BRUEGHEL: CINCO GENERACIONES DE MARAVILLAS

¿Cómo va el otoño en Madrid? En Parte del Arte seguimos a tope ofreciendo las mejores experiencias culturales : visitas teatralizadas y nocturnas, rutas históricas y por supuesto visitas guiadas a las mejores exposiciones de Madrid. Por ello, hoy queremos hablaros de una exposición que tenemos muchas ganas de guiar  y que estamos seguras que será una de las más exitosas de la temporada.

Se trata de Brueghel. Maravillas del arte flamenco. El pasado 7 de octubre tuvimos el placer de asistir a la presentación de esta gran exposición, organizada por Arthemisia Group  y patrocinada por la Fondazione Terzo Pilastro-Internazionale que tiene lugar en el Palacio de Gaviria de Madrid hasta abril del próximo año. En esta presentación, además, tuvimos la oportunidad de asistir a una visita guiada por el propio comisario, Sergio Gaddi, uno de los grandes expertos en la figura de los Brueghel, quien nos dio las claves fundamentales de la exposición y nos contó infinidad de curiosidades que también os transmitiremos en las visitas. Fue un verdadero lujo escucharle. Por ello, para ir abriendo boca, queremos compartir con vosotros un pequeño aperitivo de lo que veremos en nuestras visitas guiadas a la exposición en el mes de enero.

¡Sigue leyendo!

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Natalia y Esther con Sergio Gaddi, comisario de la exposición

Brueghel. Maravillas del arte flamenco cuenta con más de un centenar de piezas representativas de los Brueghel, una familia cuyo linaje de pintores se extendió a través de cinco generaciones desde mediados del siglo XVI con Pieter Brueghel el Viejo. Todos ellos, hábiles pintores, reflejaron con un lenguaje muy personal toda una época, que se reconstruye a través de sus obras en la exposición. La exposición agrupa las obras, más de un centenar, en torno a los temas que trataron esta dinastía de artistas.

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Sergio Gaddi en la visita guiada de la presentación de la muestra

El primer apartado, titulado El juicio moral, entre la salvación y la condena, arranca con la obra de Pieter Brueghel el Viejo, un artista formado con otro prestigioso pintor, Pieter Coecke van Aelst y que enseguida descubrió y asimiló rasgos de la obra de El Bosco, algo muy patente en muchas de sus obras. Entre los temas contenidos en esta sección se encuentran paisajes con figuras religiosas, de campesinos, escenas de la vida rural en los que introduce una profunda reflexión sobre la condición humana y critica  de forma sarcástica los vicios humanos. Esta forma analítica de ver el mundo marcará la obra de todos sus sucesores.

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Gerard David. Descanso en la Huida a Egipto ( Colección privada)

El segundo apartado de la muestra está dedicado a La Reina Naturaleza, uno de los puntos fuertes de la pintura de Pieter Brueghel el Viejo y también de su hijo Jan Brueghel el Viejo, que fue su principal continuador en este tipo de creaciones. Pieter fue un gran observador de la naturaleza, especialmente le llamaron la atención los paisajes italianos, que plasmó con una habilidad extraordinaria en muchas de sus composiciones, entre las que destacan paisajes a vista de pájaro con un punto de observación extremadamente alto que nos transmite una sensación de inmensidad irreal y que reduce las figuras humanas a elementos diminutos e intrascendentes.

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Pieter Brueghel el Viejo. Paisaje con la parábola del sembrador (Colección privada)

En el siguiente apartado, Soldados y cazadores bañados en luz invernal podemos ver algunas de las copias que el primogénito de Pieter Brueghel el Viejo, Pieter Brueghel el Joven realizó de algunas de las obras más populares de su padre, los paisajes y escenas nevadas. Además de estas piezas se pueden contemplar algunas del imaginario personal de Pieter Brueghel el Joven, en las que que reflejaba la realidad de su tiempo: soldados que matan sin piedad, cazadores que regresan a la aldea, campesinos borrachos, toscos artesanos…con un tono irónico excepcional.

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Pieter Brueghel el Joven. La trampa para pájaros. (Colección privada)

El recorrido de la muestra continua en el gran salón de baile del Palacio de Gaviria y en en él podemos admirar Alegorías, historias maravillosas, una sección en la que podemos admirar la obra de Jan Brueghel el Joven ( hijo de Jan Brueghel el Viejo), que heredó el estudio de su padre. Además de terminar junto con Rubens gran parte de la obra de la obra que su padre había dejado inacabada dedicó gran parte de su carrera a tratar el tema de las Alegorías, tratando de explicar conceptos como el amor, la guerra, los elementos de la naturaleza, los sentidos humanos, la paz… que se hacen corpóreos a través de la figura humana.

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Jan Brueghel el Joven . Alegoría del Amor. ( Colección privada)

En Realtos de viajeros y mercaderes encontramos una pequeña sección dedicada a Pieter Brughel el Viejo y Jan Brueghel el Joven dedicada a las obras y grabados que se popularizaron  a mitad del siglo XVI en Amberes, una próspera ciudad que en estas fechas se había convertido en el nuevo centro económico del mundo occidental y que alumbra una clase media cuyos objetivos eran la riqueza y el éxito. Este nuevo estamento social contribuyó de forma decisiva al crecimiento económico, lo que implicó que el número de artesanos y artistas creciese considerablemente.

A continuación nos encontramos con Gloria y vanidad de la vida silenciosa, uno de los apartados más vistosos de la exposición. En él podemos observar la pintura de género floral y el bodegón de mediados del siglo XVII, que se utilizaba para transmitir un mensaje moral contenido en la idea de la vanitas ( vacuidad, insignificancia), a través de elementos perecederos y alusiones simbólicas de diferentes objetos, sin olvidar el contenido religioso de muchas de ellas vinculado a los ideales contrarreformistas, que despliegan todo un lenguaje floral vinculado con los valores cristianos. Se pueden apreciar obras de Abraham Brueghel, uno de los mejores representantes de esta tendencia.

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Abraham Brueghel. Detalle de Naturaleza muerta con fruta y ave exótica ( Colección privada)

La muestra finaliza con un baile, el Baile de los Pobres, un apartado en el que podemos ver obras de diferentes artistas de la familia Brueghel. Todos ellos fueron grandes observadores y retrataron , como una gran metáfora de la existencia, escenas de la vida cotidiana protagonizadas por campesinos, fiestas de carácter popular, el juego del cortejo, los rituales de matrimonio y las tradiciones transmitidas de generación en generación. La alegría de vivir a pesar de las dificultades se abre ante nuestros ojos como un perfecto broche de oro a una muestra excepcional.

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Pieter Brueghel el Joven. Baile de boda campesina al aire libre. (Colección privada)

¿Con ganas de asistir? Pues no te la pierdas y ven con Parte del Arte a nuestras visitas guiadas en las que una de nuestras especialistas en arte te descubrirá todas las claves, una a una, que se esconden tras las obras de la gran saga de los Brueghel. Para no perderte las fechas síguenos en nuestras redes sociales:  Instagram ( @ Parte_del_arte) Facebook ( Parte del Arte.) y Twitter ( @PartedelArte) y suscríbete a nuestra newsletter en www.partedelarte.com  y te avisaremos de todas las fechas y horarios disponibles.

Además, puedes enterarte de todas nuestras actividades: viajes de fin de semana, visitas teatralizadas y nocturnas, visitas a otras exposiciones temporales de Madrid. ¡Todo lo que busques lo tenemos en Parte del Arte!

¡Te esperamos!

 

 

 

TAMARA DE LEMPICKA, UNA PROPUESTA FEMENINA EN EL PALACIO DE GAVIRIA

 En Parte del Arte nos encanta ir a las exposiciones del Palacio de Gaviria y (sabemos que a vosotros también) y si además es en clave femenina mucho mejor. Es cada vez más frecuente encontrar en Madrid exposiciones monográficas sobre artistas femeninas como en este caso la de Tamara de Lempicka organizada por Arthemisia Group o la que el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedica a Dorothea Tanning. Hay un cambio de paradigma que nos encanta en la programación de exposiciones en la capital. Por eso hoy en nuestro blog BaluArte queremos prepararos para nuestras próximas visitas guiadas a esta magnífica muestra sobre la reina del Art Decó Tamra de Lempicka ¿Nos acompañas?

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Natalia preparando nuestras visitas guiadas a la exposición en el Palacio de Gaviria

TAMARA LLEGA AL PALACIO

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Y lo hace con fuerza. Más de 200 piezas procedentes de alrededor de 40 colecciones privadas, museos y diferentes prestadores nos acompañan no sólo por la obra de la artista sino que nos proponen un verdadero viaje a otra época, la de los locos años veinte, que se viste de Art Decó. Porque este periodo no es solo pintura estática y  pasiva, es diseño, es innovación, música, fotografía, muebles,moda…por ello, toda una suerte de objetos se nos presentan en diálogo con los lienzos, consiguiendo que con nuestras visitas guiadas y un entorno así, el visitante viva una auténtico viaje en el tiempo.

Además, con esta muestra, la comisaria y experta en la obra de Lempicka Gioia Mori pretende arrojar algo de luz sobre aspectos desconocidos de la artista.

CONOCIENDO A LEMPICKA

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No se sabe con exactitud su fecha de nacimiento (entre 1895 y 1889) en una familia polaca de clase alta. Su vida fue una verdadera aventura. Se casó en San Petersburgo con Tadeusz Lempicki en 1916 y debido a los cambios políticos en Rusia decide mudarse a Paris en 1918, donde, sin sustento, comienza su historia de amor con el arte. En poco tiempo pasó de aprendiz a profesional como ilustradora en revistas femeninas y después como artista independiente.

Tamara desprendía una elegancia única, especial, como la de una estrella de cine. No quiso seguir a otros aunque siempre reconoció el impacto en su pintura de los grandes maestros y creó su propio estilo con sus volumétricas figuras que se antojan esculturas pintadas con toques cubistas y siempre con una doble lectura, porque si alguien rompió los estereotipos de la mujer frívola del Art Decó esa fue Lempicka. Mujeres empoderadas, inspiradoras, mujeres adelantadas a su tiempo fueron sus musas, las heroínas de su propia forma de entender el arte.

EL COMIENZO: TAMARA EN LA CIUDAD DE LA LUZ

París se consolidó de nuevo como Centro artístico indiscutible tras la Primera Guerra Mundial. Al abrigo de las tertulias en los cafés, las fiestas y los espectáculos que bautizaron esta época como los locos años 20 llegaron intelectuales y artistas de todo el mundo, entre los cuales se encontraba Tamara, que había llegado allí huyendo de la revolución bolchevique. Su primera exposición fue en 1922 en el Salón de Otoño y enseguida obtuvo un gran reconocimiento que marcó el inicio de su carrera. La primera sala de la exposición nos muestra algunas de sus primeras obras, en las que sentaba las bases de ese mundo del glamour y la moda que terminará reflejando como nadie.

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El fondo rosa (Retrato de Bibi Zógbé)1923

VIVIENDO LA MODERNIDAD

La segunda sala de la muestra lleva por título La Casa más moderna de París y hace referencia a la vivienda que Lempicka compró en 1930 en la Rue de Méchain, alabada en las revistas francesas, polacas y británicas como un ejemplo de modernidad y que fue decorada en su interior por su propia hermana Adrienne Gorska, la primera polaca que logró licenciarse en arquitectura y fue pionera en el diseño de salas de cine.

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Príncipe Eristoff. Tamara de Lempicka

VIVIENDO LA MODA

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Otro de los apartados imprescindibles de la obra de Lempicka es su relación con la moda, un sector en auge y con mucha relevancia en la época. Lempicka comenzó su andadura en el mundo artístico como ilustradora de revistas femeninas. La sala muestra algunos de esos figurines y bocetos junto a obras maestras como Las confidencias ( las dos amigas) de 1928 que aparecen en diálogo con vestidos, sombreros…diferentes piezas textiles que nos transportan a los cánones de belleza y preceptos de la moda del momento, siempre seguidos de cerca por Lempicka.

AMAZONAS

La siguiente sala de la muestra profundiza sobre la vida íntima de Lempicka y su orientación sexual. Amazonas era el término con el que en la época se hacía alusión a las mujeres homosexuales, como es el caso de Tamara, que nunca ocultó sus relaciones con otras mujeres, ya que se trata de una época que trató el tema con relativa naturalidad, aunque en cierto modo seguían siendo un tabú para la sociedad. En esta sala se recoge ese ambiente oculto de los locales “solo para mujeres” además de un gran número de desnudos en los que se puede ver su evolución pictórica.

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Sala Amazonas

LOS BODEGONES

Otro de los temas tratados por Lempicka fue el de la naturaleza muerta con flores, un género del que llegó a convertirse en una verdadera virtuosa. Sus naturalezas muertas se distinguen por una gran sobriedad compositiva y un cromatismo muy personal donde el gusto por el decorativismo es un fiel reflejo de la cultura Art Decó de la que Lempicka formó parte. En la sala sus flores dialogan con obras escultóricas de otros artistas.

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Jarrón con rosas. Tamara de Lempicka

MATERNIDAD

La siguiente sala de la exposición está dedicada al tema de la maternidad y en ella sobre todo se exponen obras en las que la artista usó a su hija Kizette como modelo, tanto de niña como en la edad adulta, obras que siempre tuvieron una gran acogida por parte tanto del público como de la crítica. También se puede ver una singular imagen de la Virgen con el Niño, un tema poco frecuente en la temática habitual de Lempicka.

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Retrato de Kizette. Tamara de Lempicka.

ALFONSO XIII.

image_content_8735165_20181005003152Esta sección  de la muestra es muy especial ya que en ella se muestra un hasta hace poco tiempo desconocido retrato (incompleto) que Tamara de Lempicka le hizo a Alfonoso XIII en su paso por España y que se ha podido recuperar gracias a las investigaciones de la comisaria de la exposición. Sin duda una extraordinaria sorpresa que se aleja de la temática habitual de Lempicka y que se puede contemplar en la exposición den diálogo con otros retratos del monarca.

 

EL MANUAL DE HISTORIA DEL ARTE

Así se puede denominar la obra de Tamara de Lempicka, un verdadero manual de Historia del Arte, en el que se puede apreciar la influencia de los primitivos flamencos como Van der Weyden, Vermeer o Crivelli pero también del Greco, Pontormo, Miguel Ángel, Botticelli o Rafael, además de la estatuaria antigua de Roma, Grecia…En esta sala se pueden apreciar las obras en las que más influyeron otros artistas y que se encuentra en verdadera sintonía con el movimiento Art Decó, que recupera formas griegas, etruscas, egipcias…

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Il velo verde. Tamara de Lempicka

BARONESA

Tamara se casa por segunda vez con el barón Raoul Kuffner, con el que se trasladará a Estados Unidos en 1939 tras el clima de inestabilidad previo a la II Guerra Mundial. En esta sección de la exposición se muestran algunas fotografías de las grandes fiestas que dio el matrimonio en su casa de Beverly Hills y algunas de las obras que realizó en Estados Unidos, donde su obra se consideró anacrónica y cuyas exposiciones fueron sufragadas por su marido. También se incluyen obras y fotografías de manos, un tema que interesó a Tamara durante este periodo.

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Fotografía de Tamara de Lempicka pintando

VISIONES AMOROSAS

IMG-20181014-WA0008Con el nombre de visiones amorosas Tamara de Lempicka se refería a las imágenes que despiden la muestra, en las que se muestran imágenes fruto de sus relaciones amorosas con mujeres. En ellas se pueden apreciar a algunas de las modelos con las que se relacionó y son obras cargadas de sensualidad,  reflejo de una modernidad transgresora y precursora de nuevos tiempos que estaban por venir en el arte y en la sociedad y de los que Tamara fue uno de los mejores ejemplos.

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Las muchachas jóvenes. Tamara de Lempicka

Seguramente después de este breve repaso te hayan entrado ganas de conocer más sobre esta gran artista del Art Decó. Pues estás de suerte, ya que el próximo mes de Noviembre en Parte del Arte estaremos haciendo visitas guiadas a esta exposición para descubrirte de la mano de un experto todos los detalles de la obra de Tamara de Lempicka. Las fechas son :

Miercoles 21 noviembre a las 12h.

Jueves 22 de noviembre a las 12h.

Viernes 23 de noviembre 18h.

¡No te la pierdas! Reserva en info@partedelarte.es o en el 645438576

Te esperamos.

COMIENZA LA AVENTURA. Elige tu experiencia Parte del Arte

Ha llegado septiembre y con él la normalidad a Madrid. Las calles se llenan de niños con sus mochilas, gente todavía con el moreno de la playa…y en las caras se puede ver, además de cierta nostalgia, la ilusión por el nuevo curso, nuevas metas, ilusiones, proyectos…En Parte del Arte creemos que septiembre es un mes mágico, lleno de bonitos horizontes que alcanzar. Por eso, nuestro equipo está al 100% de su rendimiento preparando un curso 2018/2019 inolvidable, lleno de visitas guiadas a las mejores exposiciones temporales, rutas innovadoras para seguir conociendo Madrid, cursos nuevos en el aula para conectar con el arte, la historia, la música y para conocer nuestro querido Museo del Prado….y por supuesto, estamos de lleno trabajando en nuestros viajes culturales, sorprendentes, atractivos y diferentes…Estamos seguras de que los próximos meses nos esperan muchas aventuras juntos ¿Ya has escogido la tuya? Si todavía no te has decidido en este post de BaluArte te ayudamos a que encuentres tu experiencia ideal.

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CONOCE MADRID

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Nuestra cita semanal más popular es Conoce Madrid, un momento de calma en la vorágine de la semana para conocer la ciudad sin prisas, contemplando cada edificio, descubriendo las historias que se esconden en cada rincón. Queremos que conozcas Madrid de una manera diferente, interdisciplinar y amena. Artistas, escritores, músicos…nos acompañan en cada paseo, en el que cada guía te desvelará todos los detalles de la ciudad. Rutas por el Madrid imprescindible y por lugares más desconocidos te esperan en Conoce Madrid. También visitaremos esos museos imprescindibles de la ciudad y sus exposiciones más importantes para que estés en plena conexión con la cultura. Si eres un apasionado de Madrid, o nunca has tenido tiempo hasta ahora para disfrutarlo con calma esta es tu experiencia. Tienes toda la información pinchando aquí.

EXPOSICIONES TEMPORALES

Exposiciones Temporales es tu momento de conexión con el arte y con el artista. Cada semana nos adentramos en una exposición temporal para descubrir un universo nuevo: el de un movimiento artístico, el de un artista, un momento histórico…Recorreremos, ávidos de nuevas emociones, todos los museos y espacios culturales de Madrid: Museo Thyssen, Caixa Forum, Fundación Mapfre, Palacio de GaviriaNos apasiona el arte y la historia y queremos que te contagies de nuestra ilusión a la vez que te conviertes en un verdadero experto en arte. Si lo tuyo es el amor al arte reserva ya tu momento de placer semanal pinchando aquí.

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GRANDES MOMENTOS DEL ARTE Y LA HISTORIA

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¿Alguna vez has querido vivir en otra época? Si es afirmativo no te puedes perder Grandes Momentos del Arte y la Historia. Una propuesta exclusiva, única y diferente con toda la esencia de Parte del Arte. Cada semana te proponemos un viaje a un momento de la historia, a la vida de un artista, a una pieza musical o una obra literaria: los vikingos, enigmas de la Historia, la música en épocas lejanas, historia comparada…Los lunes arrancamos la semana con una nueva aventura que te contaremos con el mimo y el detalle que nos caracteriza. Sé uno de los que ocupan las últimas plazas pinchando aquí.

EL ARTE DE ESCUCHAR

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En Parte del Arte siempre buscamos nuevas formas de acercamiento a la cultura, por lo que este año te proponemos como novedad un acercamiento a la historia de la música, pero lo haremos de una forma diferente, abriéndote cada semana una ventana a una pieza musical, a la obra de un compositor, a momentos importantes en la historia de la música…Queremos que te dejes llevar por cada nota a través de audiciones que te emocionarán y te harán partícipe del alma del compositor…¡Llena tu vida de música! Puedes ver cada ventana en este enlace.

DESCUBRE EL PRADO

¿Lo has leído en prensa? El Museo del Prado es el quinto museo del mundo más valorado por el público y sí, sabemos que a ti también te encanta. Por eso una de nuestras novedades para el curso 2018/2019 es nuestra propuesta Conoce el Prado, una iniciativa en la que cada semana nos empaparemos de un periodo artístico del museo y acudiendo una vez al mes para disfrutar juntos y en directo las obras más importantes y también las más desconocidas del Prado, donde apreciaremos todos sus detalles y matices. Descubre de nuevo una de las pinacotecas más importantes del mundo entrando en el siguiente enlace.

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Cada una de nuestras experiencias están diseñadas con mucho detalle y con mucha esencia Parte del Arte: profesionalidad, respeto máximo por lo que hacemos, pasión por el arte y la historia…y mucho amor por nuestra ciudad, su patrimonio, su historia y sus monumentos. Queremos que seas también #ParteDelArte, que cada semana vivas una experiencia, descubras algo nuevo, conozcas gente con tus mismas inquietudes…porque en Parte del Arte somos más que guías, más que profesores, queremos ser tus cicerones en el camino de amor por la cultura. ¿Te unes a la aventura?

Todas nuestras experiencias, visitas guiadas, rutas nocturnas, rutas teatralizadas y viajes culturales en www.partedelarte.com

Bienvenidos a nuestro mundo.

UN OASIS DE ARTE ESPAÑOL EN AMÉRICA: LA HISPANIC SOCIETY

En Parte del Arte tenemos un compromiso con la cultura y por ello siempre organizamos visitas guiadas a las exposiciones temporales más relevantes de Madrid. Este año una de las citas imprescindibles es la exposición que el Museo Nacional del Prado ha organizado junto con la Hispanic Society y en la que se dan cita piezas de suma calidad e importancia del arte español. A través de visitas guiadas VIP, en grupos muy reducidos, os desvelamos los secretos de las obras en un recorrido de  deleite y disfrute incomparable.

Pero, ¿Qué es la Hispanic Society? ¿ Por qué tiene tanto arte español? Os lo contamos a continuación.

UN APASIONADO DE ESPAÑA: Archer Milton Huntington 

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Fotografía de Archer Milton Huntington

El origen de esta importante institución se remonta al año 1904 cuando Archer Milton Huntington, bibliófilo, poeta, coleccionista, arqueólogo e hispanista decidió formar una sociedad para el estudio de la cultura española con sede en Nueva York. Heredero de una gran fortuna familiar, durante su juventud se dedicó a viajar y comprar piezas de arte hispánico, por lo que crear la sociedad constituyó la culminación de uno de sus mayores sueños. El objetivo era crear un museo y una biblioteca para fomentar  la apreciación rigurosa de la cultura española y profundizara en el estudio de la literatura y el arte de España, Portugal y América Latina.

Además, él mismo se encargó de estudiar y divulgar personalmente la cultura hispánica, sobre todo la española. En 1892 viajó por primera vez a la Peninsula Ibérica y aprendió el español con la perfección suficiente como para escribir versos en nuestro idioma, además de realizar una cuidada edición en tres tomos del Cantar de mio Cid que supuso la primera edición completa en inglés además de las notas y el texto original en castellano. Fue también un apasionado de la ciudad de Sevilla, por lo que fue nombrado hijo adoptivo y miembro de la Real Academia de las Buenas Letras.

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Escultura del Cid junto a la fachada de la sede de la Hispanic Society en Nueva York

Su colección es tan variada y tiene tanta calidad que es una de las que recorre mejor nuestra historia.  Ninguna otra institución en el mundo, incluyendo España, permite por sí sola un recorrido tan completo por nuestra historia, arte y cultura. Una oportunidad única para disfrutar de piezas que se atesoran a miles de kilómetros de nosotros.

UN LUJOSO RECORRIDO POR NUESTRA HISTORIA

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Detalle de los Relicarios de Santa María y Santa Magdalena, de Juan de Juni ( Hispanic Society)

La exposición del Museo del Prado ha sido posible gracias a la ampliación de la sede de la Hispanic Society de Nueva York y nos ofrece un delicioso recorrido cronológico a través de piezas que abarcan desde la Prehistoria hasta arte del siglo XX, y algunas de ellas se muestran en esta exposición de forma inédita. El arte islámico, colonial y el siglo XIX latinoamericano también están presentes en las salas como un reflejo del espíritu del fundador.

Entre las obras que más destacan en la muestra nos encontramos con incunables, piezas muy significativas de la cultura celtíbera y visigodas, búcaros de las Indias…y una amplia selección de pintura que permite una reconstrucción de la identidad artística hispana. Autores como Valdés Leal, Murillo, Zurbarán, El Greco… tienen una especial relevancia dentro de las colecciones que van desde el siglo XI al XVIII.

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La vuelta del hijo pródigo. Murillo ( Hispanic Society )

 

También destacan importantes obras de  Velázquez, como Retrato de una niña, Camillo Astalli y Gaspar de Guzmán, Conde-Duque de Olivares y el famosísimo retrato de la Duquesa de Alba de Goya.

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Camillo Astalli. Diego de Velázquez ( Hispanic Society)

También los siglos XIX Y XX tiene una importante presencia con obras de algunos de los más destacados artistas  del modernismo como Santiago Rusiñol y en especial Zuoloaga y Sorolla, a quien le encargaron los conocidos lienzos de las provincias.

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Muchachas de Burriana. Anglada Camarasa ( Hispanic Society)

Además de la pintura, la colección de escultura y artes decorativas es una de las más completas del mundo con piezas muy significativas desde la Prehistoria hasta el siglo XX: piezas de orfebrería renacentista y barroca, cerámica de Manises, Talavera y Alcora, piezas textiles como un Fragmento de la túnica del príncipe Felipe de Castilla y una pieza de seda nazarí.

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Detalle un precioso píxide hispanomusulman ( Hispanic Society)

UNA FUENTE DE CONOCIMIENTO: LA BIBLIOTECA

El afán y los intereses bibliófilos del fundador contribuyeron a la creación de una de las mayores bibliotecas de temas hispánicos del mundo. Por ello, gran parte del tesoro que se puede contemplar en la exposición está relacionado con el mundo de los libros y manuscritos, con piezas de gran valor histórico, documental o artístico. Algunas de las joyas que se pueden contemplar son: el Privilegio emitido por Alfonso VII rey de Castilla y León, las excepcionales Biblia sacra iuxta versionem vulgate Biblia hebrea; cartas únicas como las Instrucciones del Emperador Carlos V a su hijo Felipe, la Carta dirigida a Felipe II de Isabel I, reina de Inglaterra o la Carta manuscrita, firmada “Diego de Silva Velazquez” para Damián Gotiens; y destacados ejemplos cartográficos como el Mapamundi portolan, 15 cartas manuscritas iluminadas, de Battista Agnese o el Mapamundi de Juan Vespucci.

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Mapamundi de Juan Vespuci ( Biblioteca de la Hispanic Society)

No te pierdas la oportunidad de conocer con Parte del Arte una de las mejores colecciones del mundo de una forma exclusiva, en grupos reducidos, en las que nuestros guías especializados en arte te explicarán cada detalle de las piezas dentro de su contexto para que le saques el máximo partido a esta experiencia cultural.

Próximas fechas:

  • Miércoles 12 de julio a las 11.30h.
  • Jueves 13 de julio a las 11.30h.

¡Te esperamos!

80 AÑOS DE GUERNICA ¿Cuál es su significado?

En mayo y junio visitaremos en Parte del Arte la gran exposición del año: Piedad y terror en Picasso. Un camino hacia Guernica, la gran muestra que ha organizado el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía para conmemorar el 80 aniversario del el gran lienzo.

Realizaremos visitas guiadas por especialistas en arte para adentraros en la mente de Picasso: conoceremos su forma de entender el tiempo en que vivió, sus preocupaciones y las motivaciones que le llevaron a crear una de las obras más icónicas de toda la historia del arte.

Y para ir abriendo boca, en BaluArte os damos algunas claves para conocer los símbolos del cuadro.

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A lo largo de sus más de 7 metros de largo y 3 metros de alto se suceden numerosos personajes formando una composición triangular cuyo vértice es la lámpara y la base el cuerpo del hombre muerto. Las figuras son fruto de un lenguaje que Picasso fue madurando a lo largo del tiempo, por lo que las reminiscencias a épocas anteriores de su producción se pueden ver de una forma clara en el gran lienzo. Pero, ¿ qué nos quiere decir cada personaje? ¡Sigue leyendo!

1. EL TORO

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En las décadas anteriores al Guernica el toro fue un animal muy reproducido por el pintor. La interpretación más generalizada que se ha hecho de la imagen del toro es que Picasso lo introduce como un símbolo de brutalidad y oscuridad. Representa ese concepto a la vez que el reostro del animal pierde simetría como muestra de aturdimiento y pánico, siendo también identificado en muchas ocasiones como un autorretrato del propio Picasso.

Sin emnargo, el toro puede aludir a otras cuestiones. Cuando Picasso iba a acomenzar a pintar el Guernica no sabía muy bien cómo empezar, por lo que su amigo el escritor Larrea le dijo estas palabras:

Imagínate a un toro, en medio de una plaza, al que han estado hiriendo sin piedad. El dolor del toro es tan intenso que logra escapar del ruedo y entra, furioso, en una tienda de porcelanas, donde hay delicadas figuras de todo tipo, personas, animales… El toro se desahoga en el interior de la tienda. Cuando se haya marchado ¿te imaginas cómo habrá quedado la tienda? Pues así, más o menos, está ahora la villa de Guernica”.

Si miramos el lienzo pensando en estas palabras resulta totalmente coherente, el toro, simbolo de fortaleza, asustado, y los seres humanos frágiles y aterrorizados.

2. MADRE

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El motivo de la madre con el hijo muerto tiene numerosos ejemplos en la Historia del Arte, sobre todo en la historia cristiana, donde el tema iconográfico de la Piedad ha sido reproducido en infinidad de ocasiones. En este sentido, Picasso se inspira en ese tipo de composición triangular en cuyo vértice se sitúa la cabeza de la madre, que con un grito desgarrador y una contorsión del cuello pide clemencia, mientras que su hijo fallecido aparece representado con los ojos vacíos, sin pupilas, creando así una imagen más potente de la muerte infantil.

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La Piedad de Miguel Angel, icono de la escultura universal y en la que se puede ver la disposición triangular que utiliza Picasso en Guernica

3. EL SOLDADO MUERTO

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Resulta muy curioso que un cuadro dedicado a un motivo bélico tenga tan poca presencia masculina o tan pocas referencias de tipo militar. A pesar de que Picasso quería centrarse en las víctimas inocentes del suceso también introdujo esta figura de un soldado, símbolo de aquellos que lucharon por una causa y fallecieron. La figura muerta aparece mutilada, con un brazo separado del cuerpo que porta una espada rota, símbolo de la derrota. En palabras de Calvo Serraller, el soldado queda convertido en una escultura rota y mutilada.

Ejemplo de que Guernica es, en definitiva, el resultado del lenguaje personal de Picasso, podemos ver cómo el tema del brazo mutilado lo podemos ver en otro contexto completemente diferente, en sus bodegones de los años 20, por ejemplo, en los que incluía vacíados de yeso de esculturas antiguas. En este cuadro que os mostramos a continuación de puede ver de forma clara:

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Mandolina, frutero y brazo de yeso, 1925

Junto al brazo encontramos una flor, la cual representa la esperanza de un mundo nuevo y mejor.

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4. LA PALOMA

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La paloma casi se confunde con el fondo. Apenas visible lanza al aire un grito de agonía que simboliza una paz rota.

5. EL CABALLO

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Es la figura central de la obra. Aparece medio degollado con una gran estaca clavada en el centro de su lomo, se retuerce de dolor creando una unidad y conexión con la disposición de la cabeza del toro. El caballo ha sido interpretado habitualmente como un símbolo del sufrimiento del pueblo. En su cuerpo presenta unas líneas que en muchas ocasiones se han interpretado como las letras de un periódico, lo que algunas personas han identificado como un periódico, y por tanto, como un instrumento de propaganda política.

6. LÁMPARAS

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La representación de la lámpara nos ayuda a situar la escena, es decir, lo que vemos se está desarrollando en un interior. Picasso consideraba los interiores como su lugar de máxima inspiración ( la mayor parte de su producción artística anterior a Guernica se había desarrollado entre cuatro paredes) y esta lectura del bombardeo desde un interior le da una lectura marcadamente doméstica. La lámpara principal a menudo se ha asimilado al Sol o a una divinidad por su forma de ojo “ que todo lo ve”, mientras que la lámpara de queroseno que sujeta la mujer se ha relacionado con la República y la mujer la sostiene para observar aterrorizada todo los que está sucediendo a su alrededor. Además, la mujer se lleva la mano al pecho, como gesto patriótico.

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7. LA MUJER QUE HUYE

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Esta imagen es una de las que estilísticamente están más vinculadas con la producción anterior de Picasso. Una mujer desesperada que intenta huir del desastre, arrastrando su hinchada pierna en un movimiento de gran lentitud. Una imagen que simboliza la imposibilidad o dificultad de los protagonistas de la escena de escapar a su destino.

8. EL HOMBRE EN LLAMAS

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El hombre en llamas es otra de las figuras que podemos ver en Guernica como símbolo del horror, representando a todas aquellas víctimas de las bombas incendiarias. La disposición de la figura tiene numerosos preceentes en la obra de Picasso ( brazos deformados que se alzan en diferentes contextos) pero la figura con la que más se ha relacionado el hombre en llamas del Guernica por la similitud de la temática es con el famoso cuadro de los Fusilamientos del dos de mayo de Francisco de Goya, que al igual que este personaje alza la mirada pidiendo piedad.

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Detalle de la figura central de Los fusilamientos del dos de mayo de Francisco de Goya

El bombardeo de Guernica ha dado la vuelta al mundo gracias al cuadro de Picasso, pero esta gran obra maestra es mucho más, es la condensación de una iconografía propia y personal y es un canto de protesta ante la guerra. El título es sólo casual, ya que los horrores de la época de Picasso no se limitaron al contexto de la Guerra Civil Española.

El bombardeo de Guernica ha dado la vuelta al mundo gracias al cuadro de Picasso, pero esta gran obra maestra es mucho más, es la condensación de una iconografía propia y personal y es un canto de protesta ante la guerra. El título es sólo casual, ya que los horrores de la época de Picasso no se limitaron al contexto de la Guerra Civil Española.

José María Ucelay, Director General de Bellas Artes del Gobierno Vasco reconoció que no se trataba de un lienzo que representase de forma concreta el bombardeo de Guernica utilizando estas palabras:

“Fíjese bien, si yo le digo ahora mismo que este cuadro se titula Sodoma y Gomorra y usted no supiera de que obra se trata ¿ verdad que no le resultaría incoherente?”

Un símbolo universal de lucha contra los abusos de los conflictos armados que sigue estando más vivo que nunca.

Si quieres conocer más a fondo Guernica no dudes en apuntarte a las visitas guiadas que en Parte del Arte organizamos a esta magnífica exposición del Museo Reina Sofía. Tienes todos los detalles en www.partedelarte.com

Esther Arce Bayón

ESCHER EL VISIONARIO. MUCHO MÁS QUE ARTE

Empieza una semana muy especial para Parte del Arte. Empezamos nuestras visitas guiadas a la gran exposición temporal sobre Escher, que tiene lugar en el Palacio de Gaviria. Es una cita cultural de gran importancia, ya que se trata de una gran oportunidad para que el público general conozca la obra de este gran artista y también porque el Palacio de Gaviria, cerrado desde hace años, vuelve a abrir sus puertas.

La muestra está organizada por al empresa italiana Arthemisia Grupo, que desde la organización el pasado año de la exposición temporal sobre Kandinsky nos ha acostumbrado a grandes y llamativos montajes expositivos. Así que todo apunta a que será una gran Experiencia Parte del Arte.

Hoy en BaluArte, para complementar la visita a la exposición te hablamos de la gran importancia que ha tenido la figura de Escher en otros ámbitos fuera del de las artes plásticas. Si quieres conocer la gran dimensión de la obra de este visionario sigue leyendo por que ¡empezamos!

ARQUITECTURA Y GRABADO, LOS INICIOS DE UN ARTISTA POLIFACÉTICO

Su nombre completo es Maurits Cornelis Escher. Nació en Países Bajos, en Leeuwarden.

Durante su época de estudiante sólo destacaba en la disciplina del dibujo y empujado por su padre se matriculó en la Escuela de Arquitectura y Artes Decorativas de Haarlem, aunque no llegaría a terminar sus estudios de arquitectura, ya que por entonces demostró un gran interés por el mundo del grabado. Se convirtió en discípulo del grabador Samuel Jessurum de Mesquita y enseguida destacó por una gran habilidad en la xilografía. Realizó varios viajes por Europa: Italia, Suiza, y fue precisamente su estancia en nuestro país, especialmente en Granada, una de las que más transformó su obra. En Granada descubre los motivos decorativos del pasado hispanomusulman, los motivos que se reparten de forma regular por la superficie, los patrones de elementos que se repiten…Poco a poco empieza a abandonar los grabados paisajísticos de su primera etapa para centrarse más en lo que su propia mente era capaz de imaginar, creando un marcado estilo personal y fascinante que le proporcionó un gran éxito y que sigue cautivándonos en la actualidad. Este mundo tan sugestivo de juegos visuales e imágenes imposibles se encuentra a medio camino entre el arte, la óptica y la matemática, y ha sido parte fundamental en otras disciplinas.

CONVIRTIENDO LAS MATEMÁTICAS EN ARTE

Uno de los aspectos más importantes de la obra de Escher es su relación con las matemáticas. Su originalidad radica en que fue capaz de representar de forma visual y artística elementos matemáticos, como la Cinta de Moebius. Pero no se trata solo de una representación atractiva, por ejemplo, en su “Cinta de Moebius II” también ayuda a la comprensión del concepto matemático que hay detrás de ella. Mediante las hormigas ilustra el hecho de que la Cinta de Moebius tiene una única cara.

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Cinta de Moebius II. Murits Cornelis Escher

Sus concomientos matemáticos también los aplicó en multitud de obras a través de la representación compleja de formas geométricas infinitas que crean juegos visuales muy interesantes, como en la imagen que tenemos a continuación, donde las cabezas de los peces parecen superponerse pero en realidad están encajadas unas sobre otras.

También desafío las leyes matemáticas, sobre todo el principio V del postulado de Euclides, que afirma que por un punto exterior a una recta sólo se puede trazar una paralela. En algunas obras como “Límite Circular IV” utiliza el espacio de una esfera para representar figuras de ángeles y demonios que se van haciendo cada vez más pequeñas de forma infinita.

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Límite circular IV. Murits Cornelis Escher ( 1960)

Las obras de Escher, por su carácter científico y estético han sido fuente de inspiracion para todo tipo de estudios y en diferentes ámbitos de la sociedad: portadas de libros y discos, sellos postales, decoración de edificios… ( resulta muy llamativo el caso de la casa ubiada en la Calle Conde Romanones, nº14 de Madrid, cuya fachada está directamente inspirada en los diseños de Escher) y también ha dado lugar a estudios muy interesantes que analizan la personalidad de la obra de Escher en relación a aspectos muy diversos.

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Fachada del edificio de la Calle del Conde Romanones, 14 ( Madrid)

GÖDEL, ESCHER Y BACH, CONFLUENCIA DE DOS GENIOS

Uno de los estudios más interesantes que se han hecho sobre los últimos tiempos en relación a Escher es el libro Gödel, Escher, Bach: un Eterno y Grácil Bucle, publicado en 1979 por el científico y filósofo Douglas R. Hofstadter y ganador de un premio Pulitzer.

El autor analiza como interactúan los logros creativos de tres personajes: el lógico Kurt Gödel, el artista Maurits Cornelis Escher y el compositor Johann Sebastian Bach en una visión de marcado carácter filosófico y reflexivo. En palabras de Hofstadter: “Me di cuenta de que Gödel, Escher y Bach eran solamente sombras dirigidas en diversas direcciones de cierta esencia sólida central. Intenté reconstruir el objeto central, y llegué con este libro [ …] es una tentativa muy personal de decir cómo es que los seres animados pueden surgir a partir de la materia inanimada. ¿Qué es un “uno mismo”, y cómo puede surgir un “uno mismo” de cosas tan faltas de ser tales como una piedra o un charco?”

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Triángulo de Penrose con los nombres de Gödel, Escher y Bach

Como ejemplo, podemos ver cómo las soluciones que adoptan Escher y Bach en sus obras son las mismas en algunos casos, en Escher a través de lo visual y en Bach a través de lo musical. Podemos comprar los laberintos infinitos de Escher, cocebidos como palíndromos visuales y la Ofrenda Musical de Johann Sebastian Bach, una obra cuya estructura está formada por dos líneas musicales que se complementan hacia delante y hacia atrás, de forma similar a un palíndromo, es lo que se conoce con el nombre de Canon cangrejo ( puedes ver cómo funciona en el siguiente vídeo).

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Relatividad, de 1953 es uno de los palíndromos visuales más famosos de Escher

ESCHER COBRA VIDA, DEL JUEGO AL VIDEOJUEGO

La obra de Escher, a diferencia de la de muchos otros artistas no pretendía transimitir mensajes profundos relacionados con sus sentimientos o visión de la sociedad. Simplemente plasmaba juegos visuales que brotaban de su imaginación, a modo de juego. De hecho, el mismo afirmó que lo que plasmaba era un parte muy pequeña de todas las ideas que se le ocurrían, y definió así sus obras: “Todos mis trabajos son juegos. Juegos serios”. Es precisamene es concepto de juego uno de los que más a contribuido a hacer inmortal la obra de Escher, sobre todo en la industria de los videojuegos, que ha llevado a las tres dimensiones sus universos imposibles.

Uno de los videojuegos que más se inspiró en estas ideas es Echochrome , que apareció en el mercado en 2008 y para el que ss creadores se inspiraron en obras como Relatividad y Cóncavo y Convexo. El objetivo del juego es el mismo que el de estas obras: hacer dudar al espectador sobre si aquellas escaleras estaban sumidas en un plano u otro. el jugador debe decidir si lo que está visualizando es real o tiene que tomar otro camino para resolver el enigma, es una trampa mental con múltiples posibilidades.

A nivel visual son incontables los videojuegos que se han inspirado en la formas de Escher, quizá el más conocido es Super Mario Bros, que en su versión 3D ( año 2014) incorpora algunas de sus ideas perceptivas, ya que son recursos muy efectivos.

En cierta forma se podría decir que Escher fue un visionario del universo 3 dimensiones.

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En estas imágenes se puede ver cómo las famosas escaleras de Escher influyen el diseño de los ambientes del videojuego Super Mario Bros 3D

Escher realizó más de 400 grabados a lo largo de su vida, dejándonos un importantísimo mundo de seres fantásticos, reflejos y paisajes imaginados que resulta completamente atemporal y que jamás pasará de moda.

Ven a descifrar sus retos y a conocer en directo su mágico universo de mano de las visitas guiadas de Parte del Arte a través de la exposición en Palacio de Gaviria de Madrid. ¡No te arrepentirás!

Las fechas y horarios disponibles son:

-Martes 4 de abril: 11.00, 12.00 y 17.30

-Miércoles 5 de abril: 10.30, 11.30,12.00 y 17.30

-Jueves 6 de abril: 11.00 y 12.30

-Viernes 7 de abril: 18.00

-Jueves 20 de abril a las 17.30

¡Te esperamos!

Esther Arce Bayón