Los inmortales retratos de Rembrandt. Una galería de emociones.

El mes de febrero en Madrid se viste de arte y son varias las exposiciones de gran interés que se inauguran en los próximos días. En Parte del Arte, por supuesto, somos las primeras en ofrecértelas a través de nuestras visitas guiadas para que estés al día con la tendencia artística y cultural de Madrid.

Hoy queremos hablaros de una de las muestras más esperadas para los amantes de la pintura y que estaremos guiando los días 21 de febrero, 29 de abril y 30 de abril. Se trata de Rembrandt y el retrato en Ámsterdam, 1590-1670, en el Museo Thyssen, una exposición en la que se toma como referencia de forma exclusiva el género del retrato, uno de los que más cultivó el gran genio del siglo XVII y en el que, como en otros géneros, destacó por encima de sus contemporáneos.

Si quieres saber lo que te descubriremos en nuestras visitas guiadas… ¡Sigue leyendo!

UNA MUESTRA CON GRAN AMBICIÓN

En la exposición, comisariada por Norbert E. Middelkoop, nos encontramos con una selección de casi un centenar  de pinturas y grabados que incluyen algunos de los mejores ejemplos de la retratística de Rembrandt y de sus contemporáneos, en los que dejó una importante huella.

La muestra cuenta con la colaboración de la Comunidad de Madrid y el apoyo de JTI y cuenta con préstamos de un gran número de importantes instituciones y pinacotecas como el Amsterdam Museum, el Rijksmuseum de Ámsterdam, el Metropolitan de Nueva York, la National Gallery de Washington y The National Gallery de Londres, . Muchas de las obras prestadas se pueden ver por primera vez en España, y algunas de ellas son prestadas por primera vez con ocasión de la muestra del Thyssen, como es el caso del retrato de un joven procedente del Nelson Atkins Museum de Kansas.

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Retrato de un hombre en un escritorio, 1631. Rembrandt. Museo del Ermitage, San Petersburgo.

La muestra sigue un orden cronológico, que abarca desde la tradición retratística inmediatamente anterior a la llegada de Rembrandt a Ámsterdam, el inicio de la renovación del género, proceso en el que Rembrandt fue decisivo, pasando por la efervescente producción de retratos en Ámsterdam en la “etapa dorada” pintor y sus últimas obras, en las que continuó  su trayectoria de una forma marcadamente personal.

También la exposición dedica, como broche final del recorrido, una excelente galería de grabados del genio holandés,  una técnica que trabajó con gran maestría y con la que también realizó excelentes retratos.

EL RETRATO ANTES DE REMBRANDT

Rembandt Harmenszoon van Rijn nació en Leiden en 1606 y no llegó a la ciudad de Ámsterdam hasta la década de 1630. En esta ciudad, entre 1590 y 1630 y fruto del auge económico en el que estaba inmersa la economía holandesa, existía un grupo de retratistas relativamente numeroso  que respondía a una alta demanda de este tipo de pintura. Entre los clientes de estos artistas se encontraban las personas que se habían enriquecido en este periodo de prosperidad o que habían contribuido a su desarrollo: antiguas familias de la ciudad, ricos inmigrantes de otras localidades y países… Muchas de estas familias y personalidades necesitaban viviendas adecuadas ( con su correspondiente ornamentación acorde a su estatus social) y las organizaciones cívicas precisaban de lugares de reunión representativos. Cualquiera que dispusiera del suficiente espacio en la pared y anhelase ser recordado era el cliente perfecto para los cada vez más numerosos retratistas de Ámsterdam.

Al tratarse, por tanto, de un género tan popular, podemos encontrar una gran variedad de tipos de retratos: artesanos trabajando, retratos individuales de eruditos y hombres de negocio de éxito, familias, gobernantes…y un gran número de retratos colectivos, entre los que destacaron los de cirujanos impartiendo lecciones de anatomía, hermandades o miembros de gremios.

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Gobernantas y celadoras de la Spinhuis, 1638. Dirck Santvoort. Amsterdam Museum

Rembrandt fue invitado a la ciudad por Hendrick Uylenburgh, marchante y pintor que lo convirtió en el director de su estudio de pintura, cargo que ostentó hasta 1636. Durante estos años Uylenburgh le introdujo en los círculos sociales de la ciudad, lo que supuso para Rembrandt la oportunidad de conocer clientes y mecenas. Además, se casó con Saskia Uylenburgh, hermana del marchante, lo que también contribuyó al ascenso social de Rembrandt. Pronto se convirtió en un fuerte competidor para su cuñado, se emancipó y abrió su propio estudio de pintura en Ámsterdam, en el que desarrolló varios géneros. Fueron años de prosperidad económica y reconocimiento para el pintor.

ÁMSTERDAM: CIUDAD DE RIVALES

El reconocimiento como gran retratista de Rembrandt y de otros de sus contemporáneos causó un efecto llamada, lo que derivó en una gran oleada de ambiciosos pintores que llegaban a la próspera ciudad con la idea de beneficiarse de la gran demanda de retratos. También llegaron a ser retratistas de éxito algunos de los colaboradores y alumnos de Rembrandt, como Ferdinand Bol, Govert Flinck o Gerbrand van den Eeckhout.

La ciudad de Ámsterdam se convierte así en escenario de un ambiente de sana competencia  artística, una verdadera lucha por conseguir el mayor número posible de encargos, lo que se tradujo en una extraordinaria calidad de los retratos, fruto del esfuerzo de sus autores por  deslumbrar a sus clientes en un lugar donde las opciones cada vez más numerosas.

AL MARGEN DE LAS TENDENCIAS. LA AUTENTICIDAD DE REMBRANDT.

En 1642 se produce un punto de inflexión en la carrera de Rembrandt al fallecer su esposa. El pintor se queda viudo y al cargo de su hijo Tito, de apenas un año de edad. Su ritmo de trabajo comienza a disminuir y enseguida llegan los problemas económicos.

En 1647 ingresa en el servicio de su vivienda la que se convertirá en su pareja definitiva, Hendrickje Stoeffels, con la que tendrá a su hija Cornelia. La imposibilidad de volver a casarse con su nueva compañera ( ya que perdería la herencia de su esposa fallecida), les convirtió en una pareja señalada socialmente, lo que contribuyó a que su situación fuese cada vez más delicada.

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Mujer con capa de piel, posiblemente Hendrickje Stoffels, 1652. Rembrandt. The National Gallery, Londres.

Hacia mediados de siglo, además, el panorama artístico de Ámsterdam estaba experimentando algunos cambios. Empezaron a surgir una serie de artista precursores de un estilo “académico” con una orientación más internacional en los retratos, que enseguida comenzó a sustituir el estilo anterior.

Sin embargo, y a pesar de las dificultades, Rembrandt siguió su propia evolución estilística y se mantuvo fiel a su estilo, reduciendo los colores de su paleta y desarrollando un estilo que se consideró demasiado adusto e inadecuado para algunos encargos oficiales, lo que le desvió de ciertos circuitos que podrían haberle reportado beneficios. Aún así, Rembrandt continuó pintando y recibiendo encargos; aunque no tuvo el éxito de etapas anteriores seguía siendo considerado un artista importante y reconocido que influyó en numerosos artistas posteriores.

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Venus y cupido, posiblemente Hendrickje y Cornelia, hacia 1657. Rembrandt. Museo del Louvre, París.

Rembrandt les otorgó a sus retratados una libertad poco usual en el mundo del retrato, siendo uno de los impulsores de la renovación retratística del primer tercio del siglo XVII. Sus protagonistas adquieren un tratamiento similar al de los personajes mitológicos de sus obras: poses dinámicas que sugieren la interacción con el público, utilización del claroscuro, cualidades narrativas….y sobre todo, la representación de las emociones humanas. Con el paso del tiempo el interés de Rembrandt se fue centrando más en los rasgos esenciales de sus retratados concentrados especialmente en el rostro, lo que le llevaba a un interés mayor en la representación del carácter o la personalidad que en el parecido físico del retratado.

Esta extraordinaria capacidad de hacer conectar al espectador con el retratado es la clave del éxito del Rembrandt retratista, que consiguió que, en pleno siglo XXI, sus obras sigan causando una fascinación sin límites.

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Autorretrato dibujando frente a una ventana, 1648. Rembrandt. Biblioteca Nacional, Madrid.

¿Quieres sentir en tu propia piel esta fascinación? En Parte del Arte lo hacemos posible, ofreciéndote una experiencia mucho más allá de una simple visita guiada. Una guía especialista en arte te introducirá en cada cuadro como si se tratase de una ventana, en la que nos asomaremos para conectar con todo un mundo de emociones y sensaciones.

¡No te lo pierdas y reserva ya!

INFORMACIÓN DE INTERÉS


Fechas y horarios:

  • Viernes 21 de febrero a las 16.30h
  • Miércoles 29 de abril a las 16.30h
  • Jueves 30 de abril a las 17.30h.

PVP: 23€/ persona. Incluye: Visita guiada por especialista+sistema de recepción de sonido para una óptima escucha de las explicaciones del guía + entrada a la exposición

Punto de encuentro: Hall interior del Museo Thyssen. Paseo del Prado, nº 8.

Cómo llegar: Metro: Banco de España (L2)/ Bus: 6, 10, 14, 26, 27, 32, 34, 37, 45

*IMPRESCINDIBLE RESERVA PREVIA. Puedes hacerla en info@partedelarte.es o en el 645438576.

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¡Te esperamos!

 

 

 

 

 

 

 

EL SABOR DEL RENACIMIENTO. CORONA CATALINA, POR ASCASO.

No nos lo podemos callar. Tenemos que contaros todo sobre el evento al que Parte del Arte ha acudido este lunes 25 de noviembre porque sabemos que os encantará. Se trata de la presentación de una nueva delicia creada para el Museo Thyssen inspirada en una de sus obras.

En esta ocasión el museo ha vuelto a contar con un colaborador habitual,  Vicente Ascaso, reconocido recientemente con el Premio Memorial de la Real Academia de Gastronomía al Mejor Pastelero Repostero de España. Ascaso se ha inspirado en el Retrato de una infanta, Catalina de Aragón del pintor Juan de Flandes. Para poder realizarlo, el equipo de Ascaso quiso hacer un viaje en el tiempo a la época renacentista, investigando sobre qué tipo de dulces se hubiesen podido degustar en aquella época y además realizar una creación que pudiese reflejar los gustos de la princesa.

¿Quieres saber cómo es este dulce? ¡Sigue leyendo!

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Mesa con la presentación de la Corona Catalina el pasado lunes en el Thyssen

CATALINA DE ARAGÓN. DE PRINCESA A MUSA DE PASTELEROS

Aunque no se ha podido determinar con seguridad la identidad de la joven que retrata Juan de Flandes, la mayor parte de los expertos consideran que podría tratarse con bastante seguridad de Catalina de Aragón, hija de los Reyes Católicos, que podría tener, según las interpretaciones, once o catorce años.

En el retrato aparece sosteniendo el capullo de una rosa ( elemento fundamental en la investigación para el dulce) lo que ha dado lugar a tres interpretaciones. La primera nos llevaría a ver en la flor el símbolo de la casa Tudor, algo lógico teniendo en cuenta  que Catalina se casó con Arturo, príncipe de Gales. La segunda, considera la rosa como un atributo relacionado con la extrema juventud de la retratada, mientras que la tercera la identifica simplemente como un atributo habitual en los retratos de esponsales. Sea como fuere, y sea cual sea la identidad de la muchacha, nos encontramos sin duda alguna ante una de las obras más bellas de Juan de Flandes.

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Retrato de Catalina de Aragón. Juan de Flandes. Museo Thyssen

EL RENACIMIENTO EN EL PALADAR

La labor de investigación llevada a cabo para la elaboración del dulce fue muy exhaustiva. Entre las labores de búsqueda de los dulces de la época el equipo de Ascaso consultó varias  obras culinarias, como es el caso del libro de cocina de Ruperto Nola  (1470-1525) y experimentó con ingredientes recurrentes en la época.

El resultado es una extraordinaria corona de mazapán con agua de rosas y azafrán, yema de huevo, jengibre y pera, ingredientes muy apreciados por los comensales de la época. La decoración que se puede apreciar en la superficie del postre está realizada con yema de huevo y pétalos de rosas cristalizados, lo que le aporta una enorme belleza y elegancia.

En el acto de presentación pudimos conocer en profundidad todos los ingredientes del dulce a través de una experiencia llena de sensaciones: el olor del azafrán, la pera, el jengibre y el aroma de la rosa de forma individual para poder luego apreciarlos con todos sus matices en la degustación del dulce, en el que todos estos sabores se funden de una forma extraordinariamente delicada en textura mazapán.  Un verdadero viaje al Renacimiento a través de todos los sentidos.

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Emplatado del dulce durante la presentación en el Museo Thyssen

EL DULCE SABOR DEL LUJO. PASTELERÍA ASCASO

La pastelería Ascaso es uno de los negocios centenarios de Huesca. Nació hace 129 años y desde su apertura su sello ha sido la investigación de nuevas fórmulas basadas en recetas tradicionales y la innovación. Por ello, no es de extrañar que haya recibido numerosos galardones y que se haya convertido en uno de los referentes de la gastronomía del dulce en nuestro país.

Actualmente, la labor de la Pastelería Ascaso continúa su trayectoria familiar con la cuarta generación  y tres establecimientos en Huesca, Zaragoza y Madrid, donde se podrá adquirir esta delicia realizada para el Thyssen por un precio de 20, 80€. También se puede adquirir en la tienda física del Museo Thyssen y en su tienda online.

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Caja de presentación del dulce inspirado por el retrato de Catalina de Aragón de Juan de Flandes

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Sura y Vicente Ascaso junto a a Ana Cela, Directora de Publicaciones y Tienda-Librería del Museo Thyssen

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EL VESTIR EN EL ARTE. BALENCIAGA Y LA PINTURA ESPAÑOLA EN MUSEO THYSSEN

¿Cómo os va el verano? ¿Mucho calor? En Parte del Arte tenemos una solución perfecta: acercarte las mejores exposiciones temporales de Madrid, en la que además de estar fresquito disfrutarás de una verdadera experiencia de conexión con el arte y la cultura. Por ello, siempre os ofrecemos las muestras imprescindibles de cada temporada: Velázquez, Rembrandt y Vermeer. Miradas afines en el Museo del Prado, y Balenciaga y la pintura española en Museo Thyssen, que estaremos guiando los próximos días 5 de julio ( completo) y el 12 de julio a las 18.15h.

Continua leyendo para ver qué es lo que te encontrarás en la exposición.

MUCHO MÁS QUE ARTE. MUCHO MÁS QUE MODA.

Cristobal Balenciaga está considerado el modisto más influyente de todos los tiempos, un título que sin la influencia del arte hubiese sido imposible de alcanzar, ya que las referencias de la pintura española siempre han estado presentes en sus creaciones: diseños minimalistas que nos recuerdan a la túnica de Cristo de los cuadros renacentistas, volantes que nos traen a la mente las batas de las bailaoras flamencas de las pinturas del siglo XIX, referencias al traje de luces del torero español, negros aterciopelados que evocan los retratos de los Austrias…toda una suerte de coincidencias que nos demuestran la amplia cultura y la atención al detalle del gran diseñador.

Esta ambiciosa muestra pretende poner de manifiesto una relación directa entre los diseños de diferentes etapas de la carrera de Balenciaga y la pintura española comprendida entre los siglos XVI y XX, con una extraordinaria selección de trajes procedentes del Museo Balenciaga de Getaria, el Museo del Traje de Madrid y el Museo del Disseny de Barcelona que dialogan con un gran número de personajes que pueblan las obras del Greco, Zurbarán, Murillo, Goya, Zuluaga…prestadas por el Museo del Prado, el Museo de Bellas Artes de Bilbao y colecciones privadas.

UNA NUEVA MIRADA 

La exposición sigue un recorrido cronológico a través de la pintura que está en constante diálogo con los trajes y vestidos de cada estilo o pintor. El criterio que se ha seguido para establecer estas conexiones tiene su base en elementos conceptuales, formas, volúmenes, concepciones cromáticas…De esta manera se nos presenta una nueva forma de ver la pintura, que se convierte ahora ante nuestros ojos en transmisora de moda y de un legado estético que va mucho más allá de su propia época.

El primer apartado de la exposición. Balenciaga y el arte, está dedicada a la pintura que Balenciaga contempló en su juventud en el palacete de los marqueses de Casa Torres, verdaderamente imprescindible como fuente de inspiración para sus primeras creaciones. En esta sala podemos contemplar algunos de esos cuadros, como es el caso del retrato del Cardenal Luis María de Borbón, de Goya, que se muestra junto a un extraordinario conjunto de chaqueta  y vestido de color rojo.

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Goya. El cardenal don Luis María de Borbón y Villabriga. Hacia 1800 / Conjunto de vestido y chaqueta.1960. Cristobal Balenciaga

La siguiente sección está dedicada e la influencia del Greco, del que Balenciaga tomó colores como el negro de la vestimenta de los personajes retratados, o los rosas, verdes y amarillos de la pintura religiosa, así como formas, como lazos en el cuello que recuerdan a las famosas golas que lucían los grandes hombres protagonistas de muchas obras del Greco.

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Algunos de los trajes y cuadros que se pueden contemplar en la sala del Greco.

La siguiente sección está dedicada a una de las grandes influencias en la producción de Balenciaga, la pintura de corte. En esta parte de la exposición se presta atención a varios aspectos.

El primero de ellos es el color negro, que la corte de Felipe II puso de moda y que durante mucho tiempo fue símbolo de estatus social y poder. Enseguida el vestir de negro riguroso se convirtió en sinónimo de “vestir a la española” y aunque con el paso del tiempo perdió algo de fuerza sigue siendo en la actualidad uno de los colores con un mayor poder visual y simbólico, interpretado desde nuestra perspectiva actual como símbolo de elegancia. Para Balenciaga fue uno de sus colores fetiche y en este apartado se muestran algunas creaciones de una belleza y elegancia fascinantes.

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Vestido de noche, 1943.Cristobal Balenciaga / Atribuido a Juan Pantoja de la Cruz. Retrato de la VI Condesa de Miranda.

El bodegón también es merecedor de atención, sobre todo los bodegones de flores. Cuando Balenciaga llega a París va a establecer contacto con los fabricantes de tejidos y artesanos de la estampación que inspirarán magníficos vestidos con estampados florales, bordados…de los cuales se pueden ver algunos ejemplos.

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Juan de van der Hamen. Ofrenda a Flora, 1627/ Vestido de noche con flores, hacia 1958. Cristobal Balenciaga.

Otro de los aspectos que se tratan dentro de la pintura de corte es el bordado, que Balenciaga incorporó en muchas de sus creaciones. Para sus bordados el modisto se inspiró tanto en su propia experiencia y conocimientos sobre la historia de la indumentaria en el arte como en su propia colección de indumentaria histórica, en la que abundaban ejemplares plagados de ricos bordados, encajes y abalorios.

La siguiente sección está centrada en la figura del pintor Francisco Zurbarán, un artista que siempre ha destacado por la gran atención que le presta a la indumentaria, a los tejidos, al movimiento y los pliegues de las telas…Esta concepción detallista y el juego de volúmenes de las formas y las telas se puede apreciar en gran parte de la producción de Cristobal Balenciaga.

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Conjunto de noche con sobre falda, hacia 1950. Cristobal Balenciaga/ Santa Isabel de Portugal, 1635. Zurbarán.

Otro de los artistas imprescindibles en el mundo de la moda y los tejidos y de forma obvia influyente en las creaciones de Balenciaga es Francisco de Goya, del que reinterpreta el brillo del satén, la transparencia del tul y los encajes…y el manejo del color tan extraordinario del pintor zaragozano. En esta sección se pueden apreciar esas conexiones con la exposición de algunos de los retratos más extraordinarios de Goya.

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Vestido de cóctel, hacia 1955-1960.Balenciaga/ La Duquesa de Alba de blanco, 1795.Goya

Por último, la muestra se centra en los siglos XIX y XX, de cuya estética, fundamentalmente la de muy finales del siglo XIX y principios del siglo XX fue contemporáneo el modisto. Esta estética bebe de dos fuentes. En primer lugar, de la pintura de la escuela española , como es el caso de Zuloaga entre muchos otros, y por otro lado de sus propias vivencias en su localidad natal (Getaria) y en el ambiente de exclusividad del San Sebastián del cambio de siglo. Las obras que se pueden ver en este cierre de la exposición se centran en la esencia española y regionalista de estos años.

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Vestido de noche, 1952. Cristobal Balenciaga./ Retrato de Maria del Rosario de Silva y Gutubay, duquesa de  Alba, 1921. Zuloaga.

Impresionante, ¿verdad? Pues aun estás a tiempo de conocer muchísimas joyas más de la pintura y de la producción de Cristobal Balenciaga en las visitas guiadas que Parte del Arte organiza a esta muestra, en las que una experta en arte te descubrirá esta nueva forma de ver la pintura y la moda.

INFORMACIÓN DE INTERÉS

Fecha: 12 de julio a las 18.15h.
PVP: 22€ Incluye: Visita guiada por especialista en arte+ sistema de recepción de sonido+entrada a la exposición
PUNTO DE ENCUENTRO: Hall del Museo Thyssen 10 minutos antes del comienzo de la visita.( Paseo del Prado, 8)
CÓMO LLEGAR: Metro: Banco de España. Bus: 1,2,5,9,10,14,15,20…
*IMPRESCINDIBLE RESERVA PREVIA EN: info@partedelarte.es o en el 645438576.

¡Te esperamos!

 

 

 

 

 

 

 

 

 

BALTHUS. UN ARTISTA A CONTRACORRIENTE

Ya sabéis que en Parte del Arte siempre acudimos a las exposiciones temporales más relevantes del panorama cultural de Madrid, y este mes de marzo no podíamos perdernos una muestra que ha dado mucho de que hablar: Balthus, en el Museo Thyssen, una retrospectiva sobre el artista de origen francés Balthasar Klossowski de Rola, más conocido como Balthus, organizada conjuntamente con la Fondation Beyeler en Riehen/Basilea. Para poder llevar a cabo una exposición de esta relevancia ha sido necesaria la colaboración de diferentes prestadores, como el MoMA, el Metropolitan Museum de Nueva York, el Centre
Pompidou de París, el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington, entre otras instituciones y colecciones privadas, por lo que la exposición se nos presenta como una gran oportunidad, ya que en España sólo contamos con una obra de Balthus, La partida de Naipes, que pertenece precisamente a las colecciones del Museo Thyssen y que se ha restaurado especialmente para la ocasión.

La muestra nos sumerge en la obra de este genio del siglo XX que suscitó  todo tipo de críticas, algunas más favorables que otras, y que siguió un camino contrario al de las vanguardias. En nuestras visitas guiadas a esta exposición os descubriremos su controvertida figura y nos asomaremos a  cada obra para desvelar sus secretos. No obstante, en BaluArte os ofrecemos un pequeño aperitivo a nuestras visitas.

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La partida de Naipes. Balthus. (Museo Thyssen)

¿UN PINTOR LIBRE? EL ESTILO DE BALTHUS

Una de las cuestiones fundamentales de la obra de Balthus es su independencia de los movimientos de vanguardia de su tiempo, aunque en muchas ocasiones se ha tildado su obra de surrealista. No obstante, el propio artista sí que señaló en su tiempo algunas de sus influencias y referentes que resultan de lo más variopinto: Piero della Francesca, Caravaggio Poussin, Géricault,  Courbet….aunque en nuestras visitas, además de apreciar ciertos detalles que evidencian esta herencia, nuestros guías expertos en arte os descubrirán algunas referencias a movimientos más modernos,  En un análisis más detenido,  como la Nueva Objetividad y los recursos que se utilizaban en las ilustraciones populares de libros infantiles del siglo XIX, como Alicia en el País de las Maravillas.

1512554873_669516_1512555378_noticia_normalPero a pesar de ello, Balthus siguió un camino diferente al del resto de los artistas de vanguardia.Su estilo fue figurativo y absolutamente personal. Sus figuras son rotundas, perfectamente delimitadas por un dibujo muy rotundo que las hace incluso escultóricas en algunas ocasiones y en sus escenas combina elementos que nos traen reminiscencias del lenguaje surrealista, tan lleno de contradicciones, referencias oníricas, erotismo, inocencia y tensión, creando a veces relaciones muy controvertidas entre estos elementos, como esta obra, Thèrese soñando.

UNA INFANCIA LLENA DE ARTE

No es de extrañar que Balthus se dedicase a la pintura, ya que desde su nacimiento en la ciudad de Praga en 1908 fue lo que vio entre sus familiares más directos ( su padre era historiador del arte y su madre pintora).

Un acontecimiento importante de este periodo, la Primera Guerra Mundial, traslada  a su familia a Berlín y a Suiza, y después de la contienda, al separase sus padres se traslada a Ginebra junto con su madre y su hermano mayor. Allí, el nuevo compañero sentimental de su madre, Rainer Maria Rilke asumirá el papel paterno y se convertirá en un verdadero mentor para Balthus.

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La Calle, 1933. Es una de las obras más importantes de Balthus ( MOMA, Nueva York)

LA MADUREZ

Tiempo más tarde, en 1924 Balthus se traslada a París para vivir de la pintura, aunque no quiso recibir ninguna directriz artística de ningún artista consolidado, como hacían la mayor parte de los recién llegados a la ciudad. Aun así, fue orientado por Pierre Bonnard, que era amigo de la familia, del que comenzó en sus inicios a asumir un estilo de tipo postimpresionista, aunque a él le interesasen más los grandes maestros que copiaba en el Louvre.

Después de varios viajes y contactos con artistas importantes del momento se organizó su primera exposición individual en en 1934, en la que recibió críticas favorables pero sin ninguna venta, por lo que para salir adelante comenzó pintando retratos por encargo y haciendo decorados teatrales, una salida muy habitual entre jóvenes artistas hasta que se hizo un hueco entre la selecta clientela parisina, de manera que en la década de 1940 ya era un pintor consolidado. A partir de este momento se empieza a interesar por temas como bañistas y paisajes en los que plasmaba su visión de su nuevo lugar de residencia en Borgoña. Finalmente se trasladará a Suiza con su segunda esposa hasta su fallecimiento en 2001.

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Los buenos tiempos, 1944-46.Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington

Si quieres conocer más en profundidad la obra de este gran artista del siglo XX, y descubrir por qué su obra fue ( y es) tan controvertida no dudes en venir  con Parte del Arte a nuestras visitas guiadas a esta exposición del Museo Thyssen. Una experiencia de conexión con el arte y la vida cultural de Madrid.

Las fechas disponibles son:

-26 de marzo a las 12.45 y 17.30
-28 de marzo  a las 17.15
-29 de marzo a las 17.30
¡Las plazas son limitadas! Date prisa y reserva la tuya en: info@partedelarte.es o en el 645438576.
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