DAVID DELFÍN. EL DISEÑADOR DEL NUEVO MILENIO

En Parte del Arte seguimos adelante. El tiempo de cuarentena se está alargando mucho más de lo que todos deseamos pero es momento de continuar con nuestra misión de acercarte y hacerte sentir el arte y la cultura. Por ello, adaptándonos a las circunstancias y con tantos medios digitales que existen a nuestro alcance, hemos decidido crear una oferta de cursos on line en la que continuar impartiendo nuestros cursos:Conoce Madrid, Exposiciones y Colecciones de Madrid, Grandes Momentos de la Historia y Descubriendo la ópera. De esta manera, podrás seguir disfrutando de nuestras experiencias pero sin moverte de tu casa. Tienes toda la información sobre los cursos on line pinchando aquí.

También seguiremos acercando la cultura de forma gratuita a través de nuestros directos en Instagram cada lunes y viernes a las 17.00, en los que te invitamos a charlar con nosotras y nuestros invitados del mundo del arte sobre diferentes temas, y ¿cómo no?, a través de nuestro blog BaluArte, en el que cada semana os hablamos de un tema cultural de actualidad o de alguna exposición temporal.

Por ello hoy os hablamos de una de las muestras programadas para este mes, la dedicada al diseñador David Delfín, organizada por  la Comunidad de Madrid a través de la Consejería de Cultura y Turismo en un lugar muy especial.

DE DEPÓSITO DE AGUA A SALA DE EXPOSICIONES

El edificio que alberga la exposición fue construido entre 1907 y 1911 por el ingeniero Diego Martín Montalvo como primer depósito elevado de agua de Madrid. Se trata de una construcción de estilo ecléctico y carácter industrial que destaca por su exterior de ladrillo, su planta circular, sus contrafuertes en talud y su cubierta metálica rebajada.

sala_canal_isabel_II_parte_del_arte_cursos_on_line_arte

Exterior del edificio del antiguo depósito de agua construido por Diego Martín Montalvo

El edificio fue restaurado en 1986 y acondicionado como sala de exposiciones, gestionada por la Subdirección General de Bellas Artes de la Comunidad de Madrid junto a la Sala Alcalá 31 y la Sala Arte Joven. Normalmente las exposiciones que podemos encontrar en este espacio se centran en la creación fotográfica y audiovisual contemporánea pero también, anualmente, coincidiendo con la Madrid Fashion Week se realiza una muestra de un gran maestro de diseño de moda.

Este año le ha llegado el turno al siempre controvertido David Delfín, a través de una exposición que se articula en torno a su trayectoria como artista y diseñador.

DAVID DELFÍN. MUCHO MÁS QUE UN DISEÑADOR DE MODA

Diego David Domínguez González (Ronda, 1970 – Madrid, 2017), más conocido como David Delfín, es uno de los máximos representantes de una nueva generación de jóvenes artistas y creadores que irrumpieron con la entrada del nuevo milenio y que concibieron la moda desde un punto de vista multidisciplinar.

fotografía_david_delfín_parte_del_arte_visitas_guiadas_madrid

David Delfín en la presentación de su última colección en 2016

El malagueño comenzó su andadura como pintor. Es en 1999 cuando comienza a experimentar y a fusionar la pintura con el diseño de moda, aplicándola a prendas militares de segunda mano. Así es como en 2001, junto con Gorka Postigo y Bimba Bosé decide crear la firma Daviddelfín, una marca que construyó a partir de la influencia de discursos artísticos y su propia caligrafía escrita con la mano izquierda para  crear logos. La marca giraba en torno a un concepto que actuaba “como metáfora de la unión de las inquietudes del grupo, un proyecto multidisciplinar donde moda, fotografía, arquitectura y vídeo conviven desde entonces”.
El interés por el proyecto crecía por encima de sus posibilidades, y ya en 2002 tuvieron que contratar a una modista y un patronista. Estaban a punto de desfilar en Cibeles por
primera vez.

SANS TITRE

Sans Titre es el nombre de su primera colección, que vio la luz en 1999 que no estuvo planteada como una colección de moda al uso, sino como un ejercicio pictórico en busca de nuevos soportes y como un homenaje latente a Joseph Beuys, a través de camisetas desgarradas o cruces de fieltro rojo.  Esta “colección” fue sólo el comienzo de una relación muy fructífera entre diseño y creación plástica: referencias surrealistas más o menos explícitas (capuchas magritianas, hormigas e incorporación de aparentes objetos encontrados, inesperados) serán posteriormente muy habituales en su trayectoria.

david_delfin_sans_titre_parte_del_arte_vistas_guiadas_museos_madrid

Prendas de la colección Sans Titre en la exposición

COUR DES MIRACLES

En el año 2002 David llegaba por primera vez a la pasarela de Cibeles con Cour de Miracles la que sería la primera gran colección, así como polémica del diseñador.

David empezó fuerte y de forma muy transgresora. Tanto, que varios periodistas se salieron del desfile al vislumbrar sus rompedoras propuestas, aunque la mayor parte del público le aplaudió. El desfile se convirtió en todo un escándalo, recibiendo duras críticas por parte de la sociedad y de algunos sectores políticos. Los reproches se centraban en el hecho de que Delfín cubrió el rostro de las modelos de sacos de tela y colocado una soga al cuello a Bimba, que participó en el show.

cour_de_miracles_david_delfin_parte_del_arte_visitas_guiadas_exposiciones_madrid

Vestidos de la colección Cour de Miracles en la exposición

Esta puesta en escena se comparó en muchos medios de comunicación con el burka islámico y la violencia de género. Pero en realidad, su inspiración y las referencias de David Delfín tenían que ver con aspectos más profundos relacionados con la historia del arte. Se trata, en definitiva, de un homenaje al famoso cuadro de René Magritte Los amantes, y las hormigas estampadas que correteaban por algunos vestidos eran un guiño al film surrealista de Luis Buñuel Un perro andaluz.

magritte_parte_del_arte

Los amantes. René Magritte, el cuadro en el que se inspira David Delfín para la colección Cour de Miracles

EL TIEMPO DE LOS MONSTRUOS. DAVID DELFÍN Y BIMBA BOSÉ

Grandes amigos y socios, David Delfín y Bimba Bosé se conocieron por casualidad en 1996 en la barra de un bar y desde entonces fueron inseparables. Bimba se convirtió en su musa y desfiló para él en numerosas ocasiones.

bimba_bose_david_delfin_parte_del_arte_madrid

David Delfín y Bimba Bosé 

En el año 2015, David Delfín presentó su colección El tiempo de los monstruos, en la que hacía referencia a la película de Félix Sabroso y como guiño y homenaje a Dunia Ayuso. En la colección encontramos depuradas geometrías y juegos de volantes y lunares, como resultado de una divertida mezcla de la Bauhaus combinada con el estilo Memphis, muy recurrente en sus últimas temporadas.

En esta colección  David Delfín convirtió a Bimba Bosé en uno de sus monstruos, coloreando de azul sus orejas y cubriendo su cuerpo con un explosivo vestido en verde hierba. Sin duda, una de las grandes joyas de todas sus colecciones.

bimba_bose_el_ tiempo_de_los _monstruos

Bimba Bosé en el desfile de El tiempo de los monstruos

DAFO

Dafo fue el nombre que recibió una de las colecciones más emblemáticas de David Delfín, la de primavera-verano de 2007. Se trata de una colección prácticamente distinción de género. Algunas de sus propuestas dejaban ver un aire masculino en ellas y más femenino en ellos, dando una vuelta de tuerca a los convencionalismos tradicionales de la vestimenta.

DAFO-primavera-verano-2007

Escena del desfile de la colección Dafo

Uno de los sellos de David Delfín que podemos ver en muchas de las prendas de esta colección son los detalles, que nunca pasaron desapercibidos, como las famosas letras en los vestidos, que se transformaron en frases. Este detalle cautivó a muchos famosos, que empezaron a dejarse ver en eventos públicos y alfombras rojas con esta indumentaria.
Algo que a los famosos les encantó y de ahí que de dejaran ver en varios eventos públicos y alfombras rojas.

DÉMÉNAGEMENT

Otra de las colecciones más interesantes de David Delfín es la llamada Démenagement, que presentó para el otoño-invierno de 2007/2008.La mudanza (Déménagement) fue la fuente de inspiración en una nueva colección. El modisto no se refería a la mudanza como transporte sino entendiéndola como evolución, cambio. Por eso, se decantó por una línea austera en la que evitó los adornos superfluos y destacando las formas minimalistas. David Delfín presentó a sus modelos con mobiliarios de mimbre que jugaban el papel del complemento. Sillas a modo de peineta, taburetes de mochilas y tiras de mimbre sobre la cabeza.

demenagement_davi_delfin_parte_del_arte_visitas_guiadas_madrid

Vestido de la colección Déménagement

MISSING

Missing es probablemente la colección más personal de David Delfín en el otoño-invierno de 2013-2014. Fue un homenaje a su perrita, que falleció mientras se preparaba la colección. Tras quince años juntos, decidió recordarla a través de unas referencias a “Alicia en el País de las Maravillas” . Por eso las prendas destacan con colores blancos con rosas. Pero, para cerrar el desfile, Bimba, su musa, aparecía y vestida de negro para simbolizar el luto por el que estaba pasando el diseñador.

Missing_davidelfin

Algunos diseños de la colección Missing

EL ÚLTIMO DESFILE

Su última propuesta propuesta para el otoño-invierno de 2016 estuvo basada en una colección que reivindicaba el forofismo hacia un mismo como una relación eterna de amor. Fue su bufanda la que lideró el desfile y la que acabó convirtiéndose en la estrella de la colección. El destino hizo que la última vez que David Delfín se subió a una pasarela fuera para Bimba Bosé también su último desfile.

ultimo_desfile_david_delfin

Bimba Bosé en el último desfile de David Delfín en 2016.

Lo compartieron todo a lo largo de su vida, hasta enfermedad y año de fallecimiento, muriendo los dos en el año 2017 con cinco meses de diferencia, dejando ambos una huella imborrable en el mundo de la moda.

¿Te ha gustado? Cuéntanos qué te parece en los comentarios.

y ¡recuerda! en  Parte del Arte  comenzamos nuestra oferta de cursos on line en la que encontrarás todos nuestros cursos:  Conoce MadridExposiciones y Colecciones de MadridGrandes Momentos de la Historia y Descubriendo la Ópera. Además, seguiremos compartiendo contenido artístico y noticias interesantes en nuestras Redes Sociales, así que no dudes en seguirnos en: FacebookTwitter y en Instagram (@parte_del_arte) donde cada lunes y viernes a las 17.00h nos conectamos en directo para hablar de diferentes temas de una forma distendida y amena.

¡Te esperamos!

 

 

EL ARTE DE CONSTRUIR. SÁENZ DE OÍZA EN FUNDACIÓN ICO.

Seguimos al pie del cañón en Parte del Arte. Parece ser que nos toca quedarnos en casa algo más de tiempo, y como hemos hecho hasta ahora nosotras seguimos en contacto con vosotros por todas las vías posibles, ofreciendo contenido de forma virtual para que podáis seguir disfrutando de nuestra programación aunque sea a distancia, a través del envío de información sobre rutas históricas de nuestro curso Conoce Madrid, de nuestras clases teóricas de nuestro curso Grandes Momentos de la Historia   y Descubriendo la ópera y por supuesto, de nuestro curso Exposiciones y Colecciones de Madrid.

Dentro de nuestra oferta de exposiciones, te proponemos una gran variedad de temas en la que procuramos que siempre estén presentes todas mas manifestaciones artísticas: pintura, escultura, y también arquitectura, puesto que existen en Madrid algunas instituciones que le prestan especial atención a este campo. Es el caso de la Fundación ICO, que desde hace unos años centra su actividad expositiva en temas relacionados con el mundo constructivo y sus figuras más relevantes.

En Parte del Arte somos ya asiduas a estas muestras, y por ello queremos descubrirnos su última propuesta, dedicada al gran arquitecto Francisco Javier Saénz de Oíza. Hoy en BaluArte te contamos un poquito más sobre la exposición.

Acompáñanos.

UNA MUESTRA MULTIDISCIPLINAR

Dentro de la programación del Madrid Design Festival 2020, la Fundación ICO quiere conmemorar con una exposición el centenario del nacimiento de Francisco Javier Sáenz de Oíza, un polifacético arquitecto que se ha encumbrado como una de las figuras imprescindibles de la arquitectura española.

Bajo el título Sáenz de Oíza. Artes y Oficios, la muestra se presenta, desde sus orígenes, el desarrollo de su mundo personal ejemplificado con su obra y acompañado de un grupo de artistas de diferentes disciplinas que se convirtieron en compañeros y amigos, y partícipes  de su obra. Planos, fotografías, pinturas y documentos nos acompañan en este universo oiziano.

expo_oiza_parte_del_arte_visitas_guiadas

Entrada de la exposición Sáenz de Oíza. Artes y Oficios en Fundación ICO

APRENDER Y ENSEÑAR

La vida de Oiza se desarrolló entre el interés por aprender y la capacidad de enseñar. Nació en Cáseda (Navarra), en 1918 y sus primeros años transcurrieron entregado a la lectura de una gran variedad de temas, lo que le llevaría a viajar a Estados Unidos en 1948. A su vuelta, consigue el título de Profesor de Salubridad e Higiene en la Escuela de Arquitectura de Madrid, aunque con el tiempo también se convirtió en profesor de proyectos, Catedrático e incluso llegó a ser Director de la Escuela de Arquitectura.

En relación al mundo del aprendizaje destacan algunos proyectos de instituciones académicas, como las Escuelas de Batán en Madrid, la Facultad de Ciencias en Córdoba o la Universidad Pública de Navarra. 

plano_escuelas_batán_parte_del_arte

Plano de las Escuelas de Batán (Madrid)

LA GUARIDA

Si algo caracteriza a Oíza es su profunda voluntad de responder, mediante su trabajo, a las necesidades de los futuros habitantes de sus viviendas, tanto en los encargos de viviendas privadas como en las colectivas.

Su filosofía coincide con las ideas de Le Corbusier, que decía que la casa “es una máquina de habitar”, y como tal proyectó varias viviendas privadas que se muestran en la exposición y que muestran cómo Oíza entendía la casa como un lugar cerrado, íntimo, confiriéndole ese carácter de guarida. Por otro lado, según su percepción, el concepto de vivienda establece que ésta tiene que que estar arraigado a la tradición, al espacio en el que se encuentra y a los oficios locales, lo cual se plasma a la perfección en su casa de veraneo en Mallorca, un proyecto construido por otro arquitecto pero que cumple con estos principios.

IMG-20200219-WA0041

Una de las salas de la exposición con planos de proyectos de Oíza en diálogo con piezas artísticas de colegas y colaboradores

UN LUGAR SAGRADO PARA EVOCAR EL SILENCIO. EL SANTUARIO DE ARÁNZAZU.

Uno de los proyectos más especiales que se pueden ver en la muestra es el que está dedicado al Santuario de Aránzazu (Oñate, Gipúzcua). Se encuentra en el lugar donde presumiblemente la Virgen de Aránzazu se le apareció al pastor Rodrigo de Balanzategui en un espino en 1468. Después del milagro se construyeron varios santuarios que fueron desapareciendo debido a varios incendios y a mediados del siglo XX se planteó urgentemente una reconstrucción.

De los más de 40 proyectos que se presentaron salió elegido el de Sáen de Oíza y  Luis Laorga, que contaron con un nutrido grupo de artistas para la realización de los diferentes elementos de la basílica, cuyo programa iconográfico debía evocar lo Sagrado desde el Silencio: Lucio Muñoz se encargó del retablo, Jorge Oteiza las esculturas de los apóstoles en el friso de acceso a la basílica y el pintor Néstor Basterrecha de la cripta. Iconos del siglo XX trabajando codo con codo, que contaron también con la aportación de la comunidad franciscana en parte de la decoración y acondicionamiento.

SANTUARIO_ARANZAZU_PARTE_DEL_ARTE

Exterior del Santuario de Aránzazu ( Oñate), proyectado por Saénz de Oíza y Luis Laorga

Lo que más llama la atención del conjunto en su parte exterior es la talla en forma de punta de diamante. Presenta tres torres, dos que enmarcan la fachada y la tercera, la que alberga el campanario, más alejada. Están realizadas con bloques de piedra tallados en forma de punta de diamante, haciendo alusión al espino  en el que, según cuenta la historia, apareció  la imagen de la Virgen.

Entre las dos torres se abre unas puertas de hierro realizadas por el escultor Eduardo Chillida y que están decoradas con asimétricos dibujos geométricos.

Al nivel de la calzada queda el friso de los apóstoles realizado por Jorge Oteiza, otro de los colaboradores. Los apóstoles están realizados en piedra y ubicados en un espacio de 12 m.

apostoles_parte_del_arte_oteiza

Friso de los apóstoles, de Eduardo Chillida, sobre la puerta del santuario.

exposicion_saenz_oiza_parte_del_arte

Sala de la exposición en la que se puede ver, al fondo, una recreación del ábside de la Basílica de Aránzazu, decorado por el pintor Lucio Muñoz.

COLABORADORES Y MECENAS

Otro de los apartados de la exposición está dedicado a la relación de Oíza con sus patrocinadores, entre los que destaca la familia Huarte. Concretamente su máximo impulsor fue Juan de Huarte, quien tenía la firme voluntad de defender y ayudar a crecer a los mejores profesionales nacionales. Oíza llegó a tener con él una gran complicidad.

Entre las obras del arquitecto que contaron con el mecenazgo de la familia Huarte se encuentran las Torres Blancas, que supuso una gran novedad en la arquitectura de los años 60 por su excepcional expresividad, la Ciudad Blanca de la Alcudia en Mallorca o el local de la empresa H Muebles, su primera colaboración.

EXPOSICION_OIZA_PARTE_DEL_ARTE_VISITAS_GUIADAS

Una de las salas de la exposición con esculturas de amigos y colaboradores de Sáenz de Oíza.

Otro de los lugares presentados en la muestra es la Fundación Oteiza, que supone una doble colaboración con Huarte y  Jorge Oteiza, con el que ya había trabajado en los años 50 en la Basílica de Aránzazu antes mencionada. Un lugar mágico en el que se fusionan arquitectura, escultura y paisaje y que supone un sugerente homenaje a su admirado Le Corbusier.

TORRES BLANCAS. ROMPIENDO MOLDES

Torres Blancas fue el segundo encargo que Juan Huarte le hizo a Sáenz de Oíza en el año 1961, un proyecto de viviendas de lujo en el que invirtió una fortuna, ya que quería convertirlo en un símbolo de poder. El propio Oíza se trasladó al edificio, ya que era habitual que parte del pago al arquitecto se hiciese con una vivienda.

El edificio, de 23 plantas destinadas a viviendas y oficinas, está formado por una estructura de hormigón visto conformada a base de cilindros rodeados por celosías de madera. También cuenta con una planta adicional en lo alto del el edificio y dos plantas en el sótano. Cuenta con una planta de servicios reservada para las instalaciones generales entre las plantas 21 y 22, y en la azotea una piscina.

alzado torres_blancas_parte_del_arte

Dibujo de Sáenz de Oíza con un alzado de Torres Blancas

A pesar del nombre, el edificio es una única torre, que da la sensación de pluralidad por los numerosos cilindros que la conforman. ​Oíza quería construir un edificio de gran altura que creciese mecánicamente como un árbol y recorrido verticalmente por escaleras, ascensores e instalaciones (serían los vasos leñosos del árbol) y con terrazas agrupadas (las hojas de las ramas).

IMG-20200219-WA0054

Dibujo a color de Saénz de Oíza con el plano de Torres Blancas

Pero esta idea era demasiado moderna para el Madrid de entonces. El edificio resultó  tan provocativo que comenzaron a circular rumores y bulos, como que se mudó allí para demostrar que era posible amueblar una casa curvada o que originalmente iba cubierta de polvo de mármol blanco mezclado con hormigón.

A pesar de ello, años más tarde, en 1974 ganó el Premio de Excelencia Europea. y hoy se considera como una de sus obras maestras.

portal_torres_blancas

Interior del portal de Torres Blancas

El estado de conservación actual del edifico no es especialmente bueno en algunos aspectos. El restaurante  que se abrió inicialmente en el último piso cerró en 1985 y  la distribución interior de las viviendas ha sufrido muchas modificaciones, ya que los paramentos curvos se revelaban incómodos en algunos espacios que hoy demandan otro tipo de distribuciones, por lo que la mayor parte de los propietarios actuales las han eliminado. Lo más reseñable que conserva son sus terrazas redondas, que se abren sobre la avenida de América, y su solárium y piscina en el último piso, conservándose así todavía hoy en uno de los bloques de viviendas de lujo más destacados de la zona.

piscina_torres_blancas_parte_del_arte_visitas_guiadas

Piscina en la azotea del edificio de Torres Blancas

¿Te ha parecido interesante?   Si es así déjanos un comentario.

y ¡recuerda! en  Parte del Arte  estamos enviando contenido gratuito de nuestros cursos Conoce MadridExposiciones y Colecciones de MadridGrandes Momentos de la Historia y Descubriendo la Ópera, entra en www.partedelarte.com y suscríbete a nuestra newsletter. Sólo tienes que indicarnos tu nombre y el nombre del curso del que te gustaría recibir la documentación y podrás disfrutar de ella de forma totalmente gratuita hasta el 1 de abril. Además, seguiremos compartiendo contenido artístico y noticias interesantes en nuestras Redes Sociales, así que no dudes en seguirnos en: FacebookTwitter y en Instagram como @parte_del_arte

¡Te esperamos!

#LaCulturaResiste

MONUMENTALIDAD EN GALERÍA MARLBOROUGH

El mes de marzo brilla en Parte del Arte. Estamos ofreciendo, tal y como os tenemos acostumbrados, una programación a la última, en la que incluimos rutas históricas por Madrid, como la que dedicaremos el viernes 6 con motivo del Día de la Mujer, salidas culturales, como la que realizaremos el próximo 14 de marzo a Burgo de Osma y San Baudelio de Berlanga y también visitas guiadas a las mejores exposiciones temporales de Madrid. 

Dentro de nuestra oferta de exposiciones, te proponemos una gran variedad de temas en la que procuramos que siempre estén presentes todas mas manifestaciones artísticas: pintura, escultura, arquitectura, artes decorativas….

Madrid cuenta con una amplia oferta de muestras temporales que se albergan en los grandes museos, pero también en las numerosas galerías de arte que hay repartidas por la ciudad. En Parte del Arte no queremos dejar de lado estos interesantes espacios, en los que también brillan las obras de grandes artistas. Por ello, este mes de marzo hemos organizado visitas guiadas a uno de ellos, la Galería Marlborough, en la que se encuentra en la actualidad una impresionante exposición de escultura monumental.

¿No lo conoces? No te preocupes porque en nuestro blog BaluArte te ofrecemos un pequeño adelanto de lo que veremos en la visita.

kissing_spheres_tom_otterness_parte_del_arte_visitas_guiadas_marlborough_madrid

Kissing Spheres (large), 2016. Tom Otterness

UNA GRAN TRADICIÓN. LA GALERÍA MARLBOROUGH

La Galería Marlborough de Madrid fue fundada en el año 1992 después de una larga tradición de sedes en otras ciudades ( Londres, Nueva York y Tokio) bajo la dirección de Pierre Levai, que llevaba siendo presidente de la sede neoyorkina desde el año 1978.

La propia inauguración de la sede madrileña fue todo un acontecimiento, ya que se estrenó el espacio por todo lo alto con una muestra dedicada al gran Francis Bacon, que se convirtió en la última exposición individual realizada en vida del artista, que falleció en el mismo año 1992.

La galería se ha ido expandiendo con el paso del tiempo, abriendo en Barcelona una nueva sede en el año 2006 y se ha ido ganando en todos estos años una gran reputación debido a su implicación en todo de proyectos, como las exposiciones de de escultura monumental en las ciudades más importantes de España, gracias a los cuales se llevaron a la calle la obra de artistas como Botero, Manolo Valdés o David Rodriguez Caballero, y también exposiciones en las que se presenta el trabajo de artistas internacionales y emergentes en España en sus diferentes sedes.

También apuesta por la venta y adquisición de de obras maestras del siglo XX y colabora constantemente con colecciones de museos y espacios públicos para la difusión de la obra de sus artistas, entre los que destacan: Antonio López, el ya mencionado Manolo Valdés, Juan Genovés o Luis Gordillo, quienes han formado parte de la identidad de la galería desde sus inicios.

francisco_leiro_parte_del_arte_madrid_visitas_guiadas

Escorrodoira, 2019. Francisco Leiro

MONUMENTOS ENTRE CUATRO PAREDES

Durante los meses de febrero, marzo y abril la galería mostrará una exposición, dividida en dos partes, dedicada a la escultura monumental de más de catorce artistas españoles y extranjeros contemporáneos, en las que se juega con la idea de espacio interior / exterior, ya que la mayor parte de las esculturas que se muestran en realidad están concebidas para ser expuestas en un espacio exterior.

Para conseguir transmitirnos la sensación exterior entre las cuatro paredes de la galería, el montaje de las obras se ha realizado sobre un césped artificial que nos invita a sentarnos y tendernos a contemplarlas.

IMG-20200306-WA0016

Ptolemy’s Wedge II, 2005. Beverly Pepper

EL HIPERREALISMO MÁS CERCA QUE NUNCA

Uno de los artistas  representados en la muestra es Antonio López García, considerado como uno de los mayores exponentes del Realismo pictórico y escultórico tanto a nivel nacional como internacional.

Entre los motivos de la obra de Antonio López destacan los paisajes y vistas urbanas de Madrid, paisajes interiores y también la figura humana, como podemos ver en esta muestra de la galería Marlbororugh.

antonio_lopez_galeria_marlborough_parte_del_arte_visitas_galerias_madrid

Carmen despierta y Carmen dormida, 1999-2000. Antonio López

La obra que se nos muestra pertenece al primer encargo de escultura monumental pública que recibió Antonio López en solitario, que tuvo lugar en el año 2008 y que se instalaron junto a la entrada de la Estación de Atocha.

Se trata de un conjunto de dos esculturas tituladas Carmen despierta ( el día) y Carmen dormida ( la noche), y en ellas utiliza el rostro de su nieta Carmen que, en estos dos estados, se nos muestra como una metáfora de lo misterioso del ser en conexión con los ciclos naturales del día y la noche.

FIGURAS FRAGMENTADAS

Otra de las figuras destacadas del panorama artístico que están representadas en esta muestra es la artista polaca Magdalena Abakanowicz, considerada un de las artistas con un mensaje más potente en el panorama del arte contemporáneo.

Abkanowicz vivió una terrible infancia en la Polonia ocupada durante la Segunda Guerra Mundial, lo que le llevó a “encerrarse en sí misma” como una única vía de escape a la espantosa realidad que le tocó vivir. Estas experiencias traumáticas van a marcar su producción artística de una forma muy profunda.

El conjunto escultórico que presenta en la muestra, realizado en el año 2000 y titulado Standing figures, se nos muestran como una serie de figuras realizadas en bronce de postura estática y con los miembros amputados que se nos revelan a la vez bellas e inquietantes y que nos recuerdan la fragilidad de la condición humana. La propaganda, la destrucción y las reflexiones sobre la existencia humana forman parte del ADN de esta prolífica artista, que cuenta con siete doctorados honorarios en universidades de  Europa y Estados Unidos.

magdalena_abakanowicz_parte_del_arte_visitas_guiadas_galeria_marlborough_madrid

Standing Figures, 2000. Magdalena Abakanowicz

¿Interesante, verdad? Pues muchas más obras monumentales de otros artistas como Francisco Leiro, Beverly Pepper, Blanca MuñozTom Otterness te están esperando, y en una de nuestras visitas guiadas a la Galería Marlborough de Madrid por una especialista  de Parte del Arte  comprenderás todos sus secretos y te adentrarás en el fascinante mundo del funcionamiento de una galería de arte.

¡Toma nota! Aquí te dejamos toda la información para inscribirte. Recuerda que las plazas son ¡muy limitadas!

INFORMACIÓN DE INTERÉS

Fechas y horarios disponibles:

-Martes 10 de marzo a las 12:00h.

-Jueves 12 de marzo a las 12:00h y a las 17:00h.

PVP: 12€/persona. Incluye: visita guiada por especialista+sistema de recepción de sonido para la óptima escucha de las explicaciones de la guía+ entrada

*IMPRESCONDIBLE INSCRIPCIÓN PREVIA. Puedes hacerla pinchando aquí

Punto de encuentro: Puerta de la Galería Marlborough. C/ Orfila, 5. Diez minutos antes de la hora de la visita.

Cómo llegar: Metro: Alonso Martínez (L4, L5, L10), Colón (L4) / Bus: 5, 14, 21, 27, 37, 45, 150.

¡Te esperamos!

http://www.partedelarte.com

 

 

 

 

 

Los inmortales retratos de Rembrandt. Una galería de emociones.

El mes de febrero en Madrid se viste de arte y son varias las exposiciones de gran interés que se inauguran en los próximos días. En Parte del Arte, por supuesto, somos las primeras en ofrecértelas a través de nuestras visitas guiadas para que estés al día con la tendencia artística y cultural de Madrid.

Hoy queremos hablaros de una de las muestras más esperadas para los amantes de la pintura y que estaremos guiando los días 21 de febrero, 29 de abril y 30 de abril. Se trata de Rembrandt y el retrato en Ámsterdam, 1590-1670, en el Museo Thyssen, una exposición en la que se toma como referencia de forma exclusiva el género del retrato, uno de los que más cultivó el gran genio del siglo XVII y en el que, como en otros géneros, destacó por encima de sus contemporáneos.

Si quieres saber lo que te descubriremos en nuestras visitas guiadas… ¡Sigue leyendo!

UNA MUESTRA CON GRAN AMBICIÓN

En la exposición, comisariada por Norbert E. Middelkoop, nos encontramos con una selección de casi un centenar  de pinturas y grabados que incluyen algunos de los mejores ejemplos de la retratística de Rembrandt y de sus contemporáneos, en los que dejó una importante huella.

La muestra cuenta con la colaboración de la Comunidad de Madrid y el apoyo de JTI y cuenta con préstamos de un gran número de importantes instituciones y pinacotecas como el Amsterdam Museum, el Rijksmuseum de Ámsterdam, el Metropolitan de Nueva York, la National Gallery de Washington y The National Gallery de Londres, . Muchas de las obras prestadas se pueden ver por primera vez en España, y algunas de ellas son prestadas por primera vez con ocasión de la muestra del Thyssen, como es el caso del retrato de un joven procedente del Nelson Atkins Museum de Kansas.

A man at a writing desk, by Rembrandt

Retrato de un hombre en un escritorio, 1631. Rembrandt. Museo del Ermitage, San Petersburgo.

La muestra sigue un orden cronológico, que abarca desde la tradición retratística inmediatamente anterior a la llegada de Rembrandt a Ámsterdam, el inicio de la renovación del género, proceso en el que Rembrandt fue decisivo, pasando por la efervescente producción de retratos en Ámsterdam en la “etapa dorada” pintor y sus últimas obras, en las que continuó  su trayectoria de una forma marcadamente personal.

También la exposición dedica, como broche final del recorrido, una excelente galería de grabados del genio holandés,  una técnica que trabajó con gran maestría y con la que también realizó excelentes retratos.

EL RETRATO ANTES DE REMBRANDT

Rembandt Harmenszoon van Rijn nació en Leiden en 1606 y no llegó a la ciudad de Ámsterdam hasta la década de 1630. En esta ciudad, entre 1590 y 1630 y fruto del auge económico en el que estaba inmersa la economía holandesa, existía un grupo de retratistas relativamente numeroso  que respondía a una alta demanda de este tipo de pintura. Entre los clientes de estos artistas se encontraban las personas que se habían enriquecido en este periodo de prosperidad o que habían contribuido a su desarrollo: antiguas familias de la ciudad, ricos inmigrantes de otras localidades y países… Muchas de estas familias y personalidades necesitaban viviendas adecuadas ( con su correspondiente ornamentación acorde a su estatus social) y las organizaciones cívicas precisaban de lugares de reunión representativos. Cualquiera que dispusiera del suficiente espacio en la pared y anhelase ser recordado era el cliente perfecto para los cada vez más numerosos retratistas de Ámsterdam.

Al tratarse, por tanto, de un género tan popular, podemos encontrar una gran variedad de tipos de retratos: artesanos trabajando, retratos individuales de eruditos y hombres de negocio de éxito, familias, gobernantes…y un gran número de retratos colectivos, entre los que destacaron los de cirujanos impartiendo lecciones de anatomía, hermandades o miembros de gremios.

dirck_santvoort_parte_del_arte_visitas_guiadas_madrid_thyssen

Gobernantas y celadoras de la Spinhuis, 1638. Dirck Santvoort. Amsterdam Museum

Rembrandt fue invitado a la ciudad por Hendrick Uylenburgh, marchante y pintor que lo convirtió en el director de su estudio de pintura, cargo que ostentó hasta 1636. Durante estos años Uylenburgh le introdujo en los círculos sociales de la ciudad, lo que supuso para Rembrandt la oportunidad de conocer clientes y mecenas. Además, se casó con Saskia Uylenburgh, hermana del marchante, lo que también contribuyó al ascenso social de Rembrandt. Pronto se convirtió en un fuerte competidor para su cuñado, se emancipó y abrió su propio estudio de pintura en Ámsterdam, en el que desarrolló varios géneros. Fueron años de prosperidad económica y reconocimiento para el pintor.

ÁMSTERDAM: CIUDAD DE RIVALES

El reconocimiento como gran retratista de Rembrandt y de otros de sus contemporáneos causó un efecto llamada, lo que derivó en una gran oleada de ambiciosos pintores que llegaban a la próspera ciudad con la idea de beneficiarse de la gran demanda de retratos. También llegaron a ser retratistas de éxito algunos de los colaboradores y alumnos de Rembrandt, como Ferdinand Bol, Govert Flinck o Gerbrand van den Eeckhout.

La ciudad de Ámsterdam se convierte así en escenario de un ambiente de sana competencia  artística, una verdadera lucha por conseguir el mayor número posible de encargos, lo que se tradujo en una extraordinaria calidad de los retratos, fruto del esfuerzo de sus autores por  deslumbrar a sus clientes en un lugar donde las opciones cada vez más numerosas.

AL MARGEN DE LAS TENDENCIAS. LA AUTENTICIDAD DE REMBRANDT.

En 1642 se produce un punto de inflexión en la carrera de Rembrandt al fallecer su esposa. El pintor se queda viudo y al cargo de su hijo Tito, de apenas un año de edad. Su ritmo de trabajo comienza a disminuir y enseguida llegan los problemas económicos.

En 1647 ingresa en el servicio de su vivienda la que se convertirá en su pareja definitiva, Hendrickje Stoeffels, con la que tendrá a su hija Cornelia. La imposibilidad de volver a casarse con su nueva compañera ( ya que perdería la herencia de su esposa fallecida), les convirtió en una pareja señalada socialmente, lo que contribuyó a que su situación fuese cada vez más delicada.

rembrandt_exposicion_thyssen_parte_del_arte_madrid

Mujer con capa de piel, posiblemente Hendrickje Stoffels, 1652. Rembrandt. The National Gallery, Londres.

Hacia mediados de siglo, además, el panorama artístico de Ámsterdam estaba experimentando algunos cambios. Empezaron a surgir una serie de artista precursores de un estilo “académico” con una orientación más internacional en los retratos, que enseguida comenzó a sustituir el estilo anterior.

Sin embargo, y a pesar de las dificultades, Rembrandt siguió su propia evolución estilística y se mantuvo fiel a su estilo, reduciendo los colores de su paleta y desarrollando un estilo que se consideró demasiado adusto e inadecuado para algunos encargos oficiales, lo que le desvió de ciertos circuitos que podrían haberle reportado beneficios. Aún así, Rembrandt continuó pintando y recibiendo encargos; aunque no tuvo el éxito de etapas anteriores seguía siendo considerado un artista importante y reconocido que influyó en numerosos artistas posteriores.

venus_y_ cupido_rembrandt_parte_del_arte_visitas_guiadas_madrid

Venus y cupido, posiblemente Hendrickje y Cornelia, hacia 1657. Rembrandt. Museo del Louvre, París.

Rembrandt les otorgó a sus retratados una libertad poco usual en el mundo del retrato, siendo uno de los impulsores de la renovación retratística del primer tercio del siglo XVII. Sus protagonistas adquieren un tratamiento similar al de los personajes mitológicos de sus obras: poses dinámicas que sugieren la interacción con el público, utilización del claroscuro, cualidades narrativas….y sobre todo, la representación de las emociones humanas. Con el paso del tiempo el interés de Rembrandt se fue centrando más en los rasgos esenciales de sus retratados concentrados especialmente en el rostro, lo que le llevaba a un interés mayor en la representación del carácter o la personalidad que en el parecido físico del retratado.

Esta extraordinaria capacidad de hacer conectar al espectador con el retratado es la clave del éxito del Rembrandt retratista, que consiguió que, en pleno siglo XXI, sus obras sigan causando una fascinación sin límites.

autorretrato_rembrandt_parte_del_arte_visita_guiada_thyssen_exposiciones_madrid

Autorretrato dibujando frente a una ventana, 1648. Rembrandt. Biblioteca Nacional, Madrid.

¿Quieres sentir en tu propia piel esta fascinación? En Parte del Arte lo hacemos posible, ofreciéndote una experiencia mucho más allá de una simple visita guiada. Una guía especialista en arte te introducirá en cada cuadro como si se tratase de una ventana, en la que nos asomaremos para conectar con todo un mundo de emociones y sensaciones.

¡No te lo pierdas y reserva ya!

INFORMACIÓN DE INTERÉS


Fechas y horarios:

  • Viernes 21 de febrero a las 16.30h
  • Miércoles 29 de abril a las 16.30h
  • Jueves 30 de abril a las 17.30h.

PVP: 23€/ persona. Incluye: Visita guiada por especialista+sistema de recepción de sonido para una óptima escucha de las explicaciones del guía + entrada a la exposición

Punto de encuentro: Hall interior del Museo Thyssen. Paseo del Prado, nº 8.

Cómo llegar: Metro: Banco de España (L2)/ Bus: 6, 10, 14, 26, 27, 32, 34, 37, 45

*IMPRESCINDIBLE RESERVA PREVIA. Puedes hacerla en info@partedelarte.es o en el 645438576.

¡Recuerda! Si no quieres perderte ninguna de nuestras experiencias culturales suscríbete a nuestra newsletter en http://www.partedelarte.com o síguenos en nuestras redes sociales: Facebook, twitter, instagram ( @parte_del_arte)  y nuestro canal de Youtube.

¡Te esperamos!

 

 

 

 

 

 

 

“De Madrid al cielo” Parte del Arte en la Azotea del Hotel Riu Plaza España

Ya sabéis que en Parte del Arte nos encantan las azoteas. Por ello esta semana visitamos, antes de cumplir la segunda semana de haber abierto, De Madrid al Cielo, la azotea del nuevo Hotel Riu Plaza España que ha revolucionado el mundo de las azoteas de Madrid al mostrar una de las vistas más espectaculares y completas de Madrid desde las alturas.

Sigue leyendo ¡Te lo contamos todo!

UN EDIFICIO MUY ESPECIAL

El Edificio España donde ahora se encuentra el recién inaugurado Hotel Riu Plaza España tiene 117 metros de altura y es el octavo más alto de Madrid. Su construcción se inició en los años cincuenta del s. XX (1948-1953) y fue construido por los hermanos Otamendi. Se trata de uno de los edificios más representativos del Madrid de la época autárquica debido a su lenguaje de carácter nacionalista, con una decoración neo-barroca con interiores lujosos.

hotel_riu_plaza_españa_parte_del_arteExterior del magestuoso edificio que alberga el Hotel Riu Plaza España

Fue concebido como una pequeña ciudad autosuficiente al modo americano, con cinco accesos, 32 ascensores, antiguamente constaba de hotel, apartamentos, oficinas comerciales una terraza jardín. Un lugar verdaderamente especial desde sus inicios.

riu_azotea_hotel_parte_del_arte_madrid

En 2012 el edificio cerro y quiso se comprado por un magnate chino con intención de realizar una profunda transformación del edificio,eliminando algunos elementos originales, lo que supuso una gran polémica. Finalmente la venta no fue aprobada por el Consistorio y tras un paso de manos, finalmente fue comprado por la cadena Riu que lo ha transformado en un extraordinario hotel sin renunciar a los elementos genuinos del edificio.

 

LAS MEJORES VISTAS DE MADRID

La azotea del Hotel Riu Plaza España se ha transformado en estos pocos días que lleva abierta en la más visitada de Madrid y sin duda en la terraza de moda de este verano. En Parte del Arte no nos hemos querido perder su apertura y hemos ido a disfrutar de estas extraordinarias vistas para contároslo todo.

A continuación te ofrecemos todas las claves para tu visita a esta magnífica azotea ¡Merece la pena!

azotea_plaza_españa_riu_hotel_plaza_españaVistas desde una zona de la azotea De Madrid al Cielo

LLEGAR AL CIELO

Para llegar a la terraza del Riu Plaza España hay que subir hasta la planta 26 en un rápido ascensor, ¡Algo curioso! fijaos cuando subáis en el ascensor no veréis la planta 13, (ni tampoco hay habitación 13), por aquello de la superstición. Al salir del ascensor entrareis en una discoteca que próximamente inaugurarán, así que estad atentos! pero no os quedéis ahí porque el espectáculo solo acaba de empezar…

parte_del_arte_visitas_azotea_de_madrid_al_cieloVistas hacia Gran Vía desde la azotea De Madrid al Cielo

Habréis llegado al Cielo! Desde luego el nombre le hace justicia, pues sus vistas son espectaculares, y es como estar en el verdadero cielo madrileño, nos atreveríamos a decir que una de las mejores de Madrid en todos los tiempos y estamos seguros de que se convertirá en destino turístico por aquellos que visten nuestra ciudad, ya que se trata del punto mas elevado y mas céntrico de Madrid.

De Madrid al Cielo es una terraza con vistas 360 grados desde la que podéis ver todo Madrid y donde podéis jugar a reconocer los edificios y cúpulas que despuntan de la masa arquitectónica madrileña.

azotea_riu_plaza_españa_parte_del_arteVistas desde la azotea de la azotea De Madrid al Cielo ( se pueden apreciar al fondo las cúpulas de Príncipe Pío)

Asombrados quedareis cuando veáis la pasarela de cristal colgada, desde luego la nueva atracción turística, es impactante si sois valientes y sobre todo si no sufrís del mal de altura, os animamos a pasar por ella, es de cristal totalmente transparente y desde ella tendréis Madrid a vuestros pies. 

azotea_riu_plaza_espac3b1a_madrid_parte_del_arte.jpgSalto mortal de Natalia sobre la pasarela de cristal. Sólo apto para valientes

DATOS DE INTERÉS

parte_del_arte_azotea_hotel_riu_plaza_españa

-Lugar: El Hotel Riu Plaza España se encuentra en la Plaza de España al finalizar la Gran Vía.

-Horario: De 10:00 a 2:00h de lunes a viernes. Fines de semana y festivos de 11:00 a 2:00h. El último pase es a la 1:00h.

– Precio: Para subir el precio es de  5 euros por persona antes de las 18:00h y 10 euros a partir de las 18:00h de los cuales, en ambos casos, se descontarán 5 euros de la consumición que toméis en la azotea.

-Es entrada libre y no hace falta reservar para subir a la azotea.

-Os recomendamos subir antes de las 17:00h si no queréis hacer cola, ademas pagareis menos.

No os perdáis una nueva azotea de imprescindible visita en Madrid. Si finalmente la visitas, hazte una foto, súbela a Instagram, etiqueta a @Parte_del_arte y cuéntanos que tal tu experiencia desde el Cielo de Madrid.

www.partedelarte.com

 

La magia del Renacimiento en los pinceles de Fra Angelico

¿Cómo el verano? Desde Parte del Arte esperamos que muy bien tanto para los que estáis de vacaciones como para los que ya os encontráis de vuelta. Nosotras ya estamos al pie del cañón, realizando rutas nocturnas estos días de verano y diseñando y preparando todos nuestros cursos de arte en Madrid para la temporada 2019/2020. Este nuevo curso tenemos sorpresas y promociones nuevas que hemos preparado con la ilusión, el rigor y la profesionalidad que nos caracteriza. Para no perderte nada entra en nuestra web www.partedelarte.com y suscríbete a nuestra newsletter, en la que te informaremos de novedades, visitas especiales, promociones…

¿Te unes a nuestra comunidad?

En Parte del Arte estamos siempre en contacto con las tendencias culturales y os ponemos en conexión con los eventos y exposiciones más significativos de Madrid. Uno de los acontecimientos más importantes de este año es el de la celebración del bicentenario del Museo del Prado, para la cual la pinacoteca ha organizado excelentes exposiciones, como Velázquez, Rembrandt y Vermeer. Miradas afines, de la que os hablábamos recientemente en nuestro blog ( puedes leer el artículo aquí), que guiaremos en el mes de septiembre (más info aquí) y la muestra Fra Angelico y los inicios del Renacimiento en Florencia, de la que haremos un seminario y una visita acompañada el próximo mes de septiembre.

fra_angelico_visitas_guiadas_parte_del_arte.jpgDetalle de Historia de los padres del desierto. Fra Angelico ( Florencia, Galería de los Ufizzi). 1419-1420.

UNA MUESTRA AMBICIOSA

Teniendo en cuenta que este año no es un año cualquiera para el Museo, las exposiciones que podemos contemplar enmarcadas en la celebración del bicentenario son especialmente ambiciosas. En el caso de la exposición de Fra Angelico y los inicios del Renacimiento en Florencia este esmero queda patente en la reunión de un número más que considerable de obras de Fra Angelico que se exponen en diálogo con obras de otros artistas del periodo que nos ayudan a comprender mejor esa maravillosa Florencia del Renacimiento, como  Masaccio, MasolinoFilippo Lippi, Donatello o Ghiberti.

Por otro lado, uno de los aspectos más interesantes de la exposición y uno de los grandes motivos por los que el Museo del Prado escogió la figura de Fra Angelico para este año es la gran restauración de la tabla más icónica del artista  dentro de las colecciones del Prado. La Anunciación de Fran Angelico se ha sometido en los últimos meses a un exhaustivo proceso de restauración cuyo resultado es verdaderamente impactante.

Hoy en BaluArte os hablamos de dos de las piezas más importantes de la muestra, La Virgen de la Granada, recientemente adquirida por la Fundación de Amigos del Museo del Prado y la propia Anunciación y su proceso de restauración, aunque podrás disfrutar y conocer todas las claves de la muestra en nuestro seminario.

exposicion_museo_del_prado_parte_del_arte_visitas_guiadasDetalle de la obra Cristo glorificado. Tablas del retablo mayor de San Doménico de Fiésole. Fra Angelico. Londres, The National Gallery. 1421-1422.

UNA OBRA MUY ESPECIAL. LA VIRGEN DE LA GRANADA

Esta extraordinaria obra forma parte de una serie de Vírgenes con Niño que Fra Angelico pintó en la década de 1420, un momento en el que al artista ya demostraba un gran conocimiento y dominio de los espacios, los volúmenes, la anatomía y la luz.

En ella podemos ver una majestuosa Virgen entronizada en cuyo regazo se sienta el Niño Jesús. Ambas figuras están flanqueadas por dos ángeles que sujetan un manto  dorado de una extraordinaria calidad. Probablemente lo más llamativo de la tabla es la granada que sostiene la Virgen en su mano y que también está en contacto con la mano del Niño. La iconografía de la granada fue muy popular en la Florencia del siglo XV, lo que se puede ver en obras de otros artistas del momento como Leonardo da Vinci o Boticelli.

En este caso concreto el significado de la granada es doble. En relación a la Virgen, se trata de un símbolo que alude a la castidad, y en relación al Niño, se convierte en un elemento que prefigura la muerte y resurrección de Cristo.virgen_de_la_granda_visitas_guiadas_parte_del_arte

La Virgen de la Granada. Fra Angelico. Museo del Prado. Hacia 1426.

Otro dato que llama la atención sobre esta obra y que la hace especial es la extraordinaria calidad de los materiales con los que está realizada, algo especialmente visible en la gran cantidad de oro que podemos encontrar, ya que no solo se limita al paño de honor y los nimbos como en otras obras de esta tipología, sino que se puede apreciar también en las alas de los ángeles y también como base para el suelo con hierba donde se asientan las figuras. Estos datos, aunque se desconoce quien encargó esta obra y los motivos, nos indican que se trató, sin duda alguna, de un encargo de importancia para el artista.

Actualmente se considera por los expertos como una de las obras más bellas de la producción de Fra Angelico y una de las que más tiempo ha tardado en incorporarse a una institución museística, ya que desde el siglo XIX, momento en el que comenzó el interés coleccionista por los autores del primer Renacimiento, permaneció en manos de la Casa de Alba.

El pasado 2016 se cerró la venta de la obra en dieciocho millones de euros, de los cuales diez fueron aportados por el Estado, cuatro por la Fundación de Amigos del Museo del Prado y otros cuatro con fondos del propio museo.

RECOBRANDO EL ESPLENDOR PERDIDO. LA ANUNCIACIÓN.

La Anunciación está datada cronológicamente entre 1423 y 1429, momento en el que Fra Angelico ya había tomado los hábitos en el Monasterio de Santo Domingo de Fiésole, lugar para el que fue pintada. Se cree que la obra fue sufragada por Angelo di Zanobi di Taddeo Gadi, nieto del famoso pintor Tadeo Gaddi.

la_anunciacion_parte_del_arte_visitas_guiadasLa Anunciación. Fra Angelico. Museo del Prado.1425-1426.

La obra nos muestra el conocido pasaje de la Anunciación del nacimiento de Jesús a la Virgen a través del arcángel Gabriel. La escena principal se desarrolla en una estructura arquitectónica abovedada que sigue las pautas indicadas por Brunelleschi en 1425 para los retablos de la catedral de San Lorenzo: la arquitectura debe ser cuadrada y sin adornos. Además, sigue los pasos de la representación arquitectónica de sus colegas Masolino y Masaccio en la Capilla Brancacci. Estos datos indican cómo el joven Fra Angelico (su nombre real era Guido di Piero) ya conocía los últimos avances que se estaban produciendo en el arte toscano.

Tras el motivo principal nos encontramos la escena de la expulsión del Paraíso de Adán y Eva, lo que completa el significado simbólico de toda la obra ( la expulsión haciendo alusión al Pecado y la salvación del hombre a través de la llegada de Cristo en la Anunciación). En esta segunda escena se puede apreciar la influencia de Gentile da Fabriano, otro gran artista influyente del momento, en la minuciosidad en la representación de las flores, la vegetación del Paraíso y los objetos, y en el recurso de unificar el espacio mediante la arquitectura.

La obra se remata en la parte inferior con una predela en la que se muestran en tamaño reducido escenas de la vida de la Virgen en las que se puede ver la destreza del artista trabajando con el pequeño formato, algo lógico teniendo en cuenta que la formación de Fra Angelico y sus primeros pasos en el mundo del arte se produjeron dentro del ámbito de la iluminación de manuscritos.

QUE SE HAGA DE NUEVO LA LUZ. LA RESTAURACIÓN DE LA ANUNCIACIÓN

A pesar de la gran cantidad de obras de artistas destacados, y del propio Fra Angelico, que podemos contemplar en la exposición, probablemente la que más impacta al visitante es La Anunciación. No es de extrañar, ya que quien ya conocía la obra la reedescubre en esta cita. Todo esto ha sido posible gracias a la extraordinaria restauración que se ha llevado a cabo los últimos meses. Ha sido un trabajo minucioso y exhaustivo, puesto que la técnica con la que está realizada la obra, el temple al huevo, es extremadamente delicada. Aunque aparentemente la tabla no parecía estar en muy mal estado, la capa pictórica presentaba numerosos repintes de restauraciones anteriores poco afortunadas y una gran capa de suciedad, dos motivos por los que la obra no brillaba con todo su esplendor. Gracias a esta restauración podemos actualmente contemplar elementos que hasta ahora nos pasaban desapercibidos, como la perspectiva real de la arquitectura, el color verdadero de los arcos y los capiteles, que ya no son gris pardo sino blanco luminoso, así como la fisionomía real del ala del ángel y el manto lapislázuli de la Virgen, los elementos más repintados en la ultima restauración en los años 40. Un proceso de gran dificultad que le ha devuelto a La Anunciación el esplendor, el color, el espacio y esa luz espiritual que salió directa del pincel de Fra Angelico.

angel_visitas_guiadas_parte_del_arte_fra_angelicoDetalle del ala del ángel antes y después de la restauración

¿Interesante, verdad? Pues descubre con Parte del Arte todas las claves de estas y muchas otras obras de Fra Angelico y sus contemporáneos en nuestro seminario el próximo mes de septiembre ( Proximamente más información)

¡Y recuerda! También guiaremos la otra gran muestra del Museo del Prado: Velázquez, Rembrandt y Vermeer. Miradas afines. El día 13 de septiembre a las 12.00 y el 20 de septiembre a las 12.00 y a las 17.30h. Toda la información y reservas en nuestra web.

¡Te esperamos!

 

 

 

 

 

 

 

 

Madrid al fresco: Las mejores terrazas de Madrid

En Parte del Arte estamos a tope trabajando para ofreceros las mejores experiencias culturales, cursos de arte en Madrid y viajes culturales el próximo curso 2019/2020. Pero antes de irnos de vacaciones queremos ayudaros a combatir el calor madrileño de estos días con un ranking de las 5 terrazas que más nos gustan de Madrid, algunas escondidas y otras en las alturas…donde poder disfrutar de una cerveza fresquita, una caña o un buen cocktail.

¡Comenzamos!

Terraza del Florida Retiro.

Junto a la icónica cúpula de Fernando VII, sobre el pabellón, se encuentra escondida entre las copas de los árboles esta exclusiva terraza, desde la que se pueden ver los preciosos atardeceres que nos ofrece el Parque del Retiro. Además de poder disfrutar de una deliciosa cena en un entorno que recuerda a los oasis del desierto de Marruecos, se puede disfrutar de una extraordinaria coctelera a cargo del barman de Florida Retiro, Miguel Ángel Jiménez.

(Paseo de Panamá s/n. Parque del Retiro)

parte_del_arte_florida_retiro_madrid
Una de las zonas chillout de la Terraza del Florida Retiro ( Imagen: www. floridaretiro.com)

 Picalagartos Sky-Bar.

parte_del_arte_vistas_picalagartos_madrid.jpg

Vista del edificio Telefónica desde la terraza de Picalagartos (Imagen: Parte del Arte)

Este año, Parte del Arte estuvo presente en el primer cumpleaños de esta terraza, situada en el Hotel NH Collection Gran Vía. Bautizado con el nombre de la famosa taberna de Luces de Bohemia de Valle-Inclán, se encuentra situado en lo alto de un precioso edificio de estilo neobarroco construido en 1918 por los arquitectos Julio Martínez Zapata y José López Sallaberry.

parte_del_arte_visitas_guiadas_azotea_picalagartosAdemás de ofrecer una amplia variedad de cócteles, en la azotea de Picalagartos puedes disfrutar de su carta de picoteo entre la que puedes encontrar croquetas, tablas de embutidos y otros platos más elaborados. Además, Azotea Group, la empresa que gestiona el local, ha creado Gastroescuela, un interesante proyecto en colaboración con Coca-Cola en el que se apuesta por la inclusión laboral de jóvenes en situaciones de vulnerabilidad.                        (Calle Gran Vïa, 21. Octava planta)

parte_del_arte_azotea_picalagartos_visitas_guiadas_madrid-e1563789747466.jpg

Vistas de Madrid desde la azotea de Picalagartos durante la celebración del primer cumpleaños del espacio (Imagen: Parte del Arte)

 Raimunda. Palacio de Linares

El Palacio de Linares esconde muchos secretos. Os contamos algunos de ellos en nuestra ruta Madrid Oculto y Misterioso. Fantasmas, palacios y casas encantadas, pero en esta ocasión os hablamos de la preciosa terraza que esconde en su jardín. En este bello jardín podrás disfrutar de un entorno único y una comida exquisita que combina la cocina iberoamericana con platos autóctonos, ofreciendo experiencia culinaria única para disfrutar con todos los sentidos, ya que su decoración combinado con las vistas del palacio y todas las plantas del jardín son un verdadero espectáculo.

(Paseo de Recoletos, 2)

raimunda_parte_del_arte_terraza.jpg

Terraza del Restaurante Raimunda, en el Palacio de Linares ( Imagen: http://www.decoracion.trendencias.com)

The Principal.

La terraza del Hotel The Principal es una de las más privilegiadas de la ciudad, ya que, al estar situada al inicio de Gran Vía, ofrece unas vistas inmejorables de la gran arteria madrileña y de algunos de sus edificios más emblemáticos, como el edificio Metrópoli. En esta preciosa azotea, que cuenta con una sencilla decoración atemporal embellecida por una fuente que proporciona un agradable sonido, se puede disfrutar de una coctelería de lujo. Y además, si vais de nuestra parte (Parte del Arte) os harán un 15% de descuento tanto en la carta del restaurante como en el alojamiento.

(Calle del Marqués de Valdeiglesias, 1)

the_principal_parte_del_arte_madrid

Vistas desde la azotea de The Principal al atardecer. (Imagen: Parte del Arte)

Dear Hotel.

dear_hotel_parte_del_arte_madrid.jpg

Vistas desde la azotea del Dear Hotel (Imagen: Parte del Arte)

El Dear Hotel también cuenta con una ubicación extraordinaria, en este caso muy próxima a Plaza España, por lo que también se pueden disfrutar de unas espectaculares vistas mientras se disfruta de una copa, una cerveza o un vino al atardecer tras un largo día de trabajo. Además, cuenta con un solárium y una piscina, aunque lamentablemente estas instalaciones están reservadas exclusivamente para clientes del hotel.

(Gran Vía, 80)

parte_del_arte_amdrid_visitas_azoteas_hotel_dear

Natalia y Laura brindando con las preciosas vistas hacia Plaza España en la azotea del Dear Hotel (Imagen: Parte del Arte)

¿Cuál vas a probar? Si lo tuyo es lo de ponerse a remojo aquí te dejamos nuestro post sobre las mejores azoteas con piscina de Madrid para que puedes darle un respiro al calor sin salir del centro de la ciudad.

¡ Y recuerda!

En septiembre Parte del Arte vuelve con muchas más experiencias culturales, visitas guiadas a exposiciones como Velázquez, Rembrandt y Vermeer en el Museo del Prado o Balenciaga y la pintura española en Museo Thyssen y un estupendo monográfico + visita a la exposición de Fra Angelico en Museo del Prado.

¡Muy atentos a nuestras Redes Sociales y a nuestra web www.partedelarte.com para no perderos nada!

¡Os esperamos!