Los inmortales retratos de Rembrandt. Una galería de emociones.

El mes de febrero en Madrid se viste de arte y son varias las exposiciones de gran interés que se inauguran en los próximos días. En Parte del Arte, por supuesto, somos las primeras en ofrecértelas a través de nuestras visitas guiadas para que estés al día con la tendencia artística y cultural de Madrid.

Hoy queremos hablaros de una de las muestras más esperadas para los amantes de la pintura y que estaremos guiando los días 21 de febrero, 29 de abril y 30 de abril. Se trata de Rembrandt y el retrato en Ámsterdam, 1590-1670, en el Museo Thyssen, una exposición en la que se toma como referencia de forma exclusiva el género del retrato, uno de los que más cultivó el gran genio del siglo XVII y en el que, como en otros géneros, destacó por encima de sus contemporáneos.

Si quieres saber lo que te descubriremos en nuestras visitas guiadas… ¡Sigue leyendo!

UNA MUESTRA CON GRAN AMBICIÓN

En la exposición, comisariada por Norbert E. Middelkoop, nos encontramos con una selección de casi un centenar  de pinturas y grabados que incluyen algunos de los mejores ejemplos de la retratística de Rembrandt y de sus contemporáneos, en los que dejó una importante huella.

La muestra cuenta con la colaboración de la Comunidad de Madrid y el apoyo de JTI y cuenta con préstamos de un gran número de importantes instituciones y pinacotecas como el Amsterdam Museum, el Rijksmuseum de Ámsterdam, el Metropolitan de Nueva York, la National Gallery de Washington y The National Gallery de Londres, . Muchas de las obras prestadas se pueden ver por primera vez en España, y algunas de ellas son prestadas por primera vez con ocasión de la muestra del Thyssen, como es el caso del retrato de un joven procedente del Nelson Atkins Museum de Kansas.

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Retrato de un hombre en un escritorio, 1631. Rembrandt. Museo del Ermitage, San Petersburgo.

La muestra sigue un orden cronológico, que abarca desde la tradición retratística inmediatamente anterior a la llegada de Rembrandt a Ámsterdam, el inicio de la renovación del género, proceso en el que Rembrandt fue decisivo, pasando por la efervescente producción de retratos en Ámsterdam en la “etapa dorada” pintor y sus últimas obras, en las que continuó  su trayectoria de una forma marcadamente personal.

También la exposición dedica, como broche final del recorrido, una excelente galería de grabados del genio holandés,  una técnica que trabajó con gran maestría y con la que también realizó excelentes retratos.

EL RETRATO ANTES DE REMBRANDT

Rembandt Harmenszoon van Rijn nació en Leiden en 1606 y no llegó a la ciudad de Ámsterdam hasta la década de 1630. En esta ciudad, entre 1590 y 1630 y fruto del auge económico en el que estaba inmersa la economía holandesa, existía un grupo de retratistas relativamente numeroso  que respondía a una alta demanda de este tipo de pintura. Entre los clientes de estos artistas se encontraban las personas que se habían enriquecido en este periodo de prosperidad o que habían contribuido a su desarrollo: antiguas familias de la ciudad, ricos inmigrantes de otras localidades y países… Muchas de estas familias y personalidades necesitaban viviendas adecuadas ( con su correspondiente ornamentación acorde a su estatus social) y las organizaciones cívicas precisaban de lugares de reunión representativos. Cualquiera que dispusiera del suficiente espacio en la pared y anhelase ser recordado era el cliente perfecto para los cada vez más numerosos retratistas de Ámsterdam.

Al tratarse, por tanto, de un género tan popular, podemos encontrar una gran variedad de tipos de retratos: artesanos trabajando, retratos individuales de eruditos y hombres de negocio de éxito, familias, gobernantes…y un gran número de retratos colectivos, entre los que destacaron los de cirujanos impartiendo lecciones de anatomía, hermandades o miembros de gremios.

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Gobernantas y celadoras de la Spinhuis, 1638. Dirck Santvoort. Amsterdam Museum

Rembrandt fue invitado a la ciudad por Hendrick Uylenburgh, marchante y pintor que lo convirtió en el director de su estudio de pintura, cargo que ostentó hasta 1636. Durante estos años Uylenburgh le introdujo en los círculos sociales de la ciudad, lo que supuso para Rembrandt la oportunidad de conocer clientes y mecenas. Además, se casó con Saskia Uylenburgh, hermana del marchante, lo que también contribuyó al ascenso social de Rembrandt. Pronto se convirtió en un fuerte competidor para su cuñado, se emancipó y abrió su propio estudio de pintura en Ámsterdam, en el que desarrolló varios géneros. Fueron años de prosperidad económica y reconocimiento para el pintor.

ÁMSTERDAM: CIUDAD DE RIVALES

El reconocimiento como gran retratista de Rembrandt y de otros de sus contemporáneos causó un efecto llamada, lo que derivó en una gran oleada de ambiciosos pintores que llegaban a la próspera ciudad con la idea de beneficiarse de la gran demanda de retratos. También llegaron a ser retratistas de éxito algunos de los colaboradores y alumnos de Rembrandt, como Ferdinand Bol, Govert Flinck o Gerbrand van den Eeckhout.

La ciudad de Ámsterdam se convierte así en escenario de un ambiente de sana competencia  artística, una verdadera lucha por conseguir el mayor número posible de encargos, lo que se tradujo en una extraordinaria calidad de los retratos, fruto del esfuerzo de sus autores por  deslumbrar a sus clientes en un lugar donde las opciones cada vez más numerosas.

AL MARGEN DE LAS TENDENCIAS. LA AUTENTICIDAD DE REMBRANDT.

En 1642 se produce un punto de inflexión en la carrera de Rembrandt al fallecer su esposa. El pintor se queda viudo y al cargo de su hijo Tito, de apenas un año de edad. Su ritmo de trabajo comienza a disminuir y enseguida llegan los problemas económicos.

En 1647 ingresa en el servicio de su vivienda la que se convertirá en su pareja definitiva, Hendrickje Stoeffels, con la que tendrá a su hija Cornelia. La imposibilidad de volver a casarse con su nueva compañera ( ya que perdería la herencia de su esposa fallecida), les convirtió en una pareja señalada socialmente, lo que contribuyó a que su situación fuese cada vez más delicada.

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Mujer con capa de piel, posiblemente Hendrickje Stoffels, 1652. Rembrandt. The National Gallery, Londres.

Hacia mediados de siglo, además, el panorama artístico de Ámsterdam estaba experimentando algunos cambios. Empezaron a surgir una serie de artista precursores de un estilo “académico” con una orientación más internacional en los retratos, que enseguida comenzó a sustituir el estilo anterior.

Sin embargo, y a pesar de las dificultades, Rembrandt siguió su propia evolución estilística y se mantuvo fiel a su estilo, reduciendo los colores de su paleta y desarrollando un estilo que se consideró demasiado adusto e inadecuado para algunos encargos oficiales, lo que le desvió de ciertos circuitos que podrían haberle reportado beneficios. Aún así, Rembrandt continuó pintando y recibiendo encargos; aunque no tuvo el éxito de etapas anteriores seguía siendo considerado un artista importante y reconocido que influyó en numerosos artistas posteriores.

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Venus y cupido, posiblemente Hendrickje y Cornelia, hacia 1657. Rembrandt. Museo del Louvre, París.

Rembrandt les otorgó a sus retratados una libertad poco usual en el mundo del retrato, siendo uno de los impulsores de la renovación retratística del primer tercio del siglo XVII. Sus protagonistas adquieren un tratamiento similar al de los personajes mitológicos de sus obras: poses dinámicas que sugieren la interacción con el público, utilización del claroscuro, cualidades narrativas….y sobre todo, la representación de las emociones humanas. Con el paso del tiempo el interés de Rembrandt se fue centrando más en los rasgos esenciales de sus retratados concentrados especialmente en el rostro, lo que le llevaba a un interés mayor en la representación del carácter o la personalidad que en el parecido físico del retratado.

Esta extraordinaria capacidad de hacer conectar al espectador con el retratado es la clave del éxito del Rembrandt retratista, que consiguió que, en pleno siglo XXI, sus obras sigan causando una fascinación sin límites.

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Autorretrato dibujando frente a una ventana, 1648. Rembrandt. Biblioteca Nacional, Madrid.

¿Quieres sentir en tu propia piel esta fascinación? En Parte del Arte lo hacemos posible, ofreciéndote una experiencia mucho más allá de una simple visita guiada. Una guía especialista en arte te introducirá en cada cuadro como si se tratase de una ventana, en la que nos asomaremos para conectar con todo un mundo de emociones y sensaciones.

¡No te lo pierdas y reserva ya!

INFORMACIÓN DE INTERÉS


Fechas y horarios:

  • Viernes 21 de febrero a las 16.30h
  • Miércoles 29 de abril a las 16.30h
  • Jueves 30 de abril a las 17.30h.

PVP: 23€/ persona. Incluye: Visita guiada por especialista+sistema de recepción de sonido para una óptima escucha de las explicaciones del guía + entrada a la exposición

Punto de encuentro: Hall interior del Museo Thyssen. Paseo del Prado, nº 8.

Cómo llegar: Metro: Banco de España (L2)/ Bus: 6, 10, 14, 26, 27, 32, 34, 37, 45

*IMPRESCINDIBLE RESERVA PREVIA. Puedes hacerla en info@partedelarte.es o en el 645438576.

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¡Te esperamos!

 

 

 

 

 

 

 

AL RESCATE DE LAS MAESTRAS: SOFONISBA ANGUISSOLA Y LAVINIA FONTANA.

Ya estamos a mediados de noviembre y en Parte del Arte se nos ha pasado el tiempo volando desde que comenzamos el curso en octubre. LLevamos mes y medio a tope con nuestras experiencias culturales en Madrid,  ofreciendo rutas históricas en nuestro curso Conoce Madrid, visitas guiadas a las mejores exposiciones en nuestro curso Exposiciones Temporales y Colecciones de Madrid, clases multidisciplinares para nuestro curso Grandes Momentos del Arte y la Historia, y reviviendo con vosotros los mejores estrenos operísticos de la historia de la música en nuestro curso Descubriendo la ópera. Y además…no nos detenemos el fin de semana, en el que realizamos cada sábado rutas nocturnas por el Madrid más misterioso.

Pero eso no es todo. Este año hemos inaugurado nuestro Espacio Parte del Arte en el que impartimos algunos de nuestros cursos y en el que os ofrecemos una novedad: Conferencias especializadas sobre arte. Os invitamos a tod@s a que vengáis a conocer nuestro espacio y disfrutéis de una conferencia impartida por una de nuestras especialistas en arte  mientras os tomáis un café y unas pastas en un ambiente cálido y acogedor. ¿Suena bien, verdad? Pues toma nota porque el 13 de diciembre inauguramos nuestro ciclo de conferencias con un tema extraordinario: os hablamos de Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana, las dos grandes artistas a las que el Museo del Prado dedica este otoño una exposición.

A través de esta conferencia podréis conocer todo sobre estas dos grandes artistas y todas las claves para comprender su obra.

¿Quieres saber un poco más? Pues sigue leyendo

 

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Sofonisba Anguissola. Lucia, Minerva y Europa Anguissola jugando al ajedrez. Muzeum Narodowe.Poznan, Polonia.

 

DOS ARTISTAS QUE REGRESAN AL MUNDO DEL ARTE

Sofonisba Anguissola y Lavinia Fonatana vivieron entre el siglo XVI y XVII y tuvieron una gran notoriedad en su tiempo, llegando a sobrevivir en un mundo como el de la pintura, que estaba en su época casi copado por completo por los hombres.

A pesar de esta notoriedad y de la calidad evidente de su obra, la figura de estas dos pintoras se fue olvidando con el paso del tiempo, hasta el punto de que sus nombres son completamente inexistentes en gran parte de los grandes manuales de Historia del Arte.

Las cosas están cambiando. Desde la aparición en el mundo de la cultura del movimiento #MeToo las instituciones dedicadas a todo tipo de artes han despertado de un largo letargo en el que las mujeres no eran mercedoras de grandes reconocimientos. El mundo de los museos de arte no ha sido ajeno a esta demanda que pide justicia e igualdad entre hombres y mujeres, porque las mujeres pintaron, esculpieron,  dibujaron, diseñaron, compusieron música…y lo hicieron en un entorno muchas veces hostil para ellas, lo que las concede además ese don de la valentía.

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Lavinia Fontana. Marte y Venus. Fundación Casa de Alba, Madrid.

Los museos de Madrid han aprendido la lección: el público quiere conocer también la obra de estas artistas. Por ello, en los últimos años hemos podido asistir a varias exposiciones con nombre de mujer: Clara Peeters, Tamara de Lempicka, Dorothea Tanning… una tendencia que parece ir en aumento y que el Museo del Prado ha decidido aprovechar en el año de celebración de su bicentenario con esta magnífica muestra que pretende darle un nuevo aliento a estas dos pintoras y reivindicar el papel real que las mujeres han tenido en el mundo del arte a lo largo de la historia.

SOFONISBA ANGUISSOLA

Nacida en Cremona hacia el año 1552 en una familia noble, Sofonisba inicia su aprendizaje artístico junto a su hermana Elena cuando tenía entre 11 y 13 años con los artistas Bernardino Campi y Bernardino Gratti.

El hecho de que Anibale Anguissola y Bianca Ponzone mandasen a sus hijas al estudio de un pintor supuso un escándalo para gran parte de su círculo social; y es que en esta época existía una gran diferencia entre saber de pintura, música y literatura y  mancharse las manos con carboncillo y preparando pigmentos, algo inconcebible para la mayor parte de los nobles y aristócratas del momento.

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Sofonisba Anguissola. Autorretrato ante el caballete [detalle]. Polonia, The Castle-Museum in Lancut.

Sofonisba enseguida destacó como dibujante y realizó numerosos retratos tanto suyos como de su familia. Esto se debe, en gran medida, a las diferencias que existían entre hombres y mujeres en los talleres artísticos. Mientras que a ellos se les permitía estudiar y copiar los temas mitológicos con sus desnudos sin reparos y pintar directamente del natural cuerpos desnudos, las mujeres artistas veían su campo temático limitado a copiar las obras religiosas de sus maestros y trabajar el género del retrato.

Sofonisba se convirtió en la mujer que más retratos había pintado en su época, la mayor parte femeninos, en los que refleja  de una forma extraordinaria los ideales femeninos del momento: discreción, pudor, modestia y prudencia. Estas imágenes fueron ampliamente difundidas gracias a la labor diplomática de Anibal Anguissola, que contriubuyó de forma decisiva a dar a conocer la obra de su hija. Poco a poco, los cuadros de Sofonisba empezaron a convertirse en foco de atención para los coleccionistas, especialmente aquellos amantes de lo “raro” o diferente. Gracias a ellos la fama de la artista no paró de crecer y la llevará incluso a trabajar a la corte de Felipe II. Surge así una especie de “mito” de mujer maestra de pintura que fue emulado por otras artistas de la época, como es el caso de Lavinia Fontana.

LAVINIA FONTANA

De todas las pintoras que siguieron la estela de Sofonisba, Lavinia Fontana fue la que más destacó. En su caso, dedicarse a la pintura no era algo tan excepcional y extraño, ya que era hija de Prospero Fontana, un importante pintor de la Escuela de Bolonia, que había trabajado para los papas de Roma, para los Médici en Florencia y para el rey Francisco I  de Francia.

Lavinia trabajó en el taller de su padre como aprendiz, preparándole los pigmentos y con tímidas intervenciones en algunas obras hasta que cumplió los veinticinco años y comenzó a recibir sus propios encargos.

Durante mucho tiempo se centró, al igual que Sofonisba, en el género del retrato, en el que tuvo un gran éxito, llegando incluso a pintar el retrato del papa Gregorio XIII. Sin embargo, la carrera de Lavinia fue mucho más combativa, ya que no quiso centrarse de forma exclusiva en este género, que consideraba menor, al igual que el de la pintura religiosa de pequeño formato para ámbitos domésticos. Lavinia quiso, y sonsiguió con éxito, sumarse a una gran corriente artística, la de la pintura religiosa de gran formato, que tras la Contrarreforma se había convertido en una importante fuente de ingresos para los artistas, debido al gran número de iglesias que se construyen este periodo. Llegó, incluso, a contar con el apoyo del Papa Clemente VIII, quien le realizó numerosos encargos.

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Lavinia Fontana.Autorretrato tocando la espineta. Roma, Academia Nazionale di San Luca.

La figura de Lavinia Fontana es una de las más empoderadas de la pinutra femenina del Barroco. Desde sus autorretratos, en los que se muestra al mundo como una mujer refinada y culta, hasta sus pinturas mitológicas, en las que se atrevió por primera vez en la historia de la pintura realizada por mujeres, a representar a otras mujeres desnudas.

Para llevar a cabo esta gran actividad, Lavinia contaba entre sus ayudantes con su marido, Paolo Zappi. Con ella, por primera vez, la historia se escribe a la inversa.

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Sofonisba Anguissola. Isabel de Valois sosteniendo un retrato de Felipe II [detalle]. Madrid, Museo Nacional del Prado

 

¿Con ganas de saber más? Pues no dudes en apuntarte a nuestra Conferencia sobre Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana que tendrá lugar el próximo 13 de diciembre en nuestro Espacio Parte del Arte. Puedes conocer todos los detalles pinchando aquí.

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¡Hasta pronto!

 

 

¿Cómo se representaban las pasiones humanas en el Barroco?

Noviembre es el mes en el que se celebra la semana de la ciencia y en Parte del Arte nos hemos unido al evento organizando visitas guiadas a la exposición temporal Arte y Carne. La anatomía a la luz de la Ilustración, una exposición gratuita organizada por el Centro de Arte Complutense de Madrid. Como complemento a las actividades culturales que desarrollamos en Parte del Arte y a las que se han venido celebrando este mes en toda la Comunidad de Madrid hoy en BaluArte os hablamos de cómo la ciencia y el arte se complementan.

Conocido como el Siglo de las Luces, el siglo XVIII fue una etapa de esplendor para las monarquías europeas, que impulsaron notablemente el desarrollo de las ciencias. Continuando con el espíritu de experimentación surgido durante el Renacimiento, el siglo XVIII es el momento de los grandes tratados de anatomía, medicina y todo tipo de estudios científicos a los que los artistas contribuyeron formidablemente con sus detallados y precisos dibujos del cuerpo humano.

Desde la Antigüedad y con su posterior recuperación por parte de los artistas del Renacimiento se fueron sucediendo toda una serie de teorías sobre cómo representar de forma correcta el cuerpo humano, basadas en los nuevos conocimientos científicos. Pero los artistas no sólo querían conocer la anatomía del cuerpo a la perfección. Los comportamientos humanos, el carácter y especialmente los sentimientos fueron asuntos de gran interés para ellos, especialmente durante el Barroco, un momento en el que estas cuestiones se convirtieron en los grandes temas del arte.

El lenguaje barroco, tan dinámico y dramático necesitaba una serie de herramientas para poder desarrollarse correctamente y fueron muchos los artistas de este periodo que se sumergieron de lleno en el estudio de estas cuestiones. Uno de ellos es nuestro protagonista de hoy, Charles le Brun, pintor de cámara de Luis XIV y gran estudioso de la “fisiognomía de las pasiones”.

DIME A QUÉ ANIMAL TE PARECES Y TE DIRÉ QUIEN ERES

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Charles Le Brun Tres cabezas de hombre en relación al camello. Gabinete de dibujos. Museo del Louvre. París

Los estudios fisiognómicos nacen del interés de los seres humanos por desvelar el carácter de una persona a través del estudio y la interpretación de su rostro. Se aplicaron a lo largo de la historia a diferentes cuestiones de la vida: los jueces lo utilizaban como apoyo para establecer un veredicto, los médicos para diagnosticar diferentes enfermedades, a los comerciantes les servía para escoger a sus clientes ( los que no tuviesen cara de morosos) e incluso a las jóvenes casaderas les servía para escoger su marido ideal. Por supuesto estos estudios de tipo “pseudocientífico” fueron perfectamente conocidos y aplicados por artistas, que a su vez influyeron en otras creaciones artísticas como la música. Se establecieron una serie de teorías que partían de un método zoológico basando en comparaciones entre animales y personas. La premisa era la idea de que cada especie animal tiene unos rasgos físicos y un carácter concreto y se llega a la conclusión de que aquellos hombres que tengan un parecido razonable con un animal debe compartir con éste sus características. Así, por ejemplo, se consideraban impúdicas a las personas con “cara de cuervo” y nobles y magnánimas a aquellas con gran melena y la robustez de un león.Numerosos artistas, entre ellos Le Brun estudiaron ampliamente estos temas y los aplicaron a sus pinturas.

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Charles le Brun, Tres Cabezas de hombre en relación con la cabra. Gabinete de dibujos. Museo del Louvre. París

AMOR, DRAMA Y SENTIMIENTO : GRANDES TEMAS DEL BARROCO

Desde el siglo XVI estos estudios se recogen en tratados perfectamente ilustrados con grabados que facilitaban enormemente su compresión.

La gran aportación del Barroco a este asunto reside en que se empieza a establecer una diferenciación entre el carácter ( que era lo que estos estudios analizaban), que es estable, inmutable y constante y la emoción y el sentimiento, que son temporales, pasajeros y breves y que solo modifican el rostro momentáneamente. Desde el siglo XVI en toda Europa artistas de la talla de Rubens, El Greco o Leonardo da Vinci se interesaron por estas teorías pero fue Charles le Brun uno de los que más aportó a este campo de experimentación y uno de los que más influyó en las artes plásticas durante los siglos XVII y XVIII. Pintor y decorador al servicio de Luis XIV, estudió en la Academia de San Lucas de Roma y promovió la creación de la Academia Real de Pintura y Escultura de París, en la que estableció la costumbre de impartir una conferencia mensual sobre un tema de interés para académicos, artistas y público en general. Él mismo impartió dos que trataban sobre estos asuntos: La expresión de las pasiones y La fisiognomía, concebidas con un gran sentido didáctico y acompañadas de un elevado número de dibujos que pronto circularon entre los artistas y se difundieron de manera muy rápida, llegando a influir de forma decisiva en el desarrollo del arte francés y europeo posterior.

Acompañados de descripciones muy minuciosas sobre las respuestas gestuales al amor, la admiración, la rabia, la tristeza, los celos…se convirtieron en un verdadero manual para los artistas.

Os hablamos de cómo concebía Le Brun algunas de las pasiones y cómo los músicos de esta época le dieron voz a estos sentimientos.

LA ADMIRACIÓN

Para Le Brun la admiración es la primera y la más moderada de todas las pasiones y en la que el corazón siente menos agitación: El rostro sufre pocos cambios en todas sus partes, en todo caso en la elevación de las cejas, pero los dos extremos de las cejas se encontrarán al mismo nivel. El ojo aparecerá algo más abierto de lo normal, así como la pupila, entre los dos párpados y sin movimiento, fija en el objeto causante de la admiración. La boca la tendrá también entreabierta pero sin manifestar ninguna alteración, como el resto del rostro.

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Charles Le Brun. Admiración con asombro. Gabinete de Dibujos. Museo del Louvre. París

En torno al estudio de las pasiones del alma surgió toda una retórica en el plano filosófico de la mano de autores como Descartes que se tradujo a su vez en el plano musical.

Un ejemplo de música que describe el sentimiento de la admiración es el aria de Händel Ombra mai fu, de la ópera Serse,una historia que transcurre en Persia en el año 480 a. C y que tiene como protagonista al rey Jerjes I. Este aria muestra el momento en que el rey canta una oda a un árbol ( un platanero) que le ha impresionado.

El texto dice: Nunca fue hecha sombra ( forma) de una planta tan querida y amable, ni tan suave.

EL AMOR

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Charles Le Brun. Amor, definido como Ravissement (delicia). Gabinete de Dibujos. Museo del Louvre. París

En palabras de Le Brun, los movimientos del Amor cuando es la única pasión son muy dulces y sencillos ya que “la frente estará uniforme, las cejas un poco elevadas del lado donde se encuentra la pupila y la cabeza inclinada hacia el objeto que causa amor con los ojos muy abiertos y el blanco del ojo muy vivo y brillante. La boca un poco entreabierta, las comisuras algo elevadas y los labios aparentemente húmedos, una humedad producida por por el vapor que se eleva desde el corazón”

Los grandes dramas de amor fueron uno de los asuntos predilectos de la música barroca pero pocas obras lo describen tan bien como el aria Sé que muero de amor,curiosamente escrita en español para una ópera francesa compuesta por Lully (compsitor también al servicio de Luis XIV) y con libreto de Móliere. Una delicia absoluta.

TRISTEZA

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Charles Le Brun. La Tristeza. Gabinete de Dibujos. Museo del Louvre. París

En sus pautas para la representación de la tristeza Le Brun hace referencia a cómo las respuestas del rostro ante este sentimiento tienen su origen en el cerebro. En sus propias palabras: Esta pasión se muestra por movimientos que parecen marcar la inquietud del cerebro y el abatimiento del corazón, ya que “ los lados de las cejas se elevan más hacia el interior que hacia el exterior. Quien está afectado de esta pasión tiene las pupilas turbias , el blanco del ojo amarillento , los párpados bajos y algo inflamados y el contorno de los ojos lívido. Los orificios nasales caídos, la boca entreabierta y las comisuras hacia abajo. La cabeza aparece indolentemente inclinada sobre uno de los hombros. Todo el color del rostro es plomizo y los labios pálidos y sin color.

La correspondencia musical más clara de este sentimiento la encontramos en unas pequeñas piezas para consort de violas que compuso John Dowland, quien utilizó el lenguaje musical propiamente dicho para transmitir la tristeza. El título de estas composiciones es Lachrimae (lágrimas) y en ellas utiliza una pequeña melodía al inicio formada por notas de forma descendente, como si fuesen las propias lágrimas que descienden por el rostro. Un lenguaje poético y simbólico que da lugar a estas obras tan conmovedoras.

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Partitura original de las Lachrimae de Dowland en la que repite las primeras notas descendentes haciendo alusión a las lágrimas

Más adelante en el tiempo muchos científicos continuaron el camino de investigación de las pasiones humanas y su reflejo en el rostro. Es el caso de Gillaume Duchenne de Boulogne, un médico del siglo XIX que realizó una serie de estudios en el ámbito de la neurología y aplicaba la electricidad con fines terapéuticos. Escribió una obra titulada “El mecanismo de la fisionomía humana. Análisis electro-fisiológico de la expresión de las pasiones, aplicable a la práctica de las Bellas Artes”, en la que recogía los resultados de sus experimentos que consisitían en aplicar electrodos en los rostros paralizados de algunos pacientes para así generar las expresiones de las diferentes pasiones y sentimientos humanos. Las fotografías que se realizaron de estos experimentos también fueron utilizadas por numerosos artistas.

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Fotografía de la obra de Gillaume Duchenne de Boulogne en el que aparece aplicando los electrodos a un paciente

Filosofía, arte, ciencia y música. Disciplinas que se apoyan, complementan y son completamente indisolubles. La cultura es una gran ventana al mundo y en Parte del Arte os invitamos a que os asoméis a ella con nuevos ojos, los que no solamente ven, sino los que empatizan con personalidades y tiempos pasados, los que recrean ambientes y épocas históricas lejanas, los que aprenden del pasado y se esfuerzan en comprender el presente. Es nuestra convicción y el compromiso con la que diseñamos nuestras visitas guiadas , rutas culturales, cursos y viajes fuera de Madrid. ¿ Te unes a la aventura?

Esther Arce Bayón

Enlaces de interés:

-Exposición Arte y Carne

-Catálogo en línea del Museo del Louvre

-Libro “La fisiognomía de las Pasiones” Charles le Brun