó en numerosos artistas posteriores.

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Venus y cupido, posiblemente Hendrickje y Cornelia, hacia 1657. Rembrandt. Museo del Louvre, París.

Rembrandt les otorgó a sus retratados una libertad poco usual en el mundo del retrato, siendo uno de los impulsores de la renovación retratística del primer tercio del siglo XVII. Sus protagonistas adquieren un tratamiento similar al de los personajes mitológicos de sus obras: poses dinámicas que sugieren la interacción con el público, utilización del claroscuro, cualidades narrativas….y sobre todo, la representación de las emociones humanas. Con el paso del tiempo el interés de Rembrandt se fue centrando más en los rasgos esenciales de sus retratados concentrados especialmente en el rostro, lo que le llevaba a un interés mayor en la representación del carácter o la personalidad que en el parecido físico del retratado.

Esta extraordinaria capacidad de hacer conectar al espectador con el retratado es la clave del éxito del Rembrandt retratista, que consiguió que, en pleno siglo XXI, sus obras sigan causando una fascinación sin límites.

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Autorretrato dibujando frente a una ventana, 1648. Rembrandt. Biblioteca Nacional, Madrid.

¿Quieres sentir en tu propia piel esta fascinación? En Parte del Arte lo hacemos posible, ofreciéndote una experiencia mucho más allá de una simple visita guiada. Una guía especialista en arte te introducirá en cada cuadro como si se tratase de una ventana, en la que nos asomaremos para conectar con todo un mundo de emociones y sensaciones.

¡No te lo pierdas y reserva ya!

INFORMACIÓN DE INTERÉS


Fechas y horarios:

  • Viernes 21 de febrero a las 16.30h
  • Miércoles 29 de abril a las 16.30h
  • Jueves 30 de abril a las 17.30h.

PVP: 23€/ persona. Incluye: Visita guiada por especialista+sistema de recepción de sonido para una óptima escucha de las explicaciones del guía + entrada a la exposición

Punto de encuentro: Hall interior del Museo Thyssen. Paseo del Prado, nº 8.

Cómo llegar: Metro: Banco de España (L2)/ Bus: 6, 10, 14, 26, 27, 32, 34, 37, 45

*IMPRESCINDIBLE RESERVA PREVIA. Puedes hacerla en info@partedelarte.es o en el 645438576.

¡Recuerda! Si no quieres perderte ninguna de nuestras experiencias culturales suscríbete a nuestra newsletter en http://www.partedelarte.com o síguenos en nuestras redes sociales: Facebook, twitter, instagram ( @parte_del_arte)  y nuestro canal de Youtube.

¡Te esperamos!

 

 

 

 

 

 

 

EL INGENIO ANÓNIMO DE BANKSY. GENIUS OR VANDAL?

En Parte del Arte seguimos trabajando sin parar para ofrecerte las mejores experiencias culturales de Madrid a través de rutas históricas y artísticas, rutas nocturnas llenas de anécdotas y curiosidades, visitas teatralizadas para disfrutar en familia…y por supuesto, visitas guiadas a las mejores exposiciones de Madrid. En estas visitas, nuestras guías expertas en arte te harán vivir una verdadera experiencia inmersiva en el mundo del arte, descubriéndote las claves de cada obra y conectándote con la sensibilidad del artista. Si eres habitual en nuestras actividades, ¡sabes que lo damos todo!

Y si estás leyendo este blog es porque sabes que lo que vas a encontrarte no te va a dejar indiferente…porque hoy os hablamos de la gran exposición Banksy: Genius or Vandal?, que está teniendo lugar en el Espacio 5.1 de IFEMA, una muestra en la que se exponen un gran número de piezas del artista urbano más importante de nuestro tiempo, que incluye obras originales, esculturas, instalaciones, vídeos y fotografías. Las piezas, procedentes de colecciones privadas y con la colaboración de Lilley Fine Art/Contemporary Art Trader Gallery, se exhiben en España por primera vez.

La exposición, que comenzó en diciembre y tenía prevista su finalización en marzo, ha tenido que prorrogarse por el gran éxito y la enorme afluencia de público; y es que Banksy atrapa a quien lo conoce de cerca.

¿Quieres saber algo más sobre la exposición? ¡Sigue leyendo!

MENSAJES DESDE EL ANONIMATO

En pleno siglo XXI, Banksy sigue siendo un misterio, ya que nadie conoce quién es realmente la persona que se encuentra detrás del artista. Siempre escurridizo, ha traído en jaque a medio mundo dando lugar a infinidad de teorías. Aunque se han planteado una gran número de teorías sobre quien puede ser, la que más peso ha ganado en los últimos tiempos es la de Carig Williams, un estudiante de periodismo de Glasgow que asegura que Banksy es Robert del Naja, fundador del grupo musical Massive Attack. LLegó a esta conclusión después de haber investigado la geografía de las actuaciones del grupo musical, que llegaron a coincidir hasta en 15 ocasiones con la aparición de piezas de Banksy en las calles. A pesar de estas grandes coincidencias no se ha podido demostrar si esta información es cierta.

Desde el anonimato, Banksy ha recorrido el mundo con sus imágenes de crítica social, mostrándonos la ciudad como un lugar de reflexión sobre nosotros mismos y nuestra sociedad. La muestra nos da la bienvenida con un vídeo en el que se puede ver su amplio campo de actuación en las ciudades más importantes del mundo.

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Imagen de uno de los grafitis originales que se pueden ver en la exposición (imagen: http://www.rtve.es)

Tras el vídeo, nos recibe una recreación del estudio de Banksy, ya que es complicado organizar una exposición sin hablar de la biografía del artista o de su formación. En esta parte podemos ver cómo trabaja el artista con la serigrafía, ya que es la técnica con la que están realizadas la mayor parte de las piezas que nos vamos a encontrar en la exposición.

La exposición está dividida según los temas con los que Banksy pretende agitar nuestra conciencia.

CONSUMO. Una visión crítica del Capitalismo

Uno de los temas más recurrentes de Banksy es hacernos ver la pérdida de valores que el consumismo está desencadenando en nuestras vidas, desde un punto de vista incluso alarmista, ya que las imágenes que nos rodean constantemente y nos invitan a consumir no nos muestran la realidad, convirtiéndonos en compradores engañados. También trata de forma voraz la idea de las “nuevas necesidades” que el capitalismo nos ha creado.

En esta obra, titulada ” Compradora volando” Banksy nos muestra una mujer que cae al vacío sin soltar su carro de la compra, lleno de productos que probablemente no necesite para sobrevivir.

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Compradora volando. 2011. (Londres) 

 

POLÍTICA. Enemigo del Brexit

Banksy considera que la política es un medio de manipular la conciencia de la sociedad y la muestra igual de nociva que la violencia o el consumismo. El propio Banksy, a través de su web, declaró en una ocasión: “No hay nada más peligroso que alguien dispuesto a hacer del mundo un lugar mejor”. Entre sus protestas políticas más recientes se encuentran un gran número de obras en las que abiertamente se muestra contrario al Brexit en Inglaterra, como esta obra cuyo título es precisamente “Brexit” en el que un obrero aparece borrando una de las estrellas de la bandera europea.

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Brexit. 2017. (Dover)

PROTESTA. Sacudiendo nuestra conciencia

El propio arte del grafiti surgió como un modo de protesta en sí mismo, por lo que podríamos decir que, en realidad, toda la obra de Banksy es una forma de protesta. Aun así, en el siguiente apartado de la exposición se nos muestran algunas de las obras en las que se ve de una manera más evidente, como en la famosa obra “El amor está en el aire”, en la que de una forma muy poética nos muestra un manifestante de una protesta callejera cuyo gesto nos sugiere que está lanzando de una forma violenta un cóctel Molotov, aunque sustituye este objeto por un ramo de flores, sacándonos una sonrisa.

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El amor está en alaire. 2003 (Palestina)

LA GUERRA. Pacifista convencido

El tema de la guerra es una constante en la obra de Banksy, que se muestra abiertamente pacifista y antimilitarista, siendo este mundo militar una de sus imágenes más recurrentes. Desde el punto de vista de Banksy, “los mayores crímenes del mundo no han sido cometidos por aquellos que se saltan las reglas sino por los que cumplen las normas. Son aquellos que obedecen las normas establecidas los que lanzan las bombas, acabando con la pura existencia de pueblos enteros”. Las imágenes de militares, tanques de guerra y helicópteros pueblan las imágenes antibelicistas de Banksy, como esta irónica obra en la que los “Helicópteros felices”muestran y¡unos candorosos lazos rosas.

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Helicópteros felices.2002. (Londres)

En relación al tema de la guerra nos encontramos con una sala llamada El muro, en las que se nos muestran una serie de obras que hizo Banksy en Palestina.Después de varias visitas a Palestina, Banksy pintó varias obras en el muro que divide Israel y Palestina, y además creó un hotel, que se publicita como el hotel con peores vistas del mundo, y un museo en el que se narra la historia del conflicto palestino-israelí. tanto el hotel como el museo reciben numerosas visitas y resultan tan frágiles y efímeros como los propios grafitis, pudiendo desaparecer en cualquier momento.

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Decoración de una de las habitaciones del hotel de Banksy The Walled Off, en Belén, Cisjordania Ocupada.

DISMALAND. Un parque temático poco común

En 2015 Banksy llevó a cabo el proyecto Dismaland, un parque temático “poco apropiado para niños” ubicado en el antiguo parque “Tropicana” que el propio Banksy había visitado en su infancia y que ofrecía una especie de Scape Room. En la muestra podemos ver un vídeo sobre este proyecto que convirtió las ideas y la estética de Banksy en una verdadera experiencia.

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Dismaland. 2015. ( Somerset)

LAS RATAS. Una iconografía muy reconocible

La obra de Banksy ha ido creando una iconografía muy particular. Como hemos comentado anteriormente, hay temas e imágenes muy recurrentes, como los soldados, policías…pero también existen de manera habitual algunos animales, como los monos y especialmente las ratas. No es casual que este último animal cobre protagonismo, ya que para Banksy tiene un significado especial. Por un lado, la rata, como animal suburbano, despreciado y marginal hace referencia al nacimiento del propio arte urbano, cuyo origen está vinculado a las clases más bajas de la sociedad, a sectores que se sienten tratados “como ratas” por las esferas más altas. Por otro lado, la rata es el único animal salvaje capaz de sobrevivir a cualquier situación y adaptarse al máximo a la ciudad. Para Banksy, de un modo u otro, todos somos ratas, por ello son especialmente recurrentes, como en el ejemplo que vemos a continuación, una de las pocas obras en las que Banksy trata el tema del amor, en este caso haciendo referencia a su amor por el arte urbano.

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Rata del amor. 2010. (Liverpool)

Para finalizar la muestra, nos encontramos un apartado dedicado a la última y más polémica intervención de Banksy, en la que utilizó una de sus imágenes más conocidas, Niña con globo, para lanzar una original crítica hacia el mercado del arte.

La obra, realizada en serigrafía iba a ser subastada en la famosa casa de subastas Sotheby’s cuando, en el momento en el que un coleccionista pagó por ella y la obra se declarado “adjudicada” se puso en marcha un mecanismo realizado por el propio artista que destruyó la obra, como si de una trituradora de papel se tratase. En este caso, Banksy dio un paso más en su siempre genial y controvertida crítica a la sociedad, dejándonos claro que no es un simple grafitero, sino un verdadero artista dispuesto a seguir sorprendiendo desde el misterio de su anonimato. (puedes ver el vídeo completo de cómo se destruyó la obra aquí.)

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Imagen cómo quedó el cuadro “niña con globo” después de la acción de Autodestrucción.

¿Te ha parecido interesante?

Pues no te pierdas la visita guiada  de Parte del Arte a la exposición en Madrid , en la que nuestras expertas en arte te desvelarán muchos más secretos de la obra de este artista. ¡Recuerda! las plazas son limitadas. Reserva ya la tuya en: info@partedelarte.es o en el 645438576.

INFORMACIÓN DE INTERÉS

-Fecha: 16 de mayo

-Hora: 17.15h.

-PVP: 17,50€/ persona. Incluye: visita guiada por especialista+sistema de recepción de sonido+ entrada a la exposición.

-IMPRESCINDIBLE RESERVA PREVIA.

-Punto de encuentro: Entrada a IFEMA. Avenida del Partenón, 5

-Cómo llegar: Metro: Feria de Madrid. Bus: 112, 128,828.

¡Te esperamos!

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Rosario Weiss: la discípula olvidada de Goya

¡Ha llegado marzo! El mes femenino por excelencia, ya que el próximo día 8 se celebra el Día de la Mujer Trabajadora .En Parte del Arte nos sumamos a las reivindicaciones con un mes lleno de actividades en Madrid y visitas guiadas de temática femenina, como la  exposición Mujeres Nobel  del Museo Nacional de Ciencias Naturales, nuestra ruta “Mujeres en la literatura” por el Barrio de las Letras, y una visita muy especial a la muestra sobre Rosario Weiss que organiza la Biblioteca Nacional de España. En ella descubrimos a una artista muy conocida en su tiempo y olvidada con el transcurrir de los años. ¡Sigue leyendo para conocer su historia!

FRANCISCO DE GOYA: UN PARTICULAR PROFESOR DE DIBUJO

La figura de la artista Rosario Weiss ha quedado relegada a un mero apunte dentro de la biografía del gran Francisco de Goya, aunque en realidad fue una de las artistas más valoradas de su tiempo, con una producción artística verdaderamente extensa  y con una calidad excepcional.

Rosario nació en 1814 y fue hija de Leocadia Zorrilla, la última pareja sentimental de Goya,y un banquero judío de origen alemán del que termino separándose. La información que se tiene sobre su vida personal no es mucha, pero su obra y los datos que se conservan nos revelan una personalidad artística verdaderamente interesante que va mucho más allá de su relación con el pintor. Rosario Weiss convivió con el maestro en la Quinta del Sordo desde 1820 a 1824, momento en el que se trasladan a Burdeos. Durante estos primeros años de convivencia, la pequeña Rosario aprendió, a la vez que a escribir, a dibujar con el gran maestro. Goya, consciente de que Rosario era tan solo una niña diseñó un método de aprendizaje más entretenido que el académico y muy poco ortodoxo: él dibujaba pequeños dibujos o composiciones que ella repasaba o completaba, como la imagen que tenemos a continuación, en la que aparece la cabeza de un hombre en la que se pueden apreciar varios trazos, unos leves realizados por Goya y otros más gruesos trazados por Rosario:

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Caricatura masculina, Rosario Weiss y Francisco de Goya.Madrid, 1821-2824.Museo Lázaro Galdiano

Los primeros trabajos de Rosario Weiss están impregnados de este estilo libre de su maestro, con ese trazo nervioso y espontáneo que ha hecho incluso a los expertos dudar sobre quién es el autor de determinados dibujados. Los dibujos de formación de Rosario están dispersos en diferentes colecciones tanto españolas como extranjeras pero se conocen con el nombre de “Albúm Goya-Weiss”, ya que presentan señales de haber pertenecido en el pasado a un único conjunto.

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Lavanderas. Álbum Goya-Weiss.Biblioteca Nacional de España

 

Los rumores de que era hija biológica de Goya siempre estuvieron ahí, aunque por la documentación conservada y el hecho de que Goya no le dejase nada en su testamento a pesar de tenerle mucho aprecio demuestran que su buena relación sólo fue fruto de la convivencia.

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Leocadia Zorrilla. Francisco de Goya

UN CAMBIO DE ESTILO: LA FORMACIÓN DE ROSARIO EN BURDEOS

A partir de 1824 Goya junto con Leocadia y sus hijos se establecen en Burdeos. Parece ser que la vida que Rosario Weiss llevaba en Burdeos junto con Goya y su madre era de tipo familiar, era habitual verles juntos en el teatro o en el circo, tema que interesó a ambos artistas y que reflejaron en sus respectivas obras. Pero también Burdeos supuso para Weiss la oportunidad de conseguir una formación académica, ya que el método con el que había aprendido de Goya no era precisamente ortodoxo y el estilo también era muy particular. Goya era consciente de ello y siempre intentó que Rosario tuviese una formación más académica, tal y como prueban algunos documentos en los que se aprecia la intención de enviar a Rosario a París y en el hecho de que el verano de 1824 Rosario lo pasase bajo la tutela del arquitecto Tiburcio Pérez Cuervo, momento en el que realiza algunos interesantes dibujos de arquitectura.

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Rosario Weiss, Estudio de columna salomónica. Madrid, 1824.Museo del Romanticismo

También en Burdeos Rosario consigue entrar en una escuela pública y gratuita de dibujo, la escuela de Pierre Lacour donde empieza a adoptar un nuevo estilo, muy generalizado en la Francia de la época y cercano a la obra de Ingres. A partir de este momento la obra de Rosario Weiss empieza a cambiar para adaptarse a las circunstancias de su vida.

En la obra que podemos ver a continuación se puede apreciar cómo Rosario aprendió, en esta escuela, la técnica de la litografía, que llegaría a dominar de una manera extraordinaria. En esta litografía, además, Rosario demuestra sus inclinaciones políticas.

Tras el triunfo de la Revolución Liberal en Francia, Espoz y Mina organizó en julio de 1830 un ejército de exiliados españoles , entre los cuales se encontraba el hermano de Rosario, para derrocar la Monarquía Absoluta de Fernando VII. Tras su derrota, los supervivientes fueron confinados en campamentos en Francia. Esta estampa presenta una alegoría en la que España es liberada del Absolutismo por el general Espoz y Mina.

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Rosario Weiss, El Genio de la Libertad.París, hacia 1831.Litografía.Blibliothèque municipale de Bordeaux

GRANDES CONQUISTAS: ARTISTA, MUJER Y PROFESIONAL

Tras la muerte de Goya, Leocadia Zorrilla y Rosario se vieron absolutamente arruinadas y desprotegidas, ya que no figuraban en el testamento del pintor. En 1830 regresan a Madrid, donde Rosario tendrá que ponerse a trabajar duramente para mantener a su familia. Es el momento en el que se convierte en copista en el Museo del Prado y en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde consigue convertirse en la primera mujer académica de Mérito de la Academia. El cuadro con el que consigue tal reconocimiento es la imagen de la Virgen de la Contemplación.

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Rosario Weiss. Virgen de la Contemplación.Madrid.1840.Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

El nombre de Rosario Weiss era conocido y respetado en Madrid, ya que se movió siempre en círculos intelectuales, especialmente el del Liceo Artístico y Literario, del que fue un miembro muy activo. En esta etapa la producción de Rosario es muy variada: cultivó mucho el dibujo pero también desarrolló excepcionales dotes para la pintura a través de las copias y realizó numerosas litografías.

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Rosario Weiss.Francisco de Goya ( copia de Vicente López).Madrid, 1834. Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

UNA VIDA TRUNCADA.LA PREMATURA MUERTE DE ROSARIO WEISS

Además del título de académica de mérito, Rosario Weiss alcanzó otro gran reconocimiento  profesional en 1842, cuando gracias a los contactos con intelectuales liberales de su hermano Guillermo Weiss consigue convertirse en la profesora de dibujo de la infanta Isabel (futura Isabel II) y de su hermana Luisa Fernanda, lo que le permitía tener un sueldo fijo y una mayor estabilidad económica. Sin embargo, fue muy poco tiempo el que pudo disfrutar de su nueva condición, ya que en 1843 fallecerá de cólera, cuando tan sólo contaba con 29 años de edad, quedando así truncada una gran carrera artística que prometía grandes éxitos en el futuro.

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Rosario Weiss, Alegoría de la Atención ( autorretrato).Madrid, 1842. Museo del Romanticismo

A pesar de la brevedad de su vida, Rosario Weiss nos ha dejado una producción artística  muy extensa, de una calidad extraordinaria  y cargada de pequeños detalles que ensalzan la figura de la mujer: grandes artistas del mundo musical de la época, figurines de moda que leen libros…símbolos de que Rosario Weiss estaba orgullosa de ejercer una profesión que en su época era de hombres. Conocer y poner en valor su figura a través de visitas guiadas a esta exposición en la Biblioteca Nacional de España es una de las propuestas que Parte del Arte te propone con motivo del Día Internacional de la Mujer Trabajadora. Si no te quieres perder esta muestra reserva tu plaza el día 14 de marzo a las 11.00h.

Y si quieres apuntarte a otras actividades del Día Internacional de la Mujer Trabajadora ¡apunta!

– Visita Guiada a la exposición Mujeres Nobel en el Museo Nacional de Ciencias Naturales. Miércoles 7 de marzo a las 12.00h.

-Ruta temática por el Barrio de las Letras “Las mujeres en la literatura”. Viernes 9 de marzo a las 18.00h, miércoles 14 de marzo a las 11.00h. y miércoles 21 de marzo a las 11.00 y a las 17.30h.

Puedes hacer tus reservas escribiendo info@partedelarte.es/ o en el 645438576

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Parte del Arte

 

Mucho más que zapatos, el universo Blahnik

En Parte del Arte empezamos el año 2018 con las mejores visitas guiadas de Madrid. Si quieres una experiencia única apúntate a una visita guiada a la exposición de Manolo Blahnik que el Museo Nacional de Artes Decorativas acoge en la actualidad dedicada a la figura del diseñador Manolo Blahnik.

La muestra está organizada por Vogue España en colaboración con el museo y también con el propio equipo de Blahnik, que se trasladó desde Londres exclusivamente para el montaje de la exposición, que con anterioridad ha estado en otras sedes de gran categoría: el Palazzo Morando de Milán, seguido por el Museo del Hermitage en San Petersburgo y el Museo Kampa en Praga.

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Selección de zapatos en una de las vitrinas de la exposición

El objetivo de la exposición es mostrar las obsesiones, fuentes de inspiración e influencias que Blahnik ha recibido a lo largo de su trayectoria y que se proyectan de forma directa en sus zapatos.

La primera sección está dedicada a la figura de Blahnik, su taller y los materiales que utiliza. Blahnik es considerado en la actualidad como el mejor diseñador de zapatos del mundo y sus diseños son internacionalmente conocidos. Además de un talento innato para el diseño, los materiales que utiliza son de lo más original y exclusivo: encajes venecianos, sedas, otomán, diferentes pieles de animales…que los convierten en pequeñas obras de arte de un valor artístico y material incalculable.

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Algunos de estos materiales son muy sorprendentes, como esta bota realizada en piel de cordero de Mongolia

La segunda sección de la exposición está dedicada al mundo de la arquitectura y del arte, toda una fuente de inspiración para Blahnik, sobre todo la arquitectura racionalista y sus sistemas constructivos son una base muy útil para él, ya que algunos parecen pequeñas construcciones en las que todo tiene que estar perfectamente calculado. Muchos de estos diseños están inspirados en edificios concretos de arquitectos muy relevantes de la historia.

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Dos modelos de zapatos inspirados en el gran impulsor del modernismo vienés Joseph Hoffman

Además, el mundo del arte también ha sido una gran fuente de inspiración, sobre todo las vanguardias artísticas son especialmente evidentes en los zapatos que se muestran en la exposición: Picasso, Matisse, Sonia Delaunay, Kazimir Malevich…todo un mundo de colores y formas que hacen las delicias de todos los visitantes de la exposición.

 

En primer lugar, podemos ver una sandalia “arquitectónica” inspirada en Piet Mondrian y un zapato modelo “pump” inspirado en la pintura de Pablo Picasso.

El siguiente apartado de la exposición está dedicado al mundo de la botánica, otra de sus grandes pasiones: flores de todo tipo, algas, plantas marinas, pequeñas cerezas, fresas….se funden en el diseño de los espectaculares modelos que salen de la mente de Blahnik. En alguno de ellos, incluso, se cuela algún animalito.

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Dentro del montaje de la exposición se puede apreciar en diálogo con los zapatos algunas piezas del Museo Nacional de Artes Decorativas de Madrid que, cuidadosamente escogidas, crean ambientes únicos para los visitantes

A continuación, una extensa sala nos lleva de viaje junto con Blahnik a la Rusia de Catalina la Grande, a la época victoriana inglesa, a África, a las culturas esquimales, a Japón…ninguna estética se le resiste y es capaz de capturar toda la esencia de un territorio en algo tan pequeño como un zapato.

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Modelos inspirados en la cultura esquimal

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Visita guiada de Parte del Arte a la exposición, en la que nuestros guías complementan las explicaciones con imágenes de apoyo en soporte digital

Una de las secciones más espectaculares de la muestra es la dedicada a Maria Antonieta, la película de Sofía Coppola, para la cual Manolo diseñó una serie de espectaculares zapatos. Calzar a la Maria Antonieta de Copppola fue uno de los grandes retos del diseñador, que llevó a cabo una gran labor de documentación para diseñarlos, consiguiendo este espectacular resultado:

 

Milena Canonero fue la que encargó a Blahnik la realización de estos espectaculares zapatos, que reflejan el lujo de la corte francesa del siglo XVIII

El segundo piso del museo, acoge la segunda parte de la exposición, en la que podemos ver varias salas, una dedicada a la influencia de la cultura española, en la que se pueden apreciar modelos con claras referencias estilísticas a nuestro país como el color rojo y amarillo  colores y diseños que recuerdan a artistas españoles e incluso piezas con reminiscencias de la arquitectura española.

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Modelo Madrid, inspirado en los trajes de Goyescas

Otro apartado aborda las obsesiones de Blahnik y sus aficiones: el cine italiano, la literatura, personajes históricos como Carlo Magno y literarios como Madamme Bovary…todos tienen cabida en este universo tan alabado por la crítica.

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Sala dedicada a las obsesiones de Blahnik durante una visita guiada de Parte del Arte

La penúltima sala de la exposición es la más lujosa de todas y está dedicada los zapatos de gala, en los que Blahnik siempre ha mostrado una gran fidelidad a su estilo: tacones altos y cada vez más estilizados, puntas suaves y redondeadas y un gran derroche de materiales como sedas, piedras preciosas…un verdadero deleite

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Una de nuestras guías en la sala “gala” de la exposición durante una visita guiada

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El modelo Peperoncino es uno de los que más piedras preciosas contiene: amatista, rubelita y diamante de Bvlgari

Para finalizar la exposición, nos encontramos una sala dedicada a Vogue, la anfitriona de la exposición y una publicación verdaderamente decisiva para Blahnik. En esta sala podemos ver modelos muy dispares de Blahnik, desde zapatos clásicos, elegantes para cualquier ocasión a zapatos completamente deconstruidos fruto de la experimentación formal y de materiales.

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En el centro podemos ver el modelo  HANGISI, uno de los más famosos en los últimos tiempos por aparecer en la película Sexo en Nueva York

Además, en esta sala se pueden contemplar algunas de las fotografías de Vogue realizadas por los mejores fotógrafos de moda del mundo que reflejan en su máximo esplendor los zapatos de Blahnik en los pies de grandes modelos como Tina Chow, Linda Evangelista o Kate Moss.

Asistir con Parte del Arte a una visita guiada a esta exposición es un viaje al interior del diseñador, su mente, sus inspiraciones, su forma de ver el mundo…cuando salgas no sólo habrás visto zapatos, habrás visto literatura, pintura, arquitectura… ¿ te la vas a perder? Entra en nuestra página web y consulta las fechas de nuestras visitas guiadas a esta y otras exposiciones de Madrid.

¡Te esperamos!

 

EL SANTO GRIAL DE LÉON ¿AUTÉNTICO? LA LEYENDA DEL OBJETO MÁS DESEADO DEL MUNDO

Estamos a punto de empezar el curso 2017/2018 en Parte del Arte. Como cada año, nos hemos renovado y hemos trabajado duro para ofreceros siempre las mejores experiencias culturales en Madrid. Este curso podréis disfrutar de nuevas visitas guiadas a las mejores exposiciones temporales de Madrid, rutas culturales y gastronómicas, visitas teatralizadas…y por supuesto las mejores escapadas y viajes culturales.

Inauguraremos la temporada viajera con un destino de lujo: León. Disfrutaremos de esta magnífica ciudad, llena de historia y considerada como Cuna del Parlamentarismo por la UNESCO, de su catedral gótica, sus calles llenas de historia, su colegiata de San Isidoro… descubriendo rincones llenos de encanto. También dedicaremos otra jornada a visitar Astorga, donde conoceremos el mágico Palacio Episcopal, construido por Antonio Gaudí. La guinda del pastel la pondremos con un buen cocido maragato en uno de los pueblos con más encanto de León: Castrillo de los Polvazares.

El plazo de inscripción está abierto, solo tienes que contactar con nosotros a través de mail o teléfono.

BRILLO FUGAZ PARA EL GRIAL LEONÉS

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Cáliz de Doña Urraca ( Museo de la Colegiata de San Isidoro, León) considerado recientemente como el Santo Grial

Una de las piezas más espectaculares que podremos contemplar en nuestro viaje cultural e León será el conocido hasta hace poco tiempo como cáliz de Doña Urraca. Ubicado en el museo de la Colegiata de San Isidoro, su popularidad hasta hace unos años se limitaba a unos pocos segundos que cada visitante del museo le dedicaba en sus visitas. Sin embargo, su estatus sufrió una gran transformación cuando en 2013 los medios locales se hicieron eco de la noticia: la copa con la que está realizada esta pieza de orfebrería era el Santo Grial. Lo afirmaban con rotundidad, al igual que Margarita Torres Sevilla y  José Miguel Ortega, los investigadores que llegaron a esta conclusión. Según ellos mismos afirmaron: «La copa que las comunidades cristianas consideraron que era la Copa de Cristo es la que se trasladó a León en el siglo XI procedente de Egipto y después de pasar por Denia». Su teoría se fundamenta en dos pergaminos egipcios originales fechados en el siglo XIV que señalan que el cáliz fue enviado al rey de León Fernando el Grande o el Magno en el siglo XI, después de haber sido saqueado de la iglesia del Santo Sepulcro de Jerusalén, donde había permanecido hasta entonces y desde el siglo IV. El estudio completo se recoge en el libro “Los reyes del Grial”, firmado por ambos investigadores después de tres años de trabajo. Lo que en un primer momento fue una noticia curiosa y local, poco a poco ha ido trascendiendo a nivel nacional e internacional, dando cada vez más fama a sus descubridores, que han vendido más de 12 ediciones del libro. La supuesta presencia del Santo Grial en León ha divido a la opinión pública: olvidándonos de los que consideran que el Santo Grial no existió,  unos apoyan ciegamente la teoría (a pesar de todos los peros que pueda plantear a nivel histórico), otros la rechazan de pleno y otros aunque la rechazan no miran de mal agrado a los muchos turistas que vienen a León a conocer esta pieza que para muchos es tan sólo un mito.  Sin embargo, parece que su fama se va apagando poco a poco, después de las recientes críticas de grandes eminencias del mundo de la historia medieval, como la realizada en la revista francesa L’Historie por el historiador Patrick Henriet o la más reciente, la del reconocido arabista Luis Molina, del CSIC, que desgrana todos los errores convertidos por los investigadores, parece que al Grial de León sólo le quedan defensores de otros ámbitos “menos académicos”, como el famoso presentador Iker Jiménez, quien invitó a Margarita Torres a su programa de televisión Cuarto Milenio a presentar su teoría sobre el Santo Grial ( puedes ver el vídeo del programa pinchando aquí).

UNA GRAN COMPETICIÓN

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Supuesto Santo Grial de la Catedral de Valencia

Según asegura la propia Margarita Torres, sólo en Europa hay unas 200 piezas que aspiran a ser el Santo Grial, y al igual que han terminado haciendo con la suya, ella desmonta algunas de las teorías. En España, el Grial leonés también tiene su competidor, el supuesto Santo Grial de la Catedral de Valencia, “descubierto por Antonio Beltrán, catedrático de Arqueología de la Universidad de Zaragoza. Para este estudioso, el Santo Grial sería la parte superior de un cáliz de la catedral, una taza de ágata de origen oriental de entre los años 100 al 50 antes de Cristo. Para los investigadores leoneses, la sagrada pieza sería la parte superior del Cáliz de Doña Urraca.

Pero la competición aumenta a medida que nos desplazamos por Europa, y es que son muchas las ciudades que todavía se aferran a la idea de ser los poseedores de la pieza más valiosa, mitificada y buscada de la historia.

Aquí tenemos algunos ejemplos

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La Copa de Hawstone Park,  ( Gran Bretaña, colección privada) una de las candidatas a Santo Grial

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Vaso o Copa de Nanteos ( Gales del Norte). Durante la Edad Media se le atribuían poderes curativos, por ello se encunetra muy desgastada. También, Richard Wagner acudió a contemplar la pieza antes de componer Parsifal.

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El Sacro Cátino es una espectacular pieza hexagonal verde que se se exhibe en el museo del Tesoro de la catedral de San Lorenzo en Génova.Segun la leyenda, durante la primera Cruzada, los soldados genoveses que participaron en la toma de Cesarea encontraron el plato en el que se creía que Jesús comió en la Última Cena en un templo construido por Herodes el Grande.

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Cáliz de Ardagh. Fue encontrado en 1868 por dos jóvenes en un campo de patatas en Irlanda. Se trata de una exraordinaria pieza de orfebrería irlandesa del siglo VII.

No sabemos si el Santo Grial está o no está en León, pero por lo pronto podremos disfrutar de la historia, mítica (o no) del Grial dentro de unos meses, ya que en mayo de este mismo año se comenzó a grabar “Onyx, los reyes del Grial” una película sobre el gran descubrimiento. Mientras esperamos a su estreno, os invitamos a que disfrutéis de esta pieza in situ con Parte del Arte en  nuestro viaje cultural a León los próximos 28 y 29 de octubre. Una experiencia cultural completa, en la que la historia, el arte y la gastronomía nos harán volver a Madrid con una sonrisa y un bonito recuerdo. Quizás, incluso, desvelemos el misterio.

Esther Arce