La casa museo de Lope de Vega: el hogar de un genio del Siglo de Oro

Arrancamos esta semana en Parte del Arte nuestra tercera edición de cursos on line y no podemos estar más contentas y agradecidas de la buena acogida que han tenido nuestros cursos Conoce Madrid, Grandes Momentos de la Historia y Exposiciones y Colecciones de Madrid.

Poco a poco vamos recobrando la normalidad, pero mientras llega el momento de vernos de nuevo (lo estamos deseando) hemos decidido continuar con vosotros de forma virtual, compartiendo pequeños paseos culturales en nuestro Instagram todos los días a partir de las 20.00h y noticias e información de interés en todas nuestras redes sociales: Facebook, Twitter, Instagram y Youtube.  Además, como cada semana, en nuestro blog BaluArte os traemos un tema relacionado con el arte, la historia y la cultura de Madrid.

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Natalia Nuñez, fundadora del proyecto Parte del Arte, que cumple este año sus 10 años de vida. ( Foto: Parte del Arte)

MADRID: ESCENARIO DE LA VIDA DE LOPE DE VEGA

Esta semana queremos hablaros de uno de los temas que trataremos en Conoce Madrid esta semana: el Madrid de Lope de Vega y su casa museo.

El Madrid del siglo de oro fue testigo de las andanzas del gran escritor. Hijo de una pareja de montañeses cántabros, Félix Lope de Vega nació en Madrid  el 25 de noviembre (aunque algunos creen que fue el 2 de diciembre). Lo que sus padres no sabían es que se terminaría convirtiendo en uno de los escritores más importantes de la historia de la literatura, conocido en su época con el famoso nombre de “Fénix de los Ingenios”.En el terreno personal fue una persona polémica, muchas veces irreverente y alejado de los estereotipos morales de su época y de vida amorosa agitada a pesar de su faceta como sacerdote. Acérrimo enemigo del otro gran titán del Siglo de Oro, Miguel de Cervantes, vivió la mayor parte de su vida en Madrid, donde escribió gran parte de sus obras.

La curiosidad de Lope

Lope pasó parte de su infancia en Sevilla con su tío Miguel del Carpio, aunque poco después, cuando cumple 10 años, regresa a Madrid para cursar sus estudios en el Colegio Imperial, donde tuvo la oportunidad de demostrar que era un alumno aventajado y precoz, que era capaz de leer con fluidez en castellano y latín y traducir del latín al castellano. También en este periodo escribió algunas comedias: El Verdadero Amante y La pastoral de Jacinto. 

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Atribuida a Eugenio Cajés. Retrato de Lope de Vega, ca. 1627. Casa Museo de Lope de Vega. ( Foto: museoteca.com)

Con tan solo quince años ingresó en la Universidad de Alcalá de Henares donde cursó el bachillerato y al finalizar sus estudios, viajó a Salamanca para seguir con su financiación, aunque este acontecimiento de su vida todavía no se ha podido documentar con claridad.

Lope no fue sólo un hombre letras. Parece ser que siempre fue una persona curiosa y con un gran afán por aprender de diferentes materias, lo que explica sus estudios de Matemáticas y Astrología junto al cosmógrafo mayor de Felipe II, Juan Bautista Labraña y en Artes Liberales con Juan de Córdoba. Siempre destacó por ser un excelente estudiante.

UNA VIDA AMOROSA MUY AGITADA

La vida amorosa de Lope fue igual de intensa que su vida intelectual. De sus muchas relaciones amorosas algunas fueron de especial relevancia y calaron profundamente en él, lo que se ve reflejado en su obra. Se conocen once mujeres en la vida de Lope, además de sus dos esposas, relaciones que varían en cuanto a importancia, intensidad y duración.

Su primer amor conocido fue María de Aragón, con la que tuvo una hija, que murió sin haber llegado a cumplir los cinco años.

La siguiente mujer en aparecer en su vida fue Elena Osorio, una mujer casada con el actor Cristóbal Calderón. Después de cuatro años de relación ella terminó abandonando a Lope. Despechado por este acontecimiento emprendió una fuerte campaña de desprestigio contra su ex amante y comenzó a escribir injurias que le terminaron condenando al destierro en Alba de Tormes, donde permaneció durante ocho años.

En el año 1598 Lope de Vega se casa con Juana de Guardo, con la que tendría cuatro hijos: Jacinta , Juana , Carlos Félix y Feliciana, en cuyo parto murió Juana de Guardo.

Después de una amante portuguesa desconocida, manutvo una relación con Antonia Trillo de Armenta, una rica y atractiva mujer viuda que mantenía una casa de juegos en la Plaza de Matute.
Posteriormente conocerá a otra de las mujeres más importantes en su vida, Micaela de Luján. Una mujer de una belleza extraordinaria pero inculta y analfabeta. Con ella se convirtió en padre por segunda vez, en este caso de cuatro hijos, de los cuales sólo llegaron dos a la edad adulta: un niño llamado Lope Félix y una niña llamada Marcela, que en su juventud se convirtió en monja y que ha pasado a la historia como Sor Marcela de San Félix, una de las poetisas más importantes del siglo de Oro. Micaela de Luján aparace en las obras de Calderón como Camila Lucinda. La relación duró nueve años.

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Autor desconocido. Retrato de Sor Marcela de San Félix, poetisa e hija de Lope de Vega, ca. 1635, Convento de las Trinitarias Descalzas.( Foto: wikipedia.org)

Pero Lope parecía tener una tendencia natural a los enredos, lo que le llevó a mantener una relación amorosa intermitente con una íntima amiga casa, Jerónima de Burgos, que había sido madrina en el bautismo de su hijo Lope Félix.

Después de otra serie de amantes y relaciones menos significativas, Lope se enamoró de Marta de Nevares Serrano, una mujer casada desde los 13 años con Roque Fernandez, un hombre de negocios mucho más mayor que ella. Marta era una mujer de gran belleza y aunque Lope se había ordenado sacerdote recientemente, cayó rendido a sus pies.

Su relación fue polémica por la naturaleza de ambos (de “cura viejo” él y de joven casada ella) que se intensificó cuando tuvieron una hija, Antonia Clara, a la que tuvieron que inscribir como hija de Roque Fernández. Marta fue el último gran amor de Lope de Vega, a quien cuidó hasta que falleció en el año 1632, dejando al escritor sumido en una profunda tristeza. Fallecerá el poeta apenas tres años después.

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Ignacio Suárez Llanos, Sor Marcela de San Félix viendo pasar el entierro de su padre, Lope de Vega.1862. ( Foto: wikiwand.com)

LA VIVIENDA

En la actual calle Cervantes ( en la época Calle Francos), se encontraba la casa en la que vivió los últimos 25 años de su vida Lope de Vega. El escritor la compró por 9000 reales en el año 1610 como residencia para él y su familia.

Aunque a lo largo de estos más de cuatrocientos años de historia la vivienda ha sufrido muchas modificaciones todavía conserva en la actualidad algunas estructuras originales y ciertos aposentos en su ubicación inicial.

En el caso de las dependencias que no han podido documentarse pero que se conoce de su existencia se ha realizado un gran trabajo de investigación para poder recrear el ambiente original de la forma más exacta posible.

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Escalera de la Casa Museo de Lope de Vega. ( Foto: Parte del Arte)

La vivienda consta de planta baja, primera planta, una segunda planta abuhardillada y un jardín.

En la planta baja del edificio no se han encontrado evidencias suficientes para reproducir la distribución original de los aposentos. Se cree que, al igual que en otras viviendas similares de la época, en esta planta estaría el espacio para recibir visitas inesperadas, espacios pequeños probablemente para los hijos o invitados de paso, huéspedes o alguna criada y también la zona de la cocina.

Desde el centro de la escalera situada en el centro de la planta de entrada accedemos a la primera planta, donde existe un descansillo donde antes hubo un distribuidor de aposentos. En la primera crujía nos encontramos el estudio de Lope de Vega en el que podemos apreciar su escritorio, el recado de escribir y un gran número de libros que ponen de relieve la faceta más cultivada del escritor. De la pared cuelga el retrato de Lope, atribuido a Eugenio Cajés y pintado hacia 1627.

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Estudio del poeta en la Casa Museo de Lope de Vega. ( Fotos: Parte del Arte)

También en esta crujía se encuentra el estrado, estancia de uso femenino. Era el lugar donde las mujeres pasaban su tiempo cosiendo o recibiendo visitas. Está fielmente recreado con su brasero, sillas bajas, taburetes, bufetes, espejos y tapices.

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Estrado, Casa Museo de Lope de Vega. ( Foto: Parte del Arte)

En la segunda crujía se ubica la alcoba de Lope y el oratorio, que estaba ubicado en un lugar preferente de la vivienda y escogido de forma intencionada para que, en los días en los que el escritor no se encontraba bien de salud, pudiese, a través de una pequeña ventana, desde su cama, seguir el servicio religioso del oratorio celebrado por otro sacerdote.

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Alcoba de Lope, en la Casa Museo Lope de Vega. ( Foto: Parte del Arte)

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Imagen de San Isidro Labrador  perteneciente al retablo original de la casa en el Oratorio de la Casa Museo de Lope de Vega. ( Foto:Parte del Arte)

La tercera crujía, con fachada y vistas hacia el jardín, se encuentra el comedor, la cocina y la alcoba de las hijas de Lope.

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Comedor en la Casa Museo de Lope de Vega. ( Foto: Parte del Arte)

A continuación, subiendo de nuevo las escaleras, nos encontramos con el piso abuhardillado que aloja otras dependencias más pequeñas, entre las que se encuentra el cuarto de las criadas, alcobas y una recreación de los aposentos del Capitán Contreras, invitado en la casa de Lope durante ocho meses.

La casa de Lope contaba también  cuenta con un huerto y un jardín, dos de los espacios con más encanto de la vivienda, ya que el poeta le dedicó mucho tiempo, cuidando las flores y los árboles y dando largos paseos cada día por la mañana y al anochecer.

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Jardín de la Casa Museo Lope de Vega ( Foto: Casa Museo Lope de Vega)

A través de sus versos se ha podido conocer el aspecto que tenía el jardín y el huertecillo, donde siempre había jaulas para pájaros, que se cambiaban de ubicación según la estación para resguardar a la aves bien del frío excesivo del invierno del calor sofocante del verano.

También existen referencias a los árboles: naranjos, laureles, ciprés, una higuera y naranjos y a flores, las criaturas prferidas de Lope:  madreselva, tulipanes, claveles, azucenas, rosales, rosa mosqueta, jazmines, madreselva, tulipanes, lirios, que según las palabras del poeta “que dan hojas de espada”, violetas,jacintos, alelíes, tudescas que el autor afirma“que parecen llamas”, narcisos, jacintos, alelíes, jazmines valencianos …

En el huerto se cultivaban fresas, hierbas olorosas, alcachofas y espárragos.

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Detalle del Huerto de la Casa Museo Lope de Vega ( Foto: Visitando Madrid)

A la hora de llevar a cabo la rehabilitación de la casa y en su proyecto museográfico se ha tenido muy en cuenta el amor especial que Lope sentía por este espacio, intentando ser lo más respetuoso posible con respecto al jardín y huerto original. Se convierte así en un lugar en el que el ” Fénix de los ingenios” está más vivo que nunca.

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Detalle de uno de los bufetes de la Casa Museo Lope de Vega. ( Foto:Parte del Arte)

Si te ha parecido interesante este artículo recuerda que puedes acceder a más contenido y enterarte de las últimas novedades de Parte del Arte en nuestra web www.partedelarte.com y en nuestras Redes Sociales: Instagram, Facebook, Twitter y en nuestro canal de Youtube. Además, en nuestro blog publicamos un artículo semanalmente. Conecta con nosotras, te estamos esperando.

 

 

 

JOSÉ ZORRILLA, EL POETA DE TODOS

Este año 2017 se cumplen 200 años del nacimiento del gran escritor José Zorrilla. Algunas instituciones públicas se han hecho eco del acontecimiento, como la Biblioteca Nacional de España ( Madrid)  que le ha dedicado una exposición temporal. En Parte del Arte nos sumamos a esta importante efeméride cultural  con uno de nuestros exclusivos viajes culturales. El próximo sábado 16 de diciembre os proponemos una visita al Valladolid romántico de José de Zorrilla, en el que visitaremos su casa museo, recorreremos las calles de la ciudad que fueron testigos de su vida y culminaremos visitando uno de los mejores museos de nuestro país, el Museo Nacional de Escultura. Puedes consultar toda la información en nuestra página web.

UN SIGLO DE CONTRASTES

José de Zorrilla pertenece estilísticamente hablando a la corriente del romanticismo literario. Junto con otros autores nacidos entre la Guerra de la Independencia y el Trienio Liberal, Zorrilla contribuyó, al igual que Gustavo Adolfo Bécquer o Rosalía de Castro, a abrir una nueva e importante etapa en la historia de nuestra cultura, toda una hazaña dada la delicada y convulsa situación política de nuestro país durante gran parte del siglo.  La lectura de la obra de Zorrilla nos desvela una nueva forma de entender las relaciones del hombre con el mundo, con la sociedad e incluso consigo mismo.

La corriente romántica plasma una mirada subjetiva  del drama de la existencia humana, de ese hombre contemporáneo que vive en un mundo cada vez más cambiante. Fruto de esa introspección, el Romanticismo en España se torna contradictorio. Por un lado, se ensalza la rebeldía (es el siglo de las grandes revoluciones) y por otro, se impone con contundencia el regreso a las tradiciones religiosas y políticas que habían sido puestas en peligro en el siglo XVIII por los racionalistas. En esta ideológica se sitúa la obra de Walter Scott en Inglaterra y la del propio Zorrilla, junto con el Duque de Rivas, en nuestro país. El paso devastador de las tropas de Napoleón en España hicieron que la vuelta a la monarquía legítima, personificada en la figura de Fernand VII, era la mejor solución, ya que implicaba la recuperación de los valores tradicionales de la Iglesia y el Estado.

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Antonio María Esquivel. Los poetas contemporáneos. Una lectura de Zorrilla en el estudio del pintor. Museo Nacional del Prado ( ficha completa aquí)

La otra cara de la moneda es la del Romanticismo Revolucionario. Es el que combate contra el orden establecido,  y está encabezado por ciudadanos libres que reclaman los derechos del individuo frente  a los de la sociedad. Fuera de nuestras fronteras podemos situar a Lord Byron y Victor Hugo a la cabeza, mientras que en España esta corriente se ve representada en la figura de José de Espronceda.

DE ABOGADO A ESCRITOR DEL PUEBLO

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José de Zorrilla nació en Valladolid en 1817. Era hijo de Jose Zorrilla Caballero, un jurista de ideología absolutista que se empeñó en que su hijo siguiera sus pasos en el mundo de las leyes, como era habitual en aquellos tiempos. Lo intentó varias veces, le envió a diferentes centros universitarios pero todo resultaba inútil, de modo que decidió envíralo a Lerma para que se dedicara al trabajo en el campo. Pero en lugar de coger la azada Zorrilla escapó a Madrid, donde quería probar suerte como escritor. A pesar del éxito que llegó a alcanzar con sus obras teatrales y sus libros, su padre nunca le perdonó la huida y esta cuestión obsesionó a Zorrilla durante toda su vida (En una ocasión escribió: Mi idea fija era hacer famoso el nombre de mi padre, para que éste, volviéndome a abrir sus brazos, me volviera a recibir para morir juntos en nuestra casa solariega de Castilla; única ambición mía y único bien que Dios no ha querido concederme)

Una vez en Madrid y gracias a algunos amigos que le ayudaron pudo comenzar su andadura. Parte de sus primeros escritos formaron parte de la revista  El Artista, la publicación con más prestigio del Romanticismo español. Impulsada por los hermanos Madrazo y el crítico y traductor Eugenio Ochoa, esta revista daba cabida a las nuevas tendencias estéticas que afloraban en  España tras el absolutismo. Su primer poema fue “Trovador” y decía así:

De un elevado castillo
que Arlanza orgulloso baña,
un trovador elegante
en la puente se paraba.
En el rastrillo golpea
con el pomo de una daga,
y en los góticos salones
ronco el eco se propaga.
Un joven doncel, del fuerte
presentóse en la muralla,
y con semblante halagüeño
dijo en alta voz: «¿Quién llama?»
El Trovador que le ha oído
dirigióle aquesta fabla:
—«Si llegado es en buen hora,
un pacífico infanzón,
que envía a vuestra señora
don Rodrigo de Aragón».
Se alzó a este tiempo el rastrillo,
y en el patio tuvo entrada;
un paje tomó el corcel
por las riendas plateadas,
y el gallardo trovador
por los salones se entraba.

( para leer el poema entero pincha aquí)

También estuvo vinculado a otras publicaciones como El Español ( para el que había trabajado Larra) y El Porvenir, puesto en marcha por sus amigos Joaquín Francisco Pacheco y Juan Donoso Cortés

En el año 1937 se producirá un punto de inflexión en la carrera de Zorrilla, ya que tuvo la oportunidad de darse a conocer leyendo unos versos suyos en el funeral de Mariano José de Larra , un evento que reunió a lo más granado de la cultura romántica de aquel momento.

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Portada de la revista El Artista, en la que escribió asiduamente José de Zorrilla

A pesar de que su vida profesional marchaba viento en popa, no se puede decir los mismo de la vida personal de Zorrilla. En el año 1839 se casó con Florentina O`Reilly pero fue un matrimonio infeliz que le hizo huir nuevamente, esta vez e España, hacia París, donde se relacionó con la intelectualidad del momento. Regresó a España tras la muerte de su padre pero permanecerá poco tiempo, ya que regresará a París, después a Londres y finalmente se irá a América, estableciéndose en Mexico por un porolongado periodo de tiempo, donde se convirtió en director del Teatro Nacional.

Tras el fusilamiento del  emperador Maximiliano de Habsburgo en Mexico y debido a la tensa situación política del país, decide regresar a España. Al emperador le dedicará estos versos:

Oye, pueblo sagaz, republicano
que llevas “Dios y libertad” por lema,
tu dios es un vil ídolo: en su insano
furor, de Dios tu libertad blasfema.
Tiene la libertad limpia la mano
de oro y de sangre, su equidad suprema
de la equidad de Dios es santa hermana.
¿Es esta libertad la mejicana?

( Versos completos pinchando aquí)

Pero si por algo Zorrilla ha pasado a la historia es por ser ese poeta del pueblo español con carácter y estilo natural y honesto. Su facilidad para la versificación y su desvinculación directa con la política hicieron que sus obras llenasen las salas de teatro, aunque también le granjeó algunos enemigos. Zorrilla, como muy pocos en la historia, cautivó a las élites y a las clases populares. Sus versos eran recitados por el público versado y aprendido de memoria por los analfabetos, ya que muchas de las leyendas que escribió Zorrilla formaban parte del acervo cultural de la España decimonónica. Fue, en definitiva quien le puso letra a la compleja sociedad de su tiempo.

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Vitrina con libros en la Casa Museo José de Zorrilla en valladolid

Si quieres conocer más sobre Zorrilla no dejes de apuntarte a la salida cultural Parte del Arte a Valladolid el próximo 16 de diciembre, en la que visitaremos su casa museo, recorreremos el Valladolid Romántico y conoceremos el Museo Nacional de Escultura a través de una fascinante visita guiada. Entra en nuestra web pinchando aquí y reserva ya tu plaza.

¡Te esperamos!

 

UN OASIS DE ARTE ESPAÑOL EN AMÉRICA: LA HISPANIC SOCIETY

En Parte del Arte tenemos un compromiso con la cultura y por ello siempre organizamos visitas guiadas a las exposiciones temporales más relevantes de Madrid. Este año una de las citas imprescindibles es la exposición que el Museo Nacional del Prado ha organizado junto con la Hispanic Society y en la que se dan cita piezas de suma calidad e importancia del arte español. A través de visitas guiadas VIP, en grupos muy reducidos, os desvelamos los secretos de las obras en un recorrido de  deleite y disfrute incomparable.

Pero, ¿Qué es la Hispanic Society? ¿ Por qué tiene tanto arte español? Os lo contamos a continuación.

UN APASIONADO DE ESPAÑA: Archer Milton Huntington 

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Fotografía de Archer Milton Huntington

El origen de esta importante institución se remonta al año 1904 cuando Archer Milton Huntington, bibliófilo, poeta, coleccionista, arqueólogo e hispanista decidió formar una sociedad para el estudio de la cultura española con sede en Nueva York. Heredero de una gran fortuna familiar, durante su juventud se dedicó a viajar y comprar piezas de arte hispánico, por lo que crear la sociedad constituyó la culminación de uno de sus mayores sueños. El objetivo era crear un museo y una biblioteca para fomentar  la apreciación rigurosa de la cultura española y profundizara en el estudio de la literatura y el arte de España, Portugal y América Latina.

Además, él mismo se encargó de estudiar y divulgar personalmente la cultura hispánica, sobre todo la española. En 1892 viajó por primera vez a la Peninsula Ibérica y aprendió el español con la perfección suficiente como para escribir versos en nuestro idioma, además de realizar una cuidada edición en tres tomos del Cantar de mio Cid que supuso la primera edición completa en inglés además de las notas y el texto original en castellano. Fue también un apasionado de la ciudad de Sevilla, por lo que fue nombrado hijo adoptivo y miembro de la Real Academia de las Buenas Letras.

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Escultura del Cid junto a la fachada de la sede de la Hispanic Society en Nueva York

Su colección es tan variada y tiene tanta calidad que es una de las que recorre mejor nuestra historia.  Ninguna otra institución en el mundo, incluyendo España, permite por sí sola un recorrido tan completo por nuestra historia, arte y cultura. Una oportunidad única para disfrutar de piezas que se atesoran a miles de kilómetros de nosotros.

UN LUJOSO RECORRIDO POR NUESTRA HISTORIA

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Detalle de los Relicarios de Santa María y Santa Magdalena, de Juan de Juni ( Hispanic Society)

La exposición del Museo del Prado ha sido posible gracias a la ampliación de la sede de la Hispanic Society de Nueva York y nos ofrece un delicioso recorrido cronológico a través de piezas que abarcan desde la Prehistoria hasta arte del siglo XX, y algunas de ellas se muestran en esta exposición de forma inédita. El arte islámico, colonial y el siglo XIX latinoamericano también están presentes en las salas como un reflejo del espíritu del fundador.

Entre las obras que más destacan en la muestra nos encontramos con incunables, piezas muy significativas de la cultura celtíbera y visigodas, búcaros de las Indias…y una amplia selección de pintura que permite una reconstrucción de la identidad artística hispana. Autores como Valdés Leal, Murillo, Zurbarán, El Greco… tienen una especial relevancia dentro de las colecciones que van desde el siglo XI al XVIII.

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La vuelta del hijo pródigo. Murillo ( Hispanic Society )

 

También destacan importantes obras de  Velázquez, como Retrato de una niña, Camillo Astalli y Gaspar de Guzmán, Conde-Duque de Olivares y el famosísimo retrato de la Duquesa de Alba de Goya.

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Camillo Astalli. Diego de Velázquez ( Hispanic Society)

También los siglos XIX Y XX tiene una importante presencia con obras de algunos de los más destacados artistas  del modernismo como Santiago Rusiñol y en especial Zuoloaga y Sorolla, a quien le encargaron los conocidos lienzos de las provincias.

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Muchachas de Burriana. Anglada Camarasa ( Hispanic Society)

Además de la pintura, la colección de escultura y artes decorativas es una de las más completas del mundo con piezas muy significativas desde la Prehistoria hasta el siglo XX: piezas de orfebrería renacentista y barroca, cerámica de Manises, Talavera y Alcora, piezas textiles como un Fragmento de la túnica del príncipe Felipe de Castilla y una pieza de seda nazarí.

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Detalle un precioso píxide hispanomusulman ( Hispanic Society)

UNA FUENTE DE CONOCIMIENTO: LA BIBLIOTECA

El afán y los intereses bibliófilos del fundador contribuyeron a la creación de una de las mayores bibliotecas de temas hispánicos del mundo. Por ello, gran parte del tesoro que se puede contemplar en la exposición está relacionado con el mundo de los libros y manuscritos, con piezas de gran valor histórico, documental o artístico. Algunas de las joyas que se pueden contemplar son: el Privilegio emitido por Alfonso VII rey de Castilla y León, las excepcionales Biblia sacra iuxta versionem vulgate Biblia hebrea; cartas únicas como las Instrucciones del Emperador Carlos V a su hijo Felipe, la Carta dirigida a Felipe II de Isabel I, reina de Inglaterra o la Carta manuscrita, firmada “Diego de Silva Velazquez” para Damián Gotiens; y destacados ejemplos cartográficos como el Mapamundi portolan, 15 cartas manuscritas iluminadas, de Battista Agnese o el Mapamundi de Juan Vespucci.

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Mapamundi de Juan Vespuci ( Biblioteca de la Hispanic Society)

No te pierdas la oportunidad de conocer con Parte del Arte una de las mejores colecciones del mundo de una forma exclusiva, en grupos reducidos, en las que nuestros guías especializados en arte te explicarán cada detalle de las piezas dentro de su contexto para que le saques el máximo partido a esta experiencia cultural.

Próximas fechas:

  • Miércoles 12 de julio a las 11.30h.
  • Jueves 13 de julio a las 11.30h.

¡Te esperamos!

¿ESCUCHAR COLORES Y VER SONIDOS? Los orígenes del arte sonoro

Dentro de las actividades culturales programadas en Parte del Arte para los meses de noviembre y diciembre y dentro de nuestro curso Exposiciones Temporales estamos desarrollando visitas guiadas a una de las exposiciones más interesantes y diferentes del panorama actual en Madrid : Escuchar con los ojos. Arte Sonoro en España entre 1961 y 2016, en la Fundación Juan March. Una propuesta acompañada de un ciclo de conciertos que la complementa y ayuda a comprender el origen del Arte Sonoro, una disciplina artística en pleno desarrollo y con un marcado carácter experimental.

Hoy en BaluArte os hablaremos de cómo empiezan a surgir el interés por el sonido como materia artística y las primeras experimentaciones que se llevaron a cabo en este campo.

¿Nos acompañas?

¿POR QUÉ LOS COLORES CHILLAN, SON SUAVES O HUELEN?

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Colores “que chillan”

La experimentación con el sonido es algo que entraría de lleno en el mundo del arte a principios del siglo XX con la llegada de las Vanguardias Artísticas. En un primer momento surge en relación a las artes plásticas mediante la plasmación de las sinestesias que sentían los diferentes artistas. La sinestesia es un fenómeno neurofisiológico a través del cual los seres humanos somos capaces de asociar entre sí estímulos de diferentes procedencia, por ejemplo colores con sonidos. Este fenómeno no se da en todos los seres humanos pero en realidad sí que se trata de un concepto que utilizamos en nuestra vida diaria de forma prácticamente inconsciente ( por ejemplo cuando hablamos de “amarillo chillón” todos sabemos a lo que nos referimos a pesar de que “chillón” no sea una cualidad visual).

Las sinestesias, además, se pueden dar a muchos niveles según la persona, hay personas que asocian palabras a colores, colores o palabras a olores…las combinaciones son realmente variadas. Algunos expertos y neurólogos han establecido que gran parte de las sinestesias que sienten algunos seres humanos provienen de las primeras etapas de la infancia y que se basan en el sistema del aprendizaje en el que haya participado esa persona. Si para aprender los números a un niño le ponen siempre el 1 de color azul y el 2 de color rojo es probable que aunque la persona no recuerde posteriormente ese momento de su vida siempre relacionará en su mente esos números a determinados colores.

A lo largo de la historia han sido muchos los artistas de todos los ámbitos los que han afirmado sentir estas sinestesias y en torno a ellas han surgido movimientos artísticos y literarios.

En el caso de la literatura al hablar de sinestesia nos estamos refiriendo a una figura retórica que asociaba sensaciones percibidas por los sentidos físicos: tacto, olfato, gusto, vista y oído con sensaciones internas como los sentimientos. Para su desarrollo los autores han recurrido con frecuencia a la metáfora, creando lo que se llama metáfora sinestésica.

Este tipo de figuras literarias se han desarrollado desde la Antigüedad ( algunos ejemplos en obras de Virgilio) y en nuestro país durante el Barroco.

Pero el momento en el que la sinestesia se desarrolla plenamente dentro de la lírica es en el siglo XIX, especialmente en Francia dentro de lo que se conoció como “simbolismo”. En este movimiento destaca el poeta francés Arthur Rimbaud creó un soneto dedicado a las vocales, adjudicando a cada una de ellas un color:

A negra, E blanca, I roja, U verde, O azul: vocales,

Un día diré vuestros nacimientos latentes:

A, negro ajuar velludo de moscas relucientes

Que bombinan en torno a marismas brutales,

Golfos sombríos; E, candor de tienda, ardiente,

Lanzón glaciar, rey blanco, umbelas espasmales;

I, púrpuras, esputos, la risa de labiales

Bellezas en la cólera o embriagueces sufrientes;

U, ciclos, vibramientos de Dios en mar virido,

Paz de pastos sembrados de bestias, paz de hundido

Surco alquímico impreso en frentes de estudiosos;

O, supremo Clarín de estridores rotundos,

Silencios perforados por Ángeles y Mundos;

¡O, la Omega, centella violeta de Sus Ojos!

El simbolismo francés tuvo su correspondencia en España en lo que conocemos como Modernismo literario. Autores como Rubén Darío o Juan Ramón Jimenez son perfectos ejemplos de sinestesias literarias:

Duerme, que así me abismo en tu amor sordo,

ciego, mudo para mi ruego,

cual si fueras Dios mismo

( Juan Ramón Jiménez)

¡Salve al celeste sol sonoro!

(Rubén Darío)

EL GRAN DESCUBRIMIENTO DE KANDINSKY

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Vasili Kandinsky. Acuarela abstracta, 1911

En el mundo de las artes plásticas han sido también muchos los artistas que han manifestado sentir este tipo de sensaciones, sobre todo a partir de finales del siglo XIX, un momento de gran experimentación en estas cuestiones. El primer artista que comenzó a teorizar sobre la sinestesia fue el pintor ruso Vasili Kandinsky.

Los violines, los profundos tonos de los contrabajos, y muy especialmente los instrumentos de viento personificaban entonces para mí toda la fuerza de las horas del crepúsculo. Vi todos mis colores en mi mente, estaban ante mis ojos. Líneas salvajes, casi enloquecidas se dibujaron frente a mí”

Estas fueron las palabras que utilizó para describir su primera experiencia sinestésica. Todo sucedió tras asistir a la representación en Moscú de la colosal ópera Lohengrin de Wagner. Para él descubrir que tenía el don de tener percepciones múltiples fue algo de gran importancia y transformó por completo su forma de concebir sus creaciones.

El concepto de “obra de arte total” de Wagner fue algo que le fascinó y le llevó a crear su propia obra de arte total a partir de sus pinturas, concretamente lo plasmó en un ciclo de obras diseñadas con nombre de colores: sonido amarillo, sonido verde, sonido blanco y negro y sonido violeta en las que combinaban la música, el ballet, el juego y la pintura. La música fue del compositor y violinista Alexander Scriabin, música que también afirmaba tener experiencias sinestésicas.

En Sonorité Jaune (sonido amarillo) nos cuenta las tribulaciones de un gigante amarillo. En esta pieza de “arte total” el genio ruso despliega toda la complejidad de sus teorías: la duplicación y multiplicación de las formas como forma de representación de la ascensión mística, la transformación espiritual del gigante…Una “aventura cósmica” como él la definió. A medida que transcurría la historia el gigante se disuelve y desparece completamente en el color amarillo.

Lamentablemente no conservamos ninguna grabación de cómo fue esta experiencia sinestésica pero si de algo algo han servido los textos y obras de Kandinsky es para alimentar la inspiración de numerosos artistas que a lo largo de la historia han creado nuevas obras a partir de sus teorías y colores que cantan, susurran, bailan. Os ofrecemos una serie de vídeos en los que podréis ver esta relación explosiva de colores y sonidos, desde la música de Scriabin hasta los modernos montajes en los que los sonidos van construyendo las formas, como si fuese el propio Kandinsky quien va dibujando la música.

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Rueda de equivalencias entre colores y notas establecida por Alexander Scriabin

Las experiencias sinestésicas fueron el punto de partida en la experimentación artística con el sonido, que con el tiempo ha derivado en el nacimiento reciente del arte sonoro, una disciplina artística que ha tenido un gran desarrollo en España y a la que la Fundación Juan March dedica una gran retrospectiva. En las visitas guiadas de Parte del Arte te desvelamos todos los secretos de esta disciplina artística injustamente escasa en nuestros museos. Una oportunidad única para disfrutar en Madrid de una experiencia cultural interdisciplinar en la que podremos ver, escuchar y tocar el arte.

Esther Arce Bayón