La reapertura del Museo del Prado: el Reencuentro

Ya estamos a las puertas de llegar a la ansiada fase dos y en Parte del Arte estamos preparándonos para ello. Esta nueva semana, clausuramos nuestro segundo ciclo de cursos on line pero os anunciamos que AMPLIAMOS todo el mes de julio todos nuestros cursos: Conoce Madrid, Exposiciones y Colecciones de Madrid y Grandes Momentos de la Historia. Abrimos plazo de inscripción desde el lunes 8 de junio hasta el viernes 12 de junio.Puedes ver todo el catálogo de cursos aquí.

Además, seguimos en contacto a través de nuestras Redes Sociales. Facebook, Twitter, Youtube e Instagram, donde continuamos cada día a partir de las 20.00h. con pequeños recorridos culturales por Madrid. Además, en nuestra web http://www.partedelarte.com podrás encontrar todas nuestras experiencias y podrás estar informado de todo. También con BaluArte, nuestro blog, te abrimos pequeñas ventanas a diferentes temas de actualidad sobre Madrid y sobre el contenido de nuestros cursos para que estés al día de todo.

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Estamos trabajando para ofrecerte nuevas experiencias que se ajusten a los nuevos tiempos y que garanticen la seguridad de todos.

No somos las únicas que nos adaptamos a los nuevos tiempos, ya que los museos e instituciones culturales de la ciudad también están preparando y ya se van incorporando de forma paulatina a esta “nueva normalidad”. Sin duda, el Museo del Prado, la pinacoteca española más importante, era una de las instituciones que con mayor empeño  ha preparado  su  reapertura, que se ha ido postergando en las últimas semanas para poder ofrecer todas las garantías sanitarias estipuladas por el Gobierno de España. El Prado que, junto a otros importantes museos estatales, ha reabierto el sábado 6 de julio, lo ha hecho con la inauguración de una exposición especial con la que ofrecer a los asistentes sus grandes tesoros de una forma muy particular.

VOLVER AL MUSEO DEL PRADO

Bajo el título de Reencuentro se ha establecido un recorrido reducido a las instalaciones del Prado con el fin de controlar mejor el aforo y garantizar las medidas sanitarias, pero garantizando también el disfrute del público y asegurando la visita a las obras más significativas.

La Galería Central es el lugar aglutinador y eje vertebrador que el museo ha establecido para su recorrido, un amplio espacio arquitectónico en el que la incidencia de la luz natural supone un factor imprescindible y en el que se podrá disfrutar de obras emblemáticas de la exposición, que se nos ofrecen de una forma diferente a la habitual pero en la que la esencia del Prado permanece muy reconocible. Las galerías adyacentes al espacio central también forman parte de la exposición.

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Acceso a la exposición “Reencuentro” en el Museo del Prado en su reapertura el sábado 6 de junio. ( Foto: Parte del Arte)

La muestra está compuesta por un total de 249 obras y aunque el criterio general suele ser el cronológico, dada la excepcionalidad y las circunstancias, el museo ha eliminado en algunas secciones la distribución tradicional de las obras por escuelas y ha establecido nuevos diálogos entre autores y obras de diferente procedencia geográfica haciando hincapié en interesantes aspectos como las influencias artísticas que ejercieron unos sobre otros, quiénes se admiraron y quiénes fueron rivales.

LAS GRANDES OBRAS

Las primeras obras pictóricas ya nos adelantan lo que nos vamos a encontrar. Se trata de dos pinturas icónicas, restauradas en tiempos recientes y que lucen en todo su esplendor: La Anunciación de Fra Angelico y el Descendimiento de Rogier van der Weyden, reunidas de forma sorprendente por primera vez en la historia del museo. Es el primero de una serie de interesantes diálogos entre artistas dispares, como es el caso de Goya y Rubens, que se ven las caras a través del tema mitológico que trataros ambos: Saturno devorando a sus hijos.

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La Anunciación. Fra Angelico. Hacia 1426. Museo Nacional del Prado ( Foto: Museo Nacional del Prado)

Además, una de las salas del museo, probablemente la más visitada, se ha engalanado de forma diferente para reencontrarse con el público. Se trata de la sala de Las Meninas, en la que se ha hecho una importante labor de investigación y reestructuración y se ha recuperado el aspecto que esta sala presentaba cuando el museo abrió sus puertas por primera vez hace doscientos años. De este modo, Las Meninas comparten espacio con los bufones de Velázquez y con Las Hilanderas. Eso si, esta vez podremos disfrutar de ellas sin las aglomeraciones habituales, ya que el número de visitantes diarios se establece en un tercio de la capacidad de ocupación de las salas.

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Las Meninas. Diego de Silva de Velázquez. 1656. Museo Nacional del Prado. ( Foto: Museo Nacional del Prado)

UN ITINERARIO PARA LA HISTORIA

La exposición está llena de sorpresas. Una de ellas, sin duda, es la que nos ofrece la escultura de Carlos V y el Furor, de Leone y Pompeo Leoni,  que por primera vez desde hace décadas aparecerá desprovista de su armadura, representado así al monarca desnudo, a la manera de un héroe clásico. Él será el encargado de de dar la bienvenida al visitante para conducirle hacia la Galería Central. En su antesala le esperan las ya mencionadas  La Anunciación de Fra Angelico y el Descendimiento de Rogier van der Weyden.

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La escultura de Carlos V y el furor de Leone y Pompeo Leoni, desprovista de su armadura por primera vez en décadas (1) Museo Nacional del Prado ( Foto: Museo Nacional del Prado)

 Se accede a continuación a un primer tramo de la gran galería (salas 25 y 26), que alberga obras de El Bosco, Patinir, Tiziano, Correggio, Rafael, Juan de Flandes, Veronés, Tintoretto y Guido Reni, por citar tan solo a algunos de los artistas italianos y flamencos de los siglos XVI y XVII aquí representados. Los retratos de Tiziano de los primeros Habsburgo, presididos por el archiconocido retrato ecuestre de Carlos V en Mülhberg, se mantendrán en el corazón de la Galería Central (sala 27) frente a dos de las Furias, encargadas de flanquear el acceso a la Sala XII.

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Acceso a la galería central dentro del recorrido de la exposición Reencuentro en el Museo Nacional del Prado. ( Foto: Parte del Arte)

La reunión por primera vez, desde al menos 1929, de Las Meninas y Las Hilanderas junto a todos los bufones de Velázquez, así como otros retratos y escenas religiosas supondrán, sin duda, uno de los momentos más emocionantes de toda la muestra. La parte final de la Galería (salas 28 y 29) acoge la pintura religiosa y mitológica de Rubens, mostrando además un magnífico guiño a Tiziano a través de su Dánae. Este espacio dota, además, a Las Lanzas de Velázquez de un nuevo contexto mediante su inclusión entre los retratos ecuestres de El duque de Lerma y El cardenal infante don Fernando.

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Dánae recibiendo la lluvia de oro. Tiziano Vecellio, 1560-1565. Museo Nacional del Prado. ( Foto: Museo del Prado)

En las salas del ala norte que flanquean la Galería (salas 8B, 9B y 10B), Ribera y el naturalismo español (junto a nombres fundamentales como Maíno y Zurbarán)  conviven con el europeo (protagonizado por Caravaggio y Latour), al igual que lo hacen Clara Peeters y los bodegonistas españoles coetáneos. Por otro lado, El Greco comparte estancia con Artemisia Gentileschi, pudiendo apreciar la labor de retratistas como Sánchez Coello, Sofonisba Anguissola y Antonio Moro reunida de manera muy orgánica.Bodegón con flores, copa de plata dorada, almendras, frutos secos, dulces, panecillos, vino y jarra de peltre

Bodegón con flores, copa de plata dorada, almendras, frutos secos, dulces, panecillos, vino y jarra de peltre. Clara Peeters, 1611. Museo Nacional del Prado. ( Foto: Museo Nacional del Prado)

La zona sur (sala 16B) acoge la obra de los maestros españoles de la segunda mitad del siglo XVII, con Murillo y Cano como principales protagonistas, a los que acompañan artistas contemporáneos de la escuela francesa, como Claudio de Lorena, y la flamenca, como Anton van Dyck.

Santa Isabel de Portugal

Santa Isabel de Portugal. Francisco de Zurbarán, 1635. Museo Nacional del Prado. ( Foto: Museo Nacional del Prado)

Un verdadero punto de fuga para la Galería Central converge en la sala 32 con La familia de Carlos IV y el 2 y el 3 de mayo de Goya, que se presentan en paredes enfrentadas. El genio aragonés, de quien se muestra también su actividad como retratista (salas 35 y 36), es vinculado a otros artistas del siglo XIX a través de su obra El perro semihundido.

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La familia de Carlos IV. Francisco de Goya, 1800. Museo Nacional del Prado. ( Foto:Museo Nacional del Prado)

NO SON TODAS LAS QUE ESTÁN

     Como las palabras, a veces se dice más con lo que se calla que con lo que se dice. Son, sin duda, muchas las grandes obras que se han tenido que quedar necesariamente fuera de esta muestra. Algunas de las obras maestras excluidas como centro de Reencuentro pueden verse en salas adyacentes, como las Bacanales de Tiziano o la Inmaculada de Tiépolo, despidiendo al espectador a la salida del Museo. Para algunos de los títulos más emblemáticos, como El jardín de las Delicias de El Bosco o la Judit de Rembrandt, se deberá esperar hasta mediados de septiembre, cuando se despida esta muestra y se regrese, según los planos previstos, a esa “nueva normalidad” también en el Prado…

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Tríptico de El Jardín de las delicias. Jheronimus van Aken, El Bosco, 1490-1500. Museo Nacional del Prado ( Foto: Museo Nacional del Prado)

En Parte del Arte estamos deseando pisar de nuevo contigo estas salas y las de todos los museos de Madrid y por ello estamos diseñando interesantes experiencias y propuestas para que nuestro regreso sea seguro. Si no te lo quieres perder suscríbete a nuestra nesletter y te avisaremos por correo de todas las novedades. Además, en nuestras Redes Sociales Facebook, TwitterInstagram  y Youtube también estaremos compartiendo contenido e información sobre todos nuestros próximos pasos.

¡Nos vemos en las redes! ¡Y muy pronto en los museos!

 

 

 

UN ICONO DEL LUJO. EL COMPLEJO CANALEJAS: GALERÍA Y HOTEL FOUR SEASONS

Arranca la semana con muchas ganas en Parte del Arte, ya que comenzamos la segunda edición de nuestros cursos on line entre los que puedes encontrar Conoce Madrid, Exposiciones y Colecciones de Madrid y Grandes Momentos de la Historia. La primera edición ha sido un gran éxito y nos sentimos muy agradecidas e ilusionadas en poder seguir a vuestro lado cumpliendo nuestra misión de acercaros el arte y la cultura de Madrid.

Como siempre, seguiremos también en contacto con vosotros a través de nuestras Redes Sociales: Facebook, Twitter y también en Instagram, donde seguiremos realizando directos cada día a partir de las 20.00h con pequeños paseos culturales por Madrid en los que os comentamos curiosidades y una vez a la semana para hablar de arte, historia y entrevistas a personajes interesantes del mundo de la cultura. (También podrás encontrar estos directos de forma diferida en nuestro canal de Youtube).

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Equipo de Parte del Arte ( de izquierda a derecha: Isabel Cámara, Laura de la Faya, Esther Arce y Natalia Nuñez, fundadora y directora del proyecto).

También en nuestro blog publicamos semanalmente artículos en los que os hablamos de historia, arte, cultura…y de lugares maravillosos de Madrid. Por ello, esta semana os hablamos de un lugar impresionante que, tras varios años de obras y un trabajo titánico está listo para que, en cuanto pase la crisis sanitaria del coronavirus, podamos disfrutarlo en todo su esplendor. Se trata del complejo Canalejas de la Calle Alcalá.

¿Quieres saber más? Pues sigue leyendo

CENTRO CANALEJAS. UNA OBRA TITÁNICA

Ya casi nos habíamos acostumbrado los madrileños a ver los andamios en ese complejo de edificios situado entre la Plaza de Canalejas y la calle Alcalá y es que, durante todos estos años hemos asistido a una de las rehabilitaciones arquitectónicas más impresionantes y ambiciosas de los últimos tiempos en Madrid. Por fin, los andamios han desaparecido y el Complejo Canalejas luce en todo su esplendor y embellece como pocos la Calle de Alcalá y su vecina Carrera de San Jerónimo.

Es el mastodóntico resultado de una obra larga  que supone la culminación de décadas de transformaciones y anexiones de un total de siete edificios construidos en los primeros años del siglo XX.

Acompáñanos a conocer esta fascinante historia.

SIETE EDIFICIOS EN UNO.

El origen de este conjunto de edificios se encuentra en la antigua sede del Banco Hispano Americano que había sido construida en 1902 por el arquitecto Eduardo Adaro y Magro en torno a la recién estrenada Plaza de Canalejas madrileña.

El edificio se transformó sustancialmente en 1942, momento en el que se aprovechó la absorción de la Banca Sanz por el Banco Hispano Americano para unificar los edificios de ambas entidades ( la sede de la Banca Sanz estaba muy próxima, en el nº 12 de la calle Alcalá) en todos sus niveles, lo que le permitió al banco abrir una nueva entrada que diese a la Calle Alcalá. Un año después, se hace una nueva adquisición por parte del banco. En esta ocasión fue la antigua sede de Credit Lyonnais, que correspondía con el nº 8 de la Calle Alcalá y el nº7 de la Carrera de San Jerónimo.

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Carrera de San Jerónimo a la altura de la Plaza de Canalejas. A la derecha se puede ver parte de la fachada de la sede del Banco Hispano Americano.

Fruto de estas tres construcciones surgió un aglomerado complejo con varios patios interiores y una organización cada vez más enrevesada que terminó siendo confusa y laberíntica.

Lejos de que el crecimiento cesara,  a partir del año 1975 siguió aumentando y se prolongó hasta finales de los años 90, fruto de fusiones entre entidades bancarias situadas en las proximidades, hasta llegar a estar constituido por un total de siete edificios, entre los que destacan, en esta última etapa, el Palacio de la Equitativa, situado en la confluencia entre las calles Alcalá y Sevilla. Una preciosa joya arquitectónica construida a finales del siglo XIX por el arquitecto José Grases Riera.

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 Confluencia de las calles Alcalá y Sevilla, lugar donde se encuentra el Palacio de la Equitativa ( Foto: Fede @hombrepelusas )

UNA NUEVA VIDA. EL COMPLEJO CANALEJAS EN EL SIGLO XIX

Después de un intento de venta fallida del conjunto en 2006 por parte del Banco Santander ( propietario del edificio), en 2012 por fin se firma la venta por 215 millones de euros al grupo OHL, perteneciente al Grupo Villa Mir, que presentó un plan de reforma que dio mucho de qué hablar. Las polémicas no tardaron en llegar ya que, a pesar de que el conjunto estaba declarado como Bien de Interés Cultural y las fachadas completamente protegidas, algunas gestiones hicieron que la Comunidad de Madrid otorgara ciertas concesiones que permitían  intervenciones en el edificio que no fueron bien vistas por algunas instituciones de defensa de patrimonio o la propia Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, que se declaró completamente contraria a la obra.

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Imágenes de las obras del Complejo Canalejas en las que se pueden ver los cambios introducidos en el inmueble, añadiendo varias alturas al edificio original y eliminando parte del remate central de la fachada ( Foto: www.elpais.com)

Finalmente, tras acogerse a la normativa, toda la estructura interna del edificio se demolió y se procedió a respetar y restaurar las fachadas de los siete edificios, quedando como resultad un gran complejo de ocio, entretenimiento y vivienda en el que conviven la tradición de los majestuosos edificios bancarios de la calle Alcalá con la vanguardia de la arquitectura contemporánea y las necesidades actuales.

LA ARTESANÍA NUNCA FALLA

Una de las labores más importantes dentro de la rehabilitación ha sido la de recuperar y restaurar elementos decorativos originales de los edificios como vidrieras, rejería, cubiertas de pizarra, mármoles…para lo cual se ha tenido que realizar, en primer lugar, el desmontaje de las piezas, posteriormente una catalogación y un intensiva restauración por parte de artesanos locales especializados en diferentes materiales y técnicas para después ubicarlas en su lugar original. Son elementos que han sobrevivido al paso del tiempo y que resultan hoy muy representativos de la identidad del conjunto.

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Detalle de uno de los apliques que iluminan la fachada del Palacio de la Equitativa, realizado con un exquisito trabajo de vidrio y hierro forjado y restaurado por artesanos durante la rehabilitación del edificio  ( Foto: Fede @hombrepelusas)

LAS FACHADAS

Los mayores esfuerzos de recuperación y restauración de los edificios del conjunto se han concentrado en las fachadas, sobre todo en las de los dos edificios más significativos del conjunto.

El primero de ellos es el edificio primigenio de Eduardo Adaro en el nº 1 de la Plaza de Canalejas, de enormes dimensiones y un depurado y elegante estilo neorrenacentista. El segundo, la extraordinaria fachada del nº 14 de la Calle Alcalá del anteriormente mencionado Grasses Riera, que supone uno de los grandes ejemplos del eclecticismo monumental finisecular y en tercer lugar nos encontramos con el edificio que en 1943 construyó, con reminiscencias Art Decó, el arquitecto Roberto Ochoa, y que con el friso en relieve en el dintel del gran acceso y sus elementos de cerrajería de extraordinaria calidad se consolida como otra de las fachadas más representativas de todo el conjunto.

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Una de las preciosas ménsulas en forma de elefante que rodean la fachada del Palacio de la Equitativa, que han sido cuidadosamente restauradas durante la rehabilitación del edificio ( Foto: www.proyectocanalejas.com)

EL FUTURO 

Toda la oferta del Complejo Canalejas se puede resumir con la palabra “lujo”. Dentro de las instalaciones del Complejo Canalejas que aspiran a convertirse en un icono se encuentra el Hotel Four Seasons, que será uno de los más importantes de toda la cadena. Constará de 200 habitaciones y un servicio cinco estrellas gran lujo en todas sus instalaciones.

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Entrada al hotel Four Seasons, complejo de cinco estrellas gran lujo dentro del Complejo Canalejas ( Foto: Fede @hombrepelusas)

Por otro lado, las viviendas que se ubicarán en el complejo estarán situadas en las plantas superiores del edificio y reciben el nombre de Four Seasons Private Residences. Se trata de las primeras viviendas en España dentro de la categoría  “Branded residences”,  lo que significa que tienen como principal ventaja la de poder disfrutar de todos los servicios que ofrece el hotel, pero en la propia vivienda.

Por último, el tercer gran pilar del Complejo Canalejas es el de la infraestructura comercial, la Galería Canalejas, constituida por tres plantas (un total de 15.000 metros cuadrados) con una extensa oferta de firmas de perfumería, joyas, moda y complementos así como un espacio gastronómico gourmet.

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Interior de la superficie comercial de tres plantas de la que se podrá disfrutar en el Complejo Canalejas, decorado con elementos que armonizan con los elementos decorativos originales de los edificios ( Foto: www.complejocanalejas.com)

Un lugar de ensueño que aspira a convertirse en un emblema del lujo en Madrid.

Puedes conocer todos los detalles sobre el proyecto del Complejo Canalejas en el siguiente pinchando aquí.

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Nos hemos asomado al interior del Palacio de la Equitativa y hemos podido ver estas preciosas columnas. ( Foto: Fede @hombrepelusas)

¿Quieres conocer más lugares increíbles de Madrid? En Parte del Arte desarrollamos experiencias que te hacen conectar con la ciudad y su historia de una forma rigurosa y amena. Por ello, te invitamos a que le eches un vistazo a nuestros cursos on line : Conoce Madrid, en el que hacemos recorridos virtuales por la ciudad en los que conocemos la historia y anécdotas de calles, edificios y personajes de la ciudad, Exposiciones y Colecciones de Madrid, en el que de forma on line disfrutamos de exposiciones temporales actualmente cerradas y conocemos las interesantes colecciones  que albergan de los museos de Madrid, y Grandes Momentos de la Historia, un curso en el que nos asomamos a la historia desde un punto de vista multidisciplinar: arte, literatura, grandes personajes históricos…

Además, recuerda que puedes seguir disfrutando de contenidos de Parte del Arte a través de nuestras Redes Sociales: Facebook, Twitter e Instagram. No olvides que todos los días nos conectamos en  directo en Instagram a partir de las 20.00h para pasear y comentar curiosidades de Madrid y los directos semanales en los que hablamos de arte los anunciamos a través de todas nuestras redes y los subimos posteriormente a nuestro canal de Youtube Parte del Arte Madrid.

¡ Nos vemos en las redes! ¡Te esperamos!

 

 

 

 

 

 

 

 

La Gran Vía: el Broadway madrileño

En Parte del Arte estamos de celebración. Nuestra primera edición de cursos on line ha sido un éxito y todo gracias a vosotros,que seguís siempre a nuestro lado, aunque sea detrás de la pantalla, apoyando este bonito proyecto. Por eso no hemos querido detenernos y lanzamos nuestra segunda edición de cursos on line, en la que podrás encontrar Conoce Madrid, Exposiciones y colecciones de Madrid y Grandes Momentos de la Historia. En nuestra web podrás consultar el programa completo.

También continuaremos rea realizando directos a través de Instagram ( sabemos que os encantan) siempre que nuestra actividad nos lo permita  y seguiremos con los artículos en nuestro blog para ofreceros contenido relacionado con nuestros cursos.

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Natalia Nuñez, fundadora de Parte del Arte, trabajando en las inscripciones de nuestra segunda edición de cursos on line

Hoy queremos hablaros de un tema que os ha encantado esta semana en nuestro curso Conoce Madrid: el Boradway madrileño, apelativo con el que se conoce la Gran Vía por el gran número de teatros y cines a los que dado vida a lo largo de toda su historia. Te descubrimos a continuación algunos de ellos.

EL ORIGEN. UNA GRAN VÍA “RECIÉN ESTRENADA”

La Gran Vía madrileña se construyó entre 1910 y 1930 y desde sus primeros años se convirtió en el lugar que albergaba los cines más lujosos y los que acogían las últimas tendencias y novedades en el sector. La década de los veinte y treinta, con una calle recién estrenada, fue la época de mayor glamour de la Gran Vía, a la que le siguieron, tras la Guerra Civil y los difíciles años de la posguerra, la década de los años cincuenta y sesenta, momento en el que la Gran Vía se transforma de una forma extraordinaria: se llena de coches, de tiendas, y de grandes carteles que anuncian los grandes estrenos de las películas americanas, tan del gusto del público de la época.

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Palacio de la música en los años 30

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El Palacio de la Música y el Cine Avenida en los años 60

TEATRO COLISEUM

El Teatro Coliseum se encuentra en un edificio de gran interés arquitectónico realizado entre 1931 y 1933. Constaba de diez plantas de viviendas y en su parte baja se construyó un teatro que también funcionó como cine, actividad a la que se dedica de forma exclusiva a partir de la década de los cuarenta.

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Teatro Coliseum en los años 30

Entre sus estrenos más recordados destaca  Colores y barro punto, en 1935 y Ki-Ki, una comedia protagonizada por Celia Gámez.

La cantante y actriz fue una de las grandes estrellas de la revista española de los primeros años del siglo XX. Aunque de origen argentino, Celia Gámez hizo una importante carrera y cosechó grandes éxitos en nuestro país. No obstante, su vida siempre estuvo plagada de escándalos, rumores y habladurías sobre sus numerosos amantes ( entre los cuales se apuntaba incluso al mismísimo Alfonso XIII), su tendencia a derrochar el dinero y un supuesto lesbianismo basado en la ambigüedad y gusto por vestir de hombre que le gustaba mostrar en sus espectáculos.

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Celia Gámez vestido de hombre en el estreno de “Las Leandras” ( 1931)

El 23 de febrero de 1936 el diario ABC publicaba la crítica de esta comedia estrenada en el Teatro Coliseum y protagonizada por la argentina, que decía así:

Celia Gámez fue la heroína de la obra y de la noche. En el tango supo dar todas las esencias de su nacionalidad, y en el del pueblecito andaluz se apoderó de las nuestras, llegando a hacer una reproducción muy acertada de la manera de Pastora Imperio. Tan diferentes aptitudes la confirman como una artista excepcional y justifican las ovaciones que se le tributaron.

TEATRO RIALTO

El Teatro Rialto fue construido entre 1926 y 1930 y se fundó en 1930 con el nombre de Cines Rialto, aunque durante un breve periodo de tiempo comprendido entre 1932 y 1934 se le denominó Cine Astoria.

Su primer estreno fue Variedades de la Paramount y fue un cine que se especializó, fundamentalmente en comedias musicales americanas, aunque su estreno más aclamado fue una película española.

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Se trata de El último cuplé, una película de Juan de Orduña que fue protagonizada por Sara Montiel que se estrenó en el año 1957. El film se convirtió en el récord de permanencia y recaudación de toda la historia del cine, con 13 meses en pantalla y llenos diarios en todas las sesiones.

El éxito de la película fue algo inesperado para todos. Cuando Juan de Orduña le propone a Sara Montiel que sea la protagonista , ella accede sin imaginarse la repercusión que tendría en su carrera. Por aquel entonces ella vivía en México, lugar al que se había ido debido a que no le ofrecían papeles de interés en España. Decidió venir para el rodaje de la película pero regresó a México y no volvió ni siquiera para el estreno. Sin embargo, la película arrasó y supuso una verdadera lanzadera en la carrera de la actriz.sara montiel

Cartel de la película El último cuplé, estrenada en el teatro Rialto en 1957

En el año 2017, para conmemorar el uarenta aniversario de la película, el Teatro Rialto organizó un espectáculo en honor a Sara Montiel.

CINE CALLAO

El Cine Callao es uno de los más emblemáticos de la zona y de los pocos que siguen funcionando como tal. El edificio es uno de los máximos representantes del Art Decó en Madrid, un estilo que no es especialmente habitual en la capital.

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Exterior del Cine Callao en los años 30

La sala de cine fue diseñada al más puro estilo americano de la época, es decir, sin palcos aristocráticos y con visión más plena desde todas las butacas. Además, su terraza, actualmente en desuso, fue construida para realizar proyecciones cinematográficas al aire libre, lo que le convirtió en uno de los primeros cines de verano de Madrid. También tuvo un café con billar al más puro estilo americano.

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Escaleras en el interior del Cine Callao

El cine Callao se inauguró en 1926 con la emisión de la película  Luis Candelas, el bandolero de Madrid, y fue una sala especialmente sensible a las novedades cinematográficas. En sus butacas el público madrileño pudo vivir momentos verdaderamente históricos, como el estreno de El Cantor de Jazz, la primera película sonora de la historia.

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Cartel de la película El cantor de jazz, estrenada en el Cine Callao en 1929

EL CINE AVENIDA

El Cine Avenida se inauguró en 1928 y durante mucho tiempo se consideró uno de los locales con más capacidad de toda Europa, con un aforo de más de 1600 personas.

También destacó por su elegancia. El edificio, de líneas clásicas, tenia un magnífico vestíbulo ricamente decorado con materiales suntuosos y de primera calidad, como es el caso de las vidrieras de Maumejean.

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Exterior del Cine Avenida en los años 60

Fue cine mudo hasta 1931 que se instala la infraestructura  para proyectar cine sonoro, y en él también tuvieron lugar estrenos de gran impacto en la época por el desarrollo de su tecnología, como es el caso de la película Los crímenes del museo de cera, estrenada en 1953 en tecnología Warnercolor y 3D, para lo que el cine tuvo que realizar una gran inversión en gafas para ofrecer a su público esta exitosa novedad.

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Cartel de la película Los crímenes del museo de cera, con tecnología Warnercolor y 3 dimensiones, estrenada en el Cine Avenida en el año 1953

Estos son sólo algunos de los numerosos cines y teatros que han entretenido a varias generaciones de madrileños a lo largo de décadas. Muchos de ellos desaparecieron con el paso de los años y otros se han tenido que reinventar para adaptarse a nuevos tiempos, una misión que lamentablemente tendrán que volver a emprender tras la crisis sanitaria actual. Cuando todo esto pase, nuestra querida Gran Vía nos ofrecerá, como ha hecho siempre, una nueva versión de este “Broadway madrileño”.

Si no quieres perderte todos los contenidos y experiencias culturales que Parte del Arte tiene para ti, te recordamos que además de nuestros cursos on line  Conoce Madrid, Exposiciones y Colecciones de Madrid y Grandes Momentos de la Historia estamos muy activas en nuestras Redes Sociales: Facebook, Twitter e Instagram, donde realizamos cada semana interesantes directos en los que hablamos de arte, historia y entrevistamos a personas del mundo cultural que podrás ver en diferido posteriormente en nuestro canal de Youtube Parte del Arte Madrid.

¡Estamos en contacto!

 

 

 

Entrevistamos a Ignacio Pereira, el fotógrafo del Madrid vacío

Arranca con fuerza la semana en Parte del Arte. Como muchos ya sabéis, desde que comenzó la crisis sanitaria nos hemos puesto manos a la obra para seguir desarrollando nuestra misión de acercarte el arte y la cultura, en este caso, desde  nuestro hogar hasta el tuyo. Por ello, además de ofrecer nuestros cursos habituales de forma on line estamos organizando encuentros en directo desde nuestra cuenta de Instagram cada lunes y viernes a las 17.30h. en los que hablamos de diferentes temas relacionados con el arte: analizamos cuadros, hablamos de artistas… y en muchas ocasiones lo hacemos en colaboración con expertos, historiadores del arte, divulgadores y también artistas actuales.

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Es el caso de nuestro próximo invitado, que como excepción entrevistaremos mañana martes 28 de abril a las 17.30h. Se trata del fotógrafo Ignacio Pereira, un artista con un estilo muy marcado y una particular visión de las ciudades, entre ellas nuestra querida Madrid, que en estos tiempos se ha vuelto más actual y cercana que nunca.

EL MADRID QUE NUNCA IMAGINAMOS VIVIR

Aunque nació en Talavera de la Reina ( Toledo), toda la familia de Ignacio Pereira es de Madrid y así se siente él, madrileño. Por ello, la capital es la gran protagonista de su obra. Sin embargo, sus imágenes de Madrid se desmarcan por completo de la fotografía urbana  a la que estamos acostumbrados. A diferencia de otros fotógrafos y artistas que recogen la bulliciosidad y la vida de la ciudad y sus habitantes, Pereira nos muestra un Madrid inhóspito y vacío.

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Paseo de la Castellana. Ignacio Pereira (Foto: www.madridiario.es)

Todo surgió a partir de una idea que probablemente han compartido muchos amantes de Madrid: el deseo de disfrutar y de pasear por la ciudad en solitario y de forma tranquila. Hasta hace unos días, pasear en solitario por lugares céntricos de Madrid como la Puerta del Sol o Gran Vía era algo prácticamente imposible y por ello Ignacio Pereira se propuso el gran reto de representar un Madrid vacío, en el que se pudieran apreciar todos los detalles de las calles y la arquitectura.

No obstante, Pereira, que se considera una persona bastante solitaria, quería transmitir en sus imágenes no sólo una calle vacía sino un sentimiento de soledad que no se conseguía simplemente haciendo ese proceso de “vaciado”. Finalmente, la solución para conseguir este efecto fue la  de dejar una única persona en cada imagen, lo que nos transite perfectamente cómo el protagonista se siente y hace hincapié en la frialdad de las ciudades.  En palabras del propio artista: al final estamos muy rodeados de gente pero no dejamos de estar solos; no hablas con nadie, no le preguntas. También explica la escala, ya que hago fotografías de grandes plazas, de carreteras con un punto de fuga bastante amplio, entonces así se tiene una referencia.

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Puerta del Sol. Igancio Pereira. (Foto: www.madridiario.es)

Esta concepción de la ciudad vacía le ha llevado a fotografiar con este mismo criterio otras grandes ciudades superpobladas como Tokio o Londres, creando imágenes de gran impacto que le han granjeado reconocimientos y premios como el Premio al Mejor Relato Visual de PhotoESPAÑA 2018.

Lo que nunca imaginamos es que estas imágenes se iban a hacer realidad por circunstancias como las que estamos viviendo y nos iban a resultar incluso cotidianas. Hoy más que nuca el mensaje de las fotografías de Pereira nos llegan hasta el alma, no sólo por su aire sobrecogedor y su melancolía, sino tristemente por su veracidad.

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Tokio vacía. Igancio Pereira. (Foto: www.ignaciopereira.com)

Los últimos acontecimientos propiciados por la propagación del Covid19 en Madrid han hecho todavía más famosas las imágenes de Pereira, que han sido masivamente compartidas y difundidas por considerarlas premonitorias, e incluso en ocasiones, manipuladas sin su permiso, lo que le ha situado en el centro de una gran polémica en las últimas semanas.

¿Se imaginaría Pereira que sus fotografías podían llegar a dejar de ser una ilusión? ¿Cómo se sentirá el artista al contemplar este Madrid vacío en plena pandemia por el coronavirus? Todas estas respuestas y muchas más en nuestra entrevista de mañana martes 28 de abril a las 17.30h, en el Instagram de Parte del Arte.

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Gran Vía. Ignacio Pereira. (Foto: www.madridiario.es)

Si no tienes cuenta de Instagram te dejamos aquí un tutorial de cómo hacerte una y así poder disfrutar de todo el contenido que tenemos preparado para ti. ¡Es muy fácil!

También te recordamos que puedes estar al día de todas nuestras actividades, cursos on line y experiencias en www.partedelarte.com y en todas nuestras Redes Sociales: Facebook, Instagram , Twitter y en nuestro Canal de Youtube.

¡Te esperamos!

 

 

 

 

Museos en tiempos de Coronavirus: La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

Ya ha comenzado la nueva aventura de Parte del Arte, nuestros primeros cursos on line. Ante la situación que estamos viviendo en la actualidad debido a la crisis sanitaria provocada por la expansión del coronavirus, en Parte del Arte hemos optado por la opción que consideramos más inteligente: seguir adelante y buscar todos los medios posibles para continuar con nuestra misión de acercarte la cultura y el arte. Por eso, le hemos dado continuidad a nuestros cursos Conoce Madrid, Exposiciones y Colecciones de Madrid, Grandes Momentos de la Historia y Descubriendo la Ópera en formato on line. Hemos podido vernos de nuevo y aunque fuese a través de pequeñas ventanas nos ha llegado vuestro apoyo y cariño de una forma increíble. Por ello, ante todo, queremos daros las gracias por apoyarnos en estos tiempos difíciles. La comunidad Parte del Arte es muy especial para nosotras.

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Natalia Nuñez, fundadora de Parte del Arte ,al frente de un proyecto que sigue adelante pese a las dificultades.

Hemos comenzado con muchas y ganas y fuerza esta formación a distancia y queremos compartir con vosotros una pequeña parte de lo que hemos visto en nuestro curso Exposiciones de Madrid.

Esta semana nos hemos acercado virtualmente a una de las colecciones más importantes de Madrid, y en muchas ocasiones desconocida, la de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Esta institución, con una larguísima tradición vinculada a nuestra historia, cuenta con una pinacoteca extraordinaria, además de departamentos dedicados a otras artes, como el taller de vaciados de escultura, que visitamos el curso pasado con nuestros grupos de Conoce Madrid, o la Calcografía, de la que también han podido disfrutar nuestros alumnos de este curso. Vamos a conocer un poco más sobre su historia.

LOS ANTECEDENTES. 

El germen de la primera Academia de Bellas Artes  lo encontramos en una propuesta que el pintor Antonio Meléndez le hizo a Felipe V en 1726, que consistía en: “erigir una Academia de las Artes del diseño, pintura, escultura y arquitectura, a exemplo de las que se celebran en Roma, París, Florencia y Flandes, y lo que puede ser conveniente a su real servicio, a el lustre de esta insigne villa de Madrid y honra de la nación española”. 

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Retrato de Felipe V. Jean Reanc. Museo del Prado.

Finalmente esta propuesta no prosperó, teniendo que esperar a otro nuevo planteamiento por parte de otro artista, el escultor italiano Domenico Olivieri. Este artista estaba al frente del taller de escultura del Palacio Real Nuevo y le había solicitado al monarca Felipe V un permiso, que en este caso fue concedido, para abrir una academia privada. Esto animó a Olivieri a llevar a cabo la iniciativa de creación de una Real Academia, que también fue aceptada, aunque no llegó a materializarse hasta dos años más tarde bajo el provisional nombre de Junta Preparatoria.

LOS PRIMEROS PASOS. NACE LA REAL ACADEMIA

El 13 de julio de 1744 Felipe V aprobó la Junta Preparatoria y cinco días después se celebra la primera reunión, en la que el marqués de Villarias y Fernando Triviño se mostraron como primer Protector y primer Vice-Protector respectivamente. La Dirección General de la Junta recayó en Olivieri, a quien le acompañaron seis maestros directores y otros tantos honorarios, todos ellos artistas de profesión. La primera sede de la Academia estuvo ubicada en la planta noble de la Real Casa de Panadería, que fe cedida por el rey para este fin.

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Fiesta en la Plaza Mayor. Juan de Corte. Museo de Historia de Madrid

UNA NUEVA ETAPA. EL REINADO DE FERNANDO VI

Es durante el reinado de Fernando VI cuando se plantea la formación de unos Estatutos, que fueron por fin redactados en 1751. Sobre ellos se funda la Real Academia de Bellas Artes, según Real Decreto de 12 de abril de 1752. Era el comienzo de una nueva etapa de gran trascendencia para la Academia.

Una de las características más importantes de este nuevo periodo de la Academia y que aparecía reflejada en los Estatutos radicaba fue el traspaso de la responsabilidad última de la Academia desde las manos de los artistas a la de los consiliarios, una figura administrativa representada por la nobleza. Estos consiliarios se convirtieron en las piezas clave en el gobierno de la Academia.

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Retrato de Fernando VI. Louis-Michel van Loo. Museo del Prado.

EL GRAN IMPULSO DE CARLOS III. UNA ETAPA DE ESPLENDOR

A la importante labor de Felipe V y Fernando VI para la creación y dotación económica de la Academia, hay que sumarle el importante impulso que ésta recibió durante el reinado de Carlos III.

Durante este periodo, el monarca confirmó el carácter instrumental de la Academia como instrumento fundamental del reformismo ilustrado. Esto significó no sólo que la Academia tuviese un grandísimo apoyo de la corona sino también de personajes muy cercanos al rey , como Grimaldi o Floridablanca, que actuaron el papel de protectores, o algunos miembros de las familias más relevantes del momento como los Alba, Osuna, Berwick y Liria, Medinacelli, Aranda, Santa Cruz, Abrantes, Fernán Nuñez….que hicieron el papel de consiliarios.

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Retrato de Carlos III. Anton Raphael Mengs. Museo Nacional del Prado.

Este periodo de gran actividad en la Academia derivó en un incremento muy significativo de los alumnos en los últimos años del siglo XVIII. La Casa de la Panadería se quedaba pequeña y fue necesario emprender la búsqueda para una nueva sede.

En el año 1773 se hizo efectiva la compra del antiguo palacio de Goyenche, situado en la calle de Alcalá, un edificio que era necesario reformar para que se ajustase al gusto académico vigente. Esta labor se le encomendó a Diego de Villanueva.

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Portada del palacio de Goyenche, proyectado por Churriguera ( aspecto antes de la reforma de Villanueva) ( Foto: www.artedemadrid.wordpress.com)

Comienza un nuevo periodo de esplendor para la Academia, que contó con un selecto elenco de profesores y directores generales. Entre éstos últimos destacan los arquitectos  Saccheti, Ventura Rodríguez, Juan de Villanueva y Arnal; escultores como Olivieri, Castro, Mena, Robert Michel, Álvarez y Carnicero; y algunos conocidos pintores como Giaquinto, González Ruiz, Calleja, Francisco Bayeu, Maella y Ferro.

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Dibujo de la fachada modificada de la Real Academia de BBAA de San Fernando. Diego de Villanueva ( Foto: www.artedemadrid.wordpress.com)

ÉPOCA DE CAMBIOS. EL CONVULSO SIGLO XIX

En el siglo XIX se producen algunos acontecimientos importantes en la historia de la Academia. Uno de ellos es la segregación de enseñanza de las bellas artes que se produjo en 1844, que establecía que se impartiría en la nueva Escuela de Nobles Artes. Ésta inicialmente dependía de la Academia pero fue el primer paso para la separación de la enseñanza, es decir, lo contrario al espíritu inicial de la fundación de la Academia.

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Sala de reuniones de la Real Academia de BBAA de San Fernando en el siglo XIX. ( Foto: www.realacademiabellasartessanfernando.com)

De la separación que se produce entre estos dos organismos surge una nueva academia en la que recuperaron el poder los artistas. Durante este periodo desaparecieron los académicos honorarios y se consideró a todos los miembros de la corporación “iguales en consideraciones y prerrogativas”. Entre las medidas que se tomaron, se limitó el número de los miembros de la Academia y se organizó en secciones: pintura, escultura y arquitectura, algo que se hacía por primera vez en la Academia. Se comienza una nueva gestión que siembra la semilla de la Academia actual, fundamentalmente en los nuevos estatutos que se redactan en el año 1864.

EL SIGLO XX Y LA ACADEMIA ACTUAL

En los últimos años del siglo XIX y durante el siglo XX la Academia ha vivido diferentes periodos y cambios de nombre, como en el caso de la I República, en la que pasó a llamarse Academia de Bellas Artes de San Fernando, eliminando el título de “real”.

Después de la Guerra Civil, la Academia  reanudó sus actividades en 1939, aunque tuvo que cerrar sus puertas durante un periodo relativamente largo en 1974 para acometer una ambiciosa restauración que se prolongó hasta 1982, año en el que se reanudan las sesiones. La exposición pública de las colecciones tendrá que esperar hasta 1986.

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Interior de la Real Academia de BBAA de San Fernando. (Foto: www.miradormadrid.com)

A partir de los años 90 también se desarrollaron numerosas reformas en el edificio y en la propia organización y funcionamiento de la Academia. Entre estas últimas iniciativas se encuentra la inclusión de las nuevas formas de expresión artística como la fotografía y la cinematografía bajo el nombre de “Nuevas Artes de la Imagen”.

Con estas reformas, recogidas en los estatutos más recientes, nos encontramos ante una academia moderna que da cabida a todas las manifestaciones artísticas y que conserva las más tradicionales, como el taller de vaciado de esculturas o la calcografía, contribuyendo a su renovación, modernización y difusión.

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Uno de nuestros grupos de Conoce Madrid visita el taller de vaciados de la Real Academia de BBAA de San Fernando

Además, el museo, que fue el primero abierto al público en Madrid, cuenta con una excelente colección de piezas de artistas de primer nivel tanto españoles como extranjeros. Un verdadero lujo en nuestra ciudad y una joya que sin duda recomendamos visitar.

¿Te han entrado ganas de conocer más colecciones de Madrid? No dudes en entrar en nuestra web www.partedelarte.es e infórmate de todas nuestras experiencias culturales y cursos presenciales y on line que diseñamos especialmente para que la cultura, pase lo que pase, siempre sea parte de tu vida.

¡Recuerda! Todos los lunes y viernes a las 17.30h. hacemos vídeos en directo en Instagram en los que podrás disfrutar de forma gratuita de interesantes contenidos que preparamos para acercarte mucho más el arte. Si no tienes instagram pinchando aquí puedes ver lo fácil que es crearte tu cuenta y disfrutar de las mejores experiencias culturales desde tu móvil.

¡Te esperamos!

 

 

 

 

 

 

 

 

MADRID, MUSA DE GALDÓS

En Parte del Arte seguimos trabajando sin pausa, desde casa, para que sigas en conexión con el arte y la cultura. En estos tiempos difíciles y de incertidumbre ante el futuro, nuestro trabajo y nuestra misión cobran más sentido que nunca. A través del arte nos distraemos, nos liberamos y nos llenamos de energía y entusiasmo. Por ello, no podemos ni queremos privarte de todos esos beneficios que nos aporta la cultura y hemos diseñado nuestros cursos on line, en los que te puedes matricular desde el 1 hasta el 10 de abril, y que tendrán lugar del día 20 de abril hasta el 15 de mayo. Los cursos de los que puedes disfrutar son nuestros clásicos: Conoce Madrid, Exposiciones y Colecciones de Madrid, Grandes Momentos de la Historia y Descubriendo la ópera.

Además, cada semana en BaluArte os ofrecemos un pequeño artículo para que también de forma libre y gratuita puedas seguir disfrutando de algunos de nuestros contenidos.

Esta semana os traemos un tema muy especial que tiene que ver con una de las efemérides culturales más importantes de este 2020, el centenario del fallecimiento de Benito Pérez Galdós, una figura imprescindible de la historia de la literatura en España y muy especialmente en Madrid.

UN CANARIO MADRILEÑO

Benito Pérez Galdós nació en las Palmas de Gran Canaria en 1843 y fue el décimo de  hijo de sus padres. Su padre, Sebastián Pérez fue coronel del ejército y uno de los  héroes de la Guerra de la Independencia, y su madre, Dolores Galdós, una mujer de muy fuerte carácter, según la describía el escritor.

El pequeño Galdós creció en Gran Canaria entre los relatos históricos de la Guerra de la Independencia a los que le aficionó su padre y la afición a las artes que le inculcaron sus numerosos hermanos.

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El joven Galdós, hacia 1863

En su adolescencia llega al entorno familiar su prima Sisita, con la que mantendría un pequeño romance que su madre, haciendo gala de su fuerte temperamento, decidió cortar enseguida. Es el momento en el que, con 19 años, Galdós llega a Madrid para estudiar Derecho por decisión paterna.

Es el inicio de una historia de amor. Galdós se va a convertir con el paso del tiempo en un gran conocedor de Madrid y va a convertir la ciudad en la gran protagonista de sus obras. Crónicas, novelas, obras de teatro….llenas de minuciosas descripciones de cómo era ese Madrid finisecular, sus habitantes, su realidad social. Galdós es un canario en madrileño, que reflejó como nadie su época.

HUELLAS DE GALDÓS EN MADRID

Leer las obras de Galdós es sumergirse de lleno en un Madrid lleno de detalles y matices, y pasear por algunas zonas de la ciudad nos hace viajar y rememorar aquellos pasajes de sus obras porque el Madrid galdosiano está más vivo que nunca.

Uno de los homenajes recientes más bonitos que la ciudad le rinde a Galdós es el que se encuentra en la Calle de la Sal, muy próxima a la Plaza Mayor, y lugar descrito a la perfección por el escritor en su novela Fortunata y Jacinta.

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Pintra mural homenaje a Galdós de Antonio Mingote cerca de la Plaza Mayor de Madrid

En una de las fachadas de esta calle nos encontramos unas pinturas murales muy especiales. Fueron realizadas por el gran dibujante Antonio Mingote en el año 2001 y nos muestran, a modo de trampantojo un balcón en el que, en el primer piso, podemos ver a Benito Pérez Galdós con las dos mujeres de su novela más conocida, Fortunata y Jacinta y junto al galán de ambas, Juanito Santa Cruz.

LA TERTULIA DE LOS CANARIOS. EL CAFÉ UNIVERSAL

En la época de Galdós gran parte de la vida de la ciudad se vivía en los cafés. Eran verdaderos centros de de la vida cultural y política en el siglo XIX y buena parte del siglo XX. En ellos uno podía enterarse de los acontecimientos más actuales, escuhar todo tipo de chismes y rumores e incluso asistir a alguna conspiración política.

Galdós fue un asiduo a los cafés, aunque había uno preferido por el escritor por encima de los demás. Se trata del Café Universal, que se encontraba en la zona de la Puerta del Sol. Este café llamaba la atención por sus famosos espejos enfrentados que generaban un efecto óptico sorprendente para la época. También tenía una interesante decoración pictórica con motivos italianizantes y un gran salón con una escalera de caracol que subía al entresuelo donde se encontraban los comedores privados, mesas de tresillo y de billar…

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Fachada del antiguo Café Universal en 1938. (Foto: Martín Santos Yubero)

En este café se reunía Galdós con sus colegas en la llamada “tertulia de los canarios”, donde Galdós aprendió  todo lo referente a la actualidad madrileña.  Esta afición a los cafés se ve perfectamente reflejada en sus obras: “El café es como una gran feria en la cual se cambian infinitos productos del pensamiento humano”, escribía Galdós en el primer capítulo de la tercera parte de su célebre obra Fortunata y Jacinta.

LA FONTANA DE ORO

La primera novela de Benito Pérez Galdós también lleva nombre de un café: La Fontana de Oro, situado muy cerca de la Puerta del Sol. Este establecimiento fue lugar de reunión de artistas y tribuna oratoria para políticos liberales.

Galdós publica su novela La Fontana de Oro en 1870. La acción transcurre en la ciudad de Madrid durante los años del Trienio Constitucional (1820 – 1823).  Galdós narra  acontecimientos como el levantamiento del general Riego y la posterior llegada a Madrid el 24 de mayo de 1823 de los Cien Mil Hijos de San Luis para restablecer la monarquía de Fernando VII.

Todos estos acontecimientos sirven de telón de fondo a una trama sentimental que nos cuenta la  pasión amorosa entre Lázaro, joven romántico y liberal, y Clara, huérfana en casa de un tío de ideología absolutista y carácter intransigente.

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Fachada actual de La Fontana de Oro ( Foto: Un sereno transitando la ciudad )

Después de haber pasado por diferentes manos, el local sigue en pie, aunque reconvertido en un pub de estilo irlandés que nada nos recuerda a la estética que pudo tener en la época de Galdós.

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Placa junto a la fachada de La Fontana de Oro ( Foto: Antonello Dellanotte )

UN LUGAR PARA EL RECUERDO. LA LIBRERÍA PÉREZ GALDÓS

En la Calle Hortaleza se encuentra ubicado un lugar que sigue manteniendo más vivo que nunca el espíritu del escritor. Se trata de la librería “Pérez Galdós”.

Galdós murió en enero de 1920 y la pasión por los libros continuió con sus herederos. En  1942, su hija y yerno montaron una librería en la calle Hortaleza, lugar donde su padre había abierto años antes su editorial. Su nombre, como no podía ser de otro modo es Librería Pérez Galdós. Se trata de un establecimiento muy especial, ya que conserva los rótulos de madera originales, el mostrador y las estanterías. Sus propietarios actuales se las compraron hace 30 años al nieto de Benito Pérez Galdós, de nombre Benito Pérez Verde, justo cuando pensaba jubilarse y dejar el negocio.

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Detalle de la fachada de la Librería Pérez Galdós

Un lugar que nos recuerda que aunque Galdós nos dejó hace 100 años, su espíritu está más vivo que nunca en su querida Madrid.

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Benito Pérez Galdós hacia el final de su vida en una foto sin datar

¿ Te has quedado con ganas de más? Pues en Parte del Arte te lo ponemos muy fácil, ya que puedes apuntarte hasta el 10 de abril a nuestro curso on line Conoce Madrid, en el que realizaremos toda una ruta virtual por el Madrid Galdosiano, descubriendo muchos más rincones y conociendo pasajes de sus obras.

También seguimos en plazo de matriculación hasta el 10 de abril para todos nuestros cursos habituales de forma on line:Exposiciones y Colecciones de Madrid, Grandes Momentos de la Historia y Descubriendo la ópera. Mándanos un mail a: info@partedelarte.es o llama al 645438576 y reserva tu plaza. Tienes toda la información pinchando aquí.

¡Te esperamos!

#LaCulturaResiste

 

Los inmortales retratos de Rembrandt. Una galería de emociones.

El mes de febrero en Madrid se viste de arte y son varias las exposiciones de gran interés que se inauguran en los próximos días. En Parte del Arte, por supuesto, somos las primeras en ofrecértelas a través de nuestras visitas guiadas para que estés al día con la tendencia artística y cultural de Madrid.

Hoy queremos hablaros de una de las muestras más esperadas para los amantes de la pintura y que estaremos guiando los días 21 de febrero, 29 de abril y 30 de abril. Se trata de Rembrandt y el retrato en Ámsterdam, 1590-1670, en el Museo Thyssen, una exposición en la que se toma como referencia de forma exclusiva el género del retrato, uno de los que más cultivó el gran genio del siglo XVII y en el que, como en otros géneros, destacó por encima de sus contemporáneos.

Si quieres saber lo que te descubriremos en nuestras visitas guiadas… ¡Sigue leyendo!

UNA MUESTRA CON GRAN AMBICIÓN

En la exposición, comisariada por Norbert E. Middelkoop, nos encontramos con una selección de casi un centenar  de pinturas y grabados que incluyen algunos de los mejores ejemplos de la retratística de Rembrandt y de sus contemporáneos, en los que dejó una importante huella.

La muestra cuenta con la colaboración de la Comunidad de Madrid y el apoyo de JTI y cuenta con préstamos de un gran número de importantes instituciones y pinacotecas como el Amsterdam Museum, el Rijksmuseum de Ámsterdam, el Metropolitan de Nueva York, la National Gallery de Washington y The National Gallery de Londres, . Muchas de las obras prestadas se pueden ver por primera vez en España, y algunas de ellas son prestadas por primera vez con ocasión de la muestra del Thyssen, como es el caso del retrato de un joven procedente del Nelson Atkins Museum de Kansas.

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Retrato de un hombre en un escritorio, 1631. Rembrandt. Museo del Ermitage, San Petersburgo.

La muestra sigue un orden cronológico, que abarca desde la tradición retratística inmediatamente anterior a la llegada de Rembrandt a Ámsterdam, el inicio de la renovación del género, proceso en el que Rembrandt fue decisivo, pasando por la efervescente producción de retratos en Ámsterdam en la “etapa dorada” pintor y sus últimas obras, en las que continuó  su trayectoria de una forma marcadamente personal.

También la exposición dedica, como broche final del recorrido, una excelente galería de grabados del genio holandés,  una técnica que trabajó con gran maestría y con la que también realizó excelentes retratos.

EL RETRATO ANTES DE REMBRANDT

Rembandt Harmenszoon van Rijn nació en Leiden en 1606 y no llegó a la ciudad de Ámsterdam hasta la década de 1630. En esta ciudad, entre 1590 y 1630 y fruto del auge económico en el que estaba inmersa la economía holandesa, existía un grupo de retratistas relativamente numeroso  que respondía a una alta demanda de este tipo de pintura. Entre los clientes de estos artistas se encontraban las personas que se habían enriquecido en este periodo de prosperidad o que habían contribuido a su desarrollo: antiguas familias de la ciudad, ricos inmigrantes de otras localidades y países… Muchas de estas familias y personalidades necesitaban viviendas adecuadas ( con su correspondiente ornamentación acorde a su estatus social) y las organizaciones cívicas precisaban de lugares de reunión representativos. Cualquiera que dispusiera del suficiente espacio en la pared y anhelase ser recordado era el cliente perfecto para los cada vez más numerosos retratistas de Ámsterdam.

Al tratarse, por tanto, de un género tan popular, podemos encontrar una gran variedad de tipos de retratos: artesanos trabajando, retratos individuales de eruditos y hombres de negocio de éxito, familias, gobernantes…y un gran número de retratos colectivos, entre los que destacaron los de cirujanos impartiendo lecciones de anatomía, hermandades o miembros de gremios.

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Gobernantas y celadoras de la Spinhuis, 1638. Dirck Santvoort. Amsterdam Museum

Rembrandt fue invitado a la ciudad por Hendrick Uylenburgh, marchante y pintor que lo convirtió en el director de su estudio de pintura, cargo que ostentó hasta 1636. Durante estos años Uylenburgh le introdujo en los círculos sociales de la ciudad, lo que supuso para Rembrandt la oportunidad de conocer clientes y mecenas. Además, se casó con Saskia Uylenburgh, hermana del marchante, lo que también contribuyó al ascenso social de Rembrandt. Pronto se convirtió en un fuerte competidor para su cuñado, se emancipó y abrió su propio estudio de pintura en Ámsterdam, en el que desarrolló varios géneros. Fueron años de prosperidad económica y reconocimiento para el pintor.

ÁMSTERDAM: CIUDAD DE RIVALES

El reconocimiento como gran retratista de Rembrandt y de otros de sus contemporáneos causó un efecto llamada, lo que derivó en una gran oleada de ambiciosos pintores que llegaban a la próspera ciudad con la idea de beneficiarse de la gran demanda de retratos. También llegaron a ser retratistas de éxito algunos de los colaboradores y alumnos de Rembrandt, como Ferdinand Bol, Govert Flinck o Gerbrand van den Eeckhout.

La ciudad de Ámsterdam se convierte así en escenario de un ambiente de sana competencia  artística, una verdadera lucha por conseguir el mayor número posible de encargos, lo que se tradujo en una extraordinaria calidad de los retratos, fruto del esfuerzo de sus autores por  deslumbrar a sus clientes en un lugar donde las opciones cada vez más numerosas.

AL MARGEN DE LAS TENDENCIAS. LA AUTENTICIDAD DE REMBRANDT.

En 1642 se produce un punto de inflexión en la carrera de Rembrandt al fallecer su esposa. El pintor se queda viudo y al cargo de su hijo Tito, de apenas un año de edad. Su ritmo de trabajo comienza a disminuir y enseguida llegan los problemas económicos.

En 1647 ingresa en el servicio de su vivienda la que se convertirá en su pareja definitiva, Hendrickje Stoeffels, con la que tendrá a su hija Cornelia. La imposibilidad de volver a casarse con su nueva compañera ( ya que perdería la herencia de su esposa fallecida), les convirtió en una pareja señalada socialmente, lo que contribuyó a que su situación fuese cada vez más delicada.

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Mujer con capa de piel, posiblemente Hendrickje Stoffels, 1652. Rembrandt. The National Gallery, Londres.

Hacia mediados de siglo, además, el panorama artístico de Ámsterdam estaba experimentando algunos cambios. Empezaron a surgir una serie de artista precursores de un estilo “académico” con una orientación más internacional en los retratos, que enseguida comenzó a sustituir el estilo anterior.

Sin embargo, y a pesar de las dificultades, Rembrandt siguió su propia evolución estilística y se mantuvo fiel a su estilo, reduciendo los colores de su paleta y desarrollando un estilo que se consideró demasiado adusto e inadecuado para algunos encargos oficiales, lo que le desvió de ciertos circuitos que podrían haberle reportado beneficios. Aún así, Rembrandt continuó pintando y recibiendo encargos; aunque no tuvo el éxito de etapas anteriores seguía siendo considerado un artista importante y reconocido que influyó en numerosos artistas posteriores.

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Venus y cupido, posiblemente Hendrickje y Cornelia, hacia 1657. Rembrandt. Museo del Louvre, París.

Rembrandt les otorgó a sus retratados una libertad poco usual en el mundo del retrato, siendo uno de los impulsores de la renovación retratística del primer tercio del siglo XVII. Sus protagonistas adquieren un tratamiento similar al de los personajes mitológicos de sus obras: poses dinámicas que sugieren la interacción con el público, utilización del claroscuro, cualidades narrativas….y sobre todo, la representación de las emociones humanas. Con el paso del tiempo el interés de Rembrandt se fue centrando más en los rasgos esenciales de sus retratados concentrados especialmente en el rostro, lo que le llevaba a un interés mayor en la representación del carácter o la personalidad que en el parecido físico del retratado.

Esta extraordinaria capacidad de hacer conectar al espectador con el retratado es la clave del éxito del Rembrandt retratista, que consiguió que, en pleno siglo XXI, sus obras sigan causando una fascinación sin límites.

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Autorretrato dibujando frente a una ventana, 1648. Rembrandt. Biblioteca Nacional, Madrid.

¿Quieres sentir en tu propia piel esta fascinación? En Parte del Arte lo hacemos posible, ofreciéndote una experiencia mucho más allá de una simple visita guiada. Una guía especialista en arte te introducirá en cada cuadro como si se tratase de una ventana, en la que nos asomaremos para conectar con todo un mundo de emociones y sensaciones.

¡No te lo pierdas y reserva ya!

INFORMACIÓN DE INTERÉS


Fechas y horarios:

  • Viernes 21 de febrero a las 16.30h
  • Miércoles 29 de abril a las 16.30h
  • Jueves 30 de abril a las 17.30h.

PVP: 23€/ persona. Incluye: Visita guiada por especialista+sistema de recepción de sonido para una óptima escucha de las explicaciones del guía + entrada a la exposición

Punto de encuentro: Hall interior del Museo Thyssen. Paseo del Prado, nº 8.

Cómo llegar: Metro: Banco de España (L2)/ Bus: 6, 10, 14, 26, 27, 32, 34, 37, 45

*IMPRESCINDIBLE RESERVA PREVIA. Puedes hacerla en info@partedelarte.es o en el 645438576.

¡Recuerda! Si no quieres perderte ninguna de nuestras experiencias culturales suscríbete a nuestra newsletter en http://www.partedelarte.com o síguenos en nuestras redes sociales: Facebook, twitter, instagram ( @parte_del_arte)  y nuestro canal de Youtube.

¡Te esperamos!

 

 

 

 

 

 

 

Descubriendo tesoros: Las artes del metal en Al-Andalus brillan en el Museo Arqueológico Nacional

¡Arrancamos 2020 en Parte del Arte! Y lo hacemos fuerte, ya que tenemos un mes de enero alucinante, cargado de interesantes experiencias culturales en Madrid, como rutas nocturnas todos los sábados, nuestros clásicos cursos Conoce Madrid, Exposiciones Temporales y colecciones de Madrid, Grandes Momentos del Arte y la Historia y Descubriendo la Ópera, además de viajes culturales  y por supuesto, las mejores exposiciones temporales de Madrid, que este invierno están siendo extraordinarias.

Hoy en BaluArte queremos hablarte de una de las muestras que estaremos guiando este mes de enero y que nos tiene fascinadas. Se trata de “Las artes del metal en Al-Ándalus” en el Museo Arqueológico Nacional, la primera muestra dedicada en exclusiva a esta manifestación artística.

¿Suena bien, verdad? Pues sigue leyendo y te contamos más detalles.

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Tesoro de Costix. S.XII. -primer tercio S. XIII. (periodo almorávide o almohade). Cuevas de Mestre Perico. (Costix, Mallorca)

UNA EXPOSICIÓN FASCINANTE

Siguiendo el recorrido cronológico de la historia de Al-Ándalus, desde la etapa emiral al esplendor del reino nazarí de Granada, esta exposición nos muestra un gran número de vestigios materiales que ponen de relieve la importancia que tuvo el metal en Al-Andalus. Se reúnen por primera vez de forma conjunta en un mismo espacio las obras más significativas de la metalistería andalusí, obras de gran calidad y suntuosidad en muchos casos que no dejan al espectador indiferente.

A través de los préstamos de diferentes instituciones y museos españoles y extranjeros y un ilustrativo apoyo audiovisual a través de vídeos explicativos, esta exposición se convierte en una de las más ilustrativas de la actualidad.

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Esenciero de la esposa de ‘Abd al-Malik ibn Jalaf . S. XI. Los Tejadillos (Albarracín, Teruel).

LA IMPORTANCIA DEL METAL.

Los vestigios materiales que han llegado hasta nosotros  nos permiten comprender la importancia que tuvo el metal en al-Ándalus, desde la extracción de los materiales en las minas  hasta su manufactura final, dando como resultando una gran variedad de objetos en los que se unen la precisión técnica y la belleza estética.

Pero antes de la llegada de los musulmanes, la extracción del metal ya tenía cierta relevancia en la Península Ibérica, tal y como se nos muestra en las primeras vitrinas de la exposición. Han llegado hasta nosotros vestigios que nos hablan de una explotación metalúrgica en diferentes puntos de la geografía peninsular que corresponden a diferentes periodos históricos anteriores a la llegada de los musulmanes.

En cuanto a los vestigios de la actividad minera en al-Ándalus, aunque no son muy numerosos, contamos con varias fuentes documentales que se han conservado y que nos sirven para conocer cómo se desarrollaba esta actividad, así como los objetos, más numerosos, que son la prueba más contundente de la importancia  del metal, y la sofisticación y la belleza de las piezas.

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Tesoro de Charilla. S.X. Charilla (Alcalá la Real, Jaén)

METAL POR TODAS PARTES

El grueso de la exposición está dedicado a los numerosos usos que tuvo el metal en al-Ándalus: la moneda, la religión, la ciencia y la medicina, el uso personal a través de adornos, el uso doméstico con objetos utilizados en la vida cotidiana, los útiles de trabajo, defensa y defensa y armamento, con la exposición de piezas de una extraordinaria calidad técnica y decorativa.

De entre todos estos objetos, destacan algunos de una extraordinaria calidad, como los dedicados al estudio de la astronomía, una disciplina de decisiva importancia en la cultura musulmana y que se desarrolló durante siglos en la Península Ibérica.

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Globo celeste. Hacia 1085 d. C. Valencia.

MAJESTUOSOS ANIMALES DE BRONCE

Probablemente la sección más impresionante de la muestra es la dedicada a los bronces zoomorfos, un pequeño zoológico de fantásticos animales realizados en distintos metales, ya que, a pesar del extendido aniconismo vinculado siempre a las manifestaciones artísticas islámicas, las representaciones de animales son muy habituales en la mayor parte de los objetos, tanto en metal como en otros materiales. De este modo, a cada animal se le asociaban diferentes propiedades que se pueden interpretar en clave religiosa, moralizante, o simplemente práctica. En esta sección podemos ver algunas piezas icónicas del Museo Arqueológico Nacional, como el surtidor en forma de cervatillo procedente de Córdoba, así como otras piezas con formas de animal, como ataifores, píxides, candiles, aguamaniles…

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Grifo de Pisa (réplica). Bronce. Finales del s. XI- principios del s.XII. Al-Ándalus

EL ESPLENDOR DE LA ORFEBRERÍA

Como perfecto broche de oro de la muestra ( y nunca mejor dicho), nos encontramos con un apartado dedicado al arte de la orfebrería andalusí, que tuvo un gran apogeo en gran parte de la historia de al-Ándalus, algo que conocemos gracias a las crónicas de diferentes periodos y a las piezas llegadas hasta nuestros días. Éstas, a pesar de ser escasas, reflejan un altísimo grado de belleza y sofisticación, y suponen la cumbre del uso de los metales en este periodo tan fascinante como es la historia de al-Ándalus.

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Tintero Nazarí de Cuéllar. S.XIV ( nazarí)

 

Impresionante, ¿Verdad? Pues si no quieres perderte estos tesoros en directo y muchos más no dudes en apuntarte a una de nuestras visitas guiadas, en las que nuestras guías expertas en arte despertarán tu mirada, desvelándote detalles y secretos de estas piezas tan especiales. ¡Toma nota!

¿Cuándo?

Viernes 17 de enero a las 18.00h

¿Dónde?

En el Museo Arqueológico Nacional ( Punto de encuentro en el hall del museo)

¿Cuánto cuesta?

12€/ persona. Incluye: Visita guiada por especialista+entrada a la exposición+ sistema de recepción de sonido para una escucha óptima del guía.

*IMPRESCINDIBLE RESERVA PREVIA. Puedes hacerlo a través del mail info@partedelarte.es o en el 645438576.

¡Plazas limitadas!

Recuerda que puedes consultar todas nuestras experiencias culturales en nuestra web http://www.partedelarte.com y a través de nuestras Redes Sociales, en las que además publicamos promociones y sorteos que seguro te encantarán.

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¡Te esperamos!

http://www.partedelarte.com

 

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BRUEGHEL: CINCO GENERACIONES DE MARAVILLAS

¿Cómo va el otoño en Madrid? En Parte del Arte seguimos a tope ofreciendo las mejores experiencias culturales : visitas teatralizadas y nocturnas, rutas históricas y por supuesto visitas guiadas a las mejores exposiciones de Madrid. Por ello, hoy queremos hablaros de una exposición que tenemos muchas ganas de guiar  y que estamos seguras que será una de las más exitosas de la temporada.

Se trata de Brueghel. Maravillas del arte flamenco. El pasado 7 de octubre tuvimos el placer de asistir a la presentación de esta gran exposición, organizada por Arthemisia Group  y patrocinada por la Fondazione Terzo Pilastro-Internazionale que tiene lugar en el Palacio de Gaviria de Madrid hasta abril del próximo año. En esta presentación, además, tuvimos la oportunidad de asistir a una visita guiada por el propio comisario, Sergio Gaddi, uno de los grandes expertos en la figura de los Brueghel, quien nos dio las claves fundamentales de la exposición y nos contó infinidad de curiosidades que también os transmitiremos en las visitas. Fue un verdadero lujo escucharle. Por ello, para ir abriendo boca, queremos compartir con vosotros un pequeño aperitivo de lo que veremos en nuestras visitas guiadas a la exposición en el mes de enero.

¡Sigue leyendo!

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Natalia y Esther con Sergio Gaddi, comisario de la exposición

Brueghel. Maravillas del arte flamenco cuenta con más de un centenar de piezas representativas de los Brueghel, una familia cuyo linaje de pintores se extendió a través de cinco generaciones desde mediados del siglo XVI con Pieter Brueghel el Viejo. Todos ellos, hábiles pintores, reflejaron con un lenguaje muy personal toda una época, que se reconstruye a través de sus obras en la exposición. La exposición agrupa las obras, más de un centenar, en torno a los temas que trataron esta dinastía de artistas.

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Sergio Gaddi en la visita guiada de la presentación de la muestra

El primer apartado, titulado El juicio moral, entre la salvación y la condena, arranca con la obra de Pieter Brueghel el Viejo, un artista formado con otro prestigioso pintor, Pieter Coecke van Aelst y que enseguida descubrió y asimiló rasgos de la obra de El Bosco, algo muy patente en muchas de sus obras. Entre los temas contenidos en esta sección se encuentran paisajes con figuras religiosas, de campesinos, escenas de la vida rural en los que introduce una profunda reflexión sobre la condición humana y critica  de forma sarcástica los vicios humanos. Esta forma analítica de ver el mundo marcará la obra de todos sus sucesores.

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Gerard David. Descanso en la Huida a Egipto ( Colección privada)

El segundo apartado de la muestra está dedicado a La Reina Naturaleza, uno de los puntos fuertes de la pintura de Pieter Brueghel el Viejo y también de su hijo Jan Brueghel el Viejo, que fue su principal continuador en este tipo de creaciones. Pieter fue un gran observador de la naturaleza, especialmente le llamaron la atención los paisajes italianos, que plasmó con una habilidad extraordinaria en muchas de sus composiciones, entre las que destacan paisajes a vista de pájaro con un punto de observación extremadamente alto que nos transmite una sensación de inmensidad irreal y que reduce las figuras humanas a elementos diminutos e intrascendentes.

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Pieter Brueghel el Viejo. Paisaje con la parábola del sembrador (Colección privada)

En el siguiente apartado, Soldados y cazadores bañados en luz invernal podemos ver algunas de las copias que el primogénito de Pieter Brueghel el Viejo, Pieter Brueghel el Joven realizó de algunas de las obras más populares de su padre, los paisajes y escenas nevadas. Además de estas piezas se pueden contemplar algunas del imaginario personal de Pieter Brueghel el Joven, en las que que reflejaba la realidad de su tiempo: soldados que matan sin piedad, cazadores que regresan a la aldea, campesinos borrachos, toscos artesanos…con un tono irónico excepcional.

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Pieter Brueghel el Joven. La trampa para pájaros. (Colección privada)

El recorrido de la muestra continua en el gran salón de baile del Palacio de Gaviria y en en él podemos admirar Alegorías, historias maravillosas, una sección en la que podemos admirar la obra de Jan Brueghel el Joven ( hijo de Jan Brueghel el Viejo), que heredó el estudio de su padre. Además de terminar junto con Rubens gran parte de la obra de la obra que su padre había dejado inacabada dedicó gran parte de su carrera a tratar el tema de las Alegorías, tratando de explicar conceptos como el amor, la guerra, los elementos de la naturaleza, los sentidos humanos, la paz… que se hacen corpóreos a través de la figura humana.

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Jan Brueghel el Joven . Alegoría del Amor. ( Colección privada)

En Realtos de viajeros y mercaderes encontramos una pequeña sección dedicada a Pieter Brughel el Viejo y Jan Brueghel el Joven dedicada a las obras y grabados que se popularizaron  a mitad del siglo XVI en Amberes, una próspera ciudad que en estas fechas se había convertido en el nuevo centro económico del mundo occidental y que alumbra una clase media cuyos objetivos eran la riqueza y el éxito. Este nuevo estamento social contribuyó de forma decisiva al crecimiento económico, lo que implicó que el número de artesanos y artistas creciese considerablemente.

A continuación nos encontramos con Gloria y vanidad de la vida silenciosa, uno de los apartados más vistosos de la exposición. En él podemos observar la pintura de género floral y el bodegón de mediados del siglo XVII, que se utilizaba para transmitir un mensaje moral contenido en la idea de la vanitas ( vacuidad, insignificancia), a través de elementos perecederos y alusiones simbólicas de diferentes objetos, sin olvidar el contenido religioso de muchas de ellas vinculado a los ideales contrarreformistas, que despliegan todo un lenguaje floral vinculado con los valores cristianos. Se pueden apreciar obras de Abraham Brueghel, uno de los mejores representantes de esta tendencia.

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Abraham Brueghel. Detalle de Naturaleza muerta con fruta y ave exótica ( Colección privada)

La muestra finaliza con un baile, el Baile de los Pobres, un apartado en el que podemos ver obras de diferentes artistas de la familia Brueghel. Todos ellos fueron grandes observadores y retrataron , como una gran metáfora de la existencia, escenas de la vida cotidiana protagonizadas por campesinos, fiestas de carácter popular, el juego del cortejo, los rituales de matrimonio y las tradiciones transmitidas de generación en generación. La alegría de vivir a pesar de las dificultades se abre ante nuestros ojos como un perfecto broche de oro a una muestra excepcional.

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Pieter Brueghel el Joven. Baile de boda campesina al aire libre. (Colección privada)

¿Con ganas de asistir? Pues no te la pierdas y ven con Parte del Arte a nuestras visitas guiadas en las que una de nuestras especialistas en arte te descubrirá todas las claves, una a una, que se esconden tras las obras de la gran saga de los Brueghel. Para no perderte las fechas síguenos en nuestras redes sociales:  Instagram ( @ Parte_del_arte) Facebook ( Parte del Arte.) y Twitter ( @PartedelArte) y suscríbete a nuestra newsletter en www.partedelarte.com  y te avisaremos de todas las fechas y horarios disponibles.

Además, puedes enterarte de todas nuestras actividades: viajes de fin de semana, visitas teatralizadas y nocturnas, visitas a otras exposiciones temporales de Madrid. ¡Todo lo que busques lo tenemos en Parte del Arte!

¡Te esperamos!

 

 

 

“De Madrid al cielo” Parte del Arte en la Azotea del Hotel Riu Plaza España

Ya sabéis que en Parte del Arte nos encantan las azoteas. Por ello esta semana visitamos, antes de cumplir la segunda semana de haber abierto, De Madrid al Cielo, la azotea del nuevo Hotel Riu Plaza España que ha revolucionado el mundo de las azoteas de Madrid al mostrar una de las vistas más espectaculares y completas de Madrid desde las alturas.

Sigue leyendo ¡Te lo contamos todo!

UN EDIFICIO MUY ESPECIAL

El Edificio España donde ahora se encuentra el recién inaugurado Hotel Riu Plaza España tiene 117 metros de altura y es el octavo más alto de Madrid. Su construcción se inició en los años cincuenta del s. XX (1948-1953) y fue construido por los hermanos Otamendi. Se trata de uno de los edificios más representativos del Madrid de la época autárquica debido a su lenguaje de carácter nacionalista, con una decoración neo-barroca con interiores lujosos.

hotel_riu_plaza_españa_parte_del_arteExterior del magestuoso edificio que alberga el Hotel Riu Plaza España

Fue concebido como una pequeña ciudad autosuficiente al modo americano, con cinco accesos, 32 ascensores, antiguamente constaba de hotel, apartamentos, oficinas comerciales una terraza jardín. Un lugar verdaderamente especial desde sus inicios.

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En 2012 el edificio cerro y quiso se comprado por un magnate chino con intención de realizar una profunda transformación del edificio,eliminando algunos elementos originales, lo que supuso una gran polémica. Finalmente la venta no fue aprobada por el Consistorio y tras un paso de manos, finalmente fue comprado por la cadena Riu que lo ha transformado en un extraordinario hotel sin renunciar a los elementos genuinos del edificio.

 

LAS MEJORES VISTAS DE MADRID

La azotea del Hotel Riu Plaza España se ha transformado en estos pocos días que lleva abierta en la más visitada de Madrid y sin duda en la terraza de moda de este verano. En Parte del Arte no nos hemos querido perder su apertura y hemos ido a disfrutar de estas extraordinarias vistas para contároslo todo.

A continuación te ofrecemos todas las claves para tu visita a esta magnífica azotea ¡Merece la pena!

azotea_plaza_españa_riu_hotel_plaza_españaVistas desde una zona de la azotea De Madrid al Cielo

LLEGAR AL CIELO

Para llegar a la terraza del Riu Plaza España hay que subir hasta la planta 26 en un rápido ascensor, ¡Algo curioso! fijaos cuando subáis en el ascensor no veréis la planta 13, (ni tampoco hay habitación 13), por aquello de la superstición. Al salir del ascensor entrareis en una discoteca que próximamente inaugurarán, así que estad atentos! pero no os quedéis ahí porque el espectáculo solo acaba de empezar…

parte_del_arte_visitas_azotea_de_madrid_al_cieloVistas hacia Gran Vía desde la azotea De Madrid al Cielo

Habréis llegado al Cielo! Desde luego el nombre le hace justicia, pues sus vistas son espectaculares, y es como estar en el verdadero cielo madrileño, nos atreveríamos a decir que una de las mejores de Madrid en todos los tiempos y estamos seguros de que se convertirá en destino turístico por aquellos que visten nuestra ciudad, ya que se trata del punto mas elevado y mas céntrico de Madrid.

De Madrid al Cielo es una terraza con vistas 360 grados desde la que podéis ver todo Madrid y donde podéis jugar a reconocer los edificios y cúpulas que despuntan de la masa arquitectónica madrileña.

azotea_riu_plaza_españa_parte_del_arteVistas desde la azotea de la azotea De Madrid al Cielo ( se pueden apreciar al fondo las cúpulas de Príncipe Pío)

Asombrados quedareis cuando veáis la pasarela de cristal colgada, desde luego la nueva atracción turística, es impactante si sois valientes y sobre todo si no sufrís del mal de altura, os animamos a pasar por ella, es de cristal totalmente transparente y desde ella tendréis Madrid a vuestros pies. 

azotea_riu_plaza_espac3b1a_madrid_parte_del_arte.jpgSalto mortal de Natalia sobre la pasarela de cristal. Sólo apto para valientes

DATOS DE INTERÉS

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-Lugar: El Hotel Riu Plaza España se encuentra en la Plaza de España al finalizar la Gran Vía.

-Horario: De 10:00 a 2:00h de lunes a viernes. Fines de semana y festivos de 11:00 a 2:00h. El último pase es a la 1:00h.

– Precio: Para subir el precio es de  5 euros por persona antes de las 18:00h y 10 euros a partir de las 18:00h de los cuales, en ambos casos, se descontarán 5 euros de la consumición que toméis en la azotea.

-Es entrada libre y no hace falta reservar para subir a la azotea.

-Os recomendamos subir antes de las 17:00h si no queréis hacer cola, ademas pagareis menos.

No os perdáis una nueva azotea de imprescindible visita en Madrid. Si finalmente la visitas, hazte una foto, súbela a Instagram, etiqueta a @Parte_del_arte y cuéntanos que tal tu experiencia desde el Cielo de Madrid.

www.partedelarte.com