LA VIDA COTIDIANA EN LA HISPANIA ROMANA

¡Bienvenidos a BaluArte! Llega la primavera, el buen tiempo…y Parte del Arte empieza a salir de Madrid para ofreceros los últimos viajes culturales del curso. Ya queda muy poquito para nuestra próxima salida: Mérida Monumental, los próximos 1 y 2 de abril. Recorreremos sus calles, llenas de antiguos testimonios de su rica historia y conoceremos sus grandes monumentos y realizaremos una visita guiada al Museo de Arte Romano.

Para ir calentando motores, hoy os hablamos de cómo era la vida cotidiana de las personas que vivieron en la Hispania Romana ¿Nos acompañas? 

UNA HOGAR PARA COMPARTIR CON LA FAMILIA

El concepto de familia en la Hispania romana es mucho más amplio que el actual, ya que englobaba a personas como los siervos y los esclavos. Dentro de la estructura familiar la figura esencial es la del hombre que ejerce de pater familiae, es el hombre romano que no depende de nadie y de quien dependen los demás miembros. Es el encargado de formar la familia y tiene la patria potestas que le permitía disponer de la vida de cualquier miembro familiar, venderle como esclavo, e incluso darle muerte.Como jefe de la familia es también sacerdote de la religión familiar y juez entre los conflictos entre familiares, aunque para esto último puede contar con el consejo y asesoramiento familiar.

La vida de las familias romanas se desarrollaba dentro de la vivienda. A diferencia de los griegos los romanos le dieron una gran importancia a la vida doméstica. En ella la mujer tiene un papel de cooperadora del hombre, se sienta a su lado en los banquetes, comparte con él la autoridad sobre los hijos y criados y participa de la dignidad de su marido en la vida pública, pero siempre desde una posición discreta, no pudiendo ejercer cargos importantes dentro de la vida pública ni ninguna actividad política, científica o artística.

Existían diferentes tipos de viviendas en la hispania romana:

Insulae: Eran los edificios donde vivían las personas de escala social más baja. Eran apartametos donde la vivienda en muchos casos quedaba reducida a una sola habitación multiuso. Vitrubio, el gran arquitecto del mundo romano, decía que estas insulae se construían muy deprisa, con materiales de muy mala calidad y que por ello estaban expuestas a hundimientos e incendios.

La Domus, es la vivienda romana por execelencia. Es una vivienda ocupada por un solo propietario y su familia, y normalmente solo tiene un piso. El tamaño varía en función del poder económico, los gustos y los intereses del propietario. Sus partes están perfectamente definidas según el uso de cada habitación, es una vivienda completamente desarrollada

Por último están la Villae, las viviendas en zonas rurales. Reciben diferentes nombres según su uso según ( villae rusticae, si están dedicadas a las labores agrícolas y ganaderas y villae urbanae si están dedicadas al disfrute y descanso del propietario y su familia) Estas viviendas eran las más desarrolladas y decoradas, con hermosas pinturas murales y espectaculares mosaicos, muchos de ellos conservados hasta nuestros días. Era el tipo de vivienda al que aspiraba todo ciudadano romano.

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Recreación de una Insulae romana

UNA SOCIEDAD JERARQUIZADA

Evidentemente el tipo de vivienda dependía de la clase social. La ciudad romana es el reflejo de una sociedad profundamente jerarquizada.

En lo más alto de la sociedad se encontraban las denominadas ordines (órdenes) y eran tres: Había ordo senatoralis, el ordo equester y el ordo decurionalis. Tenían los derechos propios de la ciudadanía romana pero algunas responsabilidades con la comunidad. La pertenencia a estas órdenes era de carácter hereditario, pero tenían que tener un mínimo poder económico y tenían su propia indumentaria símbolos distintivos.

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Mujer con stola, típica vestimenta de la mujer romana

Después de los miembros de las órdenes está el grupo más numeroso de la ciudadanía romana, los habitantes libres que no eran ciudadanos romanos. Este grupo tenía derechos civiles pero no políticos. La vía de promoción social más viable(para aquellos que tenían posibilidades económicas) era enrolarse en el ejército. Los trabajadores hispanorromanos que tenía bajos ingresos vivían en barrios de obreros y se reunían, generalmente, por oficios. Dentro de estos gremios había una absoluta jerarquización y poseían una diosa que les amparaba, un concepto muy similar al nuestro de “patrona”. Los obreros se dedicaban a actividades muy variadas: obreros relacionados con la construcción de viviendas, obras públicas y vías de comunicación, profesionales cuya labor era muy similar a la de los actuales bomberos, agricultores, mercaderes y comerciantes…pero los más numerosos de todo el imperio eran los campesinos. Estaban bastante aislados de casi todas las innovaciones romanas, aunque aprendían a leer y escribir latín y griego. A dedicarse a las actividades agrícolas se encontraban general mente lejos de las urbes, por lo que fueron un sector de la población que quedó en gran medida relegado de la romanización de la Península.

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Recreación de una ciudad portuaria romana, en la que se pueden ver a los mercaderes

APRENDER Y RELAJARSE- Educación y disfrute

La cultura fue uno de los instrumentos fundamentales de la romanización,empezando por la unificación de la lengua, que encontró en el latín la perfecta solución para la comunicación con todos los pueblos conquistados. No obstante, las zonas menos romanizadas continuaban usando su idioma prerromano.

También se desarrolló un complejo sistema educativo, con varias etapas perfectamente diferenciadas y la posibilidad de escoger entre educación pública o privada.

En la primera etapa se enseñaba a leer y a escribir tanto latín como griego. En la segunda aprendían el Trivium (Gramática, Retórica y Dialéctica) y el Quadrivium (Aritmética, Geometría, Música y Astronomía). Se formaron grandes bibliotecas en los puntos importantes del Imperio que tomaron como modelo la de Alenjadría.

Otro de los aspectos fundamentales de la cultura romana es el ocio, al que se concedía una gran importancia.

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Recreación Biblioteca de Alejandría

Dentro de las formas de ocio tenía una especial importancia el Teatro, en el que se representaban tragedias y comedias tanto griegas como romanas. Es uno de los lugares en los que más se puede apreciar la jerarquización de la sociedad, ya que su graderío estaba dividido en zonas diferentes según la importancia social de los espectadores. Los espectáculos teatrales tuvieron en Roma mejor aceptación que en la Antigua Grecia. El primitivo carácter religioso que tuvo entre los helenos ha desaparecido totalmente entre los romanos; se trata de un espectáculo totalmente profano.

Por su parte, el circo también fue otro de los focos de atención de la cultura romana. En él tenían lugar espectáculos destinados a un público menos refinado que el del teatro: exhibiciones de jinetes con acrobacias, o carreras de dos (bigas), tres (trigas), cuatro (cuadrigas) o más caballos, todo ello con una entrada espectacular precedida por el sonido de las trompetas. Las carreras empezaban con el lanzamiento del pañuelo blanco, este gesto era hecho por el organizador del evento, bajo él, en la arena, se situaban los jinetes con sus caballos y delante de ellos se situaba una cuerda atada a piezas de mármol para marcar la salida, cada uno de los equipos eran llamados factio, estos estaban diferenciados por un color para que el público hiciera sus apuestas a la cuadriga vencedora.

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Teatro Romano de Mérida

Pero si Roma se caracteriza por un espectáculo es sin duda por el de las luchas de los gladiadores, que tenían lugar en el Anfiteatro. En sus orígenes, las luchas de gladiadores tuvieron un carácter religioso, pero a partir del siglo I a. C., estas luchas rituales se convierten en un espectáculo público que no tardó en difundirse por todo el Imperio y cuya función pasó a ser social y política. El espectáculo comenzaba con el desfile de gladiadores, y tras el saludo al emperador u organizador, se formaban mediante sorteo las parejas que debían enfrentarse. El editor (muneris) o patrocinador decidía el destino del vencido atendiendo a la opinión del público, si había sido valiente, los espectadores gritaban “mitte” (sálvalo), pero si su comportamiento no les había gustado lo condenaban a muerte gritando “iúgula” (degüéllalo), en cuyo caso el vencedor hundía su arma en dirección al corazón para darle una muerte rápida.

En el anfiteatro se celebraban también otros espectáculos, como la lucha de fieras, que podía desarrollarse de diferentes formas: unas veces se exhibían sólo fieras, otras luchaban entre sí, y frecuentemente contra hombres. También se simulaban en el anfiteatro auténticas cacerías de animales salvajes donde se realizaban grandes escenificaciones y decorados.

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Mosaico con lucha de Gladiadores ( Museo Arqueológico Nacional)

UNA TÍMIDA DEMOCRACIA. La participación ciudadana

Los ciudadanos romanos en Hispania sólo podían escoger a sus representantes municipales. Para poder presentarse a los comicios había que cumplir una serie de requisitos: ser hombre libre, tener una edad mínima de unos 25 años, haber cubierto los anteriores escalafones de la carrera honorífica y no haber incurrido en ninguna de las causas de inhabilitación. También había que poseer una fortuna personal, ya que debían de responder con su dinero a los problemas económicos que surgieran durante su mandato. La campaña electoral duraba 27 días, periodo en el cual se escogía a los 6 gobernantes municipales: dos duunviros, dos ediles y dos cuestores.

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Recreación de la Antigua Roma

Toda esta cultura y costumbres, base de nuestra civilización ha quedado plasmada a través de numerosos objetos artísticos y cotidianos que suponen verdaderos tesoros de la historia y que se albergan en importantes instituciones museísticas. Uno de los mejores ejemplos es el Museo Arqueológico Nacional (Madrid) , que acaba de cumplir 150 años de historia, y que conserva entre sus colecciones importantes piezas del legado hispanorromano cumpliendo así una labor esencial de difusión del conocimiento de nuestra cultura. Un museo que para Parte del Arte es un punto de referencia fundamental. ¡Feliz cumpleaños!

Esther Arce Bayón

ISABEL DE FARNESIO: UNA MUJER DE ARMAS TOMAR

Desde finales del año pasado en Parte del Arte hemos estado realizando actividades culturales para conmemorar una de las efemérides más importantes de 2016: el tercer centenario del nacimiento de Carlos III, “el mejor alcalde de Madrid”. Desde una ruta por las transformaciones urbanas mas importantes de Madrid hasta las últimas visitas guiadas a las exposiciones temporales que han realizado algunas instituciones como el Museo Arqueológico Nacional y la Real Academia.

Hoy en BaluArte os queremos hablar de otro personaje muy importante en esta época de la Ilustración, su madre Isabel de Farnesio, una mujer con mucho carácter a la que queremos recordar por su relevancia en nuestra historia. ¿Nos acompañas?

BELLA Y CULTA: La formación de Isabel de Farnesio

Nació en la ciudad italiana de Parma el 25 de octubre de 1692, fruto del matrimonio de Eduardo de Farnesio (heredero al ducado de Parma) y Dorotea Sofía de Neoburgo. Su padre falleció cuando ella tenía un año y su tutela pasó a su abuelo y posteriormente a su tío Francisco, duque de Parma, que terminó convirtiéndose en su padrastro al casarse con su madre. El ambiente en el que creció no podía ser más lujoso pero Isabel no constituía el prototipo de dama de vida relajada, sino que tuvo a los mejores preceptores del momento que le enseñaron geografía, historia, gramática, retórica, y llegó a dominar siete idiomas. La música, la danza y la formación artística también estuvieron presentes: aprendió a tocar el clavicordio y también a bailar y a pintar. Debido a esta formación se terminaría convirtiendo en una mujer aficionada a la lectura (tuvo una gran colección de libros) y una importante mecenas de artistas.

A pesar de que era una mujer de rasgos bellos y bonita figura, de pequeña padeció viruela y como consecuencia le quedaron unas imborrables marcas en la cara que sin duda afearon su rostro, tal y como se puede apreciar en algunos de sus retratos.

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Miguel Jacinto Meléndez. Isabel de Farnesio como protectora de la Real Biblioteca Pública. 1727. Biblioteca Nacional. Madrid.

FRÍA Y MANIPULADORA: Isabel toma las riendas de la corona

Si por algo se recuerda a Isabel de Farnesio es sin duda por su carácter fuerte, dominante calculador, y por sus innumerables supersticiones. Se convirtió en la segunda esposa de Felipe V, que había enviudado de Maria Gabriela de Saboya y ya tenía dos hijos varones. Los allegados al monarca creyeron que debía volver a casarse pronto tras la muerte de su esposa porque además de ser muy joven (tenía solo 30 años) era una persona muy activa sexualmente y a la vez muy temerosa de Dios, por lo que sufría muchos remordimientos tras actos sexuales extra-matrimoniales. El volver a casarse supondría una gran tranquilidad para él, ya que sus relaciones serían legítimas a los ojos de Dios. Tanto la princesa de Ursinos (que en estos momentos ejercía como Primer Ministro y tenía un gran poder en la Corte) como el cardenal Alberoni (arzobispo de Málaga) se encargaron de esta misión. El cardenal enseguida le propuso a Isabel de Farnesio, definiéndola con estas palabras:

una princesa sumisa, obediente, sin deseos de mando, a la que no le gusta mezclarse en los negocios de la nación ni en las intrigas que rodean el trono…, es una buena muchacha, regordeta, saludable y bien alimentada… acostumbrada a no escuchar otra cosa que no se refiera a la costura y el bordado”.

La princesa de Ursinos, al leer esta descripción supuso que la futura reina no iba a suponer una amenaza para su poder y apoyó la propuesta sin saber que la personalidad de Isabel resultaría todo lo contrario a las palabras de Alberoni.

El matrimonio se estableció por poderes a mediados de diciembre y en Navidad Isabel se trasaladó a Guadalajara donde su futuro esposo la esperaba para ratificar el matrimonio y consumarlo. Desde el primer momento Isabel hizo valerse como reina y utilizar sus armas para conseguir sus propósitos. La primera afectada por los intereses de la nueva reina fue precisamente la pricesa de Ursinos, que fue expulsada poco antes de la boda por orden de Isabel.

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Isabel de Farnesio ordenando la expulsión de la princesa de Ursinos. BNE (Oronoz)

También jugó un importante papel en la política española, lo que le granjeó tempranamente el cariño del pueblo, ya que entre sus proezas se encontraba la eliminación del denominado partido francés, instalado sólidamente en la Corte, aunque la decepción llegaría pronto, ya que en los puestos vacantes instaló a italianos y no españoles, lo que no gustó en absoluto al pueblo.

Su marido pasaba largas temporadas deprimido, encerrado y descuidando tanto su higiene personal como las labores de gobierno, por lo que ella asumió el mando en muchas ocasiones, utilizando todas los recursos posibles para conseguir sus objetivos. Utilizó muy hábilmente el gran poder de influencia sobre su marido, que tenía ciertas debilidades. El propio Alberoni afirmó que las dos debilidades del rey eran el sexo y la religión y que por ello solo necesitaba “un reclinatorio y una mujer”. Ella siempre le complacía. Según las palabras del embajador francés Saint-Aignon “el monarca se está destruyendo visiblemente a causa de la utilización excesiva de la reina. Está completamente agotado”.

Como aristócrata italiana que era, sus políticas se centraron en recuperar territorios italianos y por ello ese cariño inicial del pueblo desapareció pronto y fue objetivo de durísimas palabras     ( se le llegó a llamar de forma despectiva “la parmesana”, y se decía que era muy poco agraciada y que tenía una gran afición a comer mantequilla y queso parmesano).

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Retrato de Isabel de Farnesio. Miguel Jacinto Meléndez.1718-1722. Museo Nacional del Prado

Dentro de los obstáculos con los que se encontró Isabel de Farnesio para conseguir sus objetivos estaban los hijos de Felipe V con su anterior esposa, Luis y Fernando, por los que siempre sintió una gran aversión y los vio como una amenaza para los intereses de sus propios hijos, entre los que estaba el futuro Carlos III. Tampoco con ellos fue una madre especialmente cariñosa, ya que se centró en el mundo de las intrigas políticas, aunque en parte el objetivo era beneficiarles.

Se le llegó a acusar de haber inoculado la viruela al infante Luis, que reinó muy pocos meses al haber abdicado en su favor su padre en uno de sus episodios depresivos, aunque también sobre Luis ejerció una gran influencia, ya que era muy joven ( tenía 17 años). Quien no se dejó influenciar fue Fernando VI, que la desterró al Palacio de la Granja de San Ildefonso para apartarla de los asuntos de la Corte y de su esposa Bárbara de Braganza, con la que tenía muy mala relación. Volvería posteriormente a la Corte durante el reinado de su hijo Carlos III. Sin embargo, las constantes disputas con su nuera Maria Amalia de Sajonia la alejaron nuevamente de la influencia política, en este caso a Aranjuez, donde pasó sus últimos días.

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Retrato de la Familia de Carlos V. 1743. Van Loo. Museo Nacional del Prado. Fruto del matrimonio con Isabel de Farnesio nacieron siete hijos: Carlos III, Francisco (fallecido al poco de nacer), Mariana Victoria (esposa de José I y reina de Portugal), Felipe ( Duque de Parma), María Teresa (esposa de Luis, Delfín de Francia ), Luis Antonio (Arzobispo de Toledo y cardenal desde 1735 a 1754, cuando abandona la vida eclesiástica, al recibir el Condado de Chinchón) y María Antonia ( esposa de Víctor Amadeo III de Cerdeña)

Dicen que la realidad siempre supera la ficción, y en la figura de Isabel de Farnesio vemos un claro ejemplo de ello. Intrigas, armas de mujer, posibles asesinatos…Muchas son las especulaciones que se han realizado sobre su persona y su vida, pero lo que si es una evidencia es que se trata de uno de los personajes más controvertidos y también decisivos en nuestra historia.

En Parte del Arte seguimos con las visitas guiadas a las exposiciones sobre Carlos III en Madrid, si no te quieres perder más episodios de nuestra historia apúntate a nuestra próxima vista a la exposición “ Carlos III.Proyección Exterior y Científica de un reinado ilustrado” en el Museo Arqueológico Nacional el próximo martes 7 de febrero a las 9,30. Contacta con nosotros en: info@partedelarte.com o en el 645438576. Te esperamos.

Esther Arce Bayón

EL LADRÓN DE COLORES: SOROLLA MÁS ALLÁ DE NUESTRAS FRONTERAS

Es imposible hablar de la historia del arte español del siglo XX sin pronunciar el nombre de Joaquín Sorolla, el maestro de la luz, de las atmósferas y de la intimidad familiar. En Parte del Arte consideramos su casa museo de Madrid uno de los referentes culturales más importantes de la ciudad, por ello durante este mes de enero os proponemos un maravilloso plan cultural, ¿Qué os parece una visita guiada a su última exposición temporal: “Sorolla en París”, donde trasladarnos a una etapa fascinante para conocer el lado mas internacional de nuestro artista valenciano?

Mientras tanto en BaluArte os ofrecemos un recorrido por los aspectos más importantes de su vida y obra.

Joaquín Sorolla y Bastida nació en 1863 en Valencia. Desde muy joven sus inquietudes se inclinaron hacia el arte y sus aspiraciones se situaban más allá de su Valencia natal, en la que estudiaba en el taller del escultor Capuz. Sorolla quería ser un gran pintor a nivel internacional. Así que con 23 años y gracias a una beca viajó a Roma, lugar donde su interés se centró en la pintura de temática histórica. Pero realmente cuando Sorolla se encontró a sí mismo fue a partir de un viaje a París que realizó en 1894 en el que descubrió el Impresionismo. Al joven Sorolla le deslumbró-literalmente- la por entonces capital del arte, centro de la bohemia y hogar de los más interesantes pintores, de modo que pronto se declaró seguidor del naturalismo pictórico imperante en la capital francesa. Por su parte París tampoco le trató nada mal, otorgándole el Gran Prix en la Exposición Universal de 1900. Sus cuadros de historia fueron quedando en el olvido, salió a pintar al exterior y se dejó traspasar por la luz y los colores del mediterráneo. Así nacía el verdadero artista, quien arrancó de sus contemporáneos frases tan rotundas como la que pronunció sobre él Blasco Ibañez: “Aquello no es pintar, es robar a la naturaleza la luz y los colores”.

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El Grito de Palleter” (1884) Sorolla pintó este cuadro para concursar a la pensión de pintura de Roma que otorgaba la Diputación de Valencia. A pesar de que se trata de una pintura de temática histórica Sorolla ya apuntaba maneras como maestro en el tratamiento de la luz.

EL MAR DE SOROLLA INUNDA LOS GRANDES SALONES

Sorolla se empieza a introducir en este círculo artístico oficial a partir de 1890 cuando sus obras empiezan a verse en certámenes internacionales como las exposiciones de Berlín, Munich y Viena, en la bienal de Venecia y por supuesto en el Salón de París, el lugar donde todos los artistas buscaban el reconocimiento.

Resulta curioso que el estilo pictórico en el que se inspiró Sorolla a su llegada a París fuese precisamente el más rechazado en los salones oficiales de pintura y sin embargo en el caso del valenciano su obra fue de las más valoradas. Mientras que la obra de pintores como Renoir era calificada de “horrible” por la crítica, la producción de Sorolla fue valorada por encima de la muchos de sus colegas, tal y como recogen algunas de las crónicas de estos salones, centros del arte europeo en estos momentos.

Realmente el éxito de Sorolla residió en su forma tan personal de utilizar los recursos de la pintura y de conjugar las fuentes de las que había bebido durante su formación. Supo combinar a la perfección los grandes formatos heredados del estilo académico con las novedades estilísticas más modernas.

Sorolla comienza a introducir novedosas perspectivas influidas por artistas como Degas, la fotografía y la estampa japonesa y poco a poco va imprimiendo en sus pinturas la instantaneidad y luminosidad con su característica pincelaba suelta, ágil,vibrante, llena de matices y brillantez, pero sin abandonar la elegancia y la composición perfectamente asimilada de los viejos maestros de la pintura, especialmente de Velázquez.

El elemento principal de las obras más exitosas de Sorolla en los grandes salones fue el mar mediterráneo. Fue el escenario de sus recuerdos familiares más felices, que recoge en escenas cargadas de jovialidad, ternura y serenidad, pero también fue el escenario de asuntos relacionados con el trabajo. Sintió un gran interés por las faenas de los marineros y pescadores que llegaban al puerto de Valencia, lo cual plasma en obras en las que la experimentación con la luz se hace cada vez más evidente y arriesgada. Esta cuestión se ve de forma clara en la serie de pinturas que pintó en Jávea en el verano de 1905, en las que prescinde prácticamente por lo completo de la corporeidad de las figuras para centrarse al cien por cien en el carácter dinámico y cambiante del mar en sus diferentes horas y movimientos y los efectos que produce la luz sobre su superficie del agua.

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El barco blanco. Joaquín Sorolla. Jávea. 1905.

Estas obras ya desde el momento en el que las pintó tuvieron una gran aceptación y fueron protagonistas de la gran retrospectiva sobre Sorolla que se celebró en 1906 en la galería parisina Georges Petit, una de las más importantes que se hicieron durante su juventud. Supuso el inicio de una carrera imparable por todo el mundo, que culminó en su encargo más importante, el encargo de los murales de la Hispanic Society en Nueva York en 1911.

EL AMOR TRANSFORMADO EN PINTURA

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Madre.Joaquín Sorolla. En esta pintura representa a su mujer Clotilde junto a una de sus hijas recién nacida.

La época que Sorolla vivió, entre finales del siglo XIX y principios del siglo XX fue un momento decisivo en el mundo doméstico y familiar. La sociedad empieza a valorar cada vez más la vida privada, familiar y es un periodo en el que se produce el reconocimiento de los sentimientos experimentados dentro del hogar. Estos aspectos calaron muy hondo en la pintura de Sorolla, porque si había una cosa que Sorolla amase más que al Mediterráneo era su familia. Su mujer Clotilde y sus hijos María Clotilde, Joaquín y Elena fueron su mayor fuente de inspiración. Se convirtieron en los protagonistas de escenas de juego en la playa, largos y tranquilos paseos a diferentes horas del día pero también los captó en la vida más privada. Sorolla inmortalizó a su familia a través de espectaculares retratos que rezuman el amor de esposo y padre. Estos cuadros y los retratos que también realizó de otros familiares forman parte del legado familiar pero también son deliciosos testimonios de una época, la del cambio de siglo, a la que Sorolla contribuyó de forma decisiva, al igual que lo hicieron en su tiempo Goya, El Greco o Velázquez, los grandes maestros que tanto admiró y a los que nunca abandonó del todo.

Toda una vida dedicada a la pintura que bajo el título “Sorolla en París”, os contaremos en las visitas guiadas que en Parte del Arte desarrollaremos durante este mes de enero a la exposición temporal de su casa museo de Madrid. No hay mejor forma de empezar 2017 que haciendo homenaje a uno de los pintores españoles que más huella ha dejado en todo el mundo. Para informarte de todo entra en www.partedelarte.com Actualizare en breve la pagina para que aparezca, esta exposición.

¡Te esperamos!

Esther Arce Bayón

 

¿ESCUCHAR COLORES Y VER SONIDOS? Los orígenes del arte sonoro

Dentro de las actividades culturales programadas en Parte del Arte para los meses de noviembre y diciembre y dentro de nuestro curso Exposiciones Temporales estamos desarrollando visitas guiadas a una de las exposiciones más interesantes y diferentes del panorama actual en Madrid : Escuchar con los ojos. Arte Sonoro en España entre 1961 y 2016, en la Fundación Juan March. Una propuesta acompañada de un ciclo de conciertos que la complementa y ayuda a comprender el origen del Arte Sonoro, una disciplina artística en pleno desarrollo y con un marcado carácter experimental.

Hoy en BaluArte os hablaremos de cómo empiezan a surgir el interés por el sonido como materia artística y las primeras experimentaciones que se llevaron a cabo en este campo.

¿Nos acompañas?

¿POR QUÉ LOS COLORES CHILLAN, SON SUAVES O HUELEN?

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Colores “que chillan”

La experimentación con el sonido es algo que entraría de lleno en el mundo del arte a principios del siglo XX con la llegada de las Vanguardias Artísticas. En un primer momento surge en relación a las artes plásticas mediante la plasmación de las sinestesias que sentían los diferentes artistas. La sinestesia es un fenómeno neurofisiológico a través del cual los seres humanos somos capaces de asociar entre sí estímulos de diferentes procedencia, por ejemplo colores con sonidos. Este fenómeno no se da en todos los seres humanos pero en realidad sí que se trata de un concepto que utilizamos en nuestra vida diaria de forma prácticamente inconsciente ( por ejemplo cuando hablamos de “amarillo chillón” todos sabemos a lo que nos referimos a pesar de que “chillón” no sea una cualidad visual).

Las sinestesias, además, se pueden dar a muchos niveles según la persona, hay personas que asocian palabras a colores, colores o palabras a olores…las combinaciones son realmente variadas. Algunos expertos y neurólogos han establecido que gran parte de las sinestesias que sienten algunos seres humanos provienen de las primeras etapas de la infancia y que se basan en el sistema del aprendizaje en el que haya participado esa persona. Si para aprender los números a un niño le ponen siempre el 1 de color azul y el 2 de color rojo es probable que aunque la persona no recuerde posteriormente ese momento de su vida siempre relacionará en su mente esos números a determinados colores.

A lo largo de la historia han sido muchos los artistas de todos los ámbitos los que han afirmado sentir estas sinestesias y en torno a ellas han surgido movimientos artísticos y literarios.

En el caso de la literatura al hablar de sinestesia nos estamos refiriendo a una figura retórica que asociaba sensaciones percibidas por los sentidos físicos: tacto, olfato, gusto, vista y oído con sensaciones internas como los sentimientos. Para su desarrollo los autores han recurrido con frecuencia a la metáfora, creando lo que se llama metáfora sinestésica.

Este tipo de figuras literarias se han desarrollado desde la Antigüedad ( algunos ejemplos en obras de Virgilio) y en nuestro país durante el Barroco.

Pero el momento en el que la sinestesia se desarrolla plenamente dentro de la lírica es en el siglo XIX, especialmente en Francia dentro de lo que se conoció como “simbolismo”. En este movimiento destaca el poeta francés Arthur Rimbaud creó un soneto dedicado a las vocales, adjudicando a cada una de ellas un color:

A negra, E blanca, I roja, U verde, O azul: vocales,

Un día diré vuestros nacimientos latentes:

A, negro ajuar velludo de moscas relucientes

Que bombinan en torno a marismas brutales,

Golfos sombríos; E, candor de tienda, ardiente,

Lanzón glaciar, rey blanco, umbelas espasmales;

I, púrpuras, esputos, la risa de labiales

Bellezas en la cólera o embriagueces sufrientes;

U, ciclos, vibramientos de Dios en mar virido,

Paz de pastos sembrados de bestias, paz de hundido

Surco alquímico impreso en frentes de estudiosos;

O, supremo Clarín de estridores rotundos,

Silencios perforados por Ángeles y Mundos;

¡O, la Omega, centella violeta de Sus Ojos!

El simbolismo francés tuvo su correspondencia en España en lo que conocemos como Modernismo literario. Autores como Rubén Darío o Juan Ramón Jimenez son perfectos ejemplos de sinestesias literarias:

Duerme, que así me abismo en tu amor sordo,

ciego, mudo para mi ruego,

cual si fueras Dios mismo

( Juan Ramón Jiménez)

¡Salve al celeste sol sonoro!

(Rubén Darío)

EL GRAN DESCUBRIMIENTO DE KANDINSKY

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Vasili Kandinsky. Acuarela abstracta, 1911

En el mundo de las artes plásticas han sido también muchos los artistas que han manifestado sentir este tipo de sensaciones, sobre todo a partir de finales del siglo XIX, un momento de gran experimentación en estas cuestiones. El primer artista que comenzó a teorizar sobre la sinestesia fue el pintor ruso Vasili Kandinsky.

Los violines, los profundos tonos de los contrabajos, y muy especialmente los instrumentos de viento personificaban entonces para mí toda la fuerza de las horas del crepúsculo. Vi todos mis colores en mi mente, estaban ante mis ojos. Líneas salvajes, casi enloquecidas se dibujaron frente a mí”

Estas fueron las palabras que utilizó para describir su primera experiencia sinestésica. Todo sucedió tras asistir a la representación en Moscú de la colosal ópera Lohengrin de Wagner. Para él descubrir que tenía el don de tener percepciones múltiples fue algo de gran importancia y transformó por completo su forma de concebir sus creaciones.

El concepto de “obra de arte total” de Wagner fue algo que le fascinó y le llevó a crear su propia obra de arte total a partir de sus pinturas, concretamente lo plasmó en un ciclo de obras diseñadas con nombre de colores: sonido amarillo, sonido verde, sonido blanco y negro y sonido violeta en las que combinaban la música, el ballet, el juego y la pintura. La música fue del compositor y violinista Alexander Scriabin, música que también afirmaba tener experiencias sinestésicas.

En Sonorité Jaune (sonido amarillo) nos cuenta las tribulaciones de un gigante amarillo. En esta pieza de “arte total” el genio ruso despliega toda la complejidad de sus teorías: la duplicación y multiplicación de las formas como forma de representación de la ascensión mística, la transformación espiritual del gigante…Una “aventura cósmica” como él la definió. A medida que transcurría la historia el gigante se disuelve y desparece completamente en el color amarillo.

Lamentablemente no conservamos ninguna grabación de cómo fue esta experiencia sinestésica pero si de algo algo han servido los textos y obras de Kandinsky es para alimentar la inspiración de numerosos artistas que a lo largo de la historia han creado nuevas obras a partir de sus teorías y colores que cantan, susurran, bailan. Os ofrecemos una serie de vídeos en los que podréis ver esta relación explosiva de colores y sonidos, desde la música de Scriabin hasta los modernos montajes en los que los sonidos van construyendo las formas, como si fuese el propio Kandinsky quien va dibujando la música.

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Rueda de equivalencias entre colores y notas establecida por Alexander Scriabin

Las experiencias sinestésicas fueron el punto de partida en la experimentación artística con el sonido, que con el tiempo ha derivado en el nacimiento reciente del arte sonoro, una disciplina artística que ha tenido un gran desarrollo en España y a la que la Fundación Juan March dedica una gran retrospectiva. En las visitas guiadas de Parte del Arte te desvelamos todos los secretos de esta disciplina artística injustamente escasa en nuestros museos. Una oportunidad única para disfrutar en Madrid de una experiencia cultural interdisciplinar en la que podremos ver, escuchar y tocar el arte.

Esther Arce Bayón

¿Cómo se representaban las pasiones humanas en el Barroco?

Noviembre es el mes en el que se celebra la semana de la ciencia y en Parte del Arte nos hemos unido al evento organizando visitas guiadas a la exposición temporal Arte y Carne. La anatomía a la luz de la Ilustración, una exposición gratuita organizada por el Centro de Arte Complutense de Madrid. Como complemento a las actividades culturales que desarrollamos en Parte del Arte y a las que se han venido celebrando este mes en toda la Comunidad de Madrid hoy en BaluArte os hablamos de cómo la ciencia y el arte se complementan.

Conocido como el Siglo de las Luces, el siglo XVIII fue una etapa de esplendor para las monarquías europeas, que impulsaron notablemente el desarrollo de las ciencias. Continuando con el espíritu de experimentación surgido durante el Renacimiento, el siglo XVIII es el momento de los grandes tratados de anatomía, medicina y todo tipo de estudios científicos a los que los artistas contribuyeron formidablemente con sus detallados y precisos dibujos del cuerpo humano.

Desde la Antigüedad y con su posterior recuperación por parte de los artistas del Renacimiento se fueron sucediendo toda una serie de teorías sobre cómo representar de forma correcta el cuerpo humano, basadas en los nuevos conocimientos científicos. Pero los artistas no sólo querían conocer la anatomía del cuerpo a la perfección. Los comportamientos humanos, el carácter y especialmente los sentimientos fueron asuntos de gran interés para ellos, especialmente durante el Barroco, un momento en el que estas cuestiones se convirtieron en los grandes temas del arte.

El lenguaje barroco, tan dinámico y dramático necesitaba una serie de herramientas para poder desarrollarse correctamente y fueron muchos los artistas de este periodo que se sumergieron de lleno en el estudio de estas cuestiones. Uno de ellos es nuestro protagonista de hoy, Charles le Brun, pintor de cámara de Luis XIV y gran estudioso de la “fisiognomía de las pasiones”.

DIME A QUÉ ANIMAL TE PARECES Y TE DIRÉ QUIEN ERES

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Charles Le Brun Tres cabezas de hombre en relación al camello. Gabinete de dibujos. Museo del Louvre. París

Los estudios fisiognómicos nacen del interés de los seres humanos por desvelar el carácter de una persona a través del estudio y la interpretación de su rostro. Se aplicaron a lo largo de la historia a diferentes cuestiones de la vida: los jueces lo utilizaban como apoyo para establecer un veredicto, los médicos para diagnosticar diferentes enfermedades, a los comerciantes les servía para escoger a sus clientes ( los que no tuviesen cara de morosos) e incluso a las jóvenes casaderas les servía para escoger su marido ideal. Por supuesto estos estudios de tipo “pseudocientífico” fueron perfectamente conocidos y aplicados por artistas, que a su vez influyeron en otras creaciones artísticas como la música. Se establecieron una serie de teorías que partían de un método zoológico basando en comparaciones entre animales y personas. La premisa era la idea de que cada especie animal tiene unos rasgos físicos y un carácter concreto y se llega a la conclusión de que aquellos hombres que tengan un parecido razonable con un animal debe compartir con éste sus características. Así, por ejemplo, se consideraban impúdicas a las personas con “cara de cuervo” y nobles y magnánimas a aquellas con gran melena y la robustez de un león.Numerosos artistas, entre ellos Le Brun estudiaron ampliamente estos temas y los aplicaron a sus pinturas.

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Charles le Brun, Tres Cabezas de hombre en relación con la cabra. Gabinete de dibujos. Museo del Louvre. París

AMOR, DRAMA Y SENTIMIENTO : GRANDES TEMAS DEL BARROCO

Desde el siglo XVI estos estudios se recogen en tratados perfectamente ilustrados con grabados que facilitaban enormemente su compresión.

La gran aportación del Barroco a este asunto reside en que se empieza a establecer una diferenciación entre el carácter ( que era lo que estos estudios analizaban), que es estable, inmutable y constante y la emoción y el sentimiento, que son temporales, pasajeros y breves y que solo modifican el rostro momentáneamente. Desde el siglo XVI en toda Europa artistas de la talla de Rubens, El Greco o Leonardo da Vinci se interesaron por estas teorías pero fue Charles le Brun uno de los que más aportó a este campo de experimentación y uno de los que más influyó en las artes plásticas durante los siglos XVII y XVIII. Pintor y decorador al servicio de Luis XIV, estudió en la Academia de San Lucas de Roma y promovió la creación de la Academia Real de Pintura y Escultura de París, en la que estableció la costumbre de impartir una conferencia mensual sobre un tema de interés para académicos, artistas y público en general. Él mismo impartió dos que trataban sobre estos asuntos: La expresión de las pasiones y La fisiognomía, concebidas con un gran sentido didáctico y acompañadas de un elevado número de dibujos que pronto circularon entre los artistas y se difundieron de manera muy rápida, llegando a influir de forma decisiva en el desarrollo del arte francés y europeo posterior.

Acompañados de descripciones muy minuciosas sobre las respuestas gestuales al amor, la admiración, la rabia, la tristeza, los celos…se convirtieron en un verdadero manual para los artistas.

Os hablamos de cómo concebía Le Brun algunas de las pasiones y cómo los músicos de esta época le dieron voz a estos sentimientos.

LA ADMIRACIÓN

Para Le Brun la admiración es la primera y la más moderada de todas las pasiones y en la que el corazón siente menos agitación: El rostro sufre pocos cambios en todas sus partes, en todo caso en la elevación de las cejas, pero los dos extremos de las cejas se encontrarán al mismo nivel. El ojo aparecerá algo más abierto de lo normal, así como la pupila, entre los dos párpados y sin movimiento, fija en el objeto causante de la admiración. La boca la tendrá también entreabierta pero sin manifestar ninguna alteración, como el resto del rostro.

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Charles Le Brun. Admiración con asombro. Gabinete de Dibujos. Museo del Louvre. París

En torno al estudio de las pasiones del alma surgió toda una retórica en el plano filosófico de la mano de autores como Descartes que se tradujo a su vez en el plano musical.

Un ejemplo de música que describe el sentimiento de la admiración es el aria de Händel Ombra mai fu, de la ópera Serse,una historia que transcurre en Persia en el año 480 a. C y que tiene como protagonista al rey Jerjes I. Este aria muestra el momento en que el rey canta una oda a un árbol ( un platanero) que le ha impresionado.

El texto dice: Nunca fue hecha sombra ( forma) de una planta tan querida y amable, ni tan suave.

EL AMOR

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Charles Le Brun. Amor, definido como Ravissement (delicia). Gabinete de Dibujos. Museo del Louvre. París

En palabras de Le Brun, los movimientos del Amor cuando es la única pasión son muy dulces y sencillos ya que “la frente estará uniforme, las cejas un poco elevadas del lado donde se encuentra la pupila y la cabeza inclinada hacia el objeto que causa amor con los ojos muy abiertos y el blanco del ojo muy vivo y brillante. La boca un poco entreabierta, las comisuras algo elevadas y los labios aparentemente húmedos, una humedad producida por por el vapor que se eleva desde el corazón”

Los grandes dramas de amor fueron uno de los asuntos predilectos de la música barroca pero pocas obras lo describen tan bien como el aria Sé que muero de amor,curiosamente escrita en español para una ópera francesa compuesta por Lully (compsitor también al servicio de Luis XIV) y con libreto de Móliere. Una delicia absoluta.

TRISTEZA

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Charles Le Brun. La Tristeza. Gabinete de Dibujos. Museo del Louvre. París

En sus pautas para la representación de la tristeza Le Brun hace referencia a cómo las respuestas del rostro ante este sentimiento tienen su origen en el cerebro. En sus propias palabras: Esta pasión se muestra por movimientos que parecen marcar la inquietud del cerebro y el abatimiento del corazón, ya que “ los lados de las cejas se elevan más hacia el interior que hacia el exterior. Quien está afectado de esta pasión tiene las pupilas turbias , el blanco del ojo amarillento , los párpados bajos y algo inflamados y el contorno de los ojos lívido. Los orificios nasales caídos, la boca entreabierta y las comisuras hacia abajo. La cabeza aparece indolentemente inclinada sobre uno de los hombros. Todo el color del rostro es plomizo y los labios pálidos y sin color.

La correspondencia musical más clara de este sentimiento la encontramos en unas pequeñas piezas para consort de violas que compuso John Dowland, quien utilizó el lenguaje musical propiamente dicho para transmitir la tristeza. El título de estas composiciones es Lachrimae (lágrimas) y en ellas utiliza una pequeña melodía al inicio formada por notas de forma descendente, como si fuesen las propias lágrimas que descienden por el rostro. Un lenguaje poético y simbólico que da lugar a estas obras tan conmovedoras.

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Partitura original de las Lachrimae de Dowland en la que repite las primeras notas descendentes haciendo alusión a las lágrimas

Más adelante en el tiempo muchos científicos continuaron el camino de investigación de las pasiones humanas y su reflejo en el rostro. Es el caso de Gillaume Duchenne de Boulogne, un médico del siglo XIX que realizó una serie de estudios en el ámbito de la neurología y aplicaba la electricidad con fines terapéuticos. Escribió una obra titulada “El mecanismo de la fisionomía humana. Análisis electro-fisiológico de la expresión de las pasiones, aplicable a la práctica de las Bellas Artes”, en la que recogía los resultados de sus experimentos que consisitían en aplicar electrodos en los rostros paralizados de algunos pacientes para así generar las expresiones de las diferentes pasiones y sentimientos humanos. Las fotografías que se realizaron de estos experimentos también fueron utilizadas por numerosos artistas.

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Fotografía de la obra de Gillaume Duchenne de Boulogne en el que aparece aplicando los electrodos a un paciente

Filosofía, arte, ciencia y música. Disciplinas que se apoyan, complementan y son completamente indisolubles. La cultura es una gran ventana al mundo y en Parte del Arte os invitamos a que os asoméis a ella con nuevos ojos, los que no solamente ven, sino los que empatizan con personalidades y tiempos pasados, los que recrean ambientes y épocas históricas lejanas, los que aprenden del pasado y se esfuerzan en comprender el presente. Es nuestra convicción y el compromiso con la que diseñamos nuestras visitas guiadas , rutas culturales, cursos y viajes fuera de Madrid. ¿ Te unes a la aventura?

Esther Arce Bayón

Enlaces de interés:

-Exposición Arte y Carne

-Catálogo en línea del Museo del Louvre

-Libro “La fisiognomía de las Pasiones” Charles le Brun

ENTRE LA OBSESIÓN Y EL DESPRECIO: LAS MUJERES EN LA VIDA DE HITCHCOCK

Aunque resulte difícil de creer, es la primera vez en España que se dedica una exposición al gran maestro del suspense Alfred Hitchcock. La anfitriona es la Fundación Telefónica en Madrid que a través de un original montaje nos sumerge en la época y en la obra de uno de los más grandes maestros del cine de todos los tiempos. En Parte del Arte os ofrecemos visitas guiadas a la exposición en las que os contamos todos los entresijos de la filmografía de Hitchcock y a continuación, como complemento a la visita hablaremos de las mujeres que rodearon al director, pero no sólo de las grandes actrices que le inspiraron, sino también de las que trabajaron codo con codo junto a él detrás de las cámaras en la realización de sus películas.

HITCHCOCK LAS PREFERÍA RUBIAS

Las actrices que aspiraran a tener un papel en una de las tramas de Hitchcock debían cumplir varios requisitos: cierta frialdad, elegancia, inteligencia… y si a estas cualidades se le sumaba una melena rubia muchísimo mejor. Esto último se convirtió en una de las cualidades indispensables ya que según sus propias declaraciones “Las rubias hacen mejor de víctimas. Son como la nieve virgen que muestra las huellas de sangre”. La elección era clara si el pelo rubio se sumaba al talento necesario para interpretar los a veces complicados papeles de sus películas y afrontar las enormes exigencias a las que Hitchcock sometía a sus actrices.

TIPPI HEDREN

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Tippi Hedren en Marnie, la ladrona

Su nombre real es Nathalie Hedren. Hija de padre sueco y madre anglo-alemana siempre se hizo llamar por el apodo que le puso su padre, que en sueco significa “cariño”. Es también la madre de la actriz Melanie Griffith y la abuela de Dakota Jhonson.

Antes de ser “descubierta” por Hitchcock, Tippi Hedren se dedicaba al mundo de la publicidad, en el que trabajaba como modelo, aunque había salido como figurante en el musical The Pretty Girl. Fue escogida por el director cuando la vio en un anuncio de una bebida dietética, en pleno proceso de búsqueda de una actriz para una de sus películas, ya que su relación con su gran musa Grace Kelly se había deteriorado enormemente. Tippi cumplía todos los requisitos: inteligente, elegante, recatada y cumplía con su obsesión por las rubias. La primera película en la que trabajaron juntos fue Los Pájaros, filmada en 1963 cuyo rodaje fue realmente duro para la actriz debido al gran acoso que sufrió por parte del director, que ejercía un control excesivo sobre ella y la sometió a grandes pruebas físicas y que ponían en riesgo su seguridad, tal y como se muestra en la exposición. Uno de los momentos más tensos fue el rodaje de la última escena de la película, en la que un gran número de pájaros la atacaban. Para rodar la escena se escogieron gran cantidad de aves, algunas amaestradas y otras que se cosieron con hilos transparentes a la propia ropa de la actriz. El proceso tuvo que interrumpirse cuando uno de los pájaros le picó muy cerca del ojo y Tippi sufrió un ataque de ansiedad. A pesar de ello, el riesgo fue recompensado con el Globo de Oro a la mejor actriz revelación el año que se estrenó la película.

Una vez repuesta de la mala experiencia en el rodaje de Los Pájaros, Tippi Hedren volvió a trabajar con Hitchcock en Marnie, la ladrona, aunque durante este rodaje el acoso se multiplicó aun más y la actriz se negó a volver a trabajar con él. Las consecuencias fueron el intento de boicotear la carrera de Tippi por parte de un Hitchcock despechado, aunque finalmente ella pudo continuar su camino y participar en otros proyectos cinematográficos.

GRACE KELLY

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Grace Kelly y Cary Grant en una escena de Atrapa a un ladrón

Grace Patricia Kelly fue una de las rubias que más obsesionó a Alfred Hitchcock, probablemente su preferida. Tuvo una carrera corta pero muy intensa, en la que rodó 11 películas antes de los 26 años, momento en el que se casa con el príncipe Rainiero III de Mónaco y se retira definitivamente del mundo del cine. Tras el éxito que había tenido en 1953 la película Mogambo, dirigida por Jhon Ford y en la que comparte cartel con Clark Gable y Ava Gardner . Grace Kelly comienza su andadura con Alfred Hitchcock en su película Crimen Perfecto (1954). Enseguida su belleza, su forma de actuar y su gran carisma cautivaron al director y según declaraciones de la propia actriz, “Hitchcock estaba obsesionado conmigo, y yo empecé a sentirme muy incómoda” . A pesar de ello trabajaría más adelante con él en otras dos películas, Atrapa un ladrón y La ventana Indiscreta. Tal y como os contamos en la visita guiada a la exposición, Grace Kelly encarna a la perfección la elegancia y sofisticación americana de los años 50 que bebía directamente de fuentes europeas. Los magníficos vestuarios diseñados por Edith Heard, Christian Dior o incluso Salvador Dalí lucían en la figura de Grace Kelly de una forma fulgurante, siempre bajo la exhaustiva supervisión y control del director. Este mundo de lujo y elegancia queda especialmente de manifiesto en Atrapa un ladrón: muchas joyas, un ladrón de guante blanco, una rica heredera y la Costa Azul como marco de la trama. Esta película se ha considerado en algunas ocasiones como una obra menor del director, pero sin duda se trata de una de las cintas en las que Grace Kelly brilla como nunca.

Otra de las actrices más humilladas por Hitchcock fue Kim Novak, especialmente durante el rodaje de Vértigo, una película que podría considerarse como reflejo de la propia personalidad de Hitchcock y su obsesión por las rubias. La actriz interpreta a una mujer real (de pelo oscuro) y a la mujer ideal, que tendría el pelo rubio. No sólo sometió a la actriz a diferentes tintes de pelo para conseguir el acabado de “rubio perfecto” sino que rodando una escena en la que ella se cae a la bahía de San Francisco, le obliga a repetirla numerosas veces solamente por el placer de verla secarse y volverse a mojar una y otra vez.

El acoso de Hitchcock a sus actrices traspasó todos los límites con Joan Fontaine, protagonista de Rebecca. Durante el rodaje de la película le mandó repetir varias veces la misma escena y como consideraba que no conseguía la expresión que quería el guión se levantó de su silla y la abofeteó hasta hacerla llorar y después exclamó: “Corten, perfecto. Toma perfecta” .

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Kim Novak recibiendo indicaciones de Alfred Hitchcock durante el rodaje de Vértigo

El particular sentido del humor de Alfred Hitchcock también causó estragos en los rodajes de sus películas. Era un humor irónico, obsceno e incluso cruel. Le gustaba gastar bromas especialmente pesadas, como fue el caso del rodaje de Los treinta y nueve escalones, en el que quiso ensayar unas escenas con Robert Donat y Madeleine Carroll y para ello les esposó con unas esposas de verdad y “misteriosamente” la llave se perdió y no apareció hasta el día siguiente. En el mismo rodaje también se desabrochó el pantalón delante de ella y le pidió al camarógrafo que inmortalizase el momento.

DE LA HUMILLACIÓN A LA ADORACIÓN: HITCHCOCK Y SU ESPOSA

Alfred Hitchcock

Alfred Hitchcock y Alma Reville trabajando juntos en el guión de Marnie, la ladrona

Si una mujer tuvo influencia verdadera sobre Alfred Hitchcock fue Alma Reville, su esposa y compañera de trabajo durante toda su carrera cinematográfica, algo que en cierta medida perjudicó a su imagen profesional, siempre a la sombra de su marido. Alma Reville fue una apasionada del séptimo arte desde su juventud. Fue actriz de cine mudo en su juventud y con tan sólo 15 años ya trabaja en la industria cinematográfica en los estudios Twickenham como ayudante de vestuario y más tarde como encargada de continuidad,guionista y editora.

Conoció a Alfred Hitchcock en 1923 durante el rodaje de Woman to Woman, de Graham Cutts, en la que él trabajaba como ayudante del director, adaptador, guionista y decorador y ella era la encargada del script y del montaje. Dos años después, Alma trabajaría en el rodaje de la primera película de Hitchcock, The Pleasure Garden (1925) y durante este rodaje él le pidió matrimonio. A partir de este momento sus vidas en el ámbito personal y profesional nunca se separarían.

Alma participó de forma muy activa en todas las películas de su marido, realizando un trabajo no siempre reconocido. Era una de las pocas personas cuya opinión era tenida en cuenta por el director y según sus biógrafos y los testimonios de su hija y de quienes les conocieron ,era una mujer de carácter. En una reciente biografía publicada por Donald Spoto, en la que se analiza el papel de las mujeres de la vida de Hitchcock se recoge el testimonio de Patricia, su hija, en el que dejaba claro que en el matrimonio de sus padres era su madre “quien llevaba la batuta”.

Mucho se ha especulado sobre el matrimonio y su relación más personal, llegándose a afirmar por muchos de los expertos, biógrafos y estudiosos que se trataba de una relación de poca pasión entre ellos en la que primaba otra pasión que tenían en común “ el cine”. A pesar de todas las especulaciones y al contrario de las humillaciones a las que sometía a las actrices, Hitchcock siempre valoró el trabajo de su esposa. En un discurso que pronunció en 1979 durante un homenaje del American Film Institute le dedicó estas bonitas palabras:

Pido permiso para mencionar por su nombre únicamente a cuatro personas que me han dado todo su cariño, su reconocimiento, sus ánimos y su constante colaboración. La primera de las cuatro es una montadora cinematográfica, la segunda es una guionista, la tercera es la madre de mi hija Pat, y la cuarta es la cocinera más excelente que haya obrado milagros en una cocina doméstica, y el nombre de las cuatro es Alma Reville . Si la hermosa señorita Reville no hubiera aceptado hace 53 años un contrato vitalicio sin opciones para convertirse en la señora de Alma Reville, Alfred Hitchcock, es posible que el señor Alfred Hitchcock se encontrara en esta sala esta noche. Sin embargo, no estaría en esta mesa, sino que sería uno de los camareros más lentos de la sala. Quiero compartir este premio, como he compartido mi vida, con ella.”

DETRÁS DE LAS CÁMARAS: LA EXCÉNTRICA EDITH HEAD

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Edith head posando con algunos de sus Oscars

Edith Head es una de las mujeres más trascendentes en la historia del cine y una de las fieles colaboradores de Hitchcock detrás de las cámaras como diseñadora de vestuario. Comenzó su carrera como maestra en un colegio para señoritas y recibía clases de diseño en sus ratos libres, hasta que se presentó a una oferta de trabajo de la Paramount Pictures y consiguió un puesto gracias a su enorme talento. En 1949 conseguirá su primer Oscar y comenzó una década gloriosa de premios y reconocimientos. Actualmente sigue siendo la mujer que más Oscar ha conseguido, un total de 8 premios y 35 nominaciones.

Edith era una mujer con una personalidad muy especial que la distinguí del resto de diseñadores. Por un lado, tenía la gentileza de trabajar y tratar con el mismo respeto a las grandes estrellas y a los figurantes, algo que le hizo muy popular y les proporcionó ciertos beneficios, ya que muchos de esos figurantes se convertirían en estrellas y confiarían en sus diseños en su vida personal, como fue el caso de Grace Kelly que se convirtió en una de sus más fieles clientas. Por otro lado y a diferencia de otros diseñadores, Edith se mantuvo fiel al cine y no se quiso independizar para crear una empresa de diseño independiente, como era habitual por entonces.

Trabajó en varios proyectos para Hitchcock, algo que tiene un gran mérito dados los antecedentes del director con las mujeres y la costumbre del director de controlar absolutamente todos los procesos de realización de sus películas. Sin embargo, se entendieron bien y crearon un potente equipo, quizás porque son personas con personalidades similares. Edith, al igual que Hitchcock, fue una de las primeras personas que convirtió su propia figura en lo que podríamos llamar hoy en día “imagen de marca”, con un estilo muy particular marcado por sus oscuras y redondas gafas y sus boinas francesas. Un estilo que ha inspirado otros personajes de ficción, como es el caso del personaje de Edna Moda de la película de animación Los increíbles. En el caso de Hitchcock fue uno de los pioneros en utilizar este recurso como reclamo publicitario. Su imagen se repitió sin cesar en todos los carteles y anuncios de sus películas, era su propia marca, el director como creador, algo que cambió los esquemas de la historia del cine tal y como se habían entendido hasta entonces.

Son incontables las anécdotas acerca de la relación de Hitchcock con sus actrices durante los rodajes de las películas y mucho habló el propio Hitchcock de ellas (mucho más que de sus actores). Les dirigió todo tipo de palabras que siempre se mueven entre la admiración más profunda y el desprecio y la degradación absolutas. Declaraciones e historias que forman parte de la historia de cada rodaje, de cada película y de la propia historia de una vida dedicada en exclusiva al cine y a encumbrar el género del suspense más alto de lo que nunca antes se había llegado. En la visitas guiadas de Parte del Arte a esta exposición – a una de las más interesantes de la actualidad- os desvelamos todos los secretos de este genio de la historia del cine y os damos las claves para sacarle el máximo partido a sus películas.

Os esperamos “más allá del suspense”

Esther Arce Bayón

EL LADO BUENO DE LA VIDA. RENOIR EN LA INTIMIDAD

El mes de octubre va avanzando y en Parte del Arte ya estamos calentando motores para las visitas de Renoir.Intimidad, en el Museo Thyssen, una de las exposiciones más esperadas del año. Se trata de una muestra de más de setenta obras de este gran pintor procedentes de museos y colecciones de todo el mundo en las que se muestra su producción desde un punto de vista que trasciende lo puramente visual para adentrarse en una experiencia sensorial. La visión que nos ofrece el Thyssen hace hincapié en cómo Renoir dota a sus figuras de una cercanía tangible a través del tratamiento del volumen, la materia y las texturas, con las que plasma el concepto de intimidad con todas sus variantes (amistosa, erótica y familiar).

Una pintura muy personal en la que Renoir deja ver parte de sí mismo, de sus preocupaciones y su forma de sentir y ver la vida. Hoy os invitamos a conocer al Renoir hombre y las circunstancias vitales que vieron nacer una pintura para disfrutar con todos los sentidos.

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Pierre-Auguste Renoir, Paisaje de Cagnes-sur-Mer, 1905

UNA VIDA TURBULENTA

Pierre-Auguste Renoir nació en la localidad de Limoges el 25 de febrero de 1841 en el seno de una familia humilde. Su padre era sastre y su madre obrera y el fue el cuarto hijo del matrimonio. Cuando Renoir tenía tres años se trasladaron a París para mejorar sus condiciones de vida, aunque allí sufrieron las consecuencias de las transformaciones urbanas impulsadas por Napoleón III, lo que no siempre les permitió vivir en las mejores condiciones.

A pesar de este entorno en principio poco favorable para las artes, el pequeño Pierre-Auguste ya demostró de forma temprana su talento para el dibujo y también para el canto. El gran músico y compositor Charles Gounod se ofreció a darle lecciones de canto de forma gratuita y le seleccionó para formar parte del coro de la iglesia de Saint-Sulpice, de donde era maestreo de capilla. Sin embargo, su padre le anima a escoger un oficio con más futuro y con 13 años ya se dedicada a la pintura, aunque en este caso de forma más práctica como aprendiz decorador de porcelana en la manufactura de los Lévy, un oficio tradicional en su localidad de origen y con el que aspiraba a conseguir un empleo en la famosa manufactura de porcelana de Sèvres. Pero la época que le tocó vivir a Renoir estuvo cargada de grandes transformaciones y con la llegada de nuevos métodos industriales la empresa Lévy quebró y el pintor tuvo que buscarse el sustento por cuenta propia. Gracias a los conocimientos que había adquirido como decorador realiza algunos trabajos pintando abanicos o decorando cafés y ya va desarrollando un estilo que tenía cierto éxito, aunque siguió sufriendo problemas económicos. A su situación financiera hay que sumarle las propias circunstancias históricas que vivó, que contribuyeron a complicar todavía más su vida.

En 1870, cuando Renoir tenía 29 años fue llamado a filas para combatir en la guerra franco-prusiana, en la que perdió a uno de sus mejores amigos, el también pintor Frederic Bazille y se vio obligado a separarse de otros de sus colegas, como Monet y Pisarro, que se refugiaron en Inglaterra. El conflicto terminó con la proclamación de la III República y su caída poco después tras la derrota de Francia ante Bismarck. Esta situación fue generando un caldo de cultivo que desembocó en otro importante acontecimiento que afectó a la vida de Renoir, el estallido de la Comuna de París. A pesar de que él no participó activamente en estos violentos acontecimientos fue considerado simpatizante de los partidarios de la Comuna, lo que le llevó a tener que vivir escondido durante algún tiempo. Un entorno hostil y grandes dificultades que Renoir decide dejar fuera de su pintura, siempre llena de color y optimismo. Era un hombre sencillo al que le gustaba quedarse con la parte buena de la vida y su pintura refleja esa filosofía de vida. En una ocasión dijo: Cuando Pisarro pintaba una escena de París ponía siempre un entierro, mientras que yo habría puesto una boda.

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Pierre- Auguste Renoir, Madame Monet leyendo “The Figaro”,1872.

LA AVENTURA IMPRESIONISTA

La vida de Renoir sufrió un gran cambió a partir de 1862 cuando comienza a asistir a las clases de Charles Gleyre en la Academia de Bellas Artes de París. Allí conoce a Monet, Sisley y Bazille, con los que enseguida entabla amistad y comparte vivienda en París. En un primer momento Renoir se interesó por la Escuela de Barbizon y por la pintura al aire libre y más adelante pasó a formar parte del grupo de impresionista.

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En 1874 participó en la primera muestra impresionista en la casa del fotógrafo Nadar con seis obras que provocaron las risas y burlas del público, al igual que le pasó a sus compañeros. Las obras del grupo quedaron desacreditadas y tuvieron que organizar una subasta para poder vender sus obras a precios ridículos.

Sin embargo, el grupo continuó la lucha por la defensa de su pintura y poco después se celebró una nueva exposición impresionista alentada por el marchante de arte Durand-Ruel pero tampoco tuvo éxito. Fue calificada de “espectáculo espantoso” y el crítico de Le Figaro, Albert Wolff se refirió así a uno de los desnudos de Renoir. “ …intenté explicar al señor Renoir que el torso de una mujer no es un amasijo de carne en descomposición, cubierto con manchas verdes y moradas que denotan el estado de completa putrefacción de un cadáver” .

A pesar de estas críticas y de la total incomprensión de su obra por parte de la sociedad, Renoir sigue pintando y a partir de 1878 su vida vuelve a dar un giro. En estos años decide probar suerte en los salones oficiales, donde por fin encontró el esperado reconocimiento de su obra. A partir de estos momentos fue abandonando poco a poco los postulados impresionistas en busca de su propio estilo. Una serie de viajes a partir de 1881 a Argel, Normandía, Venecia, Nápoles y Roma cambiaron su forma de concepción de la belleza y se cuestionó la espontaneidad de sus obras, emprendiendo un camino de búsqueda hacia una pintura más definida, que será la que caracterice su último periodo artístico.

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Con este Retrato de Madame Charpentier y sus hijas Renoir consagró su pintura en los salones oficiales en 1879.

Renoir pudo disfrutar de su éxito hasta los 50 años, cuando comienza a padecer ataques de reúma cada vez más acusados que le fueron privando poco a poco de movilidad. Sin embargo nunca perdió la ilusión y las ganas de pintar, ya que él siempre manifestó la felicidad que le producía hacerlo. Esta ilusión le llevó a adoptar soluciones muy curiosas, como hacerse sujetar un pincel a la muñeca para poder seguir creando composiciones pobladas de agradables reuniones de personajes y parejas felices que disfrutan de la vida.

Falleció el 3 de diciembre de 1919 dejándonos con sus cuadros el reflejo de lo bueno de la sociedad de su tiempo y la alegría de una persona que siempre vio la luz en la oscuridad.

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A pesar de ser uno de los cuadros más valorados de Renoir en la actualidad, Le Moulin de la Gallete fue completamente rechazado en su presentación en la segunda exposición de los impresionistas en 1876.

El poeta Rafael Alberti le dedicó estos versos en su libro “ A la pintura”:

Pintor: en tu paleta rumorosa,

cuando vierten sus jarras los colores

ya todo son ramos de flores

y rosa.

Esther Arce Bayón

LOS BENEFICIOS DEL ARTE EN LA INFANCIA

El curso ya ha empezado para los peques de la casa y por eso hoy queremos hablaros de un tema muy importante para ellos y con el que en Parte del Arte estamos profundamente comprometidos: la enseñanza del arte durante la infancia.

Desde que en los años cuarenta del siglo pasado el crítico de arte inglés Herbert Read acuñó el término “educación por el arte” han sido muchos los expertos de campos diferentes como la investigación neurocientífica, evolutiva y la pedagogía los que han confirmado, cada uno dese su ámbito de estudio, la gran importancia de las enseñanzas artísticas en los niños de todas las edades.

Os ofrecemos un recorrido en el que descubriremos cómo las artes ayudan a potenciar competencias y habilidades básicas de nuestra vida que se desarrollan durante la infancia.

UN CUERPO PREPARADO PARA EL ARTE

Nuestro propio cerebro está “programado” para la comprensión artística. Aunque los hemisferios izquierdo y derecho del cerebro trabajan de forma conjunta tienen maneras diferentes de procesar la información. El hemisferio izquierdo es el responsable de nuestro razonamiento lógico, de nuestra capacidad de hablar y entender el lenguaje. Podríamos decir que se trata de parte del cerebro que desarrolla un pensamiento más lineal. Por el contrario, el hemisferio derecho del cerebro es el que alberga la intuición, la creatividad y el pensamiento no lineal. Aunque ambas partes están conectadas hay personas que se sienten más cómodas con un tipo de razonamiento más lógico y otras con uno más intuitivo. Por ello, podemos afirmar que nuestra parte creativa del cerebro necesita el arte para desarrollarse. En el caso de los niños es muy beneficioso trabajar esta parte de su mente, ya que la parte izquierda la trabajan ampliamente en algunas de las materias obligatorias del colegio, como la lengua o las matemáticas. Trabajar sobre las funciones del hemisferio derecho del cerebro le permite al niño desarrollar capacidades muy significativas como la interpretación de contenidos emocionales o percibir las figuras que le rodean y así conocer el medio y poder interpretarlo. Además, hay niños que por naturaleza utilizan un razonamiento múltiple (no lineal) y más intuitivo, por lo que en el mundo escolar y académico el arte es un elemento valiosísimo para atender la diversidad en aula.

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Despliegue creativo en el hemisferio derecho del cerebro ( Imagen: http://www.leocadiomartin.com)

LAS CUALIDADES DEL ARTE Y SUS BENEFICIOS

Teniendo en cuenta el funcionamiento de nuestra mente el arte se despliega como una potente herramienta para el desarrollo de los más pequeños, ayudándoles a adquirir una serie de aprendizajes significativos y valiosos que le acompañaran el resto de su vida.

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Noche estrellada, Vincent Van Gogh

  • DESAROLLO DE LA CREATIVIDAD.

El arte es uno de los lenguajes universales del hombre, una expresión de cómo vemos y sentimos el mundo. La imagen artística es el producto de una representación, no se trata sólo de lo que percibimos a través de los sentidos. La comprensión del lenguaje de las diferentes representaciones y manifestaciones artísticas despierta en los niños las ganas de iniciar un proceso creativo propio, con todo lo que ello puede aportarles. El desarrollo de actividades artísticas por parte de los niños ha sido un elemento ampliamente estudiado y se ha demostrado que aquellos sistemas educativos que potencian el conocimiento del arte y lo aplican en otras materias tienen excelentes repercusiones en las capacidades de los alumnos, como el aumento del compromiso emocional en el aula o incluso la mejora de la memoria a largo plazo, especialmente en los alumnos que tienen dificultades lectoras.

painting-85781_1280El inicio de un proceso creativo propio enriquece enormemente a los niños ya que implica la creación de algo nuevo y original , les plantea la solución de problemas, les ayuda a superar la rutina de las actividades diarias en el colegio y les enseña los significados e implicaciones sociales del lenguaje visual. La creación plástica o la práctica de artes escénicas como el teatro, la música o la danza les aporta un mayor conocimientos sobre su propio cuerpo, ayuda a su desarrollo motriz y les facilita la expresión de sus emociones y las relaciones con los demás.

Según el importante psicólogo de la educación Howard Gardner en su libro Arte, mente y cerebro. Una aproximación cognitiva a la realidad: las artes en general ayudan a los niños a organizar su experiencia de vida, a conocerse a sí mismos y a entender el mundo que les rodea. Al estar los sistemas simbólicos integrados en las artes, los niños experimentan con la manipulación y comprensión de los objetos , sonidos, moldes, formas, sombras, movimientos, estructuras, que tienen la cualidad de referirse a algo, ejemplificar o expresar algunos aspectos del mundo”.

  • DESARROLLO DE COMPETENCIAS PSICOLÓGICAS IMPORTANTES.

El arte es un medio y una forma de comunicación entre todos los seres humanos sin excepción de edad, sexo o posición social. Las implicaciones que esto tiene a nivel psicológico son verdaderamente enriquecedoras.

Los niños se sienten libres frente a la obra de arte. El poder reinterpretar una pieza mediante una creación propia, o simplemente el poder comprenderla y extraer una lectura que le aporte cualquier tipo de emoción, sensación o conocimiento contribuye poderosamente a reforzar su autoestima. En este sentido, ejercicios como visitas a museos con niños en los colegios o en familia pueden resultar muy beneficiosas para la propia salud mental de los más pequeños, ya que los museos son centros de conocimiento y excelentes aulas alternativas para el aprendizaje. Si a estas visitas les añadimos la utilización de herramientas de reflexión e información adaptadas a su edad y que les lleven más allá de lo que perciben a través de los sentidos estaremos potenciando otras cualidades que lo harán una mejor persona en el futuro. Si conseguimos hacer que un niño comprenda las circunstancias históricas o sociales en las que fue creada una determinada obra o los pensamientos y el entorno en el que se gestó un movimiento artístico, no solo le estaremos enseñando datos históricos de una forma amena y diferente, sino que le embarcaremos en un viaje de emociones y autodescubrimiento en el que podrá desarrollar su empatía, una cualidad esencial para su vida.

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Alumnos de 4º de primaria del colegio José María de Pereda (Leganés) durante una visita al Museo del Prado con Parte del Arte

  • COMPRENSIÓN DE LA SOCIEDAD Y SUS VALORES

El arte entendido como objeto cultural es un elemento profundamente valorado en nuestra sociedad y en este sentido su presencia es mucho más grande de lo que nos puede parecer a priori. Solo tenemos que salir a dar una vuelta por el centro de nuestra ciudad y mirar carteles y anuncios publicitarios, pararnos en un quiosco a echar un vistazo a los suplementos culturales de los periódicos, ver las colas de los museos en las grandes exposiciones o prestar atención a las noticias de las millonarias inversiones en arte por parte de bancos y grandes empresas. Todas estas “señales” son indicadores de que el arte es importante para nuestra sociedad y es razón suficiente para contribuir a que los más pequeños formen parte de ese aspecto de su entorno. Cuando un niño entra en un museo por primera vez y alguien frente a un cuadro le hace comprender que está ante una pieza que tiene más de cien o doscientos años la fascinación es absoluta y de forma natural el niño siente el deseo de protegerlo. Así pues resulta muy sencillo aprovechar esta inclinación espontánea para mostrarle la relevancia del patrimonio que le rodea y la importancia de cuidarlo y conservarlo.
De este modo, l
as actividades artísticas no deben ser entendidas como algo alejado o separado del entorno familiar y académico del niño, y como en cualquier otro ámbito de su vida debe conocer los códigos sociales vinculados a ellas. Nada mejor que “quitar el miedo” y acudir con los niños no sólo a los museos, sino también a teatros y salas de conciertos para que observen y aprendan los protocolos de actuación en cada uno de esos lugares y sobre todo el por qué las personas han de actuar de ese modo. El conocimiento de estos patrones de comportamiento junto con la familiaridad que llegan a sentir los niños que acuden a estos lugares con asiduidad les proporciona la adquisición de un compromiso de respeto no solamente hacia su propia cultura sino hacia todas las demás, una cualidad más que valorable en un mundo cada vez más globalizado. Por otro lado, un niño que consume cultura de forma regular tiene mucha más facilidad para desarrollar el pensamiento crítico cuando llegan a edades más avanzadas de su infancia, ya que con el tiempo ha ido adquiriendo diferentes herramientas de enjuiciamiento basadas en su propia observación y experiencia.

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Reinterpretaciones infantiles de cuadros famosos (Frida Khalo, Miró, Sorolla…) realizados por los alumnos de PintaValencia (Imagen: http://www.makma.net)

En definitiva, el compromiso de enseñanza del arte es una necesidad para nuestra sociedad, no porque las manifestaciones artísticas nos hagan más inteligentes, sino porque nos ayudan a desarrollarnos como personas a todos los niveles y nos garantizan la adquisición de competencias y capacidades imprescindibles para sobrevivir en nuestra sociedad.

En Parte del Arte tenemos una amplia trayectoria en el desarrollo de actividades culturales con niños tanto para familias como para centros educativos, como el centro José María de Pereda de Leganés, que nunca se pierde nuestras visitas a los grandes museos de Madrid. Puedes ver toda nuestra oferta de servicios en www.partedelarte.com 

Todos los niños nacen artistas. El problema es cómo seguir siéndolo  al crecer.” Pablo Picasso.

Esther Arce Bayón

 

LA MÚSICA COMO ELEMENTO PARA ENTENDER LA OBRA DEL BOSCO

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En Parte del Arte volvemos a guiar este mes de septiembre la gran exposición que el Museo del Prado ha dedicado al quinto centenario de la muerte del Bosco, una de las citas culturales más importantes de 2016. Por ello hemos decidido estrenar nuestro nuevo blog de arte hablando del gran genio flamenco. Concretamente hoy vamos a  hablar de un elemento omnipresente en su producción: la música, que aparece representada de muy diversas formas y encierra grandes significados. Os proponemos un interesante análisis de las obras de la exposición en las que la música cobra un especial protagonismo, desvelaremos el significado de los instrumentos en la obra del Bosco y le pondremos sonido no solo a sus cuadros sino también a la época que le dio aliento a este gran maestro de la pintura. ¿Nos acompañas?

retatro-boscoRetrato de Jheronimus van Aken, el Bosco, una de las obras que se puede contemplar en la exposición y que forma parte de una serie de efigies de pintores famosos de los Países Bajos realizada por un importante grabador de la época, Cornelis Cort

El caso del Bosco es excepcional en la historia universal del arte. Su gran imaginación junto con un dominio extraordinario de la pintura le convirtieron, ya en su propia época, en un pintor de gran éxito. Precisamente por ello resulta curioso el hecho de que apenas se conserven datos sobre su vida personal o su personalidad. Algunos especialistas, como el gran historiador del arte Juan Antonio Ramírez, apuntan la posibilidad de que el propio artista se preocupase de borrar algunos datos sobre su vida por alguna razón que hoy en día nos resulta desconocida. Sea como fuere, a los estudiosos del Bosco no les ha quedado otro remedio que recurrir al estudio del entorno del pintor y al análisis profundo de sus obras para poder extraer conclusiones sobre la personalidad de un artista que creó un lenguaje pictórico extraordinario.

Su nombre real es Jheronimus van Aken, aunque firmaba sus obras como “Jheronimus Bosch”,  aludiendo a la ciudad en la que nació y vivió –’s-Hertogenbosch–, una próspera localidad al norte del ducado de Brabante, en la actual Holanda. El Bosco vivía en la plaza principal, uno de los puntos neurálgicos de la ciudad. Gracias a un anónimo flamenco que se muestra en la exposición podemos conocer el aspecto de este lugar e incluso identificar la propia casa del Bosco, desde la cual pudo asistir a numerosos acontecimientos tanto cotidianos, como el mercado de paños que se representa en la pintura, como todo tipo de festividades profanas (ferias, representaciones teatrales) y religiosas que se celebraban en la calle, como procesiones. Este ambiente tan animado y de gentes tan diversas fue una de las fuentes de inspiración para sus obras, tan pobladas de personajes de diferente índole. También sin duda debió de proporcionarle un amplio conocimiento de la música profana de su tiempo, especialmente las chansons, además de otros géneros como el denominado lied polifónico, que eran especialmente característicos de esta zona geográfica. Los numerosos instrumentos musicales que aparecen representados en las obras del Bosco demuestran que estos eventos no le resultaban indiferentes, ya que se trata, en general, de instrumentos coetáneos representados de una forma fiel a la realidad, aunque con ciertas licencias organológicas.

mercado-de-la-ciudad-del-boscoAnónimo flamenco. Mercado de telas en ‘s-Hertogenboch. La casa en la que vivió el Bosco es la séptima de la derecha, al lado de la casa azul.

Pero no sólo conoció la música que sonaba en las calles sino que el Bosco también escuchó la música más elevada de su época, tanto religiosa como profana. De entre los pocos datos que tenemos de su vida sabemos que en torno a 1477 contrajo matrimonio con una rica patricia llamada Aleid  de Meervenne, lo que le situó en los círculos sociales más altos y le proporcionó una gran libertad y despreocupación económica. También tuvo contacto directo con la vida religiosa de su ciudad, ya que en 1487-1488 fue nombrado hermano jurado de la cofradía de Nuestra Señora. Por ello, un hombre religioso de su estatus social tuvo que conocer a la perfección la música  relacionada con la liturgia, las musicalizaciones del ordinario de la misa y los motetes, una composición polifónica vocal sacra y con texto latino que se interpretaba únicamente en el marco de la iglesia.

Las circunstancias de la vida del Bosco le permitieron ser un hombre adinerado, culto y conocedor de la sociedad de su tiempo. Esta situación unida a la falta de una tradición local y un gremio de pintores en su ciudad le  permitieron pintar con una libertad e imaginación desbordada y crear un lenguaje pictórico propio, plagado de espíritu crítico, ironía y hermetismo que nos sigue sugiriendo hoy en día la misma curiosidad y fascinación que en su propia época.

LOS INSTRUMENTOS Y SU SIGNIFICADO

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Seguidor del Bosco. El concierto en el huevo

Es difícil encontrar una sola obra del Bosco, sobre todo en el caso de los trípticos, que no tenga ninguna referencia musical, aunque también encontramos alguna composición que se centra exclusivamente en esta temática. Es el caso del magnífico cuadro El concierto en el huevo. Se trata de una obra de un seguidor del Bosco que probablemente derive de un original del maestro. En esta pieza se nos representa un grupo de cantantes y músicos dirigidos por un fraile que interpretan un concierto dentro de la cáscara de un huevo rodeado de otra serie de elementos extraños como el banquete en el zapato y los animales que tocan instrumentos. Como es habitual en la producción del Bosco aparecen representadas todas las clases sociales de su tiempo, en este caso desde un punto de vista crítico y casi caricaturesco. Además del fraile dirigiendo encontramos una representación de la nobleza en el personaje vestido de rojo que toca la flauta y el pueblo llano queda representado por el personaje que toca el arpa junto al libro.  Este cuadro se ha interpretado como la representación de un coro herético porque muchas de las figuras y los atributos están relacionados con lo demoníaco, así como una visión crítica de los postulados alquímicos, que en el huevo encuentran uno de sus elementos más emblemáticos. El autor pretende señalar la ignorancia de estos grotescos personajes mediante elementos burlescos y un dominio magistral de la representación de las facciones del rostro, algo que sin duda nos facilita la lectura de la obra. Todos los personajes intentan seguir las notas representadas en el libro pero lo hacen con gran dificultad, como es evidente, por ejemplo, en la cara de confusión del tañedor del arpa. La representación de animales como el mono o el burro tocando  instrumentos redundan en esta idea.

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El mono aparece tocando un instrumento que se ha identificado con el cornetto. Este instrumento de viento fue muy utilizado en las capillas de ministriles durante el Renacimiento y gran parte del Barroco.

En cuanto a los instrumentos, al igual que cada elemento que aparece representado en las obras del Bosco, encierran un potente significado. En el caso de laúd se trata de una alusión a la moral baja de su intérprete, ya que comúnmente estos personajes tenían fama de incitadores a la algarabía, la juerga y el desorden. El arpa, en este caso un modelo de arpa gótica, es un instrumento vinculado al acto sexual. Esta modalidad de arpa es muy poco frecuente en la música del entorno del Bosco, por lo que es probable que la conociese a través de tratados o libros.

Otro elemento musical muy característico de esta obra es la partitura. En ella se representa la chanson Toutes les nuits, de Thomas Crecquillon [c.1505-1557],  un compositor de la tercera generación de la llamada escuela franco-flamenca. El descubrir la pieza musical que se representa en el cuadro ha sido algo muy interesante para poder fecharlo, ya que se tienen datos de cuando fue impresa por primera vez  esta partitura (1549).

LA MÚSICA EN EL JARDÍN DE LAS DELICIAS

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Jheronimus van Aken, el Bosco. Tríptico del Jardín de las delicias

Los instrumentos musicales del Concierto en el huevo se repiten constantemente en otros cuadros del Bosco, casi siempre asociados al mismo significado, llegando el despliegue musical a su culmen en su gran obra maestra, el tríptico del Jardín de las Delicias. En este caso las referencias musicales se encuentran concentradas en la parte derecha, comúnmente conocida como El Infierno y dedicada  a las consecuencias de los pecados capitales. Son tan numerosos los instrumentos musicales que aparecen representados que incluso se le ha llegado a conocer como El Infierno Musical.

Como hombre cultivado que fue El Bosco, y tal y como reflejan todas sus obras, era un gran conocedor de los principios morales de su época y sin duda fueron muchas las fuentes de las que bebió para crear esta gran composición. Dadas las connotaciones moralizantes de esta obra no resulta extraño que las referencias musicales tengan un profundo significado en relación al castigo de los pecadores. Aunque son varias las teorías que se han establecido en torno a su significado todo parece indicar que en este caso el Bosco utiliza los instrumentos y la música que sale de ellos como una forma de tortura para los pecadores, como vemos en la parte central, en la que un hombre toca una trompeta (referencia directa a las trompetas apocalípticas) y otro junto a él se tapa desesperadamente los oídos, no solo por el estruendo, sino por el mensaje musical de claro tinte moralizador. Junto a ellos aparece una extraña imagen de sodomía con una flauta de pico que redunda en esta idea. Este grupo de personajes está acompañado de un instrumento musical de gran tamaño, la zanfoña, instrumento que se acciona mediante una manivela que sostiene un personaje identificado como un mendigo. Se trata pues de un instrumento  relacionado con los estratos más bajos de la sociedad pero también con la atracción sexual, al igual que los otros dos instrumentos de gran tamaño que lo acompañan, el laúd renacentista, que también aparece en otras de sus obras como El carro de heno o la tabla de  Los pecados capitales, y el arpa, nuevamente el modelo de arpa gótica también presente en  Los pecados capitales y en el Tríptico de las Tentaciones de San Antonio.

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En la parte central de la tabla aparece la mayor concentración de elementos musicales, tanto instrumentos como partituras

En ambos instrumentos aparecen hombres literalmente “atrapados” sin poder escapar. Es probable que encadenando estos hombres a sus instrumentos el autor quiera castigar a aquellos que dedican su tiempo a la música profana, ya que según el clérigo y tratadista flamenco Dionisio Cartujano, cuyos escritos es más que probable que conociese el Bosco: …cuando esa música artificiosa sirve para agradar al oído y servir de placer a los presentes, principalmente a las mujeres, entonces debe rechazarse sin duda alguna.

Un poco más arriba, sobre la cabeza de la majestuosa figura del hombre-árbol encontramos otro instrumento de gran tamaño que tiene connotaciones similares y que es muy frecuente en la producción bosquiana: la gaita. Este instrumento es real –aunque está representado de manera muy básica– y coetáneo a la obra, y se utilizaba principalmente en los repertorios profanos. En este caso es entendido como un símbolo maligno, ya que  hace referencia a las relaciones sexuales anti-natura y a la obscenidad. El color rosa simboliza la inversión sexual, relacionado también con la taberna y el burdel.

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La gaita aparece representada en gran tamaño y también en una pequeña bandera. El elemento que aparece a la izquierda formado por dos grandes orejas atravesadas por una flecha y un cuchillo harían alusión, según el experto Jacques Combe, a la sordera ante la palabra evangélica

A estos grandes instrumentos se le añaden infinidad de instrumentos más pequeños que proliferan por toda la superficie de la tabla y subrayan este significado moralizante: triángulos, campanas, cascabeles, un cuerpo humano como badajo de un instrumento, un tambor que encierra un hombre dentro… Pero las referencias musicales no se quedan ahí, sino que también las encontramos en la representación de dos inquietantes partituras.

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La primera de ellas se encuentra en un libro que queda ligeramente aplastado por el gran laúd. La notación no se aprecia con mucha exactitud pero los expertos apuntan a que se trata de música utilizada por los adamitas, una doctrina herética que tuvo un gran auge en Flandes entre los siglos XIII y XV, que defendía la absoluta desnudez y rechazaba el matrimonio porque lo consideraba consecuencia del pecado original. Se cree que los adamitas practicaban el amor libre, lo que ha llevado a muchos estudiosos a considerar todo el tríptico del Jardín de las Delicias como un ejemplo de iconografía adamita. La segunda partitura es todavía más sugestiva y se encuentra sobre las nalgas de un personaje desnudo. En este caso la notación es aún más confusa y ha dado lugar a numerosas interpretaciones y transcripciones por parte de expertos y aficionados, algunos de ellos incluso le han puesto letra a la melodía “en el culo de un pecador”.

El tríptico de El Jardín de las Delicias es una fuente inagotable de música, ya que además de la que contiene de forma explícita ha sido objeto de numerosas interpretaciones contemporáneas. Es el caso de  Jardín Infinito, la magnífica y sugestiva instalación audiovisual realizada especialmente para la exposición del Museo del Prado y este magnífico corto con textos de Rilke, M.J Romero y Baudelaire, donde las figuras del Bosco cobran vida.

Os invitamos a que nos acompañéis en las próximas visitas guiadas a esta gran exposición para descubrir juntos todos estos elementos y muchísimos más de la genial obra del Bosco. ¡Os esperamos!

Articulo escrito por Esther Arce Bayón.