Los inmortales retratos de Rembrandt. Una galería de emociones.

El mes de febrero en Madrid se viste de arte y son varias las exposiciones de gran interés que se inauguran en los próximos días. En Parte del Arte, por supuesto, somos las primeras en ofrecértelas a través de nuestras visitas guiadas para que estés al día con la tendencia artística y cultural de Madrid.

Hoy queremos hablaros de una de las muestras más esperadas para los amantes de la pintura y que estaremos guiando los días 21 de febrero, 29 de abril y 30 de abril. Se trata de Rembrandt y el retrato en Ámsterdam, 1590-1670, en el Museo Thyssen, una exposición en la que se toma como referencia de forma exclusiva el género del retrato, uno de los que más cultivó el gran genio del siglo XVII y en el que, como en otros géneros, destacó por encima de sus contemporáneos.

Si quieres saber lo que te descubriremos en nuestras visitas guiadas… ¡Sigue leyendo!

UNA MUESTRA CON GRAN AMBICIÓN

En la exposición, comisariada por Norbert E. Middelkoop, nos encontramos con una selección de casi un centenar  de pinturas y grabados que incluyen algunos de los mejores ejemplos de la retratística de Rembrandt y de sus contemporáneos, en los que dejó una importante huella.

La muestra cuenta con la colaboración de la Comunidad de Madrid y el apoyo de JTI y cuenta con préstamos de un gran número de importantes instituciones y pinacotecas como el Amsterdam Museum, el Rijksmuseum de Ámsterdam, el Metropolitan de Nueva York, la National Gallery de Washington y The National Gallery de Londres, . Muchas de las obras prestadas se pueden ver por primera vez en España, y algunas de ellas son prestadas por primera vez con ocasión de la muestra del Thyssen, como es el caso del retrato de un joven procedente del Nelson Atkins Museum de Kansas.

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Retrato de un hombre en un escritorio, 1631. Rembrandt. Museo del Ermitage, San Petersburgo.

La muestra sigue un orden cronológico, que abarca desde la tradición retratística inmediatamente anterior a la llegada de Rembrandt a Ámsterdam, el inicio de la renovación del género, proceso en el que Rembrandt fue decisivo, pasando por la efervescente producción de retratos en Ámsterdam en la “etapa dorada” pintor y sus últimas obras, en las que continuó  su trayectoria de una forma marcadamente personal.

También la exposición dedica, como broche final del recorrido, una excelente galería de grabados del genio holandés,  una técnica que trabajó con gran maestría y con la que también realizó excelentes retratos.

EL RETRATO ANTES DE REMBRANDT

Rembandt Harmenszoon van Rijn nació en Leiden en 1606 y no llegó a la ciudad de Ámsterdam hasta la década de 1630. En esta ciudad, entre 1590 y 1630 y fruto del auge económico en el que estaba inmersa la economía holandesa, existía un grupo de retratistas relativamente numeroso  que respondía a una alta demanda de este tipo de pintura. Entre los clientes de estos artistas se encontraban las personas que se habían enriquecido en este periodo de prosperidad o que habían contribuido a su desarrollo: antiguas familias de la ciudad, ricos inmigrantes de otras localidades y países… Muchas de estas familias y personalidades necesitaban viviendas adecuadas ( con su correspondiente ornamentación acorde a su estatus social) y las organizaciones cívicas precisaban de lugares de reunión representativos. Cualquiera que dispusiera del suficiente espacio en la pared y anhelase ser recordado era el cliente perfecto para los cada vez más numerosos retratistas de Ámsterdam.

Al tratarse, por tanto, de un género tan popular, podemos encontrar una gran variedad de tipos de retratos: artesanos trabajando, retratos individuales de eruditos y hombres de negocio de éxito, familias, gobernantes…y un gran número de retratos colectivos, entre los que destacaron los de cirujanos impartiendo lecciones de anatomía, hermandades o miembros de gremios.

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Gobernantas y celadoras de la Spinhuis, 1638. Dirck Santvoort. Amsterdam Museum

Rembrandt fue invitado a la ciudad por Hendrick Uylenburgh, marchante y pintor que lo convirtió en el director de su estudio de pintura, cargo que ostentó hasta 1636. Durante estos años Uylenburgh le introdujo en los círculos sociales de la ciudad, lo que supuso para Rembrandt la oportunidad de conocer clientes y mecenas. Además, se casó con Saskia Uylenburgh, hermana del marchante, lo que también contribuyó al ascenso social de Rembrandt. Pronto se convirtió en un fuerte competidor para su cuñado, se emancipó y abrió su propio estudio de pintura en Ámsterdam, en el que desarrolló varios géneros. Fueron años de prosperidad económica y reconocimiento para el pintor.

ÁMSTERDAM: CIUDAD DE RIVALES

El reconocimiento como gran retratista de Rembrandt y de otros de sus contemporáneos causó un efecto llamada, lo que derivó en una gran oleada de ambiciosos pintores que llegaban a la próspera ciudad con la idea de beneficiarse de la gran demanda de retratos. También llegaron a ser retratistas de éxito algunos de los colaboradores y alumnos de Rembrandt, como Ferdinand Bol, Govert Flinck o Gerbrand van den Eeckhout.

La ciudad de Ámsterdam se convierte así en escenario de un ambiente de sana competencia  artística, una verdadera lucha por conseguir el mayor número posible de encargos, lo que se tradujo en una extraordinaria calidad de los retratos, fruto del esfuerzo de sus autores por  deslumbrar a sus clientes en un lugar donde las opciones cada vez más numerosas.

AL MARGEN DE LAS TENDENCIAS. LA AUTENTICIDAD DE REMBRANDT.

En 1642 se produce un punto de inflexión en la carrera de Rembrandt al fallecer su esposa. El pintor se queda viudo y al cargo de su hijo Tito, de apenas un año de edad. Su ritmo de trabajo comienza a disminuir y enseguida llegan los problemas económicos.

En 1647 ingresa en el servicio de su vivienda la que se convertirá en su pareja definitiva, Hendrickje Stoeffels, con la que tendrá a su hija Cornelia. La imposibilidad de volver a casarse con su nueva compañera ( ya que perdería la herencia de su esposa fallecida), les convirtió en una pareja señalada socialmente, lo que contribuyó a que su situación fuese cada vez más delicada.

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Mujer con capa de piel, posiblemente Hendrickje Stoffels, 1652. Rembrandt. The National Gallery, Londres.

Hacia mediados de siglo, además, el panorama artístico de Ámsterdam estaba experimentando algunos cambios. Empezaron a surgir una serie de artista precursores de un estilo “académico” con una orientación más internacional en los retratos, que enseguida comenzó a sustituir el estilo anterior.

Sin embargo, y a pesar de las dificultades, Rembrandt siguió su propia evolución estilística y se mantuvo fiel a su estilo, reduciendo los colores de su paleta y desarrollando un estilo que se consideró demasiado adusto e inadecuado para algunos encargos oficiales, lo que le desvió de ciertos circuitos que podrían haberle reportado beneficios. Aún así, Rembrandt continuó pintando y recibiendo encargos; aunque no tuvo el éxito de etapas anteriores seguía siendo considerado un artista importante y reconocido que influyó en numerosos artistas posteriores.

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Venus y cupido, posiblemente Hendrickje y Cornelia, hacia 1657. Rembrandt. Museo del Louvre, París.

Rembrandt les otorgó a sus retratados una libertad poco usual en el mundo del retrato, siendo uno de los impulsores de la renovación retratística del primer tercio del siglo XVII. Sus protagonistas adquieren un tratamiento similar al de los personajes mitológicos de sus obras: poses dinámicas que sugieren la interacción con el público, utilización del claroscuro, cualidades narrativas….y sobre todo, la representación de las emociones humanas. Con el paso del tiempo el interés de Rembrandt se fue centrando más en los rasgos esenciales de sus retratados concentrados especialmente en el rostro, lo que le llevaba a un interés mayor en la representación del carácter o la personalidad que en el parecido físico del retratado.

Esta extraordinaria capacidad de hacer conectar al espectador con el retratado es la clave del éxito del Rembrandt retratista, que consiguió que, en pleno siglo XXI, sus obras sigan causando una fascinación sin límites.

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Autorretrato dibujando frente a una ventana, 1648. Rembrandt. Biblioteca Nacional, Madrid.

¿Quieres sentir en tu propia piel esta fascinación? En Parte del Arte lo hacemos posible, ofreciéndote una experiencia mucho más allá de una simple visita guiada. Una guía especialista en arte te introducirá en cada cuadro como si se tratase de una ventana, en la que nos asomaremos para conectar con todo un mundo de emociones y sensaciones.

¡No te lo pierdas y reserva ya!

INFORMACIÓN DE INTERÉS


Fechas y horarios:

  • Viernes 21 de febrero a las 16.30h
  • Miércoles 29 de abril a las 16.30h
  • Jueves 30 de abril a las 17.30h.

PVP: 23€/ persona. Incluye: Visita guiada por especialista+sistema de recepción de sonido para una óptima escucha de las explicaciones del guía + entrada a la exposición

Punto de encuentro: Hall interior del Museo Thyssen. Paseo del Prado, nº 8.

Cómo llegar: Metro: Banco de España (L2)/ Bus: 6, 10, 14, 26, 27, 32, 34, 37, 45

*IMPRESCINDIBLE RESERVA PREVIA. Puedes hacerla en info@partedelarte.es o en el 645438576.

¡Recuerda! Si no quieres perderte ninguna de nuestras experiencias culturales suscríbete a nuestra newsletter en http://www.partedelarte.com o síguenos en nuestras redes sociales: Facebook, twitter, instagram ( @parte_del_arte)  y nuestro canal de Youtube.

¡Te esperamos!

 

 

 

 

 

 

 

AL RESCATE DE LAS MAESTRAS: SOFONISBA ANGUISSOLA Y LAVINIA FONTANA.

Ya estamos a mediados de noviembre y en Parte del Arte se nos ha pasado el tiempo volando desde que comenzamos el curso en octubre. LLevamos mes y medio a tope con nuestras experiencias culturales en Madrid,  ofreciendo rutas históricas en nuestro curso Conoce Madrid, visitas guiadas a las mejores exposiciones en nuestro curso Exposiciones Temporales y Colecciones de Madrid, clases multidisciplinares para nuestro curso Grandes Momentos del Arte y la Historia, y reviviendo con vosotros los mejores estrenos operísticos de la historia de la música en nuestro curso Descubriendo la ópera. Y además…no nos detenemos el fin de semana, en el que realizamos cada sábado rutas nocturnas por el Madrid más misterioso.

Pero eso no es todo. Este año hemos inaugurado nuestro Espacio Parte del Arte en el que impartimos algunos de nuestros cursos y en el que os ofrecemos una novedad: Conferencias especializadas sobre arte. Os invitamos a tod@s a que vengáis a conocer nuestro espacio y disfrutéis de una conferencia impartida por una de nuestras especialistas en arte  mientras os tomáis un café y unas pastas en un ambiente cálido y acogedor. ¿Suena bien, verdad? Pues toma nota porque el 13 de diciembre inauguramos nuestro ciclo de conferencias con un tema extraordinario: os hablamos de Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana, las dos grandes artistas a las que el Museo del Prado dedica este otoño una exposición.

A través de esta conferencia podréis conocer todo sobre estas dos grandes artistas y todas las claves para comprender su obra.

¿Quieres saber un poco más? Pues sigue leyendo

 

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Sofonisba Anguissola. Lucia, Minerva y Europa Anguissola jugando al ajedrez. Muzeum Narodowe.Poznan, Polonia.

 

DOS ARTISTAS QUE REGRESAN AL MUNDO DEL ARTE

Sofonisba Anguissola y Lavinia Fonatana vivieron entre el siglo XVI y XVII y tuvieron una gran notoriedad en su tiempo, llegando a sobrevivir en un mundo como el de la pintura, que estaba en su época casi copado por completo por los hombres.

A pesar de esta notoriedad y de la calidad evidente de su obra, la figura de estas dos pintoras se fue olvidando con el paso del tiempo, hasta el punto de que sus nombres son completamente inexistentes en gran parte de los grandes manuales de Historia del Arte.

Las cosas están cambiando. Desde la aparición en el mundo de la cultura del movimiento #MeToo las instituciones dedicadas a todo tipo de artes han despertado de un largo letargo en el que las mujeres no eran mercedoras de grandes reconocimientos. El mundo de los museos de arte no ha sido ajeno a esta demanda que pide justicia e igualdad entre hombres y mujeres, porque las mujeres pintaron, esculpieron,  dibujaron, diseñaron, compusieron música…y lo hicieron en un entorno muchas veces hostil para ellas, lo que las concede además ese don de la valentía.

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Lavinia Fontana. Marte y Venus. Fundación Casa de Alba, Madrid.

Los museos de Madrid han aprendido la lección: el público quiere conocer también la obra de estas artistas. Por ello, en los últimos años hemos podido asistir a varias exposiciones con nombre de mujer: Clara Peeters, Tamara de Lempicka, Dorothea Tanning… una tendencia que parece ir en aumento y que el Museo del Prado ha decidido aprovechar en el año de celebración de su bicentenario con esta magnífica muestra que pretende darle un nuevo aliento a estas dos pintoras y reivindicar el papel real que las mujeres han tenido en el mundo del arte a lo largo de la historia.

SOFONISBA ANGUISSOLA

Nacida en Cremona hacia el año 1552 en una familia noble, Sofonisba inicia su aprendizaje artístico junto a su hermana Elena cuando tenía entre 11 y 13 años con los artistas Bernardino Campi y Bernardino Gratti.

El hecho de que Anibale Anguissola y Bianca Ponzone mandasen a sus hijas al estudio de un pintor supuso un escándalo para gran parte de su círculo social; y es que en esta época existía una gran diferencia entre saber de pintura, música y literatura y  mancharse las manos con carboncillo y preparando pigmentos, algo inconcebible para la mayor parte de los nobles y aristócratas del momento.

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Sofonisba Anguissola. Autorretrato ante el caballete [detalle]. Polonia, The Castle-Museum in Lancut.

Sofonisba enseguida destacó como dibujante y realizó numerosos retratos tanto suyos como de su familia. Esto se debe, en gran medida, a las diferencias que existían entre hombres y mujeres en los talleres artísticos. Mientras que a ellos se les permitía estudiar y copiar los temas mitológicos con sus desnudos sin reparos y pintar directamente del natural cuerpos desnudos, las mujeres artistas veían su campo temático limitado a copiar las obras religiosas de sus maestros y trabajar el género del retrato.

Sofonisba se convirtió en la mujer que más retratos había pintado en su época, la mayor parte femeninos, en los que refleja  de una forma extraordinaria los ideales femeninos del momento: discreción, pudor, modestia y prudencia. Estas imágenes fueron ampliamente difundidas gracias a la labor diplomática de Anibal Anguissola, que contriubuyó de forma decisiva a dar a conocer la obra de su hija. Poco a poco, los cuadros de Sofonisba empezaron a convertirse en foco de atención para los coleccionistas, especialmente aquellos amantes de lo “raro” o diferente. Gracias a ellos la fama de la artista no paró de crecer y la llevará incluso a trabajar a la corte de Felipe II. Surge así una especie de “mito” de mujer maestra de pintura que fue emulado por otras artistas de la época, como es el caso de Lavinia Fontana.

LAVINIA FONTANA

De todas las pintoras que siguieron la estela de Sofonisba, Lavinia Fontana fue la que más destacó. En su caso, dedicarse a la pintura no era algo tan excepcional y extraño, ya que era hija de Prospero Fontana, un importante pintor de la Escuela de Bolonia, que había trabajado para los papas de Roma, para los Médici en Florencia y para el rey Francisco I  de Francia.

Lavinia trabajó en el taller de su padre como aprendiz, preparándole los pigmentos y con tímidas intervenciones en algunas obras hasta que cumplió los veinticinco años y comenzó a recibir sus propios encargos.

Durante mucho tiempo se centró, al igual que Sofonisba, en el género del retrato, en el que tuvo un gran éxito, llegando incluso a pintar el retrato del papa Gregorio XIII. Sin embargo, la carrera de Lavinia fue mucho más combativa, ya que no quiso centrarse de forma exclusiva en este género, que consideraba menor, al igual que el de la pintura religiosa de pequeño formato para ámbitos domésticos. Lavinia quiso, y sonsiguió con éxito, sumarse a una gran corriente artística, la de la pintura religiosa de gran formato, que tras la Contrarreforma se había convertido en una importante fuente de ingresos para los artistas, debido al gran número de iglesias que se construyen este periodo. Llegó, incluso, a contar con el apoyo del Papa Clemente VIII, quien le realizó numerosos encargos.

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Lavinia Fontana.Autorretrato tocando la espineta. Roma, Academia Nazionale di San Luca.

La figura de Lavinia Fontana es una de las más empoderadas de la pinutra femenina del Barroco. Desde sus autorretratos, en los que se muestra al mundo como una mujer refinada y culta, hasta sus pinturas mitológicas, en las que se atrevió por primera vez en la historia de la pintura realizada por mujeres, a representar a otras mujeres desnudas.

Para llevar a cabo esta gran actividad, Lavinia contaba entre sus ayudantes con su marido, Paolo Zappi. Con ella, por primera vez, la historia se escribe a la inversa.

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Sofonisba Anguissola. Isabel de Valois sosteniendo un retrato de Felipe II [detalle]. Madrid, Museo Nacional del Prado

 

¿Con ganas de saber más? Pues no dudes en apuntarte a nuestra Conferencia sobre Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana que tendrá lugar el próximo 13 de diciembre en nuestro Espacio Parte del Arte. Puedes conocer todos los detalles pinchando aquí.

Y si no quieres perderte las mejores experiencias culturales en Madrid como las rutas nocturnas que hacemos cada sábado, rutas gastronómicas y visitas teatralizadas, nuestros cursos Conoce Madrid, Exposiciones Temporales y Colecciones de Madrid, Grandes Momentos del Arte y la Historia y Descubriendo la Ópera, síguenos en nuestras Redes Sociales:

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¡Hasta pronto!

 

 

BRUEGHEL: CINCO GENERACIONES DE MARAVILLAS

¿Cómo va el otoño en Madrid? En Parte del Arte seguimos a tope ofreciendo las mejores experiencias culturales : visitas teatralizadas y nocturnas, rutas históricas y por supuesto visitas guiadas a las mejores exposiciones de Madrid. Por ello, hoy queremos hablaros de una exposición que tenemos muchas ganas de guiar  y que estamos seguras que será una de las más exitosas de la temporada.

Se trata de Brueghel. Maravillas del arte flamenco. El pasado 7 de octubre tuvimos el placer de asistir a la presentación de esta gran exposición, organizada por Arthemisia Group  y patrocinada por la Fondazione Terzo Pilastro-Internazionale que tiene lugar en el Palacio de Gaviria de Madrid hasta abril del próximo año. En esta presentación, además, tuvimos la oportunidad de asistir a una visita guiada por el propio comisario, Sergio Gaddi, uno de los grandes expertos en la figura de los Brueghel, quien nos dio las claves fundamentales de la exposición y nos contó infinidad de curiosidades que también os transmitiremos en las visitas. Fue un verdadero lujo escucharle. Por ello, para ir abriendo boca, queremos compartir con vosotros un pequeño aperitivo de lo que veremos en nuestras visitas guiadas a la exposición en el mes de enero.

¡Sigue leyendo!

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Natalia y Esther con Sergio Gaddi, comisario de la exposición

Brueghel. Maravillas del arte flamenco cuenta con más de un centenar de piezas representativas de los Brueghel, una familia cuyo linaje de pintores se extendió a través de cinco generaciones desde mediados del siglo XVI con Pieter Brueghel el Viejo. Todos ellos, hábiles pintores, reflejaron con un lenguaje muy personal toda una época, que se reconstruye a través de sus obras en la exposición. La exposición agrupa las obras, más de un centenar, en torno a los temas que trataron esta dinastía de artistas.

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Sergio Gaddi en la visita guiada de la presentación de la muestra

El primer apartado, titulado El juicio moral, entre la salvación y la condena, arranca con la obra de Pieter Brueghel el Viejo, un artista formado con otro prestigioso pintor, Pieter Coecke van Aelst y que enseguida descubrió y asimiló rasgos de la obra de El Bosco, algo muy patente en muchas de sus obras. Entre los temas contenidos en esta sección se encuentran paisajes con figuras religiosas, de campesinos, escenas de la vida rural en los que introduce una profunda reflexión sobre la condición humana y critica  de forma sarcástica los vicios humanos. Esta forma analítica de ver el mundo marcará la obra de todos sus sucesores.

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Gerard David. Descanso en la Huida a Egipto ( Colección privada)

El segundo apartado de la muestra está dedicado a La Reina Naturaleza, uno de los puntos fuertes de la pintura de Pieter Brueghel el Viejo y también de su hijo Jan Brueghel el Viejo, que fue su principal continuador en este tipo de creaciones. Pieter fue un gran observador de la naturaleza, especialmente le llamaron la atención los paisajes italianos, que plasmó con una habilidad extraordinaria en muchas de sus composiciones, entre las que destacan paisajes a vista de pájaro con un punto de observación extremadamente alto que nos transmite una sensación de inmensidad irreal y que reduce las figuras humanas a elementos diminutos e intrascendentes.

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Pieter Brueghel el Viejo. Paisaje con la parábola del sembrador (Colección privada)

En el siguiente apartado, Soldados y cazadores bañados en luz invernal podemos ver algunas de las copias que el primogénito de Pieter Brueghel el Viejo, Pieter Brueghel el Joven realizó de algunas de las obras más populares de su padre, los paisajes y escenas nevadas. Además de estas piezas se pueden contemplar algunas del imaginario personal de Pieter Brueghel el Joven, en las que que reflejaba la realidad de su tiempo: soldados que matan sin piedad, cazadores que regresan a la aldea, campesinos borrachos, toscos artesanos…con un tono irónico excepcional.

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Pieter Brueghel el Joven. La trampa para pájaros. (Colección privada)

El recorrido de la muestra continua en el gran salón de baile del Palacio de Gaviria y en en él podemos admirar Alegorías, historias maravillosas, una sección en la que podemos admirar la obra de Jan Brueghel el Joven ( hijo de Jan Brueghel el Viejo), que heredó el estudio de su padre. Además de terminar junto con Rubens gran parte de la obra de la obra que su padre había dejado inacabada dedicó gran parte de su carrera a tratar el tema de las Alegorías, tratando de explicar conceptos como el amor, la guerra, los elementos de la naturaleza, los sentidos humanos, la paz… que se hacen corpóreos a través de la figura humana.

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Jan Brueghel el Joven . Alegoría del Amor. ( Colección privada)

En Realtos de viajeros y mercaderes encontramos una pequeña sección dedicada a Pieter Brughel el Viejo y Jan Brueghel el Joven dedicada a las obras y grabados que se popularizaron  a mitad del siglo XVI en Amberes, una próspera ciudad que en estas fechas se había convertido en el nuevo centro económico del mundo occidental y que alumbra una clase media cuyos objetivos eran la riqueza y el éxito. Este nuevo estamento social contribuyó de forma decisiva al crecimiento económico, lo que implicó que el número de artesanos y artistas creciese considerablemente.

A continuación nos encontramos con Gloria y vanidad de la vida silenciosa, uno de los apartados más vistosos de la exposición. En él podemos observar la pintura de género floral y el bodegón de mediados del siglo XVII, que se utilizaba para transmitir un mensaje moral contenido en la idea de la vanitas ( vacuidad, insignificancia), a través de elementos perecederos y alusiones simbólicas de diferentes objetos, sin olvidar el contenido religioso de muchas de ellas vinculado a los ideales contrarreformistas, que despliegan todo un lenguaje floral vinculado con los valores cristianos. Se pueden apreciar obras de Abraham Brueghel, uno de los mejores representantes de esta tendencia.

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Abraham Brueghel. Detalle de Naturaleza muerta con fruta y ave exótica ( Colección privada)

La muestra finaliza con un baile, el Baile de los Pobres, un apartado en el que podemos ver obras de diferentes artistas de la familia Brueghel. Todos ellos fueron grandes observadores y retrataron , como una gran metáfora de la existencia, escenas de la vida cotidiana protagonizadas por campesinos, fiestas de carácter popular, el juego del cortejo, los rituales de matrimonio y las tradiciones transmitidas de generación en generación. La alegría de vivir a pesar de las dificultades se abre ante nuestros ojos como un perfecto broche de oro a una muestra excepcional.

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Pieter Brueghel el Joven. Baile de boda campesina al aire libre. (Colección privada)

¿Con ganas de asistir? Pues no te la pierdas y ven con Parte del Arte a nuestras visitas guiadas en las que una de nuestras especialistas en arte te descubrirá todas las claves, una a una, que se esconden tras las obras de la gran saga de los Brueghel. Para no perderte las fechas síguenos en nuestras redes sociales:  Instagram ( @ Parte_del_arte) Facebook ( Parte del Arte.) y Twitter ( @PartedelArte) y suscríbete a nuestra newsletter en www.partedelarte.com  y te avisaremos de todas las fechas y horarios disponibles.

Además, puedes enterarte de todas nuestras actividades: viajes de fin de semana, visitas teatralizadas y nocturnas, visitas a otras exposiciones temporales de Madrid. ¡Todo lo que busques lo tenemos en Parte del Arte!

¡Te esperamos!

 

 

 

BOLDINI Y LOS ESPAÑOLES. UNA ÉPOCA FASCINANTE

¡Comienzan los cursos culturales en Madrid en Parte del Arte! Arrancamos la temporada 2019-2020 con muchas ganas y muchas nuevas propuestas: interesantes rutas culturales por Madrid, rutas nocturnas, visitas teatralizadas, viajes culturales… y como siempre, continuamos con nuestros cursos estrella: Conoce Madrid, Grandes Momentos del Arte y la Historia y Exposiciones y Colecciones de Madrid. Además, este curso tenemos una novedad: el curso Descubriendo la ópera, una propuesta innovadora en la que una vez al mes te invitamos que descubras con Parte del Arte el fascinante mundo de la ópera a través de los grandes estrenos de la historia. Puedes consultar más información aquí.

Y como siempre nos gusta comenzar a lo grande, este mes de octubre estaremos haciendo visitas guiadas a una de las exposiciones más espectaculares de la temporada. Se trata de Boldini y la pintura española a finales del siglo XIX. El espíritu de una época, en Fundación Mapfre, una muestra que deja boquiabierto a quien la descubre.

¿Quieres saber un poquito más? ¡Sigue leyendo!

UNA OPORTUNIDAD ÚNICA.

Tal y como nos tiene acostumbrados la Fundación Mapfre, la exposición dedicada a Boldini es una propuesta de una gran calidad, tanto por el número de obras– un total de 124– como por la calidad de las mismas, procedentes de diferentes colecciones.

También se trata de una propuesta ambiciosa, ya que es la primera vez en España que se le dedica una retrospectiva a este pintor italiano, y además, se nutre de una gran número de pinturas de otros artistas que permiten a los visitantes adentrarse en el fascinante mundo de la pintura finisecular europea, centrando el foco de atención en España. Mariano Fortuny, Eduardo Zamacois, Raimundo de Madrazo…son algunos de los artistas que nos acompañarán en este fascinante recorrido.

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Retrato de Aline Masson. Raimundo de Madrazo y Garreta. Museo Nacional del Prado

BOLDINI, LA BELLE EPOQUE Y EL EXOTISMO ESPAÑOL 

Nacido en la localidad italiana de Ferrara, Giovanni Boldini se instaló en Florencia entre 1864 y 1870, ciudad en la que comienza a participar de la renovación cultural de la época frecuentando el Caffé Dorey, lugar de tertulia de artistas donde Boldini tuvo la oportunidad de establecer contacto con la alta burguesía y la nobleza internacional, encontrando incluso su primer mecenas.

El mismo estilo de vida llevará más adelante en su vida en París, donde se instala a partir del año 1871. Allí, se asentó en el bohemio barrio de Montmartre, una zona que poco después terminaría convirtiéndose en el lugar de residencia por excelencia de la bohemia nacional e internacional. La presencia de Boldini en París coincide con el surgimiento del Impresionismo, sin duda uno de los grandes acontecimientos de la historia de la pintura. Sin embargo, aunque Boldini va a pintar los mismos escenarios que autores como Signac, Renoir o Degas, el estilo del italiano no se desvió hacia esta nueva forma de concebir la pintura, sino que siguió su propio camino, desarrollando un estilo único que mantendrá a lo largo de toda su trayectoria y que tiene su base en la representación del instante y el movimiento a través de una pincelada ágil, pero sin perder nunca de vista las figuras. Este tipo de técnica es uno de los rasgos que comparte con algunos pintores españoles, especialmente con Mariano Fortuny, en el que coincide no sólo en la forma de concebir la pintura sino también en los temas del exotismo español, por ello no es extraño encontrar en su producción abundantes figuras vestidas con trajes folclóricos españoles o tocando una serenata con guitarras.

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Pareja en traje español con papagayos. Giovanni Boldini. Colección Banca Carige, Génova

Por otro lado, Boldini también participó en la creación del “retrato-icono” propio de la Belle Epoque, un tipo de retrato galante que reflejaba la nueva sensibilidad que empezaba a florecer en la pintura y que compartió con algunos pintores españoles como Joaquín Sorolla o Ignacio Zuloaga, además de los ya citados. Por ese motivo, el retrato tanto de Boldini como del resto de artistas es uno de los aspectos más analizados en la exposición.

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En el banco del Bois. Giovanni Boldini. Colección particular.

Boldini, apodado “The Little italian” por la alta sociedad británica, compartió con algunos de sus contemporáneos españoles–Sorolla, Madrazo y Zuloaga, entre otros– un espíritu empoderado y moderno con respecto al tópico de artista bohemio del artista que no puede vivir de su arte. Dedicó gran parte de su vida a construir una imagen digna y profesional y que explica y nos ayuda a comprender la vida y la obra de aun artista fundamental en un periodo artístico fascinante que quedó interrumpido con la llegada de la Primera Guerra Mundial.

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Clés de Mérode. Giovanni Boldini. Colección particular.

 

¿ Te has quedado con ganas de más? Pues tenemos una gran noticia para ti, y es que… ¡Abrimos plazo de inscripción para una visita guiada a  la exposición sobre Boldini con una de nuestras expertas de Parte del Arte! ¡Plazas muy limitadas!

¡Apunta! Martes  22 de octubre a las 14.15h. Para reservar escríbenos a info@partedelarte.es

Y ¡recuerda! En nuestra página web www.partedelarte.com puedes informarte sobre todas nuestras actividades culturales, cursos, experiencias, viajes… ¡No te pierdas nada!

¡Te esperamos!

 

 

 

 

 

EL VESTIR EN EL ARTE. BALENCIAGA Y LA PINTURA ESPAÑOLA EN MUSEO THYSSEN

¿Cómo os va el verano? ¿Mucho calor? En Parte del Arte tenemos una solución perfecta: acercarte las mejores exposiciones temporales de Madrid, en la que además de estar fresquito disfrutarás de una verdadera experiencia de conexión con el arte y la cultura. Por ello, siempre os ofrecemos las muestras imprescindibles de cada temporada: Velázquez, Rembrandt y Vermeer. Miradas afines en el Museo del Prado, y Balenciaga y la pintura española en Museo Thyssen, que estaremos guiando los próximos días 5 de julio ( completo) y el 12 de julio a las 18.15h.

Continua leyendo para ver qué es lo que te encontrarás en la exposición.

MUCHO MÁS QUE ARTE. MUCHO MÁS QUE MODA.

Cristobal Balenciaga está considerado el modisto más influyente de todos los tiempos, un título que sin la influencia del arte hubiese sido imposible de alcanzar, ya que las referencias de la pintura española siempre han estado presentes en sus creaciones: diseños minimalistas que nos recuerdan a la túnica de Cristo de los cuadros renacentistas, volantes que nos traen a la mente las batas de las bailaoras flamencas de las pinturas del siglo XIX, referencias al traje de luces del torero español, negros aterciopelados que evocan los retratos de los Austrias…toda una suerte de coincidencias que nos demuestran la amplia cultura y la atención al detalle del gran diseñador.

Esta ambiciosa muestra pretende poner de manifiesto una relación directa entre los diseños de diferentes etapas de la carrera de Balenciaga y la pintura española comprendida entre los siglos XVI y XX, con una extraordinaria selección de trajes procedentes del Museo Balenciaga de Getaria, el Museo del Traje de Madrid y el Museo del Disseny de Barcelona que dialogan con un gran número de personajes que pueblan las obras del Greco, Zurbarán, Murillo, Goya, Zuluaga…prestadas por el Museo del Prado, el Museo de Bellas Artes de Bilbao y colecciones privadas.

UNA NUEVA MIRADA 

La exposición sigue un recorrido cronológico a través de la pintura que está en constante diálogo con los trajes y vestidos de cada estilo o pintor. El criterio que se ha seguido para establecer estas conexiones tiene su base en elementos conceptuales, formas, volúmenes, concepciones cromáticas…De esta manera se nos presenta una nueva forma de ver la pintura, que se convierte ahora ante nuestros ojos en transmisora de moda y de un legado estético que va mucho más allá de su propia época.

El primer apartado de la exposición. Balenciaga y el arte, está dedicada a la pintura que Balenciaga contempló en su juventud en el palacete de los marqueses de Casa Torres, verdaderamente imprescindible como fuente de inspiración para sus primeras creaciones. En esta sala podemos contemplar algunos de esos cuadros, como es el caso del retrato del Cardenal Luis María de Borbón, de Goya, que se muestra junto a un extraordinario conjunto de chaqueta  y vestido de color rojo.

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Goya. El cardenal don Luis María de Borbón y Villabriga. Hacia 1800 / Conjunto de vestido y chaqueta.1960. Cristobal Balenciaga

La siguiente sección está dedicada e la influencia del Greco, del que Balenciaga tomó colores como el negro de la vestimenta de los personajes retratados, o los rosas, verdes y amarillos de la pintura religiosa, así como formas, como lazos en el cuello que recuerdan a las famosas golas que lucían los grandes hombres protagonistas de muchas obras del Greco.

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Algunos de los trajes y cuadros que se pueden contemplar en la sala del Greco.

La siguiente sección está dedicada a una de las grandes influencias en la producción de Balenciaga, la pintura de corte. En esta parte de la exposición se presta atención a varios aspectos.

El primero de ellos es el color negro, que la corte de Felipe II puso de moda y que durante mucho tiempo fue símbolo de estatus social y poder. Enseguida el vestir de negro riguroso se convirtió en sinónimo de “vestir a la española” y aunque con el paso del tiempo perdió algo de fuerza sigue siendo en la actualidad uno de los colores con un mayor poder visual y simbólico, interpretado desde nuestra perspectiva actual como símbolo de elegancia. Para Balenciaga fue uno de sus colores fetiche y en este apartado se muestran algunas creaciones de una belleza y elegancia fascinantes.

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Vestido de noche, 1943.Cristobal Balenciaga / Atribuido a Juan Pantoja de la Cruz. Retrato de la VI Condesa de Miranda.

El bodegón también es merecedor de atención, sobre todo los bodegones de flores. Cuando Balenciaga llega a París va a establecer contacto con los fabricantes de tejidos y artesanos de la estampación que inspirarán magníficos vestidos con estampados florales, bordados…de los cuales se pueden ver algunos ejemplos.

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Juan de van der Hamen. Ofrenda a Flora, 1627/ Vestido de noche con flores, hacia 1958. Cristobal Balenciaga.

Otro de los aspectos que se tratan dentro de la pintura de corte es el bordado, que Balenciaga incorporó en muchas de sus creaciones. Para sus bordados el modisto se inspiró tanto en su propia experiencia y conocimientos sobre la historia de la indumentaria en el arte como en su propia colección de indumentaria histórica, en la que abundaban ejemplares plagados de ricos bordados, encajes y abalorios.

La siguiente sección está centrada en la figura del pintor Francisco Zurbarán, un artista que siempre ha destacado por la gran atención que le presta a la indumentaria, a los tejidos, al movimiento y los pliegues de las telas…Esta concepción detallista y el juego de volúmenes de las formas y las telas se puede apreciar en gran parte de la producción de Cristobal Balenciaga.

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Conjunto de noche con sobre falda, hacia 1950. Cristobal Balenciaga/ Santa Isabel de Portugal, 1635. Zurbarán.

Otro de los artistas imprescindibles en el mundo de la moda y los tejidos y de forma obvia influyente en las creaciones de Balenciaga es Francisco de Goya, del que reinterpreta el brillo del satén, la transparencia del tul y los encajes…y el manejo del color tan extraordinario del pintor zaragozano. En esta sección se pueden apreciar esas conexiones con la exposición de algunos de los retratos más extraordinarios de Goya.

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Vestido de cóctel, hacia 1955-1960.Balenciaga/ La Duquesa de Alba de blanco, 1795.Goya

Por último, la muestra se centra en los siglos XIX y XX, de cuya estética, fundamentalmente la de muy finales del siglo XIX y principios del siglo XX fue contemporáneo el modisto. Esta estética bebe de dos fuentes. En primer lugar, de la pintura de la escuela española , como es el caso de Zuloaga entre muchos otros, y por otro lado de sus propias vivencias en su localidad natal (Getaria) y en el ambiente de exclusividad del San Sebastián del cambio de siglo. Las obras que se pueden ver en este cierre de la exposición se centran en la esencia española y regionalista de estos años.

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Vestido de noche, 1952. Cristobal Balenciaga./ Retrato de Maria del Rosario de Silva y Gutubay, duquesa de  Alba, 1921. Zuloaga.

Impresionante, ¿verdad? Pues aun estás a tiempo de conocer muchísimas joyas más de la pintura y de la producción de Cristobal Balenciaga en las visitas guiadas que Parte del Arte organiza a esta muestra, en las que una experta en arte te descubrirá esta nueva forma de ver la pintura y la moda.

INFORMACIÓN DE INTERÉS

Fecha: 12 de julio a las 18.15h.
PVP: 22€ Incluye: Visita guiada por especialista en arte+ sistema de recepción de sonido+entrada a la exposición
PUNTO DE ENCUENTRO: Hall del Museo Thyssen 10 minutos antes del comienzo de la visita.( Paseo del Prado, 8)
CÓMO LLEGAR: Metro: Banco de España. Bus: 1,2,5,9,10,14,15,20…
*IMPRESCINDIBLE RESERVA PREVIA EN: info@partedelarte.es o en el 645438576.

¡Te esperamos!

 

 

 

 

 

 

 

 

 

BALTHUS. UN ARTISTA A CONTRACORRIENTE

Ya sabéis que en Parte del Arte siempre acudimos a las exposiciones temporales más relevantes del panorama cultural de Madrid, y este mes de marzo no podíamos perdernos una muestra que ha dado mucho de que hablar: Balthus, en el Museo Thyssen, una retrospectiva sobre el artista de origen francés Balthasar Klossowski de Rola, más conocido como Balthus, organizada conjuntamente con la Fondation Beyeler en Riehen/Basilea. Para poder llevar a cabo una exposición de esta relevancia ha sido necesaria la colaboración de diferentes prestadores, como el MoMA, el Metropolitan Museum de Nueva York, el Centre
Pompidou de París, el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington, entre otras instituciones y colecciones privadas, por lo que la exposición se nos presenta como una gran oportunidad, ya que en España sólo contamos con una obra de Balthus, La partida de Naipes, que pertenece precisamente a las colecciones del Museo Thyssen y que se ha restaurado especialmente para la ocasión.

La muestra nos sumerge en la obra de este genio del siglo XX que suscitó  todo tipo de críticas, algunas más favorables que otras, y que siguió un camino contrario al de las vanguardias. En nuestras visitas guiadas a esta exposición os descubriremos su controvertida figura y nos asomaremos a  cada obra para desvelar sus secretos. No obstante, en BaluArte os ofrecemos un pequeño aperitivo a nuestras visitas.

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La partida de Naipes. Balthus. (Museo Thyssen)

¿UN PINTOR LIBRE? EL ESTILO DE BALTHUS

Una de las cuestiones fundamentales de la obra de Balthus es su independencia de los movimientos de vanguardia de su tiempo, aunque en muchas ocasiones se ha tildado su obra de surrealista. No obstante, el propio artista sí que señaló en su tiempo algunas de sus influencias y referentes que resultan de lo más variopinto: Piero della Francesca, Caravaggio Poussin, Géricault,  Courbet….aunque en nuestras visitas, además de apreciar ciertos detalles que evidencian esta herencia, nuestros guías expertos en arte os descubrirán algunas referencias a movimientos más modernos,  En un análisis más detenido,  como la Nueva Objetividad y los recursos que se utilizaban en las ilustraciones populares de libros infantiles del siglo XIX, como Alicia en el País de las Maravillas.

1512554873_669516_1512555378_noticia_normalPero a pesar de ello, Balthus siguió un camino diferente al del resto de los artistas de vanguardia.Su estilo fue figurativo y absolutamente personal. Sus figuras son rotundas, perfectamente delimitadas por un dibujo muy rotundo que las hace incluso escultóricas en algunas ocasiones y en sus escenas combina elementos que nos traen reminiscencias del lenguaje surrealista, tan lleno de contradicciones, referencias oníricas, erotismo, inocencia y tensión, creando a veces relaciones muy controvertidas entre estos elementos, como esta obra, Thèrese soñando.

UNA INFANCIA LLENA DE ARTE

No es de extrañar que Balthus se dedicase a la pintura, ya que desde su nacimiento en la ciudad de Praga en 1908 fue lo que vio entre sus familiares más directos ( su padre era historiador del arte y su madre pintora).

Un acontecimiento importante de este periodo, la Primera Guerra Mundial, traslada  a su familia a Berlín y a Suiza, y después de la contienda, al separase sus padres se traslada a Ginebra junto con su madre y su hermano mayor. Allí, el nuevo compañero sentimental de su madre, Rainer Maria Rilke asumirá el papel paterno y se convertirá en un verdadero mentor para Balthus.

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La Calle, 1933. Es una de las obras más importantes de Balthus ( MOMA, Nueva York)

LA MADUREZ

Tiempo más tarde, en 1924 Balthus se traslada a París para vivir de la pintura, aunque no quiso recibir ninguna directriz artística de ningún artista consolidado, como hacían la mayor parte de los recién llegados a la ciudad. Aun así, fue orientado por Pierre Bonnard, que era amigo de la familia, del que comenzó en sus inicios a asumir un estilo de tipo postimpresionista, aunque a él le interesasen más los grandes maestros que copiaba en el Louvre.

Después de varios viajes y contactos con artistas importantes del momento se organizó su primera exposición individual en en 1934, en la que recibió críticas favorables pero sin ninguna venta, por lo que para salir adelante comenzó pintando retratos por encargo y haciendo decorados teatrales, una salida muy habitual entre jóvenes artistas hasta que se hizo un hueco entre la selecta clientela parisina, de manera que en la década de 1940 ya era un pintor consolidado. A partir de este momento se empieza a interesar por temas como bañistas y paisajes en los que plasmaba su visión de su nuevo lugar de residencia en Borgoña. Finalmente se trasladará a Suiza con su segunda esposa hasta su fallecimiento en 2001.

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Los buenos tiempos, 1944-46.Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington

Si quieres conocer más en profundidad la obra de este gran artista del siglo XX, y descubrir por qué su obra fue ( y es) tan controvertida no dudes en venir  con Parte del Arte a nuestras visitas guiadas a esta exposición del Museo Thyssen. Una experiencia de conexión con el arte y la vida cultural de Madrid.

Las fechas disponibles son:

-26 de marzo a las 12.45 y 17.30
-28 de marzo  a las 17.15
-29 de marzo a las 17.30
¡Las plazas son limitadas! Date prisa y reserva la tuya en: info@partedelarte.es o en el 645438576.
¡Y recuerda! para no perderte ninguna de nuestras visitas guiadas a exposiciones temporales, rutas históricas, rutas nocturnas, rutas gastronómicas o visitas teatralizadas síguenos en Facebook, Twitter y en Instagram ( @parte_del_arte)
¡ Te esperamos!

 

 

 

 

 

TAMARA DE LEMPICKA, UNA PROPUESTA FEMENINA EN EL PALACIO DE GAVIRIA

 En Parte del Arte nos encanta ir a las exposiciones del Palacio de Gaviria y (sabemos que a vosotros también) y si además es en clave femenina mucho mejor. Es cada vez más frecuente encontrar en Madrid exposiciones monográficas sobre artistas femeninas como en este caso la de Tamara de Lempicka organizada por Arthemisia Group o la que el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedica a Dorothea Tanning. Hay un cambio de paradigma que nos encanta en la programación de exposiciones en la capital. Por eso hoy en nuestro blog BaluArte queremos prepararos para nuestras próximas visitas guiadas a esta magnífica muestra sobre la reina del Art Decó Tamra de Lempicka ¿Nos acompañas?

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Natalia preparando nuestras visitas guiadas a la exposición en el Palacio de Gaviria

TAMARA LLEGA AL PALACIO

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Y lo hace con fuerza. Más de 200 piezas procedentes de alrededor de 40 colecciones privadas, museos y diferentes prestadores nos acompañan no sólo por la obra de la artista sino que nos proponen un verdadero viaje a otra época, la de los locos años veinte, que se viste de Art Decó. Porque este periodo no es solo pintura estática y  pasiva, es diseño, es innovación, música, fotografía, muebles,moda…por ello, toda una suerte de objetos se nos presentan en diálogo con los lienzos, consiguiendo que con nuestras visitas guiadas y un entorno así, el visitante viva una auténtico viaje en el tiempo.

Además, con esta muestra, la comisaria y experta en la obra de Lempicka Gioia Mori pretende arrojar algo de luz sobre aspectos desconocidos de la artista.

CONOCIENDO A LEMPICKA

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No se sabe con exactitud su fecha de nacimiento (entre 1895 y 1889) en una familia polaca de clase alta. Su vida fue una verdadera aventura. Se casó en San Petersburgo con Tadeusz Lempicki en 1916 y debido a los cambios políticos en Rusia decide mudarse a Paris en 1918, donde, sin sustento, comienza su historia de amor con el arte. En poco tiempo pasó de aprendiz a profesional como ilustradora en revistas femeninas y después como artista independiente.

Tamara desprendía una elegancia única, especial, como la de una estrella de cine. No quiso seguir a otros aunque siempre reconoció el impacto en su pintura de los grandes maestros y creó su propio estilo con sus volumétricas figuras que se antojan esculturas pintadas con toques cubistas y siempre con una doble lectura, porque si alguien rompió los estereotipos de la mujer frívola del Art Decó esa fue Lempicka. Mujeres empoderadas, inspiradoras, mujeres adelantadas a su tiempo fueron sus musas, las heroínas de su propia forma de entender el arte.

EL COMIENZO: TAMARA EN LA CIUDAD DE LA LUZ

París se consolidó de nuevo como Centro artístico indiscutible tras la Primera Guerra Mundial. Al abrigo de las tertulias en los cafés, las fiestas y los espectáculos que bautizaron esta época como los locos años 20 llegaron intelectuales y artistas de todo el mundo, entre los cuales se encontraba Tamara, que había llegado allí huyendo de la revolución bolchevique. Su primera exposición fue en 1922 en el Salón de Otoño y enseguida obtuvo un gran reconocimiento que marcó el inicio de su carrera. La primera sala de la exposición nos muestra algunas de sus primeras obras, en las que sentaba las bases de ese mundo del glamour y la moda que terminará reflejando como nadie.

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El fondo rosa (Retrato de Bibi Zógbé)1923

VIVIENDO LA MODERNIDAD

La segunda sala de la muestra lleva por título La Casa más moderna de París y hace referencia a la vivienda que Lempicka compró en 1930 en la Rue de Méchain, alabada en las revistas francesas, polacas y británicas como un ejemplo de modernidad y que fue decorada en su interior por su propia hermana Adrienne Gorska, la primera polaca que logró licenciarse en arquitectura y fue pionera en el diseño de salas de cine.

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Príncipe Eristoff. Tamara de Lempicka

VIVIENDO LA MODA

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Otro de los apartados imprescindibles de la obra de Lempicka es su relación con la moda, un sector en auge y con mucha relevancia en la época. Lempicka comenzó su andadura en el mundo artístico como ilustradora de revistas femeninas. La sala muestra algunos de esos figurines y bocetos junto a obras maestras como Las confidencias ( las dos amigas) de 1928 que aparecen en diálogo con vestidos, sombreros…diferentes piezas textiles que nos transportan a los cánones de belleza y preceptos de la moda del momento, siempre seguidos de cerca por Lempicka.

AMAZONAS

La siguiente sala de la muestra profundiza sobre la vida íntima de Lempicka y su orientación sexual. Amazonas era el término con el que en la época se hacía alusión a las mujeres homosexuales, como es el caso de Tamara, que nunca ocultó sus relaciones con otras mujeres, ya que se trata de una época que trató el tema con relativa naturalidad, aunque en cierto modo seguían siendo un tabú para la sociedad. En esta sala se recoge ese ambiente oculto de los locales “solo para mujeres” además de un gran número de desnudos en los que se puede ver su evolución pictórica.

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Sala Amazonas

LOS BODEGONES

Otro de los temas tratados por Lempicka fue el de la naturaleza muerta con flores, un género del que llegó a convertirse en una verdadera virtuosa. Sus naturalezas muertas se distinguen por una gran sobriedad compositiva y un cromatismo muy personal donde el gusto por el decorativismo es un fiel reflejo de la cultura Art Decó de la que Lempicka formó parte. En la sala sus flores dialogan con obras escultóricas de otros artistas.

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Jarrón con rosas. Tamara de Lempicka

MATERNIDAD

La siguiente sala de la exposición está dedicada al tema de la maternidad y en ella sobre todo se exponen obras en las que la artista usó a su hija Kizette como modelo, tanto de niña como en la edad adulta, obras que siempre tuvieron una gran acogida por parte tanto del público como de la crítica. También se puede ver una singular imagen de la Virgen con el Niño, un tema poco frecuente en la temática habitual de Lempicka.

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Retrato de Kizette. Tamara de Lempicka.

ALFONSO XIII.

image_content_8735165_20181005003152Esta sección  de la muestra es muy especial ya que en ella se muestra un hasta hace poco tiempo desconocido retrato (incompleto) que Tamara de Lempicka le hizo a Alfonoso XIII en su paso por España y que se ha podido recuperar gracias a las investigaciones de la comisaria de la exposición. Sin duda una extraordinaria sorpresa que se aleja de la temática habitual de Lempicka y que se puede contemplar en la exposición den diálogo con otros retratos del monarca.

 

EL MANUAL DE HISTORIA DEL ARTE

Así se puede denominar la obra de Tamara de Lempicka, un verdadero manual de Historia del Arte, en el que se puede apreciar la influencia de los primitivos flamencos como Van der Weyden, Vermeer o Crivelli pero también del Greco, Pontormo, Miguel Ángel, Botticelli o Rafael, además de la estatuaria antigua de Roma, Grecia…En esta sala se pueden apreciar las obras en las que más influyeron otros artistas y que se encuentra en verdadera sintonía con el movimiento Art Decó, que recupera formas griegas, etruscas, egipcias…

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Il velo verde. Tamara de Lempicka

BARONESA

Tamara se casa por segunda vez con el barón Raoul Kuffner, con el que se trasladará a Estados Unidos en 1939 tras el clima de inestabilidad previo a la II Guerra Mundial. En esta sección de la exposición se muestran algunas fotografías de las grandes fiestas que dio el matrimonio en su casa de Beverly Hills y algunas de las obras que realizó en Estados Unidos, donde su obra se consideró anacrónica y cuyas exposiciones fueron sufragadas por su marido. También se incluyen obras y fotografías de manos, un tema que interesó a Tamara durante este periodo.

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Fotografía de Tamara de Lempicka pintando

VISIONES AMOROSAS

IMG-20181014-WA0008Con el nombre de visiones amorosas Tamara de Lempicka se refería a las imágenes que despiden la muestra, en las que se muestran imágenes fruto de sus relaciones amorosas con mujeres. En ellas se pueden apreciar a algunas de las modelos con las que se relacionó y son obras cargadas de sensualidad,  reflejo de una modernidad transgresora y precursora de nuevos tiempos que estaban por venir en el arte y en la sociedad y de los que Tamara fue uno de los mejores ejemplos.

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Las muchachas jóvenes. Tamara de Lempicka

Seguramente después de este breve repaso te hayan entrado ganas de conocer más sobre esta gran artista del Art Decó. Pues estás de suerte, ya que el próximo mes de Noviembre en Parte del Arte estaremos haciendo visitas guiadas a esta exposición para descubrirte de la mano de un experto todos los detalles de la obra de Tamara de Lempicka. Las fechas son :

Miercoles 21 noviembre a las 12h.

Jueves 22 de noviembre a las 12h.

Viernes 23 de noviembre 18h.

¡No te la pierdas! Reserva en info@partedelarte.es o en el 645438576

Te esperamos.