La casa museo de Lope de Vega: el hogar de un genio del Siglo de Oro

Arrancamos esta semana en Parte del Arte nuestra tercera edición de cursos on line y no podemos estar más contentas y agradecidas de la buena acogida que han tenido nuestros cursos Conoce Madrid, Grandes Momentos de la Historia y Exposiciones y Colecciones de Madrid.

Poco a poco vamos recobrando la normalidad, pero mientras llega el momento de vernos de nuevo (lo estamos deseando) hemos decidido continuar con vosotros de forma virtual, compartiendo pequeños paseos culturales en nuestro Instagram todos los días a partir de las 20.00h y noticias e información de interés en todas nuestras redes sociales: Facebook, Twitter, Instagram y Youtube.  Además, como cada semana, en nuestro blog BaluArte os traemos un tema relacionado con el arte, la historia y la cultura de Madrid.

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Natalia Nuñez, fundadora del proyecto Parte del Arte, que cumple este año sus 10 años de vida. ( Foto: Parte del Arte)

MADRID: ESCENARIO DE LA VIDA DE LOPE DE VEGA

Esta semana queremos hablaros de uno de los temas que trataremos en Conoce Madrid esta semana: el Madrid de Lope de Vega y su casa museo.

El Madrid del siglo de oro fue testigo de las andanzas del gran escritor. Hijo de una pareja de montañeses cántabros, Félix Lope de Vega nació en Madrid  el 25 de noviembre (aunque algunos creen que fue el 2 de diciembre). Lo que sus padres no sabían es que se terminaría convirtiendo en uno de los escritores más importantes de la historia de la literatura, conocido en su época con el famoso nombre de “Fénix de los Ingenios”.En el terreno personal fue una persona polémica, muchas veces irreverente y alejado de los estereotipos morales de su época y de vida amorosa agitada a pesar de su faceta como sacerdote. Acérrimo enemigo del otro gran titán del Siglo de Oro, Miguel de Cervantes, vivió la mayor parte de su vida en Madrid, donde escribió gran parte de sus obras.

La curiosidad de Lope

Lope pasó parte de su infancia en Sevilla con su tío Miguel del Carpio, aunque poco después, cuando cumple 10 años, regresa a Madrid para cursar sus estudios en el Colegio Imperial, donde tuvo la oportunidad de demostrar que era un alumno aventajado y precoz, que era capaz de leer con fluidez en castellano y latín y traducir del latín al castellano. También en este periodo escribió algunas comedias: El Verdadero Amante y La pastoral de Jacinto. 

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Atribuida a Eugenio Cajés. Retrato de Lope de Vega, ca. 1627. Casa Museo de Lope de Vega. ( Foto: museoteca.com)

Con tan solo quince años ingresó en la Universidad de Alcalá de Henares donde cursó el bachillerato y al finalizar sus estudios, viajó a Salamanca para seguir con su financiación, aunque este acontecimiento de su vida todavía no se ha podido documentar con claridad.

Lope no fue sólo un hombre letras. Parece ser que siempre fue una persona curiosa y con un gran afán por aprender de diferentes materias, lo que explica sus estudios de Matemáticas y Astrología junto al cosmógrafo mayor de Felipe II, Juan Bautista Labraña y en Artes Liberales con Juan de Córdoba. Siempre destacó por ser un excelente estudiante.

UNA VIDA AMOROSA MUY AGITADA

La vida amorosa de Lope fue igual de intensa que su vida intelectual. De sus muchas relaciones amorosas algunas fueron de especial relevancia y calaron profundamente en él, lo que se ve reflejado en su obra. Se conocen once mujeres en la vida de Lope, además de sus dos esposas, relaciones que varían en cuanto a importancia, intensidad y duración.

Su primer amor conocido fue María de Aragón, con la que tuvo una hija, que murió sin haber llegado a cumplir los cinco años.

La siguiente mujer en aparecer en su vida fue Elena Osorio, una mujer casada con el actor Cristóbal Calderón. Después de cuatro años de relación ella terminó abandonando a Lope. Despechado por este acontecimiento emprendió una fuerte campaña de desprestigio contra su ex amante y comenzó a escribir injurias que le terminaron condenando al destierro en Alba de Tormes, donde permaneció durante ocho años.

En el año 1598 Lope de Vega se casa con Juana de Guardo, con la que tendría cuatro hijos: Jacinta , Juana , Carlos Félix y Feliciana, en cuyo parto murió Juana de Guardo.

Después de una amante portuguesa desconocida, manutvo una relación con Antonia Trillo de Armenta, una rica y atractiva mujer viuda que mantenía una casa de juegos en la Plaza de Matute.
Posteriormente conocerá a otra de las mujeres más importantes en su vida, Micaela de Luján. Una mujer de una belleza extraordinaria pero inculta y analfabeta. Con ella se convirtió en padre por segunda vez, en este caso de cuatro hijos, de los cuales sólo llegaron dos a la edad adulta: un niño llamado Lope Félix y una niña llamada Marcela, que en su juventud se convirtió en monja y que ha pasado a la historia como Sor Marcela de San Félix, una de las poetisas más importantes del siglo de Oro. Micaela de Luján aparace en las obras de Calderón como Camila Lucinda. La relación duró nueve años.

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Autor desconocido. Retrato de Sor Marcela de San Félix, poetisa e hija de Lope de Vega, ca. 1635, Convento de las Trinitarias Descalzas.( Foto: wikipedia.org)

Pero Lope parecía tener una tendencia natural a los enredos, lo que le llevó a mantener una relación amorosa intermitente con una íntima amiga casa, Jerónima de Burgos, que había sido madrina en el bautismo de su hijo Lope Félix.

Después de otra serie de amantes y relaciones menos significativas, Lope se enamoró de Marta de Nevares Serrano, una mujer casada desde los 13 años con Roque Fernandez, un hombre de negocios mucho más mayor que ella. Marta era una mujer de gran belleza y aunque Lope se había ordenado sacerdote recientemente, cayó rendido a sus pies.

Su relación fue polémica por la naturaleza de ambos (de “cura viejo” él y de joven casada ella) que se intensificó cuando tuvieron una hija, Antonia Clara, a la que tuvieron que inscribir como hija de Roque Fernández. Marta fue el último gran amor de Lope de Vega, a quien cuidó hasta que falleció en el año 1632, dejando al escritor sumido en una profunda tristeza. Fallecerá el poeta apenas tres años después.

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Ignacio Suárez Llanos, Sor Marcela de San Félix viendo pasar el entierro de su padre, Lope de Vega.1862. ( Foto: wikiwand.com)

LA VIVIENDA

En la actual calle Cervantes ( en la época Calle Francos), se encontraba la casa en la que vivió los últimos 25 años de su vida Lope de Vega. El escritor la compró por 9000 reales en el año 1610 como residencia para él y su familia.

Aunque a lo largo de estos más de cuatrocientos años de historia la vivienda ha sufrido muchas modificaciones todavía conserva en la actualidad algunas estructuras originales y ciertos aposentos en su ubicación inicial.

En el caso de las dependencias que no han podido documentarse pero que se conoce de su existencia se ha realizado un gran trabajo de investigación para poder recrear el ambiente original de la forma más exacta posible.

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Escalera de la Casa Museo de Lope de Vega. ( Foto: Parte del Arte)

La vivienda consta de planta baja, primera planta, una segunda planta abuhardillada y un jardín.

En la planta baja del edificio no se han encontrado evidencias suficientes para reproducir la distribución original de los aposentos. Se cree que, al igual que en otras viviendas similares de la época, en esta planta estaría el espacio para recibir visitas inesperadas, espacios pequeños probablemente para los hijos o invitados de paso, huéspedes o alguna criada y también la zona de la cocina.

Desde el centro de la escalera situada en el centro de la planta de entrada accedemos a la primera planta, donde existe un descansillo donde antes hubo un distribuidor de aposentos. En la primera crujía nos encontramos el estudio de Lope de Vega en el que podemos apreciar su escritorio, el recado de escribir y un gran número de libros que ponen de relieve la faceta más cultivada del escritor. De la pared cuelga el retrato de Lope, atribuido a Eugenio Cajés y pintado hacia 1627.

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Estudio del poeta en la Casa Museo de Lope de Vega. ( Fotos: Parte del Arte)

También en esta crujía se encuentra el estrado, estancia de uso femenino. Era el lugar donde las mujeres pasaban su tiempo cosiendo o recibiendo visitas. Está fielmente recreado con su brasero, sillas bajas, taburetes, bufetes, espejos y tapices.

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Estrado, Casa Museo de Lope de Vega. ( Foto: Parte del Arte)

En la segunda crujía se ubica la alcoba de Lope y el oratorio, que estaba ubicado en un lugar preferente de la vivienda y escogido de forma intencionada para que, en los días en los que el escritor no se encontraba bien de salud, pudiese, a través de una pequeña ventana, desde su cama, seguir el servicio religioso del oratorio celebrado por otro sacerdote.

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Alcoba de Lope, en la Casa Museo Lope de Vega. ( Foto: Parte del Arte)

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Imagen de San Isidro Labrador  perteneciente al retablo original de la casa en el Oratorio de la Casa Museo de Lope de Vega. ( Foto:Parte del Arte)

La tercera crujía, con fachada y vistas hacia el jardín, se encuentra el comedor, la cocina y la alcoba de las hijas de Lope.

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Comedor en la Casa Museo de Lope de Vega. ( Foto: Parte del Arte)

A continuación, subiendo de nuevo las escaleras, nos encontramos con el piso abuhardillado que aloja otras dependencias más pequeñas, entre las que se encuentra el cuarto de las criadas, alcobas y una recreación de los aposentos del Capitán Contreras, invitado en la casa de Lope durante ocho meses.

La casa de Lope contaba también  cuenta con un huerto y un jardín, dos de los espacios con más encanto de la vivienda, ya que el poeta le dedicó mucho tiempo, cuidando las flores y los árboles y dando largos paseos cada día por la mañana y al anochecer.

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Jardín de la Casa Museo Lope de Vega ( Foto: Casa Museo Lope de Vega)

A través de sus versos se ha podido conocer el aspecto que tenía el jardín y el huertecillo, donde siempre había jaulas para pájaros, que se cambiaban de ubicación según la estación para resguardar a la aves bien del frío excesivo del invierno del calor sofocante del verano.

También existen referencias a los árboles: naranjos, laureles, ciprés, una higuera y naranjos y a flores, las criaturas prferidas de Lope:  madreselva, tulipanes, claveles, azucenas, rosales, rosa mosqueta, jazmines, madreselva, tulipanes, lirios, que según las palabras del poeta “que dan hojas de espada”, violetas,jacintos, alelíes, tudescas que el autor afirma“que parecen llamas”, narcisos, jacintos, alelíes, jazmines valencianos …

En el huerto se cultivaban fresas, hierbas olorosas, alcachofas y espárragos.

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Detalle del Huerto de la Casa Museo Lope de Vega ( Foto: Visitando Madrid)

A la hora de llevar a cabo la rehabilitación de la casa y en su proyecto museográfico se ha tenido muy en cuenta el amor especial que Lope sentía por este espacio, intentando ser lo más respetuoso posible con respecto al jardín y huerto original. Se convierte así en un lugar en el que el ” Fénix de los ingenios” está más vivo que nunca.

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Detalle de uno de los bufetes de la Casa Museo Lope de Vega. ( Foto:Parte del Arte)

Si te ha parecido interesante este artículo recuerda que puedes acceder a más contenido y enterarte de las últimas novedades de Parte del Arte en nuestra web www.partedelarte.com y en nuestras Redes Sociales: Instagram, Facebook, Twitter y en nuestro canal de Youtube. Además, en nuestro blog publicamos un artículo semanalmente. Conecta con nosotras, te estamos esperando.

 

 

 

La reapertura del Museo del Prado: el Reencuentro

Ya estamos a las puertas de llegar a la ansiada fase dos y en Parte del Arte estamos preparándonos para ello. Esta nueva semana, clausuramos nuestro segundo ciclo de cursos on line pero os anunciamos que AMPLIAMOS todo el mes de julio todos nuestros cursos: Conoce Madrid, Exposiciones y Colecciones de Madrid y Grandes Momentos de la Historia. Abrimos plazo de inscripción desde el lunes 8 de junio hasta el viernes 12 de junio.Puedes ver todo el catálogo de cursos aquí.

Además, seguimos en contacto a través de nuestras Redes Sociales. Facebook, Twitter, Youtube e Instagram, donde continuamos cada día a partir de las 20.00h. con pequeños recorridos culturales por Madrid. Además, en nuestra web http://www.partedelarte.com podrás encontrar todas nuestras experiencias y podrás estar informado de todo. También con BaluArte, nuestro blog, te abrimos pequeñas ventanas a diferentes temas de actualidad sobre Madrid y sobre el contenido de nuestros cursos para que estés al día de todo.

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Estamos trabajando para ofrecerte nuevas experiencias que se ajusten a los nuevos tiempos y que garanticen la seguridad de todos.

No somos las únicas que nos adaptamos a los nuevos tiempos, ya que los museos e instituciones culturales de la ciudad también están preparando y ya se van incorporando de forma paulatina a esta “nueva normalidad”. Sin duda, el Museo del Prado, la pinacoteca española más importante, era una de las instituciones que con mayor empeño  ha preparado  su  reapertura, que se ha ido postergando en las últimas semanas para poder ofrecer todas las garantías sanitarias estipuladas por el Gobierno de España. El Prado que, junto a otros importantes museos estatales, ha reabierto el sábado 6 de julio, lo ha hecho con la inauguración de una exposición especial con la que ofrecer a los asistentes sus grandes tesoros de una forma muy particular.

VOLVER AL MUSEO DEL PRADO

Bajo el título de Reencuentro se ha establecido un recorrido reducido a las instalaciones del Prado con el fin de controlar mejor el aforo y garantizar las medidas sanitarias, pero garantizando también el disfrute del público y asegurando la visita a las obras más significativas.

La Galería Central es el lugar aglutinador y eje vertebrador que el museo ha establecido para su recorrido, un amplio espacio arquitectónico en el que la incidencia de la luz natural supone un factor imprescindible y en el que se podrá disfrutar de obras emblemáticas de la exposición, que se nos ofrecen de una forma diferente a la habitual pero en la que la esencia del Prado permanece muy reconocible. Las galerías adyacentes al espacio central también forman parte de la exposición.

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Acceso a la exposición “Reencuentro” en el Museo del Prado en su reapertura el sábado 6 de junio. ( Foto: Parte del Arte)

La muestra está compuesta por un total de 249 obras y aunque el criterio general suele ser el cronológico, dada la excepcionalidad y las circunstancias, el museo ha eliminado en algunas secciones la distribución tradicional de las obras por escuelas y ha establecido nuevos diálogos entre autores y obras de diferente procedencia geográfica haciando hincapié en interesantes aspectos como las influencias artísticas que ejercieron unos sobre otros, quiénes se admiraron y quiénes fueron rivales.

LAS GRANDES OBRAS

Las primeras obras pictóricas ya nos adelantan lo que nos vamos a encontrar. Se trata de dos pinturas icónicas, restauradas en tiempos recientes y que lucen en todo su esplendor: La Anunciación de Fra Angelico y el Descendimiento de Rogier van der Weyden, reunidas de forma sorprendente por primera vez en la historia del museo. Es el primero de una serie de interesantes diálogos entre artistas dispares, como es el caso de Goya y Rubens, que se ven las caras a través del tema mitológico que trataros ambos: Saturno devorando a sus hijos.

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La Anunciación. Fra Angelico. Hacia 1426. Museo Nacional del Prado ( Foto: Museo Nacional del Prado)

Además, una de las salas del museo, probablemente la más visitada, se ha engalanado de forma diferente para reencontrarse con el público. Se trata de la sala de Las Meninas, en la que se ha hecho una importante labor de investigación y reestructuración y se ha recuperado el aspecto que esta sala presentaba cuando el museo abrió sus puertas por primera vez hace doscientos años. De este modo, Las Meninas comparten espacio con los bufones de Velázquez y con Las Hilanderas. Eso si, esta vez podremos disfrutar de ellas sin las aglomeraciones habituales, ya que el número de visitantes diarios se establece en un tercio de la capacidad de ocupación de las salas.

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Las Meninas. Diego de Silva de Velázquez. 1656. Museo Nacional del Prado. ( Foto: Museo Nacional del Prado)

UN ITINERARIO PARA LA HISTORIA

La exposición está llena de sorpresas. Una de ellas, sin duda, es la que nos ofrece la escultura de Carlos V y el Furor, de Leone y Pompeo Leoni,  que por primera vez desde hace décadas aparecerá desprovista de su armadura, representado así al monarca desnudo, a la manera de un héroe clásico. Él será el encargado de de dar la bienvenida al visitante para conducirle hacia la Galería Central. En su antesala le esperan las ya mencionadas  La Anunciación de Fra Angelico y el Descendimiento de Rogier van der Weyden.

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La escultura de Carlos V y el furor de Leone y Pompeo Leoni, desprovista de su armadura por primera vez en décadas (1) Museo Nacional del Prado ( Foto: Museo Nacional del Prado)

 Se accede a continuación a un primer tramo de la gran galería (salas 25 y 26), que alberga obras de El Bosco, Patinir, Tiziano, Correggio, Rafael, Juan de Flandes, Veronés, Tintoretto y Guido Reni, por citar tan solo a algunos de los artistas italianos y flamencos de los siglos XVI y XVII aquí representados. Los retratos de Tiziano de los primeros Habsburgo, presididos por el archiconocido retrato ecuestre de Carlos V en Mülhberg, se mantendrán en el corazón de la Galería Central (sala 27) frente a dos de las Furias, encargadas de flanquear el acceso a la Sala XII.

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Acceso a la galería central dentro del recorrido de la exposición Reencuentro en el Museo Nacional del Prado. ( Foto: Parte del Arte)

La reunión por primera vez, desde al menos 1929, de Las Meninas y Las Hilanderas junto a todos los bufones de Velázquez, así como otros retratos y escenas religiosas supondrán, sin duda, uno de los momentos más emocionantes de toda la muestra. La parte final de la Galería (salas 28 y 29) acoge la pintura religiosa y mitológica de Rubens, mostrando además un magnífico guiño a Tiziano a través de su Dánae. Este espacio dota, además, a Las Lanzas de Velázquez de un nuevo contexto mediante su inclusión entre los retratos ecuestres de El duque de Lerma y El cardenal infante don Fernando.

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Dánae recibiendo la lluvia de oro. Tiziano Vecellio, 1560-1565. Museo Nacional del Prado. ( Foto: Museo del Prado)

En las salas del ala norte que flanquean la Galería (salas 8B, 9B y 10B), Ribera y el naturalismo español (junto a nombres fundamentales como Maíno y Zurbarán)  conviven con el europeo (protagonizado por Caravaggio y Latour), al igual que lo hacen Clara Peeters y los bodegonistas españoles coetáneos. Por otro lado, El Greco comparte estancia con Artemisia Gentileschi, pudiendo apreciar la labor de retratistas como Sánchez Coello, Sofonisba Anguissola y Antonio Moro reunida de manera muy orgánica.Bodegón con flores, copa de plata dorada, almendras, frutos secos, dulces, panecillos, vino y jarra de peltre

Bodegón con flores, copa de plata dorada, almendras, frutos secos, dulces, panecillos, vino y jarra de peltre. Clara Peeters, 1611. Museo Nacional del Prado. ( Foto: Museo Nacional del Prado)

La zona sur (sala 16B) acoge la obra de los maestros españoles de la segunda mitad del siglo XVII, con Murillo y Cano como principales protagonistas, a los que acompañan artistas contemporáneos de la escuela francesa, como Claudio de Lorena, y la flamenca, como Anton van Dyck.

Santa Isabel de Portugal

Santa Isabel de Portugal. Francisco de Zurbarán, 1635. Museo Nacional del Prado. ( Foto: Museo Nacional del Prado)

Un verdadero punto de fuga para la Galería Central converge en la sala 32 con La familia de Carlos IV y el 2 y el 3 de mayo de Goya, que se presentan en paredes enfrentadas. El genio aragonés, de quien se muestra también su actividad como retratista (salas 35 y 36), es vinculado a otros artistas del siglo XIX a través de su obra El perro semihundido.

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La familia de Carlos IV. Francisco de Goya, 1800. Museo Nacional del Prado. ( Foto:Museo Nacional del Prado)

NO SON TODAS LAS QUE ESTÁN

     Como las palabras, a veces se dice más con lo que se calla que con lo que se dice. Son, sin duda, muchas las grandes obras que se han tenido que quedar necesariamente fuera de esta muestra. Algunas de las obras maestras excluidas como centro de Reencuentro pueden verse en salas adyacentes, como las Bacanales de Tiziano o la Inmaculada de Tiépolo, despidiendo al espectador a la salida del Museo. Para algunos de los títulos más emblemáticos, como El jardín de las Delicias de El Bosco o la Judit de Rembrandt, se deberá esperar hasta mediados de septiembre, cuando se despida esta muestra y se regrese, según los planos previstos, a esa “nueva normalidad” también en el Prado…

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Tríptico de El Jardín de las delicias. Jheronimus van Aken, El Bosco, 1490-1500. Museo Nacional del Prado ( Foto: Museo Nacional del Prado)

En Parte del Arte estamos deseando pisar de nuevo contigo estas salas y las de todos los museos de Madrid y por ello estamos diseñando interesantes experiencias y propuestas para que nuestro regreso sea seguro. Si no te lo quieres perder suscríbete a nuestra nesletter y te avisaremos por correo de todas las novedades. Además, en nuestras Redes Sociales Facebook, TwitterInstagram  y Youtube también estaremos compartiendo contenido e información sobre todos nuestros próximos pasos.

¡Nos vemos en las redes! ¡Y muy pronto en los museos!

 

 

 

Julio Verne y su literatura visionaria

Ha llegado el buen tiempo, el confinamiento nos está dando un poco de tregua con el inicio de la desescalada y empezamos a ver la luz al final del túnel. En Parte del Arte continuamos con nuestros cursos on line y cada vez estamos más contentas de cómo los habéis recibido. Muchísimas gracias por la acogida y por el apoyo al proyecto Parte del Arte que nos hacéis llegar cada día con vuestros mensajes de aliento y vuestro interés por nuestros contenidos. Cada semana, además de en nuestros cursos, sentimos vuestro calor en los directos de Instagram, en los que tratamos diferentes temas artísticos y entrevistamos a colaboradores relacionados con la cultura. De verdad, mil gracias por estar ahí cada semana.

También queremos continuar compartiendo con vosotros en nuestro blog BaluArte algunos de los temas que tratamos cada semana en nuestros cursos on line : Conoce Madrid, Exposiciones y Colecciones de Madrid, Grandes Momentos de la Historia y Descubriendo la ópera.

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Equipo Parte del Arte ( de izquierda a derecha: Laura, Natalia, Esther e Isabel)

Hoy os hablamos de un tema fascinante que hemos tratado en nuestro curso Grandes Momentos de la Historia: la literatura de Julio Verne y cómo a través de sus libros de viajes y aventuras se convirtió en un verdadero visionario de lo que el progreso nos iba a ofrecer. Un autor cuya huella en la literatura y en el cine sigue todavía muy marcada en el pleno siglo XXI.

¡Acompáñanos!

JULIO VERNE. UN HOMBRE DE SU ÉPOCA.

Julio Verne vivió entre finales del siglo XIX y principios del siglo XX, una época de grandes cambios y transformaciones que afectaron a todos los ámbitos de la sociedad. Se produce, al abrigo de la Revolución Industrial, un desarrollo tecnológico sin precedentes el mundo científico, la medicina, los medios de transporte…La sociedad estaba aprendiendo a ver el mundo con nuevos ojos, y Verne es uno de esos hombres que se empaparon de todo ese conocimiento, convirtiéndolo en el eje central de su obra.

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Retrato fotográfico de Julio Verne, realizado por el fotógrafo Nadar (Foto: www.nationalgeographic.com)

Julio Verne no lo tuvo nada fácil. Nació en 1828 en una familia con una larga tradición de abogados, que sus padres se empeñaban en mantener. A pesar de que él sentía más interés por la observación de la naturaleza, la geografía y la ciencia, no le quedó otro remedio que ir a París a estudiar la carrera de Derecho, eso sí, con una asignación económica muy ajustada por parte de sus padres, que conociendo a su hijo, querían evitarle distracciones. Sin embargo, Verne lo tenía muy claro y aunque finalizó sus estudios de Derecho, les comunicó a sus padres que no tenía intención de ejercer como abogado, lo que supuso la retirada de su estipendio familiar. Comienza una etapa de dificultades para el joven Verne, que superó cuando en 1863 publica Cinco semanas en globo, su primera novela de viajes y aventuras que tuvo un gran éxito y que le permitió vivir el resto de su vida de su literatura.

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Portada de Cinco semanas en globo. ( Foto: www.laestanteriadeloslibros.blogspot.es)

AMIGOS INFLUYENTES

Durante su juventud en París, Julio Verne tiene la oportunidad de conocer a varios personajes, que terminarán convirtiéndose en amigos y que fueron decisivos en su carrera, como Alejandro Dumas, a quien conoció en su época universitaria.

El año 1860 supone un punto de inflexión para Verne en este sentido, ya que conoce a Gaspar Félix Tournachon, más conocido como Nadar, fotógrafo decisivo en esta época, y un gran admirador de la tecnología de su tiempo, especialmente de los globos aerostáticos. Muy vinculado con algunos de los artistas del Impresionismo, Nadar fue uno de los primeros fotógrafos que fotografió la ciudad de París desde las alturas, precisamente desde un globo aerostático, una gran hazaña teniendo en cuenta que los equipos fotográficos de la época exigían largos tiempos de exposición estática.

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Caritactura de Nadar haciendo fotograías desde un globo aerostático. Honoré Daumier.1869. (Foto: www.sicalipsisnow.blogspot.com)

Fue precisamente Nadar quien le presentó a Pierre- Jules Hetzel, quien será su editor y uno de sus inseparables amigos.

EL FUROR POR LOS VIAJES. JULIO VERNE Y LOS AVENTUREROS

Una de las pasiones de Julio Verne fue la geografía y el mundo de los viajes, algo que se ve especialmente reflejado en su serie de novelas conocidas como “Viajes Extraordinarios”. Con esta denominación se engloban todos los libros de aventuras publicados por Verne desde 1863 con la publicación de Cinco semanas en globo, hasta La impresionante aventura de la misión Barsac, publicada en 1918, trece años después del fallecimiento de Verne. Con estas novelas Verne pretendía despertar y formar el espíritu científico tanto en el lector consagrado como en el público juvenil.

En estas novelas, en las que Verne mezcla una imaginación desbordante con precisas descripciones y localizaciones geográficas muy bien documentadas, el protagonista o protagonistas se embarcan en increíbles aventuras de las que el lector es también partícipe.

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Albert Robida. Carte des Voyages très Extraordinaires, Paris 1879. (Foto: www.agenciasinc.es)

En estos viajes no faltan los artilugios, medios de transporte e inventos más modernos de su época y algunos que anticipan el futuro, convirtiéndole así en un visionario de la tecnología. Sus obras inspiraron a infinidad de aventureros que quisieron llevar a cabo todas esas hazañas de los protagonistas de las novelas de Julio Verne, consiguiendo que la realidad superase la ficción. Conozcamos a algunos de ellos.

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En Cinco semanas en globo, Julio Verne nos cuenta la historia de Samuel Ferggusson, un sabio explorador inglés que, acompañado de su criado y su amigo deciden atravesar el continente africano, que hasta ese momento era conocido sólo parcialmente, usando un globo hinchado con hidrógeno, un dispositivo de su invención que permitía subir o bajar a voluntad sin perder gas o echar lastre en busca de corrientes favorables.

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Fotogramas de la película “Cinco semanas en globo”, estrenada en 1962 y dirigida por Irwin Allen. ( Foto: www.jverne.net)

Lo que no sabía Julio Verne al escribir esta historia, que uno de sus jóvenes lectores, un joven asturiano, se iba a inspirar en su novela para realizar una hazaña similar. Se trata de Jesús Fernández Duro, ingeniero mecánico que se convirtió, entre muchas otras hazañas, en el primer hombre en cruzar los Pirineos en globo, logro por el cual fue nombrado Caballero de la Legión de Honor Francesa y por el que ganó La Copa de los Pirineos.

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Jesús Fernández Duro en su globo, el Alcotán. ( Foto: www.lne.es)

El gran reto de la Vuelta al mundo

Una de las novelas más famosas y que más trascendencia ha tenido dentro del universo verniano es La vuelta al mundo en 80 días, publicada en 1872. En ella, Verne recoge la revolución de los medios de trasporte que se estaba produciendo en esos momentos en la historia de Phileas Fogg, un caballero inglés que se apuesta con sus amigos la mitad de su fortuna a que es capaz de dar la vuelta al mundo con todos los medios de transporte existentes hasta el momento en tan solo 80 días, un reto que quisieron llevar a cabo muchos aventureros de carne y hueso tras la publicación de la novela.

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Mapa de La vuelta al mundo en 80 días, realizado por Aventuras Literarias ( Foto: www.nationalgeografic.com)

Algunos de estos exploradores llegaron inlcuso a superar el reto. Es el caso de la intrépida periodista americana Nelly Bly, que decidió emprender esta aventura y realizarla en el tiempo récord de 72 días.

 

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Nellie Bly con la indumentaria con la que comenzó su aventura. (Foto: www.publico.es)

Pasión por el mar.Veinte mil leguas de Viaje submarino

Aunque son varias las novelas que giran en torno al mar, como Los hijos del Capitán Grant, es sin duda Veinte mil leguas de viaje submarino su creación más emblemática.

La obra se publicó en dos partes en 1869 y 1870 y nos cuenta la historia del profesor francés Pierre Aronaxx, notable biólogo que es hecho prisionero por el capitán Nemo y es conducido por los océanos a bordo del submarino Nautilus, en compañía de su criado y un arponero, con quienes había acudido en busca de una criatura marina, un extraño cetáceo, que había causado la desaparición  misteriosa de varias embarcaciones.

La novela destaca por una descripción meticulosa de los paisajes submarinos y la infinidad de animales y seres del fondo marino que aparecen y que han alimentado las numerosas versiones cinematográficas de la historia.

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Cartel  para la película Veinte mil leguas de viaje submarino, estrenada en 1952 y dirigida por Walt Diseny ( Foto:www.wall.alphacoders.com)

Poco tiempo tuvieron que esperar los admiradores de la obra de Verne para ver hecho realidad uno de los sueños que planteaba esta aventura: viajar en submarino. En 1885 por fin se logró conseguir la solución a la navegación submarina, algo que había obsesionado a numerosos ingenieros de la época. El responsable de este mérito fue el militar e ingeniero español Isaac Peral, realizándose la botadura de su creación en el año 1888 en Cádiz.

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El submarino de Isaac Peral en el Puerto de Cádiz a punto de sumergirse. ( Foto:  www.submarinos.net

Las novelas heladas de Julio Verne. La realidad supera la ficción

En la época en la que vivió Julio Verne, los polos representaban el límite entre lo conocido y lo desconocido y fascinaban a muchos de sus lectores. Este interés, que se extiende a su época, queda plasmado en algunas de sus novelas, como es el caso de La esfinge de los hielos y Las aventuras del Capitán Hatteras. En ellas se recogen aventuras por tierras congeladas que Verne imaginó pero que se terminarían materializando poco tiempo después por parte de algunos intrépidos aventureros. Una vez más, el escritor nos ofrece su espíritu más visionario.

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Ilustración de Las aventuras del Capitán Hatteras. (Foto: www.gutemberg.org)

Dentro de estos aventureros destaca la figura de Sir Ernest Shackleton, un verdadero “capitán Hatteras de carne y hueso”. Tras varias expediciones fallidas, en el año 1909 logra, junto con sus compañeros, llegar al punto más al sur de la Antártida, un lugar que nunca había sido explorado por el ser humano. Gracias a esta hazaña el rey Eduardo VII le dio el título de “Sir”. El éxito de esta misión le animó a emprender una nueva aventura: cruzar el continente helado de punta a punta pasando a través del polo. Esta misión, fue bautizada como Expedición Imperial Trans- Antártica y que tuvo lugar entre 1914 y 1917, se vio truncada cuando su barco se quedó atrapado en una banquisa de hielo que lo fue aplastando lentamente y lo acabó hundiendo.

Los exploradores estuvieron aislados más de dos años, pero gracias a la habilidad de Shackleton consiguieron ser rescatados y volvieron todos con vida, por lo que el explorador fue considerado un verdadero héroe.

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El “Endurance”, embarcación de la expedición, atrapado en el hielo. ( Foto: www. irreductible.naukas.com)

Aunque estos son algunos de ejemplos, las novelas de Julio Verne están plagadas de referencias a eventos y acontecimientos que con el tiempo llegaron a hacerse realidad, como por ejemplo la llegada del hombre a la Luna, que Verne describe con algunos detalles de parecido asombroso con la llegada real del hombre en 1969, el helicóptero, las armas de destrucción masiva o el ascensor.

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MADRID, MUSA DE GALDÓS

En Parte del Arte seguimos trabajando sin pausa, desde casa, para que sigas en conexión con el arte y la cultura. En estos tiempos difíciles y de incertidumbre ante el futuro, nuestro trabajo y nuestra misión cobran más sentido que nunca. A través del arte nos distraemos, nos liberamos y nos llenamos de energía y entusiasmo. Por ello, no podemos ni queremos privarte de todos esos beneficios que nos aporta la cultura y hemos diseñado nuestros cursos on line, en los que te puedes matricular desde el 1 hasta el 10 de abril, y que tendrán lugar del día 20 de abril hasta el 15 de mayo. Los cursos de los que puedes disfrutar son nuestros clásicos: Conoce Madrid, Exposiciones y Colecciones de Madrid, Grandes Momentos de la Historia y Descubriendo la ópera.

Además, cada semana en BaluArte os ofrecemos un pequeño artículo para que también de forma libre y gratuita puedas seguir disfrutando de algunos de nuestros contenidos.

Esta semana os traemos un tema muy especial que tiene que ver con una de las efemérides culturales más importantes de este 2020, el centenario del fallecimiento de Benito Pérez Galdós, una figura imprescindible de la historia de la literatura en España y muy especialmente en Madrid.

UN CANARIO MADRILEÑO

Benito Pérez Galdós nació en las Palmas de Gran Canaria en 1843 y fue el décimo de  hijo de sus padres. Su padre, Sebastián Pérez fue coronel del ejército y uno de los  héroes de la Guerra de la Independencia, y su madre, Dolores Galdós, una mujer de muy fuerte carácter, según la describía el escritor.

El pequeño Galdós creció en Gran Canaria entre los relatos históricos de la Guerra de la Independencia a los que le aficionó su padre y la afición a las artes que le inculcaron sus numerosos hermanos.

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El joven Galdós, hacia 1863

En su adolescencia llega al entorno familiar su prima Sisita, con la que mantendría un pequeño romance que su madre, haciendo gala de su fuerte temperamento, decidió cortar enseguida. Es el momento en el que, con 19 años, Galdós llega a Madrid para estudiar Derecho por decisión paterna.

Es el inicio de una historia de amor. Galdós se va a convertir con el paso del tiempo en un gran conocedor de Madrid y va a convertir la ciudad en la gran protagonista de sus obras. Crónicas, novelas, obras de teatro….llenas de minuciosas descripciones de cómo era ese Madrid finisecular, sus habitantes, su realidad social. Galdós es un canario en madrileño, que reflejó como nadie su época.

HUELLAS DE GALDÓS EN MADRID

Leer las obras de Galdós es sumergirse de lleno en un Madrid lleno de detalles y matices, y pasear por algunas zonas de la ciudad nos hace viajar y rememorar aquellos pasajes de sus obras porque el Madrid galdosiano está más vivo que nunca.

Uno de los homenajes recientes más bonitos que la ciudad le rinde a Galdós es el que se encuentra en la Calle de la Sal, muy próxima a la Plaza Mayor, y lugar descrito a la perfección por el escritor en su novela Fortunata y Jacinta.

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Pintra mural homenaje a Galdós de Antonio Mingote cerca de la Plaza Mayor de Madrid

En una de las fachadas de esta calle nos encontramos unas pinturas murales muy especiales. Fueron realizadas por el gran dibujante Antonio Mingote en el año 2001 y nos muestran, a modo de trampantojo un balcón en el que, en el primer piso, podemos ver a Benito Pérez Galdós con las dos mujeres de su novela más conocida, Fortunata y Jacinta y junto al galán de ambas, Juanito Santa Cruz.

LA TERTULIA DE LOS CANARIOS. EL CAFÉ UNIVERSAL

En la época de Galdós gran parte de la vida de la ciudad se vivía en los cafés. Eran verdaderos centros de de la vida cultural y política en el siglo XIX y buena parte del siglo XX. En ellos uno podía enterarse de los acontecimientos más actuales, escuhar todo tipo de chismes y rumores e incluso asistir a alguna conspiración política.

Galdós fue un asiduo a los cafés, aunque había uno preferido por el escritor por encima de los demás. Se trata del Café Universal, que se encontraba en la zona de la Puerta del Sol. Este café llamaba la atención por sus famosos espejos enfrentados que generaban un efecto óptico sorprendente para la época. También tenía una interesante decoración pictórica con motivos italianizantes y un gran salón con una escalera de caracol que subía al entresuelo donde se encontraban los comedores privados, mesas de tresillo y de billar…

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Fachada del antiguo Café Universal en 1938. (Foto: Martín Santos Yubero)

En este café se reunía Galdós con sus colegas en la llamada “tertulia de los canarios”, donde Galdós aprendió  todo lo referente a la actualidad madrileña.  Esta afición a los cafés se ve perfectamente reflejada en sus obras: “El café es como una gran feria en la cual se cambian infinitos productos del pensamiento humano”, escribía Galdós en el primer capítulo de la tercera parte de su célebre obra Fortunata y Jacinta.

LA FONTANA DE ORO

La primera novela de Benito Pérez Galdós también lleva nombre de un café: La Fontana de Oro, situado muy cerca de la Puerta del Sol. Este establecimiento fue lugar de reunión de artistas y tribuna oratoria para políticos liberales.

Galdós publica su novela La Fontana de Oro en 1870. La acción transcurre en la ciudad de Madrid durante los años del Trienio Constitucional (1820 – 1823).  Galdós narra  acontecimientos como el levantamiento del general Riego y la posterior llegada a Madrid el 24 de mayo de 1823 de los Cien Mil Hijos de San Luis para restablecer la monarquía de Fernando VII.

Todos estos acontecimientos sirven de telón de fondo a una trama sentimental que nos cuenta la  pasión amorosa entre Lázaro, joven romántico y liberal, y Clara, huérfana en casa de un tío de ideología absolutista y carácter intransigente.

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Fachada actual de La Fontana de Oro ( Foto: Un sereno transitando la ciudad )

Después de haber pasado por diferentes manos, el local sigue en pie, aunque reconvertido en un pub de estilo irlandés que nada nos recuerda a la estética que pudo tener en la época de Galdós.

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Placa junto a la fachada de La Fontana de Oro ( Foto: Antonello Dellanotte )

UN LUGAR PARA EL RECUERDO. LA LIBRERÍA PÉREZ GALDÓS

En la Calle Hortaleza se encuentra ubicado un lugar que sigue manteniendo más vivo que nunca el espíritu del escritor. Se trata de la librería “Pérez Galdós”.

Galdós murió en enero de 1920 y la pasión por los libros continuió con sus herederos. En  1942, su hija y yerno montaron una librería en la calle Hortaleza, lugar donde su padre había abierto años antes su editorial. Su nombre, como no podía ser de otro modo es Librería Pérez Galdós. Se trata de un establecimiento muy especial, ya que conserva los rótulos de madera originales, el mostrador y las estanterías. Sus propietarios actuales se las compraron hace 30 años al nieto de Benito Pérez Galdós, de nombre Benito Pérez Verde, justo cuando pensaba jubilarse y dejar el negocio.

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Detalle de la fachada de la Librería Pérez Galdós

Un lugar que nos recuerda que aunque Galdós nos dejó hace 100 años, su espíritu está más vivo que nunca en su querida Madrid.

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Benito Pérez Galdós hacia el final de su vida en una foto sin datar

¿ Te has quedado con ganas de más? Pues en Parte del Arte te lo ponemos muy fácil, ya que puedes apuntarte hasta el 10 de abril a nuestro curso on line Conoce Madrid, en el que realizaremos toda una ruta virtual por el Madrid Galdosiano, descubriendo muchos más rincones y conociendo pasajes de sus obras.

También seguimos en plazo de matriculación hasta el 10 de abril para todos nuestros cursos habituales de forma on line:Exposiciones y Colecciones de Madrid, Grandes Momentos de la Historia y Descubriendo la ópera. Mándanos un mail a: info@partedelarte.es o llama al 645438576 y reserva tu plaza. Tienes toda la información pinchando aquí.

¡Te esperamos!

#LaCulturaResiste

 

DAVID DELFÍN. EL DISEÑADOR DEL NUEVO MILENIO

En Parte del Arte seguimos adelante. El tiempo de cuarentena se está alargando mucho más de lo que todos deseamos pero es momento de continuar con nuestra misión de acercarte y hacerte sentir el arte y la cultura. Por ello, adaptándonos a las circunstancias y con tantos medios digitales que existen a nuestro alcance, hemos decidido crear una oferta de cursos on line en la que continuar impartiendo nuestros cursos:Conoce Madrid, Exposiciones y Colecciones de Madrid, Grandes Momentos de la Historia y Descubriendo la ópera. De esta manera, podrás seguir disfrutando de nuestras experiencias pero sin moverte de tu casa. Tienes toda la información sobre los cursos on line pinchando aquí.

También seguiremos acercando la cultura de forma gratuita a través de nuestros directos en Instagram cada lunes y viernes a las 17.00, en los que te invitamos a charlar con nosotras y nuestros invitados del mundo del arte sobre diferentes temas, y ¿cómo no?, a través de nuestro blog BaluArte, en el que cada semana os hablamos de un tema cultural de actualidad o de alguna exposición temporal.

Por ello hoy os hablamos de una de las muestras programadas para este mes, la dedicada al diseñador David Delfín, organizada por  la Comunidad de Madrid a través de la Consejería de Cultura y Turismo en un lugar muy especial.

DE DEPÓSITO DE AGUA A SALA DE EXPOSICIONES

El edificio que alberga la exposición fue construido entre 1907 y 1911 por el ingeniero Diego Martín Montalvo como primer depósito elevado de agua de Madrid. Se trata de una construcción de estilo ecléctico y carácter industrial que destaca por su exterior de ladrillo, su planta circular, sus contrafuertes en talud y su cubierta metálica rebajada.

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Exterior del edificio del antiguo depósito de agua construido por Diego Martín Montalvo

El edificio fue restaurado en 1986 y acondicionado como sala de exposiciones, gestionada por la Subdirección General de Bellas Artes de la Comunidad de Madrid junto a la Sala Alcalá 31 y la Sala Arte Joven. Normalmente las exposiciones que podemos encontrar en este espacio se centran en la creación fotográfica y audiovisual contemporánea pero también, anualmente, coincidiendo con la Madrid Fashion Week se realiza una muestra de un gran maestro de diseño de moda.

Este año le ha llegado el turno al siempre controvertido David Delfín, a través de una exposición que se articula en torno a su trayectoria como artista y diseñador.

DAVID DELFÍN. MUCHO MÁS QUE UN DISEÑADOR DE MODA

Diego David Domínguez González (Ronda, 1970 – Madrid, 2017), más conocido como David Delfín, es uno de los máximos representantes de una nueva generación de jóvenes artistas y creadores que irrumpieron con la entrada del nuevo milenio y que concibieron la moda desde un punto de vista multidisciplinar.

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David Delfín en la presentación de su última colección en 2016

El malagueño comenzó su andadura como pintor. Es en 1999 cuando comienza a experimentar y a fusionar la pintura con el diseño de moda, aplicándola a prendas militares de segunda mano. Así es como en 2001, junto con Gorka Postigo y Bimba Bosé decide crear la firma Daviddelfín, una marca que construyó a partir de la influencia de discursos artísticos y su propia caligrafía escrita con la mano izquierda para  crear logos. La marca giraba en torno a un concepto que actuaba “como metáfora de la unión de las inquietudes del grupo, un proyecto multidisciplinar donde moda, fotografía, arquitectura y vídeo conviven desde entonces”.
El interés por el proyecto crecía por encima de sus posibilidades, y ya en 2002 tuvieron que contratar a una modista y un patronista. Estaban a punto de desfilar en Cibeles por
primera vez.

SANS TITRE

Sans Titre es el nombre de su primera colección, que vio la luz en 1999 que no estuvo planteada como una colección de moda al uso, sino como un ejercicio pictórico en busca de nuevos soportes y como un homenaje latente a Joseph Beuys, a través de camisetas desgarradas o cruces de fieltro rojo.  Esta “colección” fue sólo el comienzo de una relación muy fructífera entre diseño y creación plástica: referencias surrealistas más o menos explícitas (capuchas magritianas, hormigas e incorporación de aparentes objetos encontrados, inesperados) serán posteriormente muy habituales en su trayectoria.

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Prendas de la colección Sans Titre en la exposición

COUR DES MIRACLES

En el año 2002 David llegaba por primera vez a la pasarela de Cibeles con Cour de Miracles la que sería la primera gran colección, así como polémica del diseñador.

David empezó fuerte y de forma muy transgresora. Tanto, que varios periodistas se salieron del desfile al vislumbrar sus rompedoras propuestas, aunque la mayor parte del público le aplaudió. El desfile se convirtió en todo un escándalo, recibiendo duras críticas por parte de la sociedad y de algunos sectores políticos. Los reproches se centraban en el hecho de que Delfín cubrió el rostro de las modelos de sacos de tela y colocado una soga al cuello a Bimba, que participó en el show.

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Vestidos de la colección Cour de Miracles en la exposición

Esta puesta en escena se comparó en muchos medios de comunicación con el burka islámico y la violencia de género. Pero en realidad, su inspiración y las referencias de David Delfín tenían que ver con aspectos más profundos relacionados con la historia del arte. Se trata, en definitiva, de un homenaje al famoso cuadro de René Magritte Los amantes, y las hormigas estampadas que correteaban por algunos vestidos eran un guiño al film surrealista de Luis Buñuel Un perro andaluz.

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Los amantes. René Magritte, el cuadro en el que se inspira David Delfín para la colección Cour de Miracles

EL TIEMPO DE LOS MONSTRUOS. DAVID DELFÍN Y BIMBA BOSÉ

Grandes amigos y socios, David Delfín y Bimba Bosé se conocieron por casualidad en 1996 en la barra de un bar y desde entonces fueron inseparables. Bimba se convirtió en su musa y desfiló para él en numerosas ocasiones.

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David Delfín y Bimba Bosé 

En el año 2015, David Delfín presentó su colección El tiempo de los monstruos, en la que hacía referencia a la película de Félix Sabroso y como guiño y homenaje a Dunia Ayuso. En la colección encontramos depuradas geometrías y juegos de volantes y lunares, como resultado de una divertida mezcla de la Bauhaus combinada con el estilo Memphis, muy recurrente en sus últimas temporadas.

En esta colección  David Delfín convirtió a Bimba Bosé en uno de sus monstruos, coloreando de azul sus orejas y cubriendo su cuerpo con un explosivo vestido en verde hierba. Sin duda, una de las grandes joyas de todas sus colecciones.

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Bimba Bosé en el desfile de El tiempo de los monstruos

DAFO

Dafo fue el nombre que recibió una de las colecciones más emblemáticas de David Delfín, la de primavera-verano de 2007. Se trata de una colección prácticamente distinción de género. Algunas de sus propuestas dejaban ver un aire masculino en ellas y más femenino en ellos, dando una vuelta de tuerca a los convencionalismos tradicionales de la vestimenta.

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Escena del desfile de la colección Dafo

Uno de los sellos de David Delfín que podemos ver en muchas de las prendas de esta colección son los detalles, que nunca pasaron desapercibidos, como las famosas letras en los vestidos, que se transformaron en frases. Este detalle cautivó a muchos famosos, que empezaron a dejarse ver en eventos públicos y alfombras rojas con esta indumentaria.
Algo que a los famosos les encantó y de ahí que de dejaran ver en varios eventos públicos y alfombras rojas.

DÉMÉNAGEMENT

Otra de las colecciones más interesantes de David Delfín es la llamada Démenagement, que presentó para el otoño-invierno de 2007/2008.La mudanza (Déménagement) fue la fuente de inspiración en una nueva colección. El modisto no se refería a la mudanza como transporte sino entendiéndola como evolución, cambio. Por eso, se decantó por una línea austera en la que evitó los adornos superfluos y destacando las formas minimalistas. David Delfín presentó a sus modelos con mobiliarios de mimbre que jugaban el papel del complemento. Sillas a modo de peineta, taburetes de mochilas y tiras de mimbre sobre la cabeza.

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Vestido de la colección Déménagement

MISSING

Missing es probablemente la colección más personal de David Delfín en el otoño-invierno de 2013-2014. Fue un homenaje a su perrita, que falleció mientras se preparaba la colección. Tras quince años juntos, decidió recordarla a través de unas referencias a “Alicia en el País de las Maravillas” . Por eso las prendas destacan con colores blancos con rosas. Pero, para cerrar el desfile, Bimba, su musa, aparecía y vestida de negro para simbolizar el luto por el que estaba pasando el diseñador.

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Algunos diseños de la colección Missing

EL ÚLTIMO DESFILE

Su última propuesta propuesta para el otoño-invierno de 2016 estuvo basada en una colección que reivindicaba el forofismo hacia un mismo como una relación eterna de amor. Fue su bufanda la que lideró el desfile y la que acabó convirtiéndose en la estrella de la colección. El destino hizo que la última vez que David Delfín se subió a una pasarela fuera para Bimba Bosé también su último desfile.

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Bimba Bosé en el último desfile de David Delfín en 2016.

Lo compartieron todo a lo largo de su vida, hasta enfermedad y año de fallecimiento, muriendo los dos en el año 2017 con cinco meses de diferencia, dejando ambos una huella imborrable en el mundo de la moda.

¿Te ha gustado? Cuéntanos qué te parece en los comentarios.

y ¡recuerda! en  Parte del Arte  comenzamos nuestra oferta de cursos on line en la que encontrarás todos nuestros cursos:  Conoce MadridExposiciones y Colecciones de MadridGrandes Momentos de la Historia y Descubriendo la Ópera. Además, seguiremos compartiendo contenido artístico y noticias interesantes en nuestras Redes Sociales, así que no dudes en seguirnos en: FacebookTwitter y en Instagram (@parte_del_arte) donde cada lunes y viernes a las 17.00h nos conectamos en directo para hablar de diferentes temas de una forma distendida y amena.

¡Te esperamos!

 

 

“LOS IRASCIBLES”. REBELIÓN ARTÍSTICA EN LA FUNDACIÓN JUAN MARCH

Son tiempos difíciles y en Parte del Arte lo sabemos muy bien. Como muchos de vosotros sabéis, dada la actual situación de emergencia sanitaria que estamos viviendo hemos tenido que suspender nuestra actividad habitual de cursos, visitas guiadas y experiencias culturales en Madrid.

No obstante, somos chicas optimistas y de esta incertidumbre hemos sacado algo bueno, y es que nos hemos dado cuenta de que disponemos de muchos recursos que nos permiten continuar con nuestra misión: acercarte el arte y la cultura de una forma rigurosa, amena y multidisciplinar para que puedas disfrutar con los cinco sentidos. Uno de estos recursos es precisamente este blog, BaluArte, en el que estaremos más activas que nunca compartiendo con vosotros contenido sobre la actualidad artística de Madrid. Así, entre todos, conseguiremos que la cultura resista a esta terrible crisis. ¿Nos ayudas?

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El equipo de Parte del Arte, formado por las historiadoras del arte ( de izquierda a derecha) Isabel Cámara, Laura de la Faya,  Esther Arce y Natalia Nuñez (directora)

Hoy en BaluArte os hablamos de la extraordinaria exposición que albergan las ahora cerradas salas de la Fundación Juan March de Madrid dedicada a uno de los hitos de la pintura del siglo XX, el expresionismo abstracto y sus protagonistas, los pintores de la Escuela de Nueva York. Hoy, te proponemos una visita virtual por esta exposición que lleva por título: Los Irascibles: Pintores contra el museo, así que ponte cómod@ y ¡sigue leyendo!

LA REBELDÍA DE LOS PINTORES NORTEAMERICANOS

La exposición nos cuenta una historia que, aunque parece anecdótica, terminó convirtiéndose en uno de los hitos más importantes de la historia del arte del siglo XX. Es la historia de una protesta, de un acto de rebeldía protagonizada por dieciocho artistas de la Escuela de Nueva York contra una exposición  que llevaba por título American Painting Today: 1950, que presentaba el Metropolitan Museum of Art.

Muchos de estos artistas, a pesar de que ahora nos resultan imprescindibles para entender la pintura norteamericana de este periodo, no se encontraban representados en esta exposición, ya que la muestra escogió una serie de artistas que representaban un gusto que tendía hacia el pasado y sus técnicas figurativas. Defensores del expresionismo abstracto americano, su inconformidad ante esta situación fue congelada a través de una icónica fotografía que es el punto de partida de esta exposición. Al reunir a todos estos artistas, tanto a los que tuvieron una carrera exitosa como a los menos conocidos y apenas expuestos fuera de los Estados Unidos, esta muestra ofrece al público un conocimiento más completo de uno de los grupos de artistas con mayor relevancia de la mitad del siglo XX.

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Hedda Sterne, NY, NY No. X , 1948
Tate, Londres. Donación de Clara Diament Sujo, 2012 
© Hedda Sterne, VEGAP, Madrid, 2019

 

MUCHO MÁS QUE UNA FOTOGRAFÍA: EL RETRATO DE LA MODERNIDAD

La fotografía con la que comienza la exposición es mucho más que una imagen en la que podemos reconocer a varios artistas de este periodo. Se trata de un documento gráfico que nos revela un acontecimiento mucho más importante en la historia del arte, el comienzo de una revolución pictórica fundamental.

La historia comienza en 1950 cuando en Nueva York se organiza la famosa exposición American Painting Today: 1950. Las obras elegidas para esta muestra eran elegidas por un jurado de convicciones convencionales que no quería arriesgarse y que escogió artistas y obras convencionales, las obras típicas “de museo” (pintura figurativa fundamentalmente). Por lo tanto, los artistas expresionistas abstractos, que ya se movían con firmeza en los círculos vanguardistas, quedaron excluidos de la muestra.

Por ello, decidieron echarle un pulso al Metropolitan con una carta contra el jurado, que se publicó en el New York Times, teniendo cierta repercusión en muchos otros medios de comunicación del momento.

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Los irascibles, fotografía de Nina Leen publicada en la revista Life el 15 de enero de 1951. © Nina Leen/The LIFE Picture Collection vía Getty Images

En enero de 1951 será la revista Life donde la protesta alcanza su máxima dimensión con la publicación de la fotografía de la mayor parte del grupo (excepto tres miembros) en una fotografía tomada por Nina Leen, que ya llevaba tiempo trabajando para la revista. No es una foto espontánea, sino que se negociaron todos los detalles: se evitó que estos autores posaran portando sus obras (evitando que fuesen considerados artesanos) o en las propias escaleras del MET (como si no tuvieran derecho a mostrar su producción en sus salas). La imagen se tomaría en un aséptico estudio propiedad de la revista, y las poses de los quince pintores retratados fueron libres: Leen evitó darles indicaciones temiendo que se echaran atrás.

De la docena de fotografías que Leen tomó, en Life eligieron aquella en la que los artistas se mostraban más serios, con aspecto de enfadados, y la obra se convertiría en icono: en retrato extraoficial de la Escuela de Nueva York, aunque algunos de sus miembros no aparezcan.

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1.Baziotes/ 2.Brooks/ 3.De Kooning/ 4.Ernst/ 5.Gottlieb/6.Motherwell/7.Newman/8.Pollock/ 9.Pousette-Dart/10.Reinhardt/11.Rothko/12.Stamos/13.Sterne/ 14.Still/15.Tomlin

Un dato curioso es que sólo aparece en el grupo una mujer, la artista de origen rumano y esposa de Saul Steinberg, Hedda Sterne, que había llegado a Nueva York en 1941. La propia artista lamentó más tarde ser recordada sólo gracias a esta imagen y no a sus setenta años de trayectoria artística. En la imagen se la ve en la parte de atrás de pie sobre una mesa. En sus propias palabras sobre este momento: “Todos estaban muy furiosos porque yo estaba allí porque todos eran lo suficientemente machos como para pensar que la presencia de una mujer le quitaba la seriedad.” (Entrevista con Phyllis Tuchman , 1981.)

LA CARTA: LA REIVINDICACIÓN DE “LOS IRASCIBLES”

El artista Adolph Gottlieb fue el encargado de redactar la carta de protesta, que iba dirigida  a Roland L. Redmon, presidente del Metropolitan de Nueva York. Le llevo tres semanas, en las que consultó a otros artistas por correo y por teléfono hasta que por fin consiguió una versión definitiva que se envió a los dieciocho artistas de forma individual para que la firmasen.

El domingo 21 de mayo de 1950 el artista Barnett Newman llevó esta eclaración firmada al editor de la revista New York Times, y apareció en la portada de la famosa publicación el 22 de mayo. Newman le dijo al Times que criticaban la membresia de los cinco juardos regionales que formaban parte de la muestra y se opusieron especialmente al jurado de la propia ciudad de Nueva York por no haberles tenido en cuenta como corriente artística fundamental del arte actual. Comparaban su situación a la de los Impresionistas, cuando fueron rechazados de los Salones oficiales y se vieron obligados a exponer sus obras de forma independiente.

La repercusión de la carta no se hizo esperar y enseguida llegó la primera respuesta, publicada el 23 de mayo en el The Herald Tribune. En esta respuesta se  atacó a los artistas por ” distorsión de los hechos” al afirmar que el Metropolitan sentía desprecio por la pintura moderna. Los artistas redactaron una refutación para enviar al Herald pero nunca fue publicada.

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Willem de Kooning, Zot, 1949. The Metropolitan Museum of Art, Nueva York.© 2019 Copyright imagen, The Metropolitan Museum of Art/Art Resource/Scala, Florencia
© The Willem de Kooning Foundation, Nueva York, VEGAP, 2019

También otros medios de comunicación como el The Nation se convirtieron en altavoz de este debate artístico, del que los ” 18 irascibles” ( apelativo que se les había adjudicado en la primitiva publicación del The Herald Tribune), cosecharon algunos frutos.

Alfred Barr, primer director del Museum of Modern Art de Nueva York, que buscaba distinguir su museo, seleccionó a algunos de estos artistas, concretamente a Arshile Gorky , Willem de Kooning y Jackson Pollock para el pabellón estadounidense de la 25
Bienal de Venecia , celebrada de junio a octubre de 1950. En la edición de junio de 1950 de ARTnews , él se refería a los pintores como “líderes de una “vanguardia predominante”.  El acto de Barr señaló al mundo del arte que los museos deberían considerar seriamente el expresionismo abstracto.

EL TRIUNFO DEL EXPRESIONISMO ABSTRACTO

La exposición continua con una sala que lleva por título “18 artistas, 18 obras”. Las 18 pinturas expuestas  no estuvieron, obviamente en la famosa exposición del Metropolitan. Son préstamos de diferentes coleccionistas públicos y privados para mostrar la relevancia que adquirieron los expresionistas abstractos integrantes de la Escuela de Nueva York. El montaje es peculiar ya que se ha optado por la madera (abedul y pino seco) en lugar de por el célebre y aséptico cubo blanco, con el fin de acercar este espacio al de los estudios de los artistas o sus galerías, allí donde ellos trabajaban y exponían antes de alcanzar su gran reconocimiento.

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Imagen del montaje de la exposición en Fundación Juan March.De izquierda a derecha las obras de Fritz Bultman, Theodoros Stamos y Jimmy Ernst ( Imagen: Yolanda Cardo. Crónica Global)

LA ESCUELA DE NUEVA YORK. UNA NUEVA FORMA DE ENTENDER EL ARTE

El expresionismo abstracto, surgido en la década de los 40 en Estados Unidos, es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, que se concreta en las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto.

Al expresionismo abstracto también se lo conoce como Escuela de Nueva York, pero esta denominación abarca otras artes (música, diseño, poesía, teatro…). No se trata propiamente de una escuela con un estilo común, sino de un conjunto de artistas de convicciones semejantes y que compartían una serie de técnicas pictóricas.

Aunque existen grandes diferencias entre la obra de los integrantes de la Escuela de Nueva York, podemos hablar de algunas características formales que tienen en común.

En primer lugar, su preferencia por los grandes formatos. Generalmente son abstractos en el sentido de que eliminan la figuración, aunque hay excepciones y algunos emplean trazos figurativos, apareciendo figuras reconocibles, como ocurre con las Mujeres de Willem de Kooning.

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Mujer y bicicleta. Willem de Kooning, 1953. Imagen: (mundodelmuseo.com)

Otra de las características principales de los expresionistas abstractos es la concepción de la superficie de la pintura como all over (cobertura de la superficie), para significar un campo abierto sin límites en la superficie del cuadro: el espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay jerarquía entre las distintas partes de la tela. El cromatismo suele ser muy limitado: blanco y negro, así como los colores primarios. Este tipo de cuadros, con violentos trazos de color en grandes formatos, presenta como rasgos distintivos la angustia y el conflicto, lo que actualmente se considera que refleja la sociedad en la que surgieron estas obras.

En cuanto a los proceses de realización de este tipo de obras, existen diferentes tipos de obras dentro de este grupo, que veremos a través de algunos ejemplos de la exposición.

Jackson Pollock, Yellow Islands 

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Esta obra es de uno de los grandes artistas del Expresionismo Abstracto, el pintor Jackson Pollock ( 1912-1956). Fue uno de los máximos representantes de una nueva forma de pintar, muy común en este movimiento, que se conoce como Action Painting, en la que el centro de interés  es el gesto o movimiento de pintar, llamándosela también «pintura gestual» por la primacía que dio al procedimiento pictórico en sí. Se hace del acto de pintar un gesto espontáneo. Es un tipo de automatismo que plasma el estado físico y psíquico del pintor. De esta manera, elimina los límites tradicionales entre el pintor y la pintura, ligando la acción de pintar con la biografía del artista. Jackson Pollock usó como terapia contra su alcoholismo.
Pollock extendía la tela, normalmente sin tratar, sobre el suelo, y corría o danzaba a su alrededor y dentro de ella, derramando la pintura de manera uniforme. Pollock no trabajaba sobre el lienzo sino, muchas veces, metido en él. En efecto, no trabajaba la tela con utensilios tradicionales como el pincel o la espátula, sino mediante la técnica del dripping, que consiste en dejar gotear o chorrear la pintura, desde un recipiente (tubo, lata o caja) con el fondo agujereado, que el pintor sostenía en la mano o bien, en menor medida, desde un palo o una espátula. De esta manera pintar no era algo que se hacía con la mano, sino con un gesto de todo el cuerpo.

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Pollock trabajando sobre el lienzo

Mark Rothko. Sin título

Resultado de imagen de Mark Rothko. Sin título, 1952. National Gallery of Art, Washington.

La color-field painting o «pintura de campos de color» es otra corriente dentro de la Escuela de Nueva York, que es antecedente de la pintura minimalista y que está centrada en el color y sus posibilidades expresivas. Surgió igualmente en torno al año 1947. Dentro de esta tendencia se enmarca la obra de Mark Rothko. Este artista comenzó su trayectoria a principios de los años 40 utilizando figuras biomorfas. Pero hacia 1947 su estilo sufrió un cambio, centrándose en manchas de color de forma geométrica, normalmente dos o tres rectángulos horizontales. Se organizaban sobre la superficie del cuadro de forma frontal, unos sobre otros de forma simétrica. Los colores, especialmente los de los rectángulos, eran luminosos, siendo más apagados los del fondo. Rothko creaba superficies lisas de contornos  borrosos. La impresión que ofrecen los cuadros de Rothko es de serenidad, muy distinta de la angustia y violencia de los action painter.  Los colores, aplicados en sucesivas y finas veladuras, como si en vez de óleo se tratara de acuarela, nunca nos revelan las pinceladas, disminuyendo la textura de la pintura a su mínima expresión. Rothko consideraba que el color puro era el mejor modo para expresar las emociones, por ello, concebía sus obras como dramas, como la representación de una tragedia sin tiempo. Sus cuadros, de gran intensidad espiritual, consiguen envolver al espectador con una gran fuerza emotiva, invitándole a la contemplación y la meditación.

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Imagen de la Capilla Rothko, Houston

Pese a las dificultades iniciales, el movimiento del expresionismo abstracto en Estados Unidos terminó por consagrarse como el gran movimiento de vanguardia de este país. Una corriente que es mucho más que un movimiento artístico y que abaraca desde  una nueva forma de concebir la pintura, el cuestionamiento de las técnicas y procesos tradicionales del arte, hasta el planteamiento de otras cuestiones más profundas, como los debates que surgieron en torno a la función del museo y las instituciones culturales y su forma de entender y gestionar la producción artística.

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#LaCulturaResiste

 

 

 

 

Los inmortales retratos de Rembrandt. Una galería de emociones.

El mes de febrero en Madrid se viste de arte y son varias las exposiciones de gran interés que se inauguran en los próximos días. En Parte del Arte, por supuesto, somos las primeras en ofrecértelas a través de nuestras visitas guiadas para que estés al día con la tendencia artística y cultural de Madrid.

Hoy queremos hablaros de una de las muestras más esperadas para los amantes de la pintura y que estaremos guiando los días 21 de febrero, 29 de abril y 30 de abril. Se trata de Rembrandt y el retrato en Ámsterdam, 1590-1670, en el Museo Thyssen, una exposición en la que se toma como referencia de forma exclusiva el género del retrato, uno de los que más cultivó el gran genio del siglo XVII y en el que, como en otros géneros, destacó por encima de sus contemporáneos.

Si quieres saber lo que te descubriremos en nuestras visitas guiadas… ¡Sigue leyendo!

UNA MUESTRA CON GRAN AMBICIÓN

En la exposición, comisariada por Norbert E. Middelkoop, nos encontramos con una selección de casi un centenar  de pinturas y grabados que incluyen algunos de los mejores ejemplos de la retratística de Rembrandt y de sus contemporáneos, en los que dejó una importante huella.

La muestra cuenta con la colaboración de la Comunidad de Madrid y el apoyo de JTI y cuenta con préstamos de un gran número de importantes instituciones y pinacotecas como el Amsterdam Museum, el Rijksmuseum de Ámsterdam, el Metropolitan de Nueva York, la National Gallery de Washington y The National Gallery de Londres, . Muchas de las obras prestadas se pueden ver por primera vez en España, y algunas de ellas son prestadas por primera vez con ocasión de la muestra del Thyssen, como es el caso del retrato de un joven procedente del Nelson Atkins Museum de Kansas.

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Retrato de un hombre en un escritorio, 1631. Rembrandt. Museo del Ermitage, San Petersburgo.

La muestra sigue un orden cronológico, que abarca desde la tradición retratística inmediatamente anterior a la llegada de Rembrandt a Ámsterdam, el inicio de la renovación del género, proceso en el que Rembrandt fue decisivo, pasando por la efervescente producción de retratos en Ámsterdam en la “etapa dorada” pintor y sus últimas obras, en las que continuó  su trayectoria de una forma marcadamente personal.

También la exposición dedica, como broche final del recorrido, una excelente galería de grabados del genio holandés,  una técnica que trabajó con gran maestría y con la que también realizó excelentes retratos.

EL RETRATO ANTES DE REMBRANDT

Rembandt Harmenszoon van Rijn nació en Leiden en 1606 y no llegó a la ciudad de Ámsterdam hasta la década de 1630. En esta ciudad, entre 1590 y 1630 y fruto del auge económico en el que estaba inmersa la economía holandesa, existía un grupo de retratistas relativamente numeroso  que respondía a una alta demanda de este tipo de pintura. Entre los clientes de estos artistas se encontraban las personas que se habían enriquecido en este periodo de prosperidad o que habían contribuido a su desarrollo: antiguas familias de la ciudad, ricos inmigrantes de otras localidades y países… Muchas de estas familias y personalidades necesitaban viviendas adecuadas ( con su correspondiente ornamentación acorde a su estatus social) y las organizaciones cívicas precisaban de lugares de reunión representativos. Cualquiera que dispusiera del suficiente espacio en la pared y anhelase ser recordado era el cliente perfecto para los cada vez más numerosos retratistas de Ámsterdam.

Al tratarse, por tanto, de un género tan popular, podemos encontrar una gran variedad de tipos de retratos: artesanos trabajando, retratos individuales de eruditos y hombres de negocio de éxito, familias, gobernantes…y un gran número de retratos colectivos, entre los que destacaron los de cirujanos impartiendo lecciones de anatomía, hermandades o miembros de gremios.

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Gobernantas y celadoras de la Spinhuis, 1638. Dirck Santvoort. Amsterdam Museum

Rembrandt fue invitado a la ciudad por Hendrick Uylenburgh, marchante y pintor que lo convirtió en el director de su estudio de pintura, cargo que ostentó hasta 1636. Durante estos años Uylenburgh le introdujo en los círculos sociales de la ciudad, lo que supuso para Rembrandt la oportunidad de conocer clientes y mecenas. Además, se casó con Saskia Uylenburgh, hermana del marchante, lo que también contribuyó al ascenso social de Rembrandt. Pronto se convirtió en un fuerte competidor para su cuñado, se emancipó y abrió su propio estudio de pintura en Ámsterdam, en el que desarrolló varios géneros. Fueron años de prosperidad económica y reconocimiento para el pintor.

ÁMSTERDAM: CIUDAD DE RIVALES

El reconocimiento como gran retratista de Rembrandt y de otros de sus contemporáneos causó un efecto llamada, lo que derivó en una gran oleada de ambiciosos pintores que llegaban a la próspera ciudad con la idea de beneficiarse de la gran demanda de retratos. También llegaron a ser retratistas de éxito algunos de los colaboradores y alumnos de Rembrandt, como Ferdinand Bol, Govert Flinck o Gerbrand van den Eeckhout.

La ciudad de Ámsterdam se convierte así en escenario de un ambiente de sana competencia  artística, una verdadera lucha por conseguir el mayor número posible de encargos, lo que se tradujo en una extraordinaria calidad de los retratos, fruto del esfuerzo de sus autores por  deslumbrar a sus clientes en un lugar donde las opciones cada vez más numerosas.

AL MARGEN DE LAS TENDENCIAS. LA AUTENTICIDAD DE REMBRANDT.

En 1642 se produce un punto de inflexión en la carrera de Rembrandt al fallecer su esposa. El pintor se queda viudo y al cargo de su hijo Tito, de apenas un año de edad. Su ritmo de trabajo comienza a disminuir y enseguida llegan los problemas económicos.

En 1647 ingresa en el servicio de su vivienda la que se convertirá en su pareja definitiva, Hendrickje Stoeffels, con la que tendrá a su hija Cornelia. La imposibilidad de volver a casarse con su nueva compañera ( ya que perdería la herencia de su esposa fallecida), les convirtió en una pareja señalada socialmente, lo que contribuyó a que su situación fuese cada vez más delicada.

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Mujer con capa de piel, posiblemente Hendrickje Stoffels, 1652. Rembrandt. The National Gallery, Londres.

Hacia mediados de siglo, además, el panorama artístico de Ámsterdam estaba experimentando algunos cambios. Empezaron a surgir una serie de artista precursores de un estilo “académico” con una orientación más internacional en los retratos, que enseguida comenzó a sustituir el estilo anterior.

Sin embargo, y a pesar de las dificultades, Rembrandt siguió su propia evolución estilística y se mantuvo fiel a su estilo, reduciendo los colores de su paleta y desarrollando un estilo que se consideró demasiado adusto e inadecuado para algunos encargos oficiales, lo que le desvió de ciertos circuitos que podrían haberle reportado beneficios. Aún así, Rembrandt continuó pintando y recibiendo encargos; aunque no tuvo el éxito de etapas anteriores seguía siendo considerado un artista importante y reconocido que influyó en numerosos artistas posteriores.

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Venus y cupido, posiblemente Hendrickje y Cornelia, hacia 1657. Rembrandt. Museo del Louvre, París.

Rembrandt les otorgó a sus retratados una libertad poco usual en el mundo del retrato, siendo uno de los impulsores de la renovación retratística del primer tercio del siglo XVII. Sus protagonistas adquieren un tratamiento similar al de los personajes mitológicos de sus obras: poses dinámicas que sugieren la interacción con el público, utilización del claroscuro, cualidades narrativas….y sobre todo, la representación de las emociones humanas. Con el paso del tiempo el interés de Rembrandt se fue centrando más en los rasgos esenciales de sus retratados concentrados especialmente en el rostro, lo que le llevaba a un interés mayor en la representación del carácter o la personalidad que en el parecido físico del retratado.

Esta extraordinaria capacidad de hacer conectar al espectador con el retratado es la clave del éxito del Rembrandt retratista, que consiguió que, en pleno siglo XXI, sus obras sigan causando una fascinación sin límites.

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Autorretrato dibujando frente a una ventana, 1648. Rembrandt. Biblioteca Nacional, Madrid.

¿Quieres sentir en tu propia piel esta fascinación? En Parte del Arte lo hacemos posible, ofreciéndote una experiencia mucho más allá de una simple visita guiada. Una guía especialista en arte te introducirá en cada cuadro como si se tratase de una ventana, en la que nos asomaremos para conectar con todo un mundo de emociones y sensaciones.

¡No te lo pierdas y reserva ya!

INFORMACIÓN DE INTERÉS


Fechas y horarios:

  • Viernes 21 de febrero a las 16.30h
  • Miércoles 29 de abril a las 16.30h
  • Jueves 30 de abril a las 17.30h.

PVP: 23€/ persona. Incluye: Visita guiada por especialista+sistema de recepción de sonido para una óptima escucha de las explicaciones del guía + entrada a la exposición

Punto de encuentro: Hall interior del Museo Thyssen. Paseo del Prado, nº 8.

Cómo llegar: Metro: Banco de España (L2)/ Bus: 6, 10, 14, 26, 27, 32, 34, 37, 45

*IMPRESCINDIBLE RESERVA PREVIA. Puedes hacerla en info@partedelarte.es o en el 645438576.

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EL SABOR DEL RENACIMIENTO. CORONA CATALINA, POR ASCASO.

No nos lo podemos callar. Tenemos que contaros todo sobre el evento al que Parte del Arte ha acudido este lunes 25 de noviembre porque sabemos que os encantará. Se trata de la presentación de una nueva delicia creada para el Museo Thyssen inspirada en una de sus obras.

En esta ocasión el museo ha vuelto a contar con un colaborador habitual,  Vicente Ascaso, reconocido recientemente con el Premio Memorial de la Real Academia de Gastronomía al Mejor Pastelero Repostero de España. Ascaso se ha inspirado en el Retrato de una infanta, Catalina de Aragón del pintor Juan de Flandes. Para poder realizarlo, el equipo de Ascaso quiso hacer un viaje en el tiempo a la época renacentista, investigando sobre qué tipo de dulces se hubiesen podido degustar en aquella época y además realizar una creación que pudiese reflejar los gustos de la princesa.

¿Quieres saber cómo es este dulce? ¡Sigue leyendo!

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Mesa con la presentación de la Corona Catalina el pasado lunes en el Thyssen

CATALINA DE ARAGÓN. DE PRINCESA A MUSA DE PASTELEROS

Aunque no se ha podido determinar con seguridad la identidad de la joven que retrata Juan de Flandes, la mayor parte de los expertos consideran que podría tratarse con bastante seguridad de Catalina de Aragón, hija de los Reyes Católicos, que podría tener, según las interpretaciones, once o catorce años.

En el retrato aparece sosteniendo el capullo de una rosa ( elemento fundamental en la investigación para el dulce) lo que ha dado lugar a tres interpretaciones. La primera nos llevaría a ver en la flor el símbolo de la casa Tudor, algo lógico teniendo en cuenta  que Catalina se casó con Arturo, príncipe de Gales. La segunda, considera la rosa como un atributo relacionado con la extrema juventud de la retratada, mientras que la tercera la identifica simplemente como un atributo habitual en los retratos de esponsales. Sea como fuere, y sea cual sea la identidad de la muchacha, nos encontramos sin duda alguna ante una de las obras más bellas de Juan de Flandes.

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Retrato de Catalina de Aragón. Juan de Flandes. Museo Thyssen

EL RENACIMIENTO EN EL PALADAR

La labor de investigación llevada a cabo para la elaboración del dulce fue muy exhaustiva. Entre las labores de búsqueda de los dulces de la época el equipo de Ascaso consultó varias  obras culinarias, como es el caso del libro de cocina de Ruperto Nola  (1470-1525) y experimentó con ingredientes recurrentes en la época.

El resultado es una extraordinaria corona de mazapán con agua de rosas y azafrán, yema de huevo, jengibre y pera, ingredientes muy apreciados por los comensales de la época. La decoración que se puede apreciar en la superficie del postre está realizada con yema de huevo y pétalos de rosas cristalizados, lo que le aporta una enorme belleza y elegancia.

En el acto de presentación pudimos conocer en profundidad todos los ingredientes del dulce a través de una experiencia llena de sensaciones: el olor del azafrán, la pera, el jengibre y el aroma de la rosa de forma individual para poder luego apreciarlos con todos sus matices en la degustación del dulce, en el que todos estos sabores se funden de una forma extraordinariamente delicada en textura mazapán.  Un verdadero viaje al Renacimiento a través de todos los sentidos.

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Emplatado del dulce durante la presentación en el Museo Thyssen

EL DULCE SABOR DEL LUJO. PASTELERÍA ASCASO

La pastelería Ascaso es uno de los negocios centenarios de Huesca. Nació hace 129 años y desde su apertura su sello ha sido la investigación de nuevas fórmulas basadas en recetas tradicionales y la innovación. Por ello, no es de extrañar que haya recibido numerosos galardones y que se haya convertido en uno de los referentes de la gastronomía del dulce en nuestro país.

Actualmente, la labor de la Pastelería Ascaso continúa su trayectoria familiar con la cuarta generación  y tres establecimientos en Huesca, Zaragoza y Madrid, donde se podrá adquirir esta delicia realizada para el Thyssen por un precio de 20, 80€. También se puede adquirir en la tienda física del Museo Thyssen y en su tienda online.

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Caja de presentación del dulce inspirado por el retrato de Catalina de Aragón de Juan de Flandes

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Sura y Vicente Ascaso junto a a Ana Cela, Directora de Publicaciones y Tienda-Librería del Museo Thyssen

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BRUEGHEL: CINCO GENERACIONES DE MARAVILLAS

¿Cómo va el otoño en Madrid? En Parte del Arte seguimos a tope ofreciendo las mejores experiencias culturales : visitas teatralizadas y nocturnas, rutas históricas y por supuesto visitas guiadas a las mejores exposiciones de Madrid. Por ello, hoy queremos hablaros de una exposición que tenemos muchas ganas de guiar  y que estamos seguras que será una de las más exitosas de la temporada.

Se trata de Brueghel. Maravillas del arte flamenco. El pasado 7 de octubre tuvimos el placer de asistir a la presentación de esta gran exposición, organizada por Arthemisia Group  y patrocinada por la Fondazione Terzo Pilastro-Internazionale que tiene lugar en el Palacio de Gaviria de Madrid hasta abril del próximo año. En esta presentación, además, tuvimos la oportunidad de asistir a una visita guiada por el propio comisario, Sergio Gaddi, uno de los grandes expertos en la figura de los Brueghel, quien nos dio las claves fundamentales de la exposición y nos contó infinidad de curiosidades que también os transmitiremos en las visitas. Fue un verdadero lujo escucharle. Por ello, para ir abriendo boca, queremos compartir con vosotros un pequeño aperitivo de lo que veremos en nuestras visitas guiadas a la exposición en el mes de enero.

¡Sigue leyendo!

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Natalia y Esther con Sergio Gaddi, comisario de la exposición

Brueghel. Maravillas del arte flamenco cuenta con más de un centenar de piezas representativas de los Brueghel, una familia cuyo linaje de pintores se extendió a través de cinco generaciones desde mediados del siglo XVI con Pieter Brueghel el Viejo. Todos ellos, hábiles pintores, reflejaron con un lenguaje muy personal toda una época, que se reconstruye a través de sus obras en la exposición. La exposición agrupa las obras, más de un centenar, en torno a los temas que trataron esta dinastía de artistas.

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Sergio Gaddi en la visita guiada de la presentación de la muestra

El primer apartado, titulado El juicio moral, entre la salvación y la condena, arranca con la obra de Pieter Brueghel el Viejo, un artista formado con otro prestigioso pintor, Pieter Coecke van Aelst y que enseguida descubrió y asimiló rasgos de la obra de El Bosco, algo muy patente en muchas de sus obras. Entre los temas contenidos en esta sección se encuentran paisajes con figuras religiosas, de campesinos, escenas de la vida rural en los que introduce una profunda reflexión sobre la condición humana y critica  de forma sarcástica los vicios humanos. Esta forma analítica de ver el mundo marcará la obra de todos sus sucesores.

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Gerard David. Descanso en la Huida a Egipto ( Colección privada)

El segundo apartado de la muestra está dedicado a La Reina Naturaleza, uno de los puntos fuertes de la pintura de Pieter Brueghel el Viejo y también de su hijo Jan Brueghel el Viejo, que fue su principal continuador en este tipo de creaciones. Pieter fue un gran observador de la naturaleza, especialmente le llamaron la atención los paisajes italianos, que plasmó con una habilidad extraordinaria en muchas de sus composiciones, entre las que destacan paisajes a vista de pájaro con un punto de observación extremadamente alto que nos transmite una sensación de inmensidad irreal y que reduce las figuras humanas a elementos diminutos e intrascendentes.

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Pieter Brueghel el Viejo. Paisaje con la parábola del sembrador (Colección privada)

En el siguiente apartado, Soldados y cazadores bañados en luz invernal podemos ver algunas de las copias que el primogénito de Pieter Brueghel el Viejo, Pieter Brueghel el Joven realizó de algunas de las obras más populares de su padre, los paisajes y escenas nevadas. Además de estas piezas se pueden contemplar algunas del imaginario personal de Pieter Brueghel el Joven, en las que que reflejaba la realidad de su tiempo: soldados que matan sin piedad, cazadores que regresan a la aldea, campesinos borrachos, toscos artesanos…con un tono irónico excepcional.

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Pieter Brueghel el Joven. La trampa para pájaros. (Colección privada)

El recorrido de la muestra continua en el gran salón de baile del Palacio de Gaviria y en en él podemos admirar Alegorías, historias maravillosas, una sección en la que podemos admirar la obra de Jan Brueghel el Joven ( hijo de Jan Brueghel el Viejo), que heredó el estudio de su padre. Además de terminar junto con Rubens gran parte de la obra de la obra que su padre había dejado inacabada dedicó gran parte de su carrera a tratar el tema de las Alegorías, tratando de explicar conceptos como el amor, la guerra, los elementos de la naturaleza, los sentidos humanos, la paz… que se hacen corpóreos a través de la figura humana.

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Jan Brueghel el Joven . Alegoría del Amor. ( Colección privada)

En Realtos de viajeros y mercaderes encontramos una pequeña sección dedicada a Pieter Brughel el Viejo y Jan Brueghel el Joven dedicada a las obras y grabados que se popularizaron  a mitad del siglo XVI en Amberes, una próspera ciudad que en estas fechas se había convertido en el nuevo centro económico del mundo occidental y que alumbra una clase media cuyos objetivos eran la riqueza y el éxito. Este nuevo estamento social contribuyó de forma decisiva al crecimiento económico, lo que implicó que el número de artesanos y artistas creciese considerablemente.

A continuación nos encontramos con Gloria y vanidad de la vida silenciosa, uno de los apartados más vistosos de la exposición. En él podemos observar la pintura de género floral y el bodegón de mediados del siglo XVII, que se utilizaba para transmitir un mensaje moral contenido en la idea de la vanitas ( vacuidad, insignificancia), a través de elementos perecederos y alusiones simbólicas de diferentes objetos, sin olvidar el contenido religioso de muchas de ellas vinculado a los ideales contrarreformistas, que despliegan todo un lenguaje floral vinculado con los valores cristianos. Se pueden apreciar obras de Abraham Brueghel, uno de los mejores representantes de esta tendencia.

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Abraham Brueghel. Detalle de Naturaleza muerta con fruta y ave exótica ( Colección privada)

La muestra finaliza con un baile, el Baile de los Pobres, un apartado en el que podemos ver obras de diferentes artistas de la familia Brueghel. Todos ellos fueron grandes observadores y retrataron , como una gran metáfora de la existencia, escenas de la vida cotidiana protagonizadas por campesinos, fiestas de carácter popular, el juego del cortejo, los rituales de matrimonio y las tradiciones transmitidas de generación en generación. La alegría de vivir a pesar de las dificultades se abre ante nuestros ojos como un perfecto broche de oro a una muestra excepcional.

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Pieter Brueghel el Joven. Baile de boda campesina al aire libre. (Colección privada)

¿Con ganas de asistir? Pues no te la pierdas y ven con Parte del Arte a nuestras visitas guiadas en las que una de nuestras especialistas en arte te descubrirá todas las claves, una a una, que se esconden tras las obras de la gran saga de los Brueghel. Para no perderte las fechas síguenos en nuestras redes sociales:  Instagram ( @ Parte_del_arte) Facebook ( Parte del Arte.) y Twitter ( @PartedelArte) y suscríbete a nuestra newsletter en www.partedelarte.com  y te avisaremos de todas las fechas y horarios disponibles.

Además, puedes enterarte de todas nuestras actividades: viajes de fin de semana, visitas teatralizadas y nocturnas, visitas a otras exposiciones temporales de Madrid. ¡Todo lo que busques lo tenemos en Parte del Arte!

¡Te esperamos!

 

 

 

BOLDINI Y LOS ESPAÑOLES. UNA ÉPOCA FASCINANTE

¡Comienzan los cursos culturales en Madrid en Parte del Arte! Arrancamos la temporada 2019-2020 con muchas ganas y muchas nuevas propuestas: interesantes rutas culturales por Madrid, rutas nocturnas, visitas teatralizadas, viajes culturales… y como siempre, continuamos con nuestros cursos estrella: Conoce Madrid, Grandes Momentos del Arte y la Historia y Exposiciones y Colecciones de Madrid. Además, este curso tenemos una novedad: el curso Descubriendo la ópera, una propuesta innovadora en la que una vez al mes te invitamos que descubras con Parte del Arte el fascinante mundo de la ópera a través de los grandes estrenos de la historia. Puedes consultar más información aquí.

Y como siempre nos gusta comenzar a lo grande, este mes de octubre estaremos haciendo visitas guiadas a una de las exposiciones más espectaculares de la temporada. Se trata de Boldini y la pintura española a finales del siglo XIX. El espíritu de una época, en Fundación Mapfre, una muestra que deja boquiabierto a quien la descubre.

¿Quieres saber un poquito más? ¡Sigue leyendo!

UNA OPORTUNIDAD ÚNICA.

Tal y como nos tiene acostumbrados la Fundación Mapfre, la exposición dedicada a Boldini es una propuesta de una gran calidad, tanto por el número de obras– un total de 124– como por la calidad de las mismas, procedentes de diferentes colecciones.

También se trata de una propuesta ambiciosa, ya que es la primera vez en España que se le dedica una retrospectiva a este pintor italiano, y además, se nutre de una gran número de pinturas de otros artistas que permiten a los visitantes adentrarse en el fascinante mundo de la pintura finisecular europea, centrando el foco de atención en España. Mariano Fortuny, Eduardo Zamacois, Raimundo de Madrazo…son algunos de los artistas que nos acompañarán en este fascinante recorrido.

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Retrato de Aline Masson. Raimundo de Madrazo y Garreta. Museo Nacional del Prado

BOLDINI, LA BELLE EPOQUE Y EL EXOTISMO ESPAÑOL 

Nacido en la localidad italiana de Ferrara, Giovanni Boldini se instaló en Florencia entre 1864 y 1870, ciudad en la que comienza a participar de la renovación cultural de la época frecuentando el Caffé Dorey, lugar de tertulia de artistas donde Boldini tuvo la oportunidad de establecer contacto con la alta burguesía y la nobleza internacional, encontrando incluso su primer mecenas.

El mismo estilo de vida llevará más adelante en su vida en París, donde se instala a partir del año 1871. Allí, se asentó en el bohemio barrio de Montmartre, una zona que poco después terminaría convirtiéndose en el lugar de residencia por excelencia de la bohemia nacional e internacional. La presencia de Boldini en París coincide con el surgimiento del Impresionismo, sin duda uno de los grandes acontecimientos de la historia de la pintura. Sin embargo, aunque Boldini va a pintar los mismos escenarios que autores como Signac, Renoir o Degas, el estilo del italiano no se desvió hacia esta nueva forma de concebir la pintura, sino que siguió su propio camino, desarrollando un estilo único que mantendrá a lo largo de toda su trayectoria y que tiene su base en la representación del instante y el movimiento a través de una pincelada ágil, pero sin perder nunca de vista las figuras. Este tipo de técnica es uno de los rasgos que comparte con algunos pintores españoles, especialmente con Mariano Fortuny, en el que coincide no sólo en la forma de concebir la pintura sino también en los temas del exotismo español, por ello no es extraño encontrar en su producción abundantes figuras vestidas con trajes folclóricos españoles o tocando una serenata con guitarras.

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Pareja en traje español con papagayos. Giovanni Boldini. Colección Banca Carige, Génova

Por otro lado, Boldini también participó en la creación del “retrato-icono” propio de la Belle Epoque, un tipo de retrato galante que reflejaba la nueva sensibilidad que empezaba a florecer en la pintura y que compartió con algunos pintores españoles como Joaquín Sorolla o Ignacio Zuloaga, además de los ya citados. Por ese motivo, el retrato tanto de Boldini como del resto de artistas es uno de los aspectos más analizados en la exposición.

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En el banco del Bois. Giovanni Boldini. Colección particular.

Boldini, apodado “The Little italian” por la alta sociedad británica, compartió con algunos de sus contemporáneos españoles–Sorolla, Madrazo y Zuloaga, entre otros– un espíritu empoderado y moderno con respecto al tópico de artista bohemio del artista que no puede vivir de su arte. Dedicó gran parte de su vida a construir una imagen digna y profesional y que explica y nos ayuda a comprender la vida y la obra de aun artista fundamental en un periodo artístico fascinante que quedó interrumpido con la llegada de la Primera Guerra Mundial.

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Clés de Mérode. Giovanni Boldini. Colección particular.

 

¿ Te has quedado con ganas de más? Pues tenemos una gran noticia para ti, y es que… ¡Abrimos plazo de inscripción para una visita guiada a  la exposición sobre Boldini con una de nuestras expertas de Parte del Arte! ¡Plazas muy limitadas!

¡Apunta! Martes  22 de octubre a las 14.15h. Para reservar escríbenos a info@partedelarte.es

Y ¡recuerda! En nuestra página web www.partedelarte.com puedes informarte sobre todas nuestras actividades culturales, cursos, experiencias, viajes… ¡No te pierdas nada!

¡Te esperamos!