La magia del Renacimiento en los pinceles de Fra Angelico

¿Cómo el verano? Desde Parte del Arte esperamos que muy bien tanto para los que estáis de vacaciones como para los que ya os encontráis de vuelta. Nosotras ya estamos al pie del cañón, realizando rutas nocturnas estos días de verano y diseñando y preparando todos nuestros cursos de arte en Madrid para la temporada 2019/2020. Este nuevo curso tenemos sorpresas y promociones nuevas que hemos preparado con la ilusión, el rigor y la profesionalidad que nos caracteriza. Para no perderte nada entra en nuestra web www.partedelarte.com y suscríbete a nuestra newsletter, en la que te informaremos de novedades, visitas especiales, promociones…

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En Parte del Arte estamos siempre en contacto con las tendencias culturales y os ponemos en conexión con los eventos y exposiciones más significativos de Madrid. Uno de los acontecimientos más importantes de este año es el de la celebración del bicentenario del Museo del Prado, para la cual la pinacoteca ha organizado excelentes exposiciones, como Velázquez, Rembrandt y Vermeer. Miradas afines, de la que os hablábamos recientemente en nuestro blog ( puedes leer el artículo aquí), que guiaremos en el mes de septiembre (más info aquí) y la muestra Fra Angelico y los inicios del Renacimiento en Florencia, de la que haremos un seminario y una visita acompañada el próximo mes de septiembre.

fra_angelico_visitas_guiadas_parte_del_arte.jpgDetalle de Historia de los padres del desierto. Fra Angelico ( Florencia, Galería de los Ufizzi). 1419-1420.

UNA MUESTRA AMBICIOSA

Teniendo en cuenta que este año no es un año cualquiera para el Museo, las exposiciones que podemos contemplar enmarcadas en la celebración del bicentenario son especialmente ambiciosas. En el caso de la exposición de Fra Angelico y los inicios del Renacimiento en Florencia este esmero queda patente en la reunión de un número más que considerable de obras de Fra Angelico que se exponen en diálogo con obras de otros artistas del periodo que nos ayudan a comprender mejor esa maravillosa Florencia del Renacimiento, como  Masaccio, MasolinoFilippo Lippi, Donatello o Ghiberti.

Por otro lado, uno de los aspectos más interesantes de la exposición y uno de los grandes motivos por los que el Museo del Prado escogió la figura de Fra Angelico para este año es la gran restauración de la tabla más icónica del artista  dentro de las colecciones del Prado. La Anunciación de Fran Angelico se ha sometido en los últimos meses a un exhaustivo proceso de restauración cuyo resultado es verdaderamente impactante.

Hoy en BaluArte os hablamos de dos de las piezas más importantes de la muestra, La Virgen de la Granada, recientemente adquirida por la Fundación de Amigos del Museo del Prado y la propia Anunciación y su proceso de restauración, aunque podrás disfrutar y conocer todas las claves de la muestra en nuestro seminario.

exposicion_museo_del_prado_parte_del_arte_visitas_guiadasDetalle de la obra Cristo glorificado. Tablas del retablo mayor de San Doménico de Fiésole. Fra Angelico. Londres, The National Gallery. 1421-1422.

UNA OBRA MUY ESPECIAL. LA VIRGEN DE LA GRANADA

Esta extraordinaria obra forma parte de una serie de Vírgenes con Niño que Fra Angelico pintó en la década de 1420, un momento en el que al artista ya demostraba un gran conocimiento y dominio de los espacios, los volúmenes, la anatomía y la luz.

En ella podemos ver una majestuosa Virgen entronizada en cuyo regazo se sienta el Niño Jesús. Ambas figuras están flanqueadas por dos ángeles que sujetan un manto  dorado de una extraordinaria calidad. Probablemente lo más llamativo de la tabla es la granada que sostiene la Virgen en su mano y que también está en contacto con la mano del Niño. La iconografía de la granada fue muy popular en la Florencia del siglo XV, lo que se puede ver en obras de otros artistas del momento como Leonardo da Vinci o Boticelli.

En este caso concreto el significado de la granada es doble. En relación a la Virgen, se trata de un símbolo que alude a la castidad, y en relación al Niño, se convierte en un elemento que prefigura la muerte y resurrección de Cristo.virgen_de_la_granda_visitas_guiadas_parte_del_arte

La Virgen de la Granada. Fra Angelico. Museo del Prado. Hacia 1426.

Otro dato que llama la atención sobre esta obra y que la hace especial es la extraordinaria calidad de los materiales con los que está realizada, algo especialmente visible en la gran cantidad de oro que podemos encontrar, ya que no solo se limita al paño de honor y los nimbos como en otras obras de esta tipología, sino que se puede apreciar también en las alas de los ángeles y también como base para el suelo con hierba donde se asientan las figuras. Estos datos, aunque se desconoce quien encargó esta obra y los motivos, nos indican que se trató, sin duda alguna, de un encargo de importancia para el artista.

Actualmente se considera por los expertos como una de las obras más bellas de la producción de Fra Angelico y una de las que más tiempo ha tardado en incorporarse a una institución museística, ya que desde el siglo XIX, momento en el que comenzó el interés coleccionista por los autores del primer Renacimiento, permaneció en manos de la Casa de Alba.

El pasado 2016 se cerró la venta de la obra en dieciocho millones de euros, de los cuales diez fueron aportados por el Estado, cuatro por la Fundación de Amigos del Museo del Prado y otros cuatro con fondos del propio museo.

RECOBRANDO EL ESPLENDOR PERDIDO. LA ANUNCIACIÓN.

La Anunciación está datada cronológicamente entre 1423 y 1429, momento en el que Fra Angelico ya había tomado los hábitos en el Monasterio de Santo Domingo de Fiésole, lugar para el que fue pintada. Se cree que la obra fue sufragada por Angelo di Zanobi di Taddeo Gadi, nieto del famoso pintor Tadeo Gaddi.

la_anunciacion_parte_del_arte_visitas_guiadasLa Anunciación. Fra Angelico. Museo del Prado.1425-1426.

La obra nos muestra el conocido pasaje de la Anunciación del nacimiento de Jesús a la Virgen a través del arcángel Gabriel. La escena principal se desarrolla en una estructura arquitectónica abovedada que sigue las pautas indicadas por Brunelleschi en 1425 para los retablos de la catedral de San Lorenzo: la arquitectura debe ser cuadrada y sin adornos. Además, sigue los pasos de la representación arquitectónica de sus colegas Masolino y Masaccio en la Capilla Brancacci. Estos datos indican cómo el joven Fra Angelico (su nombre real era Guido di Piero) ya conocía los últimos avances que se estaban produciendo en el arte toscano.

Tras el motivo principal nos encontramos la escena de la expulsión del Paraíso de Adán y Eva, lo que completa el significado simbólico de toda la obra ( la expulsión haciendo alusión al Pecado y la salvación del hombre a través de la llegada de Cristo en la Anunciación). En esta segunda escena se puede apreciar la influencia de Gentile da Fabriano, otro gran artista influyente del momento, en la minuciosidad en la representación de las flores, la vegetación del Paraíso y los objetos, y en el recurso de unificar el espacio mediante la arquitectura.

La obra se remata en la parte inferior con una predela en la que se muestran en tamaño reducido escenas de la vida de la Virgen en las que se puede ver la destreza del artista trabajando con el pequeño formato, algo lógico teniendo en cuenta que la formación de Fra Angelico y sus primeros pasos en el mundo del arte se produjeron dentro del ámbito de la iluminación de manuscritos.

QUE SE HAGA DE NUEVO LA LUZ. LA RESTAURACIÓN DE LA ANUNCIACIÓN

A pesar de la gran cantidad de obras de artistas destacados, y del propio Fra Angelico, que podemos contemplar en la exposición, probablemente la que más impacta al visitante es La Anunciación. No es de extrañar, ya que quien ya conocía la obra la reedescubre en esta cita. Todo esto ha sido posible gracias a la extraordinaria restauración que se ha llevado a cabo los últimos meses. Ha sido un trabajo minucioso y exhaustivo, puesto que la técnica con la que está realizada la obra, el temple al huevo, es extremadamente delicada. Aunque aparentemente la tabla no parecía estar en muy mal estado, la capa pictórica presentaba numerosos repintes de restauraciones anteriores poco afortunadas y una gran capa de suciedad, dos motivos por los que la obra no brillaba con todo su esplendor. Gracias a esta restauración podemos actualmente contemplar elementos que hasta ahora nos pasaban desapercibidos, como la perspectiva real de la arquitectura, el color verdadero de los arcos y los capiteles, que ya no son gris pardo sino blanco luminoso, así como la fisionomía real del ala del ángel y el manto lapislázuli de la Virgen, los elementos más repintados en la ultima restauración en los años 40. Un proceso de gran dificultad que le ha devuelto a La Anunciación el esplendor, el color, el espacio y esa luz espiritual que salió directa del pincel de Fra Angelico.

angel_visitas_guiadas_parte_del_arte_fra_angelicoDetalle del ala del ángel antes y después de la restauración

¿Interesante, verdad? Pues descubre con Parte del Arte todas las claves de estas y muchas otras obras de Fra Angelico y sus contemporáneos en nuestro seminario el próximo mes de septiembre ( Proximamente más información)

¡Y recuerda! También guiaremos la otra gran muestra del Museo del Prado: Velázquez, Rembrandt y Vermeer. Miradas afines. El día 13 de septiembre a las 12.00 y el 20 de septiembre a las 12.00 y a las 17.30h. Toda la información y reservas en nuestra web.

¡Te esperamos!

 

 

 

 

 

 

 

 

TAMARA DE LEMPICKA, UNA PROPUESTA FEMENINA EN EL PALACIO DE GAVIRIA

 En Parte del Arte nos encanta ir a las exposiciones del Palacio de Gaviria y (sabemos que a vosotros también) y si además es en clave femenina mucho mejor. Es cada vez más frecuente encontrar en Madrid exposiciones monográficas sobre artistas femeninas como en este caso la de Tamara de Lempicka organizada por Arthemisia Group o la que el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedica a Dorothea Tanning. Hay un cambio de paradigma que nos encanta en la programación de exposiciones en la capital. Por eso hoy en nuestro blog BaluArte queremos prepararos para nuestras próximas visitas guiadas a esta magnífica muestra sobre la reina del Art Decó Tamra de Lempicka ¿Nos acompañas?

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Natalia preparando nuestras visitas guiadas a la exposición en el Palacio de Gaviria

TAMARA LLEGA AL PALACIO

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Y lo hace con fuerza. Más de 200 piezas procedentes de alrededor de 40 colecciones privadas, museos y diferentes prestadores nos acompañan no sólo por la obra de la artista sino que nos proponen un verdadero viaje a otra época, la de los locos años veinte, que se viste de Art Decó. Porque este periodo no es solo pintura estática y  pasiva, es diseño, es innovación, música, fotografía, muebles,moda…por ello, toda una suerte de objetos se nos presentan en diálogo con los lienzos, consiguiendo que con nuestras visitas guiadas y un entorno así, el visitante viva una auténtico viaje en el tiempo.

Además, con esta muestra, la comisaria y experta en la obra de Lempicka Gioia Mori pretende arrojar algo de luz sobre aspectos desconocidos de la artista.

CONOCIENDO A LEMPICKA

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No se sabe con exactitud su fecha de nacimiento (entre 1895 y 1889) en una familia polaca de clase alta. Su vida fue una verdadera aventura. Se casó en San Petersburgo con Tadeusz Lempicki en 1916 y debido a los cambios políticos en Rusia decide mudarse a Paris en 1918, donde, sin sustento, comienza su historia de amor con el arte. En poco tiempo pasó de aprendiz a profesional como ilustradora en revistas femeninas y después como artista independiente.

Tamara desprendía una elegancia única, especial, como la de una estrella de cine. No quiso seguir a otros aunque siempre reconoció el impacto en su pintura de los grandes maestros y creó su propio estilo con sus volumétricas figuras que se antojan esculturas pintadas con toques cubistas y siempre con una doble lectura, porque si alguien rompió los estereotipos de la mujer frívola del Art Decó esa fue Lempicka. Mujeres empoderadas, inspiradoras, mujeres adelantadas a su tiempo fueron sus musas, las heroínas de su propia forma de entender el arte.

EL COMIENZO: TAMARA EN LA CIUDAD DE LA LUZ

París se consolidó de nuevo como Centro artístico indiscutible tras la Primera Guerra Mundial. Al abrigo de las tertulias en los cafés, las fiestas y los espectáculos que bautizaron esta época como los locos años 20 llegaron intelectuales y artistas de todo el mundo, entre los cuales se encontraba Tamara, que había llegado allí huyendo de la revolución bolchevique. Su primera exposición fue en 1922 en el Salón de Otoño y enseguida obtuvo un gran reconocimiento que marcó el inicio de su carrera. La primera sala de la exposición nos muestra algunas de sus primeras obras, en las que sentaba las bases de ese mundo del glamour y la moda que terminará reflejando como nadie.

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El fondo rosa (Retrato de Bibi Zógbé)1923

VIVIENDO LA MODERNIDAD

La segunda sala de la muestra lleva por título La Casa más moderna de París y hace referencia a la vivienda que Lempicka compró en 1930 en la Rue de Méchain, alabada en las revistas francesas, polacas y británicas como un ejemplo de modernidad y que fue decorada en su interior por su propia hermana Adrienne Gorska, la primera polaca que logró licenciarse en arquitectura y fue pionera en el diseño de salas de cine.

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Príncipe Eristoff. Tamara de Lempicka

VIVIENDO LA MODA

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Otro de los apartados imprescindibles de la obra de Lempicka es su relación con la moda, un sector en auge y con mucha relevancia en la época. Lempicka comenzó su andadura en el mundo artístico como ilustradora de revistas femeninas. La sala muestra algunos de esos figurines y bocetos junto a obras maestras como Las confidencias ( las dos amigas) de 1928 que aparecen en diálogo con vestidos, sombreros…diferentes piezas textiles que nos transportan a los cánones de belleza y preceptos de la moda del momento, siempre seguidos de cerca por Lempicka.

AMAZONAS

La siguiente sala de la muestra profundiza sobre la vida íntima de Lempicka y su orientación sexual. Amazonas era el término con el que en la época se hacía alusión a las mujeres homosexuales, como es el caso de Tamara, que nunca ocultó sus relaciones con otras mujeres, ya que se trata de una época que trató el tema con relativa naturalidad, aunque en cierto modo seguían siendo un tabú para la sociedad. En esta sala se recoge ese ambiente oculto de los locales “solo para mujeres” además de un gran número de desnudos en los que se puede ver su evolución pictórica.

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Sala Amazonas

LOS BODEGONES

Otro de los temas tratados por Lempicka fue el de la naturaleza muerta con flores, un género del que llegó a convertirse en una verdadera virtuosa. Sus naturalezas muertas se distinguen por una gran sobriedad compositiva y un cromatismo muy personal donde el gusto por el decorativismo es un fiel reflejo de la cultura Art Decó de la que Lempicka formó parte. En la sala sus flores dialogan con obras escultóricas de otros artistas.

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Jarrón con rosas. Tamara de Lempicka

MATERNIDAD

La siguiente sala de la exposición está dedicada al tema de la maternidad y en ella sobre todo se exponen obras en las que la artista usó a su hija Kizette como modelo, tanto de niña como en la edad adulta, obras que siempre tuvieron una gran acogida por parte tanto del público como de la crítica. También se puede ver una singular imagen de la Virgen con el Niño, un tema poco frecuente en la temática habitual de Lempicka.

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Retrato de Kizette. Tamara de Lempicka.

ALFONSO XIII.

image_content_8735165_20181005003152Esta sección  de la muestra es muy especial ya que en ella se muestra un hasta hace poco tiempo desconocido retrato (incompleto) que Tamara de Lempicka le hizo a Alfonoso XIII en su paso por España y que se ha podido recuperar gracias a las investigaciones de la comisaria de la exposición. Sin duda una extraordinaria sorpresa que se aleja de la temática habitual de Lempicka y que se puede contemplar en la exposición den diálogo con otros retratos del monarca.

 

EL MANUAL DE HISTORIA DEL ARTE

Así se puede denominar la obra de Tamara de Lempicka, un verdadero manual de Historia del Arte, en el que se puede apreciar la influencia de los primitivos flamencos como Van der Weyden, Vermeer o Crivelli pero también del Greco, Pontormo, Miguel Ángel, Botticelli o Rafael, además de la estatuaria antigua de Roma, Grecia…En esta sala se pueden apreciar las obras en las que más influyeron otros artistas y que se encuentra en verdadera sintonía con el movimiento Art Decó, que recupera formas griegas, etruscas, egipcias…

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Il velo verde. Tamara de Lempicka

BARONESA

Tamara se casa por segunda vez con el barón Raoul Kuffner, con el que se trasladará a Estados Unidos en 1939 tras el clima de inestabilidad previo a la II Guerra Mundial. En esta sección de la exposición se muestran algunas fotografías de las grandes fiestas que dio el matrimonio en su casa de Beverly Hills y algunas de las obras que realizó en Estados Unidos, donde su obra se consideró anacrónica y cuyas exposiciones fueron sufragadas por su marido. También se incluyen obras y fotografías de manos, un tema que interesó a Tamara durante este periodo.

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Fotografía de Tamara de Lempicka pintando

VISIONES AMOROSAS

IMG-20181014-WA0008Con el nombre de visiones amorosas Tamara de Lempicka se refería a las imágenes que despiden la muestra, en las que se muestran imágenes fruto de sus relaciones amorosas con mujeres. En ellas se pueden apreciar a algunas de las modelos con las que se relacionó y son obras cargadas de sensualidad,  reflejo de una modernidad transgresora y precursora de nuevos tiempos que estaban por venir en el arte y en la sociedad y de los que Tamara fue uno de los mejores ejemplos.

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Las muchachas jóvenes. Tamara de Lempicka

Seguramente después de este breve repaso te hayan entrado ganas de conocer más sobre esta gran artista del Art Decó. Pues estás de suerte, ya que el próximo mes de Noviembre en Parte del Arte estaremos haciendo visitas guiadas a esta exposición para descubrirte de la mano de un experto todos los detalles de la obra de Tamara de Lempicka. Las fechas son :

Miercoles 21 noviembre a las 12h.

Jueves 22 de noviembre a las 12h.

Viernes 23 de noviembre 18h.

¡No te la pierdas! Reserva en info@partedelarte.es o en el 645438576

Te esperamos.

JOSÉ ZORRILLA, EL POETA DE TODOS

Este año 2017 se cumplen 200 años del nacimiento del gran escritor José Zorrilla. Algunas instituciones públicas se han hecho eco del acontecimiento, como la Biblioteca Nacional de España ( Madrid)  que le ha dedicado una exposición temporal. En Parte del Arte nos sumamos a esta importante efeméride cultural  con uno de nuestros exclusivos viajes culturales. El próximo sábado 16 de diciembre os proponemos una visita al Valladolid romántico de José de Zorrilla, en el que visitaremos su casa museo, recorreremos las calles de la ciudad que fueron testigos de su vida y culminaremos visitando uno de los mejores museos de nuestro país, el Museo Nacional de Escultura. Puedes consultar toda la información en nuestra página web.

UN SIGLO DE CONTRASTES

José de Zorrilla pertenece estilísticamente hablando a la corriente del romanticismo literario. Junto con otros autores nacidos entre la Guerra de la Independencia y el Trienio Liberal, Zorrilla contribuyó, al igual que Gustavo Adolfo Bécquer o Rosalía de Castro, a abrir una nueva e importante etapa en la historia de nuestra cultura, toda una hazaña dada la delicada y convulsa situación política de nuestro país durante gran parte del siglo.  La lectura de la obra de Zorrilla nos desvela una nueva forma de entender las relaciones del hombre con el mundo, con la sociedad e incluso consigo mismo.

La corriente romántica plasma una mirada subjetiva  del drama de la existencia humana, de ese hombre contemporáneo que vive en un mundo cada vez más cambiante. Fruto de esa introspección, el Romanticismo en España se torna contradictorio. Por un lado, se ensalza la rebeldía (es el siglo de las grandes revoluciones) y por otro, se impone con contundencia el regreso a las tradiciones religiosas y políticas que habían sido puestas en peligro en el siglo XVIII por los racionalistas. En esta ideológica se sitúa la obra de Walter Scott en Inglaterra y la del propio Zorrilla, junto con el Duque de Rivas, en nuestro país. El paso devastador de las tropas de Napoleón en España hicieron que la vuelta a la monarquía legítima, personificada en la figura de Fernand VII, era la mejor solución, ya que implicaba la recuperación de los valores tradicionales de la Iglesia y el Estado.

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Antonio María Esquivel. Los poetas contemporáneos. Una lectura de Zorrilla en el estudio del pintor. Museo Nacional del Prado ( ficha completa aquí)

La otra cara de la moneda es la del Romanticismo Revolucionario. Es el que combate contra el orden establecido,  y está encabezado por ciudadanos libres que reclaman los derechos del individuo frente  a los de la sociedad. Fuera de nuestras fronteras podemos situar a Lord Byron y Victor Hugo a la cabeza, mientras que en España esta corriente se ve representada en la figura de José de Espronceda.

DE ABOGADO A ESCRITOR DEL PUEBLO

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José de Zorrilla nació en Valladolid en 1817. Era hijo de Jose Zorrilla Caballero, un jurista de ideología absolutista que se empeñó en que su hijo siguiera sus pasos en el mundo de las leyes, como era habitual en aquellos tiempos. Lo intentó varias veces, le envió a diferentes centros universitarios pero todo resultaba inútil, de modo que decidió envíralo a Lerma para que se dedicara al trabajo en el campo. Pero en lugar de coger la azada Zorrilla escapó a Madrid, donde quería probar suerte como escritor. A pesar del éxito que llegó a alcanzar con sus obras teatrales y sus libros, su padre nunca le perdonó la huida y esta cuestión obsesionó a Zorrilla durante toda su vida (En una ocasión escribió: Mi idea fija era hacer famoso el nombre de mi padre, para que éste, volviéndome a abrir sus brazos, me volviera a recibir para morir juntos en nuestra casa solariega de Castilla; única ambición mía y único bien que Dios no ha querido concederme)

Una vez en Madrid y gracias a algunos amigos que le ayudaron pudo comenzar su andadura. Parte de sus primeros escritos formaron parte de la revista  El Artista, la publicación con más prestigio del Romanticismo español. Impulsada por los hermanos Madrazo y el crítico y traductor Eugenio Ochoa, esta revista daba cabida a las nuevas tendencias estéticas que afloraban en  España tras el absolutismo. Su primer poema fue “Trovador” y decía así:

De un elevado castillo
que Arlanza orgulloso baña,
un trovador elegante
en la puente se paraba.
En el rastrillo golpea
con el pomo de una daga,
y en los góticos salones
ronco el eco se propaga.
Un joven doncel, del fuerte
presentóse en la muralla,
y con semblante halagüeño
dijo en alta voz: «¿Quién llama?»
El Trovador que le ha oído
dirigióle aquesta fabla:
—«Si llegado es en buen hora,
un pacífico infanzón,
que envía a vuestra señora
don Rodrigo de Aragón».
Se alzó a este tiempo el rastrillo,
y en el patio tuvo entrada;
un paje tomó el corcel
por las riendas plateadas,
y el gallardo trovador
por los salones se entraba.

( para leer el poema entero pincha aquí)

También estuvo vinculado a otras publicaciones como El Español ( para el que había trabajado Larra) y El Porvenir, puesto en marcha por sus amigos Joaquín Francisco Pacheco y Juan Donoso Cortés

En el año 1937 se producirá un punto de inflexión en la carrera de Zorrilla, ya que tuvo la oportunidad de darse a conocer leyendo unos versos suyos en el funeral de Mariano José de Larra , un evento que reunió a lo más granado de la cultura romántica de aquel momento.

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Portada de la revista El Artista, en la que escribió asiduamente José de Zorrilla

A pesar de que su vida profesional marchaba viento en popa, no se puede decir los mismo de la vida personal de Zorrilla. En el año 1839 se casó con Florentina O`Reilly pero fue un matrimonio infeliz que le hizo huir nuevamente, esta vez e España, hacia París, donde se relacionó con la intelectualidad del momento. Regresó a España tras la muerte de su padre pero permanecerá poco tiempo, ya que regresará a París, después a Londres y finalmente se irá a América, estableciéndose en Mexico por un porolongado periodo de tiempo, donde se convirtió en director del Teatro Nacional.

Tras el fusilamiento del  emperador Maximiliano de Habsburgo en Mexico y debido a la tensa situación política del país, decide regresar a España. Al emperador le dedicará estos versos:

Oye, pueblo sagaz, republicano
que llevas “Dios y libertad” por lema,
tu dios es un vil ídolo: en su insano
furor, de Dios tu libertad blasfema.
Tiene la libertad limpia la mano
de oro y de sangre, su equidad suprema
de la equidad de Dios es santa hermana.
¿Es esta libertad la mejicana?

( Versos completos pinchando aquí)

Pero si por algo Zorrilla ha pasado a la historia es por ser ese poeta del pueblo español con carácter y estilo natural y honesto. Su facilidad para la versificación y su desvinculación directa con la política hicieron que sus obras llenasen las salas de teatro, aunque también le granjeó algunos enemigos. Zorrilla, como muy pocos en la historia, cautivó a las élites y a las clases populares. Sus versos eran recitados por el público versado y aprendido de memoria por los analfabetos, ya que muchas de las leyendas que escribió Zorrilla formaban parte del acervo cultural de la España decimonónica. Fue, en definitiva quien le puso letra a la compleja sociedad de su tiempo.

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Vitrina con libros en la Casa Museo José de Zorrilla en valladolid

Si quieres conocer más sobre Zorrilla no dejes de apuntarte a la salida cultural Parte del Arte a Valladolid el próximo 16 de diciembre, en la que visitaremos su casa museo, recorreremos el Valladolid Romántico y conoceremos el Museo Nacional de Escultura a través de una fascinante visita guiada. Entra en nuestra web pinchando aquí y reserva ya tu plaza.

¡Te esperamos!

 

SEIS EMPRESAS IMPRESCINDIBLES DE VISITAS GUIADAS EN ESPAÑA

En los últimos años la oferta de empresas de servicios culturales ha crecido en las capitales de provincia más turísticas de nuestro país.  Sin embargo, a veces resulta difícil encontrar visitas guiadas o rutas culturales de calidad, realizadas con profesionalidad, rigor y al mismo tiempo amenas y accesibles. En Parte del Arte siempre apostamos por las visitas guiadas de calidad tanto en Madrid como en nuestros viajes culturales, nuestro aval es la formación y experiencia de nuestro equipo, y nuestros compañeros son el entusiasmo y la ilusión por nuestro trabajo.

Para aquellos que os vayáis a mover por España este verano os ofrecemos una pequeña guía de las mejores empresas que podéis contratar para vuestras visitas guiadas y rutas culturales urbanas. Esperamos que os sirva de ayuda. ¡Toma nota!

BARCELONA

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Vistas de la ciudad desde el Parque Güell

MATERIA- bcn

Si te acercas a la ciudad condal no puedes dejar de contratar a las chicas de MATERIA-bcn, una empresa formada por dos mujeres emprendedoras, María Vallverdú Segura y Maite García Bordería, que con una amplia formación histórica y experiencia en el sector cultural, te contarán cada secreto de Barcelona y sus calles y rincones. Además, en su página web podrás ver todas las actividades culturales que ofrecen: visitas guiadas a museos y exposiciones de Barcelona, excursiones, rutas de fotografía, actividades escolares…un enfoque muy similar al de Parte del Arte que nos encanta.

SEVILLA

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La Plaza de España de Sevilla es uno de los lugares más emblemáticos de la ciudad

Ispavilia

Jesús Pozuelo Díaz es el fundador de esta empresa  dedicada a la difusión del patrimonio cultural de Sevilla. Con un brillante curriculum tanto en formación como en experiencia, su objetivo principal es “ ofrecer una visión profunda y novedosa del vasto legado patrimonial y cultural de Sevilla y provincia así como una comprensión de la evolución histórica de su trama urbana y del entorno de la urbe hispalense desde una perspectiva amena, clara y dinámica pero siempre desde el marco cualitativo del rigor histórico contrastable.”

Su oferta de rutas culturales es muy amplia y atractiva, en su web podrás ver títulos como “Triana legendaria”, “Sevilla Oculta”, “ Leyendas y secretos de la Semana Santa”, experiencias que estamos seguros no te dejarán indiferente.

VALENCIA

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Vista de la plaza de la Catedral de Valencia

ArtValencia

Se trata de una empresa dirigida por historiadores del arte que conocen de forma profunda la ciudad y diseñan actividades de calidad para ofrecerte una experiencia única, amena y enriquecedora. Entre sus actividades no sólo se encuentran las relacionadas de forma directa con el patrimonio, sino también podrás disfrutar de experiencias gastronómicas y conocer las costumbres y tradicionales valencianas de primera mano. Puedes ver en el siguiente enlace todas sus propuestas.

MÉRIDA

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Vista nocturna del Puente Romano de Mérida

Extremadura Secreta

Seguro que muchos de los que estáis leyendo este artículo habéis viajado a Mérida en alguna ocasión. Si ya conoces el inmenso legado artístico de Mérida te proponemos otra nueva forma de seguir conociendo la ciudad, y para ello qué mejor que contar con los guías de “Extremadura Secreta”. Este proyecto nació hace varios años y está basado en las leyendas como fuente para conocer la identidad de Extremadura, y su experiencia es muy amplia y abarca prácticamente todos los medios de comunicación: publicaciones en el blog del periódico Hoy, secciones en RNE y en Canal Extremadura, publicaciones de libros como “50 lugares mágicos de Extremadura”, y recientemente el programa de televisión “Tras el mito” en Canal Extremadura. No se nos ocurre nadie mejor para vivir una nueva y apasionante aventura en la bella ciudad de Mérida. Consulta toda la información sobre sus rutas en el siguiente enlace.

GRANADA

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La Alhambra de Granda vista desde el Mirador de San Nicolás

Cicerone

Si tienes pensado visitar Granada en Cicerone están dispuestos a ser tus guías, acompañarte y asegurarse de que te lleves un precioso recuerdo de Granada. Es una empresa formada por un amplio equipo de guías e intérpretes del patrimonio, con amplia experiencia, que te acercarán de una forma rigurosa y amena a todas las maravillas que Granada ofrece: visitas a la Alhambra, excursiones por los alrededores de la ciudad, visitas al Parque de las Ciencias, espectáculos de flamenco…Puedes consultarlo todo en su web pincha en el siguiente enlace.

MADRID

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Natalia en plena ruta “Madrid Oculto y Misterioso”, una de las #ExperienciasPartedelArte preferidas del verano

Parte del Arte

Web

Tanto si eres de Madrid como si vienes de visita, en Parte del Arte te ofrecemos las mejores experiencias culturales: si quieres conocer Madrid no te puedes perder nuestras rutas gastronómicas, itinerarios históricos por  el Madrid de los Austria, el Barrio de las Letras, actividades en familia para disfrutar con los peques de la casa, rutas nocturnas… Y si eres de Madrid también tenemos una amplia gama de experiencias para ti: cursos de historia del arte, música, historia, experiencias culturales y gastronómicas, visitas teatralizadas para vivir un rato divertido…Te ofrecemos experiencias y recuerdos que podrás compartir con quien más quieres. Entra en nuestra web y descubre todo lo que Parte del Arte puede ofrecerte.

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¡Siente el Arte!

80 AÑOS DE GUERNICA ¿Cuál es su significado?

En mayo y junio visitaremos en Parte del Arte la gran exposición del año: Piedad y terror en Picasso. Un camino hacia Guernica, la gran muestra que ha organizado el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía para conmemorar el 80 aniversario del el gran lienzo.

Realizaremos visitas guiadas por especialistas en arte para adentraros en la mente de Picasso: conoceremos su forma de entender el tiempo en que vivió, sus preocupaciones y las motivaciones que le llevaron a crear una de las obras más icónicas de toda la historia del arte.

Y para ir abriendo boca, en BaluArte os damos algunas claves para conocer los símbolos del cuadro.

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A lo largo de sus más de 7 metros de largo y 3 metros de alto se suceden numerosos personajes formando una composición triangular cuyo vértice es la lámpara y la base el cuerpo del hombre muerto. Las figuras son fruto de un lenguaje que Picasso fue madurando a lo largo del tiempo, por lo que las reminiscencias a épocas anteriores de su producción se pueden ver de una forma clara en el gran lienzo. Pero, ¿ qué nos quiere decir cada personaje? ¡Sigue leyendo!

1. EL TORO

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En las décadas anteriores al Guernica el toro fue un animal muy reproducido por el pintor. La interpretación más generalizada que se ha hecho de la imagen del toro es que Picasso lo introduce como un símbolo de brutalidad y oscuridad. Representa ese concepto a la vez que el reostro del animal pierde simetría como muestra de aturdimiento y pánico, siendo también identificado en muchas ocasiones como un autorretrato del propio Picasso.

Sin emnargo, el toro puede aludir a otras cuestiones. Cuando Picasso iba a acomenzar a pintar el Guernica no sabía muy bien cómo empezar, por lo que su amigo el escritor Larrea le dijo estas palabras:

Imagínate a un toro, en medio de una plaza, al que han estado hiriendo sin piedad. El dolor del toro es tan intenso que logra escapar del ruedo y entra, furioso, en una tienda de porcelanas, donde hay delicadas figuras de todo tipo, personas, animales… El toro se desahoga en el interior de la tienda. Cuando se haya marchado ¿te imaginas cómo habrá quedado la tienda? Pues así, más o menos, está ahora la villa de Guernica”.

Si miramos el lienzo pensando en estas palabras resulta totalmente coherente, el toro, simbolo de fortaleza, asustado, y los seres humanos frágiles y aterrorizados.

2. MADRE

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El motivo de la madre con el hijo muerto tiene numerosos ejemplos en la Historia del Arte, sobre todo en la historia cristiana, donde el tema iconográfico de la Piedad ha sido reproducido en infinidad de ocasiones. En este sentido, Picasso se inspira en ese tipo de composición triangular en cuyo vértice se sitúa la cabeza de la madre, que con un grito desgarrador y una contorsión del cuello pide clemencia, mientras que su hijo fallecido aparece representado con los ojos vacíos, sin pupilas, creando así una imagen más potente de la muerte infantil.

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La Piedad de Miguel Angel, icono de la escultura universal y en la que se puede ver la disposición triangular que utiliza Picasso en Guernica

3. EL SOLDADO MUERTO

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Resulta muy curioso que un cuadro dedicado a un motivo bélico tenga tan poca presencia masculina o tan pocas referencias de tipo militar. A pesar de que Picasso quería centrarse en las víctimas inocentes del suceso también introdujo esta figura de un soldado, símbolo de aquellos que lucharon por una causa y fallecieron. La figura muerta aparece mutilada, con un brazo separado del cuerpo que porta una espada rota, símbolo de la derrota. En palabras de Calvo Serraller, el soldado queda convertido en una escultura rota y mutilada.

Ejemplo de que Guernica es, en definitiva, el resultado del lenguaje personal de Picasso, podemos ver cómo el tema del brazo mutilado lo podemos ver en otro contexto completemente diferente, en sus bodegones de los años 20, por ejemplo, en los que incluía vacíados de yeso de esculturas antiguas. En este cuadro que os mostramos a continuación de puede ver de forma clara:

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Mandolina, frutero y brazo de yeso, 1925

Junto al brazo encontramos una flor, la cual representa la esperanza de un mundo nuevo y mejor.

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4. LA PALOMA

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La paloma casi se confunde con el fondo. Apenas visible lanza al aire un grito de agonía que simboliza una paz rota.

5. EL CABALLO

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Es la figura central de la obra. Aparece medio degollado con una gran estaca clavada en el centro de su lomo, se retuerce de dolor creando una unidad y conexión con la disposición de la cabeza del toro. El caballo ha sido interpretado habitualmente como un símbolo del sufrimiento del pueblo. En su cuerpo presenta unas líneas que en muchas ocasiones se han interpretado como las letras de un periódico, lo que algunas personas han identificado como un periódico, y por tanto, como un instrumento de propaganda política.

6. LÁMPARAS

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La representación de la lámpara nos ayuda a situar la escena, es decir, lo que vemos se está desarrollando en un interior. Picasso consideraba los interiores como su lugar de máxima inspiración ( la mayor parte de su producción artística anterior a Guernica se había desarrollado entre cuatro paredes) y esta lectura del bombardeo desde un interior le da una lectura marcadamente doméstica. La lámpara principal a menudo se ha asimilado al Sol o a una divinidad por su forma de ojo “ que todo lo ve”, mientras que la lámpara de queroseno que sujeta la mujer se ha relacionado con la República y la mujer la sostiene para observar aterrorizada todo los que está sucediendo a su alrededor. Además, la mujer se lleva la mano al pecho, como gesto patriótico.

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7. LA MUJER QUE HUYE

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Esta imagen es una de las que estilísticamente están más vinculadas con la producción anterior de Picasso. Una mujer desesperada que intenta huir del desastre, arrastrando su hinchada pierna en un movimiento de gran lentitud. Una imagen que simboliza la imposibilidad o dificultad de los protagonistas de la escena de escapar a su destino.

8. EL HOMBRE EN LLAMAS

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El hombre en llamas es otra de las figuras que podemos ver en Guernica como símbolo del horror, representando a todas aquellas víctimas de las bombas incendiarias. La disposición de la figura tiene numerosos preceentes en la obra de Picasso ( brazos deformados que se alzan en diferentes contextos) pero la figura con la que más se ha relacionado el hombre en llamas del Guernica por la similitud de la temática es con el famoso cuadro de los Fusilamientos del dos de mayo de Francisco de Goya, que al igual que este personaje alza la mirada pidiendo piedad.

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Detalle de la figura central de Los fusilamientos del dos de mayo de Francisco de Goya

El bombardeo de Guernica ha dado la vuelta al mundo gracias al cuadro de Picasso, pero esta gran obra maestra es mucho más, es la condensación de una iconografía propia y personal y es un canto de protesta ante la guerra. El título es sólo casual, ya que los horrores de la época de Picasso no se limitaron al contexto de la Guerra Civil Española.

El bombardeo de Guernica ha dado la vuelta al mundo gracias al cuadro de Picasso, pero esta gran obra maestra es mucho más, es la condensación de una iconografía propia y personal y es un canto de protesta ante la guerra. El título es sólo casual, ya que los horrores de la época de Picasso no se limitaron al contexto de la Guerra Civil Española.

José María Ucelay, Director General de Bellas Artes del Gobierno Vasco reconoció que no se trataba de un lienzo que representase de forma concreta el bombardeo de Guernica utilizando estas palabras:

“Fíjese bien, si yo le digo ahora mismo que este cuadro se titula Sodoma y Gomorra y usted no supiera de que obra se trata ¿ verdad que no le resultaría incoherente?”

Un símbolo universal de lucha contra los abusos de los conflictos armados que sigue estando más vivo que nunca.

Si quieres conocer más a fondo Guernica no dudes en apuntarte a las visitas guiadas que en Parte del Arte organizamos a esta magnífica exposición del Museo Reina Sofía. Tienes todos los detalles en www.partedelarte.com

Esther Arce Bayón

LA VIDA COTIDIANA EN LA HISPANIA ROMANA

¡Bienvenidos a BaluArte! Llega la primavera, el buen tiempo…y Parte del Arte empieza a salir de Madrid para ofreceros los últimos viajes culturales del curso. Ya queda muy poquito para nuestra próxima salida: Mérida Monumental, los próximos 1 y 2 de abril. Recorreremos sus calles, llenas de antiguos testimonios de su rica historia y conoceremos sus grandes monumentos y realizaremos una visita guiada al Museo de Arte Romano.

Para ir calentando motores, hoy os hablamos de cómo era la vida cotidiana de las personas que vivieron en la Hispania Romana ¿Nos acompañas? 

UNA HOGAR PARA COMPARTIR CON LA FAMILIA

El concepto de familia en la Hispania romana es mucho más amplio que el actual, ya que englobaba a personas como los siervos y los esclavos. Dentro de la estructura familiar la figura esencial es la del hombre que ejerce de pater familiae, es el hombre romano que no depende de nadie y de quien dependen los demás miembros. Es el encargado de formar la familia y tiene la patria potestas que le permitía disponer de la vida de cualquier miembro familiar, venderle como esclavo, e incluso darle muerte.Como jefe de la familia es también sacerdote de la religión familiar y juez entre los conflictos entre familiares, aunque para esto último puede contar con el consejo y asesoramiento familiar.

La vida de las familias romanas se desarrollaba dentro de la vivienda. A diferencia de los griegos los romanos le dieron una gran importancia a la vida doméstica. En ella la mujer tiene un papel de cooperadora del hombre, se sienta a su lado en los banquetes, comparte con él la autoridad sobre los hijos y criados y participa de la dignidad de su marido en la vida pública, pero siempre desde una posición discreta, no pudiendo ejercer cargos importantes dentro de la vida pública ni ninguna actividad política, científica o artística.

Existían diferentes tipos de viviendas en la hispania romana:

Insulae: Eran los edificios donde vivían las personas de escala social más baja. Eran apartametos donde la vivienda en muchos casos quedaba reducida a una sola habitación multiuso. Vitrubio, el gran arquitecto del mundo romano, decía que estas insulae se construían muy deprisa, con materiales de muy mala calidad y que por ello estaban expuestas a hundimientos e incendios.

La Domus, es la vivienda romana por execelencia. Es una vivienda ocupada por un solo propietario y su familia, y normalmente solo tiene un piso. El tamaño varía en función del poder económico, los gustos y los intereses del propietario. Sus partes están perfectamente definidas según el uso de cada habitación, es una vivienda completamente desarrollada

Por último están la Villae, las viviendas en zonas rurales. Reciben diferentes nombres según su uso según ( villae rusticae, si están dedicadas a las labores agrícolas y ganaderas y villae urbanae si están dedicadas al disfrute y descanso del propietario y su familia) Estas viviendas eran las más desarrolladas y decoradas, con hermosas pinturas murales y espectaculares mosaicos, muchos de ellos conservados hasta nuestros días. Era el tipo de vivienda al que aspiraba todo ciudadano romano.

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Recreación de una Insulae romana

UNA SOCIEDAD JERARQUIZADA

Evidentemente el tipo de vivienda dependía de la clase social. La ciudad romana es el reflejo de una sociedad profundamente jerarquizada.

En lo más alto de la sociedad se encontraban las denominadas ordines (órdenes) y eran tres: Había ordo senatoralis, el ordo equester y el ordo decurionalis. Tenían los derechos propios de la ciudadanía romana pero algunas responsabilidades con la comunidad. La pertenencia a estas órdenes era de carácter hereditario, pero tenían que tener un mínimo poder económico y tenían su propia indumentaria símbolos distintivos.

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Mujer con stola, típica vestimenta de la mujer romana

Después de los miembros de las órdenes está el grupo más numeroso de la ciudadanía romana, los habitantes libres que no eran ciudadanos romanos. Este grupo tenía derechos civiles pero no políticos. La vía de promoción social más viable(para aquellos que tenían posibilidades económicas) era enrolarse en el ejército. Los trabajadores hispanorromanos que tenía bajos ingresos vivían en barrios de obreros y se reunían, generalmente, por oficios. Dentro de estos gremios había una absoluta jerarquización y poseían una diosa que les amparaba, un concepto muy similar al nuestro de “patrona”. Los obreros se dedicaban a actividades muy variadas: obreros relacionados con la construcción de viviendas, obras públicas y vías de comunicación, profesionales cuya labor era muy similar a la de los actuales bomberos, agricultores, mercaderes y comerciantes…pero los más numerosos de todo el imperio eran los campesinos. Estaban bastante aislados de casi todas las innovaciones romanas, aunque aprendían a leer y escribir latín y griego. A dedicarse a las actividades agrícolas se encontraban general mente lejos de las urbes, por lo que fueron un sector de la población que quedó en gran medida relegado de la romanización de la Península.

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Recreación de una ciudad portuaria romana, en la que se pueden ver a los mercaderes

APRENDER Y RELAJARSE- Educación y disfrute

La cultura fue uno de los instrumentos fundamentales de la romanización,empezando por la unificación de la lengua, que encontró en el latín la perfecta solución para la comunicación con todos los pueblos conquistados. No obstante, las zonas menos romanizadas continuaban usando su idioma prerromano.

También se desarrolló un complejo sistema educativo, con varias etapas perfectamente diferenciadas y la posibilidad de escoger entre educación pública o privada.

En la primera etapa se enseñaba a leer y a escribir tanto latín como griego. En la segunda aprendían el Trivium (Gramática, Retórica y Dialéctica) y el Quadrivium (Aritmética, Geometría, Música y Astronomía). Se formaron grandes bibliotecas en los puntos importantes del Imperio que tomaron como modelo la de Alenjadría.

Otro de los aspectos fundamentales de la cultura romana es el ocio, al que se concedía una gran importancia.

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Recreación Biblioteca de Alejandría

Dentro de las formas de ocio tenía una especial importancia el Teatro, en el que se representaban tragedias y comedias tanto griegas como romanas. Es uno de los lugares en los que más se puede apreciar la jerarquización de la sociedad, ya que su graderío estaba dividido en zonas diferentes según la importancia social de los espectadores. Los espectáculos teatrales tuvieron en Roma mejor aceptación que en la Antigua Grecia. El primitivo carácter religioso que tuvo entre los helenos ha desaparecido totalmente entre los romanos; se trata de un espectáculo totalmente profano.

Por su parte, el circo también fue otro de los focos de atención de la cultura romana. En él tenían lugar espectáculos destinados a un público menos refinado que el del teatro: exhibiciones de jinetes con acrobacias, o carreras de dos (bigas), tres (trigas), cuatro (cuadrigas) o más caballos, todo ello con una entrada espectacular precedida por el sonido de las trompetas. Las carreras empezaban con el lanzamiento del pañuelo blanco, este gesto era hecho por el organizador del evento, bajo él, en la arena, se situaban los jinetes con sus caballos y delante de ellos se situaba una cuerda atada a piezas de mármol para marcar la salida, cada uno de los equipos eran llamados factio, estos estaban diferenciados por un color para que el público hiciera sus apuestas a la cuadriga vencedora.

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Teatro Romano de Mérida

Pero si Roma se caracteriza por un espectáculo es sin duda por el de las luchas de los gladiadores, que tenían lugar en el Anfiteatro. En sus orígenes, las luchas de gladiadores tuvieron un carácter religioso, pero a partir del siglo I a. C., estas luchas rituales se convierten en un espectáculo público que no tardó en difundirse por todo el Imperio y cuya función pasó a ser social y política. El espectáculo comenzaba con el desfile de gladiadores, y tras el saludo al emperador u organizador, se formaban mediante sorteo las parejas que debían enfrentarse. El editor (muneris) o patrocinador decidía el destino del vencido atendiendo a la opinión del público, si había sido valiente, los espectadores gritaban “mitte” (sálvalo), pero si su comportamiento no les había gustado lo condenaban a muerte gritando “iúgula” (degüéllalo), en cuyo caso el vencedor hundía su arma en dirección al corazón para darle una muerte rápida.

En el anfiteatro se celebraban también otros espectáculos, como la lucha de fieras, que podía desarrollarse de diferentes formas: unas veces se exhibían sólo fieras, otras luchaban entre sí, y frecuentemente contra hombres. También se simulaban en el anfiteatro auténticas cacerías de animales salvajes donde se realizaban grandes escenificaciones y decorados.

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Mosaico con lucha de Gladiadores ( Museo Arqueológico Nacional)

UNA TÍMIDA DEMOCRACIA. La participación ciudadana

Los ciudadanos romanos en Hispania sólo podían escoger a sus representantes municipales. Para poder presentarse a los comicios había que cumplir una serie de requisitos: ser hombre libre, tener una edad mínima de unos 25 años, haber cubierto los anteriores escalafones de la carrera honorífica y no haber incurrido en ninguna de las causas de inhabilitación. También había que poseer una fortuna personal, ya que debían de responder con su dinero a los problemas económicos que surgieran durante su mandato. La campaña electoral duraba 27 días, periodo en el cual se escogía a los 6 gobernantes municipales: dos duunviros, dos ediles y dos cuestores.

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Recreación de la Antigua Roma

Toda esta cultura y costumbres, base de nuestra civilización ha quedado plasmada a través de numerosos objetos artísticos y cotidianos que suponen verdaderos tesoros de la historia y que se albergan en importantes instituciones museísticas. Uno de los mejores ejemplos es el Museo Arqueológico Nacional (Madrid) , que acaba de cumplir 150 años de historia, y que conserva entre sus colecciones importantes piezas del legado hispanorromano cumpliendo así una labor esencial de difusión del conocimiento de nuestra cultura. Un museo que para Parte del Arte es un punto de referencia fundamental. ¡Feliz cumpleaños!

Esther Arce Bayón

LOS BENEFICIOS DEL ARTE EN LA INFANCIA

El curso ya ha empezado para los peques de la casa y por eso hoy queremos hablaros de un tema muy importante para ellos y con el que en Parte del Arte estamos profundamente comprometidos: la enseñanza del arte durante la infancia.

Desde que en los años cuarenta del siglo pasado el crítico de arte inglés Herbert Read acuñó el término “educación por el arte” han sido muchos los expertos de campos diferentes como la investigación neurocientífica, evolutiva y la pedagogía los que han confirmado, cada uno dese su ámbito de estudio, la gran importancia de las enseñanzas artísticas en los niños de todas las edades.

Os ofrecemos un recorrido en el que descubriremos cómo las artes ayudan a potenciar competencias y habilidades básicas de nuestra vida que se desarrollan durante la infancia.

UN CUERPO PREPARADO PARA EL ARTE

Nuestro propio cerebro está “programado” para la comprensión artística. Aunque los hemisferios izquierdo y derecho del cerebro trabajan de forma conjunta tienen maneras diferentes de procesar la información. El hemisferio izquierdo es el responsable de nuestro razonamiento lógico, de nuestra capacidad de hablar y entender el lenguaje. Podríamos decir que se trata de parte del cerebro que desarrolla un pensamiento más lineal. Por el contrario, el hemisferio derecho del cerebro es el que alberga la intuición, la creatividad y el pensamiento no lineal. Aunque ambas partes están conectadas hay personas que se sienten más cómodas con un tipo de razonamiento más lógico y otras con uno más intuitivo. Por ello, podemos afirmar que nuestra parte creativa del cerebro necesita el arte para desarrollarse. En el caso de los niños es muy beneficioso trabajar esta parte de su mente, ya que la parte izquierda la trabajan ampliamente en algunas de las materias obligatorias del colegio, como la lengua o las matemáticas. Trabajar sobre las funciones del hemisferio derecho del cerebro le permite al niño desarrollar capacidades muy significativas como la interpretación de contenidos emocionales o percibir las figuras que le rodean y así conocer el medio y poder interpretarlo. Además, hay niños que por naturaleza utilizan un razonamiento múltiple (no lineal) y más intuitivo, por lo que en el mundo escolar y académico el arte es un elemento valiosísimo para atender la diversidad en aula.

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Despliegue creativo en el hemisferio derecho del cerebro ( Imagen: http://www.leocadiomartin.com)

LAS CUALIDADES DEL ARTE Y SUS BENEFICIOS

Teniendo en cuenta el funcionamiento de nuestra mente el arte se despliega como una potente herramienta para el desarrollo de los más pequeños, ayudándoles a adquirir una serie de aprendizajes significativos y valiosos que le acompañaran el resto de su vida.

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Noche estrellada, Vincent Van Gogh

  • DESAROLLO DE LA CREATIVIDAD.

El arte es uno de los lenguajes universales del hombre, una expresión de cómo vemos y sentimos el mundo. La imagen artística es el producto de una representación, no se trata sólo de lo que percibimos a través de los sentidos. La comprensión del lenguaje de las diferentes representaciones y manifestaciones artísticas despierta en los niños las ganas de iniciar un proceso creativo propio, con todo lo que ello puede aportarles. El desarrollo de actividades artísticas por parte de los niños ha sido un elemento ampliamente estudiado y se ha demostrado que aquellos sistemas educativos que potencian el conocimiento del arte y lo aplican en otras materias tienen excelentes repercusiones en las capacidades de los alumnos, como el aumento del compromiso emocional en el aula o incluso la mejora de la memoria a largo plazo, especialmente en los alumnos que tienen dificultades lectoras.

painting-85781_1280El inicio de un proceso creativo propio enriquece enormemente a los niños ya que implica la creación de algo nuevo y original , les plantea la solución de problemas, les ayuda a superar la rutina de las actividades diarias en el colegio y les enseña los significados e implicaciones sociales del lenguaje visual. La creación plástica o la práctica de artes escénicas como el teatro, la música o la danza les aporta un mayor conocimientos sobre su propio cuerpo, ayuda a su desarrollo motriz y les facilita la expresión de sus emociones y las relaciones con los demás.

Según el importante psicólogo de la educación Howard Gardner en su libro Arte, mente y cerebro. Una aproximación cognitiva a la realidad: las artes en general ayudan a los niños a organizar su experiencia de vida, a conocerse a sí mismos y a entender el mundo que les rodea. Al estar los sistemas simbólicos integrados en las artes, los niños experimentan con la manipulación y comprensión de los objetos , sonidos, moldes, formas, sombras, movimientos, estructuras, que tienen la cualidad de referirse a algo, ejemplificar o expresar algunos aspectos del mundo”.

  • DESARROLLO DE COMPETENCIAS PSICOLÓGICAS IMPORTANTES.

El arte es un medio y una forma de comunicación entre todos los seres humanos sin excepción de edad, sexo o posición social. Las implicaciones que esto tiene a nivel psicológico son verdaderamente enriquecedoras.

Los niños se sienten libres frente a la obra de arte. El poder reinterpretar una pieza mediante una creación propia, o simplemente el poder comprenderla y extraer una lectura que le aporte cualquier tipo de emoción, sensación o conocimiento contribuye poderosamente a reforzar su autoestima. En este sentido, ejercicios como visitas a museos con niños en los colegios o en familia pueden resultar muy beneficiosas para la propia salud mental de los más pequeños, ya que los museos son centros de conocimiento y excelentes aulas alternativas para el aprendizaje. Si a estas visitas les añadimos la utilización de herramientas de reflexión e información adaptadas a su edad y que les lleven más allá de lo que perciben a través de los sentidos estaremos potenciando otras cualidades que lo harán una mejor persona en el futuro. Si conseguimos hacer que un niño comprenda las circunstancias históricas o sociales en las que fue creada una determinada obra o los pensamientos y el entorno en el que se gestó un movimiento artístico, no solo le estaremos enseñando datos históricos de una forma amena y diferente, sino que le embarcaremos en un viaje de emociones y autodescubrimiento en el que podrá desarrollar su empatía, una cualidad esencial para su vida.

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Alumnos de 4º de primaria del colegio José María de Pereda (Leganés) durante una visita al Museo del Prado con Parte del Arte

  • COMPRENSIÓN DE LA SOCIEDAD Y SUS VALORES

El arte entendido como objeto cultural es un elemento profundamente valorado en nuestra sociedad y en este sentido su presencia es mucho más grande de lo que nos puede parecer a priori. Solo tenemos que salir a dar una vuelta por el centro de nuestra ciudad y mirar carteles y anuncios publicitarios, pararnos en un quiosco a echar un vistazo a los suplementos culturales de los periódicos, ver las colas de los museos en las grandes exposiciones o prestar atención a las noticias de las millonarias inversiones en arte por parte de bancos y grandes empresas. Todas estas “señales” son indicadores de que el arte es importante para nuestra sociedad y es razón suficiente para contribuir a que los más pequeños formen parte de ese aspecto de su entorno. Cuando un niño entra en un museo por primera vez y alguien frente a un cuadro le hace comprender que está ante una pieza que tiene más de cien o doscientos años la fascinación es absoluta y de forma natural el niño siente el deseo de protegerlo. Así pues resulta muy sencillo aprovechar esta inclinación espontánea para mostrarle la relevancia del patrimonio que le rodea y la importancia de cuidarlo y conservarlo.
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as actividades artísticas no deben ser entendidas como algo alejado o separado del entorno familiar y académico del niño, y como en cualquier otro ámbito de su vida debe conocer los códigos sociales vinculados a ellas. Nada mejor que “quitar el miedo” y acudir con los niños no sólo a los museos, sino también a teatros y salas de conciertos para que observen y aprendan los protocolos de actuación en cada uno de esos lugares y sobre todo el por qué las personas han de actuar de ese modo. El conocimiento de estos patrones de comportamiento junto con la familiaridad que llegan a sentir los niños que acuden a estos lugares con asiduidad les proporciona la adquisición de un compromiso de respeto no solamente hacia su propia cultura sino hacia todas las demás, una cualidad más que valorable en un mundo cada vez más globalizado. Por otro lado, un niño que consume cultura de forma regular tiene mucha más facilidad para desarrollar el pensamiento crítico cuando llegan a edades más avanzadas de su infancia, ya que con el tiempo ha ido adquiriendo diferentes herramientas de enjuiciamiento basadas en su propia observación y experiencia.

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Reinterpretaciones infantiles de cuadros famosos (Frida Khalo, Miró, Sorolla…) realizados por los alumnos de PintaValencia (Imagen: http://www.makma.net)

En definitiva, el compromiso de enseñanza del arte es una necesidad para nuestra sociedad, no porque las manifestaciones artísticas nos hagan más inteligentes, sino porque nos ayudan a desarrollarnos como personas a todos los niveles y nos garantizan la adquisición de competencias y capacidades imprescindibles para sobrevivir en nuestra sociedad.

En Parte del Arte tenemos una amplia trayectoria en el desarrollo de actividades culturales con niños tanto para familias como para centros educativos, como el centro José María de Pereda de Leganés, que nunca se pierde nuestras visitas a los grandes museos de Madrid. Puedes ver toda nuestra oferta de servicios en www.partedelarte.com 

Todos los niños nacen artistas. El problema es cómo seguir siéndolo  al crecer.” Pablo Picasso.

Esther Arce Bayón