La casa museo de Lope de Vega: el hogar de un genio del Siglo de Oro

Arrancamos esta semana en Parte del Arte nuestra tercera edición de cursos on line y no podemos estar más contentas y agradecidas de la buena acogida que han tenido nuestros cursos Conoce Madrid, Grandes Momentos de la Historia y Exposiciones y Colecciones de Madrid.

Poco a poco vamos recobrando la normalidad, pero mientras llega el momento de vernos de nuevo (lo estamos deseando) hemos decidido continuar con vosotros de forma virtual, compartiendo pequeños paseos culturales en nuestro Instagram todos los días a partir de las 20.00h y noticias e información de interés en todas nuestras redes sociales: Facebook, Twitter, Instagram y Youtube.  Además, como cada semana, en nuestro blog BaluArte os traemos un tema relacionado con el arte, la historia y la cultura de Madrid.

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Natalia Nuñez, fundadora del proyecto Parte del Arte, que cumple este año sus 10 años de vida. ( Foto: Parte del Arte)

MADRID: ESCENARIO DE LA VIDA DE LOPE DE VEGA

Esta semana queremos hablaros de uno de los temas que trataremos en Conoce Madrid esta semana: el Madrid de Lope de Vega y su casa museo.

El Madrid del siglo de oro fue testigo de las andanzas del gran escritor. Hijo de una pareja de montañeses cántabros, Félix Lope de Vega nació en Madrid  el 25 de noviembre (aunque algunos creen que fue el 2 de diciembre). Lo que sus padres no sabían es que se terminaría convirtiendo en uno de los escritores más importantes de la historia de la literatura, conocido en su época con el famoso nombre de “Fénix de los Ingenios”.En el terreno personal fue una persona polémica, muchas veces irreverente y alejado de los estereotipos morales de su época y de vida amorosa agitada a pesar de su faceta como sacerdote. Acérrimo enemigo del otro gran titán del Siglo de Oro, Miguel de Cervantes, vivió la mayor parte de su vida en Madrid, donde escribió gran parte de sus obras.

La curiosidad de Lope

Lope pasó parte de su infancia en Sevilla con su tío Miguel del Carpio, aunque poco después, cuando cumple 10 años, regresa a Madrid para cursar sus estudios en el Colegio Imperial, donde tuvo la oportunidad de demostrar que era un alumno aventajado y precoz, que era capaz de leer con fluidez en castellano y latín y traducir del latín al castellano. También en este periodo escribió algunas comedias: El Verdadero Amante y La pastoral de Jacinto. 

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Atribuida a Eugenio Cajés. Retrato de Lope de Vega, ca. 1627. Casa Museo de Lope de Vega. ( Foto: museoteca.com)

Con tan solo quince años ingresó en la Universidad de Alcalá de Henares donde cursó el bachillerato y al finalizar sus estudios, viajó a Salamanca para seguir con su financiación, aunque este acontecimiento de su vida todavía no se ha podido documentar con claridad.

Lope no fue sólo un hombre letras. Parece ser que siempre fue una persona curiosa y con un gran afán por aprender de diferentes materias, lo que explica sus estudios de Matemáticas y Astrología junto al cosmógrafo mayor de Felipe II, Juan Bautista Labraña y en Artes Liberales con Juan de Córdoba. Siempre destacó por ser un excelente estudiante.

UNA VIDA AMOROSA MUY AGITADA

La vida amorosa de Lope fue igual de intensa que su vida intelectual. De sus muchas relaciones amorosas algunas fueron de especial relevancia y calaron profundamente en él, lo que se ve reflejado en su obra. Se conocen once mujeres en la vida de Lope, además de sus dos esposas, relaciones que varían en cuanto a importancia, intensidad y duración.

Su primer amor conocido fue María de Aragón, con la que tuvo una hija, que murió sin haber llegado a cumplir los cinco años.

La siguiente mujer en aparecer en su vida fue Elena Osorio, una mujer casada con el actor Cristóbal Calderón. Después de cuatro años de relación ella terminó abandonando a Lope. Despechado por este acontecimiento emprendió una fuerte campaña de desprestigio contra su ex amante y comenzó a escribir injurias que le terminaron condenando al destierro en Alba de Tormes, donde permaneció durante ocho años.

En el año 1598 Lope de Vega se casa con Juana de Guardo, con la que tendría cuatro hijos: Jacinta , Juana , Carlos Félix y Feliciana, en cuyo parto murió Juana de Guardo.

Después de una amante portuguesa desconocida, manutvo una relación con Antonia Trillo de Armenta, una rica y atractiva mujer viuda que mantenía una casa de juegos en la Plaza de Matute.
Posteriormente conocerá a otra de las mujeres más importantes en su vida, Micaela de Luján. Una mujer de una belleza extraordinaria pero inculta y analfabeta. Con ella se convirtió en padre por segunda vez, en este caso de cuatro hijos, de los cuales sólo llegaron dos a la edad adulta: un niño llamado Lope Félix y una niña llamada Marcela, que en su juventud se convirtió en monja y que ha pasado a la historia como Sor Marcela de San Félix, una de las poetisas más importantes del siglo de Oro. Micaela de Luján aparace en las obras de Calderón como Camila Lucinda. La relación duró nueve años.

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Autor desconocido. Retrato de Sor Marcela de San Félix, poetisa e hija de Lope de Vega, ca. 1635, Convento de las Trinitarias Descalzas.( Foto: wikipedia.org)

Pero Lope parecía tener una tendencia natural a los enredos, lo que le llevó a mantener una relación amorosa intermitente con una íntima amiga casa, Jerónima de Burgos, que había sido madrina en el bautismo de su hijo Lope Félix.

Después de otra serie de amantes y relaciones menos significativas, Lope se enamoró de Marta de Nevares Serrano, una mujer casada desde los 13 años con Roque Fernandez, un hombre de negocios mucho más mayor que ella. Marta era una mujer de gran belleza y aunque Lope se había ordenado sacerdote recientemente, cayó rendido a sus pies.

Su relación fue polémica por la naturaleza de ambos (de “cura viejo” él y de joven casada ella) que se intensificó cuando tuvieron una hija, Antonia Clara, a la que tuvieron que inscribir como hija de Roque Fernández. Marta fue el último gran amor de Lope de Vega, a quien cuidó hasta que falleció en el año 1632, dejando al escritor sumido en una profunda tristeza. Fallecerá el poeta apenas tres años después.

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Ignacio Suárez Llanos, Sor Marcela de San Félix viendo pasar el entierro de su padre, Lope de Vega.1862. ( Foto: wikiwand.com)

LA VIVIENDA

En la actual calle Cervantes ( en la época Calle Francos), se encontraba la casa en la que vivió los últimos 25 años de su vida Lope de Vega. El escritor la compró por 9000 reales en el año 1610 como residencia para él y su familia.

Aunque a lo largo de estos más de cuatrocientos años de historia la vivienda ha sufrido muchas modificaciones todavía conserva en la actualidad algunas estructuras originales y ciertos aposentos en su ubicación inicial.

En el caso de las dependencias que no han podido documentarse pero que se conoce de su existencia se ha realizado un gran trabajo de investigación para poder recrear el ambiente original de la forma más exacta posible.

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Escalera de la Casa Museo de Lope de Vega. ( Foto: Parte del Arte)

La vivienda consta de planta baja, primera planta, una segunda planta abuhardillada y un jardín.

En la planta baja del edificio no se han encontrado evidencias suficientes para reproducir la distribución original de los aposentos. Se cree que, al igual que en otras viviendas similares de la época, en esta planta estaría el espacio para recibir visitas inesperadas, espacios pequeños probablemente para los hijos o invitados de paso, huéspedes o alguna criada y también la zona de la cocina.

Desde el centro de la escalera situada en el centro de la planta de entrada accedemos a la primera planta, donde existe un descansillo donde antes hubo un distribuidor de aposentos. En la primera crujía nos encontramos el estudio de Lope de Vega en el que podemos apreciar su escritorio, el recado de escribir y un gran número de libros que ponen de relieve la faceta más cultivada del escritor. De la pared cuelga el retrato de Lope, atribuido a Eugenio Cajés y pintado hacia 1627.

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Estudio del poeta en la Casa Museo de Lope de Vega. ( Fotos: Parte del Arte)

También en esta crujía se encuentra el estrado, estancia de uso femenino. Era el lugar donde las mujeres pasaban su tiempo cosiendo o recibiendo visitas. Está fielmente recreado con su brasero, sillas bajas, taburetes, bufetes, espejos y tapices.

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Estrado, Casa Museo de Lope de Vega. ( Foto: Parte del Arte)

En la segunda crujía se ubica la alcoba de Lope y el oratorio, que estaba ubicado en un lugar preferente de la vivienda y escogido de forma intencionada para que, en los días en los que el escritor no se encontraba bien de salud, pudiese, a través de una pequeña ventana, desde su cama, seguir el servicio religioso del oratorio celebrado por otro sacerdote.

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Alcoba de Lope, en la Casa Museo Lope de Vega. ( Foto: Parte del Arte)

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Imagen de San Isidro Labrador  perteneciente al retablo original de la casa en el Oratorio de la Casa Museo de Lope de Vega. ( Foto:Parte del Arte)

La tercera crujía, con fachada y vistas hacia el jardín, se encuentra el comedor, la cocina y la alcoba de las hijas de Lope.

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Comedor en la Casa Museo de Lope de Vega. ( Foto: Parte del Arte)

A continuación, subiendo de nuevo las escaleras, nos encontramos con el piso abuhardillado que aloja otras dependencias más pequeñas, entre las que se encuentra el cuarto de las criadas, alcobas y una recreación de los aposentos del Capitán Contreras, invitado en la casa de Lope durante ocho meses.

La casa de Lope contaba también  cuenta con un huerto y un jardín, dos de los espacios con más encanto de la vivienda, ya que el poeta le dedicó mucho tiempo, cuidando las flores y los árboles y dando largos paseos cada día por la mañana y al anochecer.

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Jardín de la Casa Museo Lope de Vega ( Foto: Casa Museo Lope de Vega)

A través de sus versos se ha podido conocer el aspecto que tenía el jardín y el huertecillo, donde siempre había jaulas para pájaros, que se cambiaban de ubicación según la estación para resguardar a la aves bien del frío excesivo del invierno del calor sofocante del verano.

También existen referencias a los árboles: naranjos, laureles, ciprés, una higuera y naranjos y a flores, las criaturas prferidas de Lope:  madreselva, tulipanes, claveles, azucenas, rosales, rosa mosqueta, jazmines, madreselva, tulipanes, lirios, que según las palabras del poeta “que dan hojas de espada”, violetas,jacintos, alelíes, tudescas que el autor afirma“que parecen llamas”, narcisos, jacintos, alelíes, jazmines valencianos …

En el huerto se cultivaban fresas, hierbas olorosas, alcachofas y espárragos.

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Detalle del Huerto de la Casa Museo Lope de Vega ( Foto: Visitando Madrid)

A la hora de llevar a cabo la rehabilitación de la casa y en su proyecto museográfico se ha tenido muy en cuenta el amor especial que Lope sentía por este espacio, intentando ser lo más respetuoso posible con respecto al jardín y huerto original. Se convierte así en un lugar en el que el ” Fénix de los ingenios” está más vivo que nunca.

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Detalle de uno de los bufetes de la Casa Museo Lope de Vega. ( Foto:Parte del Arte)

Si te ha parecido interesante este artículo recuerda que puedes acceder a más contenido y enterarte de las últimas novedades de Parte del Arte en nuestra web www.partedelarte.com y en nuestras Redes Sociales: Instagram, Facebook, Twitter y en nuestro canal de Youtube. Además, en nuestro blog publicamos un artículo semanalmente. Conecta con nosotras, te estamos esperando.

 

 

 

La reapertura del Museo del Prado: el Reencuentro

Ya estamos a las puertas de llegar a la ansiada fase dos y en Parte del Arte estamos preparándonos para ello. Esta nueva semana, clausuramos nuestro segundo ciclo de cursos on line pero os anunciamos que AMPLIAMOS todo el mes de julio todos nuestros cursos: Conoce Madrid, Exposiciones y Colecciones de Madrid y Grandes Momentos de la Historia. Abrimos plazo de inscripción desde el lunes 8 de junio hasta el viernes 12 de junio.Puedes ver todo el catálogo de cursos aquí.

Además, seguimos en contacto a través de nuestras Redes Sociales. Facebook, Twitter, Youtube e Instagram, donde continuamos cada día a partir de las 20.00h. con pequeños recorridos culturales por Madrid. Además, en nuestra web http://www.partedelarte.com podrás encontrar todas nuestras experiencias y podrás estar informado de todo. También con BaluArte, nuestro blog, te abrimos pequeñas ventanas a diferentes temas de actualidad sobre Madrid y sobre el contenido de nuestros cursos para que estés al día de todo.

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Estamos trabajando para ofrecerte nuevas experiencias que se ajusten a los nuevos tiempos y que garanticen la seguridad de todos.

No somos las únicas que nos adaptamos a los nuevos tiempos, ya que los museos e instituciones culturales de la ciudad también están preparando y ya se van incorporando de forma paulatina a esta “nueva normalidad”. Sin duda, el Museo del Prado, la pinacoteca española más importante, era una de las instituciones que con mayor empeño  ha preparado  su  reapertura, que se ha ido postergando en las últimas semanas para poder ofrecer todas las garantías sanitarias estipuladas por el Gobierno de España. El Prado que, junto a otros importantes museos estatales, ha reabierto el sábado 6 de julio, lo ha hecho con la inauguración de una exposición especial con la que ofrecer a los asistentes sus grandes tesoros de una forma muy particular.

VOLVER AL MUSEO DEL PRADO

Bajo el título de Reencuentro se ha establecido un recorrido reducido a las instalaciones del Prado con el fin de controlar mejor el aforo y garantizar las medidas sanitarias, pero garantizando también el disfrute del público y asegurando la visita a las obras más significativas.

La Galería Central es el lugar aglutinador y eje vertebrador que el museo ha establecido para su recorrido, un amplio espacio arquitectónico en el que la incidencia de la luz natural supone un factor imprescindible y en el que se podrá disfrutar de obras emblemáticas de la exposición, que se nos ofrecen de una forma diferente a la habitual pero en la que la esencia del Prado permanece muy reconocible. Las galerías adyacentes al espacio central también forman parte de la exposición.

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Acceso a la exposición “Reencuentro” en el Museo del Prado en su reapertura el sábado 6 de junio. ( Foto: Parte del Arte)

La muestra está compuesta por un total de 249 obras y aunque el criterio general suele ser el cronológico, dada la excepcionalidad y las circunstancias, el museo ha eliminado en algunas secciones la distribución tradicional de las obras por escuelas y ha establecido nuevos diálogos entre autores y obras de diferente procedencia geográfica haciando hincapié en interesantes aspectos como las influencias artísticas que ejercieron unos sobre otros, quiénes se admiraron y quiénes fueron rivales.

LAS GRANDES OBRAS

Las primeras obras pictóricas ya nos adelantan lo que nos vamos a encontrar. Se trata de dos pinturas icónicas, restauradas en tiempos recientes y que lucen en todo su esplendor: La Anunciación de Fra Angelico y el Descendimiento de Rogier van der Weyden, reunidas de forma sorprendente por primera vez en la historia del museo. Es el primero de una serie de interesantes diálogos entre artistas dispares, como es el caso de Goya y Rubens, que se ven las caras a través del tema mitológico que trataros ambos: Saturno devorando a sus hijos.

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La Anunciación. Fra Angelico. Hacia 1426. Museo Nacional del Prado ( Foto: Museo Nacional del Prado)

Además, una de las salas del museo, probablemente la más visitada, se ha engalanado de forma diferente para reencontrarse con el público. Se trata de la sala de Las Meninas, en la que se ha hecho una importante labor de investigación y reestructuración y se ha recuperado el aspecto que esta sala presentaba cuando el museo abrió sus puertas por primera vez hace doscientos años. De este modo, Las Meninas comparten espacio con los bufones de Velázquez y con Las Hilanderas. Eso si, esta vez podremos disfrutar de ellas sin las aglomeraciones habituales, ya que el número de visitantes diarios se establece en un tercio de la capacidad de ocupación de las salas.

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Las Meninas. Diego de Silva de Velázquez. 1656. Museo Nacional del Prado. ( Foto: Museo Nacional del Prado)

UN ITINERARIO PARA LA HISTORIA

La exposición está llena de sorpresas. Una de ellas, sin duda, es la que nos ofrece la escultura de Carlos V y el Furor, de Leone y Pompeo Leoni,  que por primera vez desde hace décadas aparecerá desprovista de su armadura, representado así al monarca desnudo, a la manera de un héroe clásico. Él será el encargado de de dar la bienvenida al visitante para conducirle hacia la Galería Central. En su antesala le esperan las ya mencionadas  La Anunciación de Fra Angelico y el Descendimiento de Rogier van der Weyden.

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La escultura de Carlos V y el furor de Leone y Pompeo Leoni, desprovista de su armadura por primera vez en décadas (1) Museo Nacional del Prado ( Foto: Museo Nacional del Prado)

 Se accede a continuación a un primer tramo de la gran galería (salas 25 y 26), que alberga obras de El Bosco, Patinir, Tiziano, Correggio, Rafael, Juan de Flandes, Veronés, Tintoretto y Guido Reni, por citar tan solo a algunos de los artistas italianos y flamencos de los siglos XVI y XVII aquí representados. Los retratos de Tiziano de los primeros Habsburgo, presididos por el archiconocido retrato ecuestre de Carlos V en Mülhberg, se mantendrán en el corazón de la Galería Central (sala 27) frente a dos de las Furias, encargadas de flanquear el acceso a la Sala XII.

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Acceso a la galería central dentro del recorrido de la exposición Reencuentro en el Museo Nacional del Prado. ( Foto: Parte del Arte)

La reunión por primera vez, desde al menos 1929, de Las Meninas y Las Hilanderas junto a todos los bufones de Velázquez, así como otros retratos y escenas religiosas supondrán, sin duda, uno de los momentos más emocionantes de toda la muestra. La parte final de la Galería (salas 28 y 29) acoge la pintura religiosa y mitológica de Rubens, mostrando además un magnífico guiño a Tiziano a través de su Dánae. Este espacio dota, además, a Las Lanzas de Velázquez de un nuevo contexto mediante su inclusión entre los retratos ecuestres de El duque de Lerma y El cardenal infante don Fernando.

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Dánae recibiendo la lluvia de oro. Tiziano Vecellio, 1560-1565. Museo Nacional del Prado. ( Foto: Museo del Prado)

En las salas del ala norte que flanquean la Galería (salas 8B, 9B y 10B), Ribera y el naturalismo español (junto a nombres fundamentales como Maíno y Zurbarán)  conviven con el europeo (protagonizado por Caravaggio y Latour), al igual que lo hacen Clara Peeters y los bodegonistas españoles coetáneos. Por otro lado, El Greco comparte estancia con Artemisia Gentileschi, pudiendo apreciar la labor de retratistas como Sánchez Coello, Sofonisba Anguissola y Antonio Moro reunida de manera muy orgánica.Bodegón con flores, copa de plata dorada, almendras, frutos secos, dulces, panecillos, vino y jarra de peltre

Bodegón con flores, copa de plata dorada, almendras, frutos secos, dulces, panecillos, vino y jarra de peltre. Clara Peeters, 1611. Museo Nacional del Prado. ( Foto: Museo Nacional del Prado)

La zona sur (sala 16B) acoge la obra de los maestros españoles de la segunda mitad del siglo XVII, con Murillo y Cano como principales protagonistas, a los que acompañan artistas contemporáneos de la escuela francesa, como Claudio de Lorena, y la flamenca, como Anton van Dyck.

Santa Isabel de Portugal

Santa Isabel de Portugal. Francisco de Zurbarán, 1635. Museo Nacional del Prado. ( Foto: Museo Nacional del Prado)

Un verdadero punto de fuga para la Galería Central converge en la sala 32 con La familia de Carlos IV y el 2 y el 3 de mayo de Goya, que se presentan en paredes enfrentadas. El genio aragonés, de quien se muestra también su actividad como retratista (salas 35 y 36), es vinculado a otros artistas del siglo XIX a través de su obra El perro semihundido.

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La familia de Carlos IV. Francisco de Goya, 1800. Museo Nacional del Prado. ( Foto:Museo Nacional del Prado)

NO SON TODAS LAS QUE ESTÁN

     Como las palabras, a veces se dice más con lo que se calla que con lo que se dice. Son, sin duda, muchas las grandes obras que se han tenido que quedar necesariamente fuera de esta muestra. Algunas de las obras maestras excluidas como centro de Reencuentro pueden verse en salas adyacentes, como las Bacanales de Tiziano o la Inmaculada de Tiépolo, despidiendo al espectador a la salida del Museo. Para algunos de los títulos más emblemáticos, como El jardín de las Delicias de El Bosco o la Judit de Rembrandt, se deberá esperar hasta mediados de septiembre, cuando se despida esta muestra y se regrese, según los planos previstos, a esa “nueva normalidad” también en el Prado…

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Tríptico de El Jardín de las delicias. Jheronimus van Aken, El Bosco, 1490-1500. Museo Nacional del Prado ( Foto: Museo Nacional del Prado)

En Parte del Arte estamos deseando pisar de nuevo contigo estas salas y las de todos los museos de Madrid y por ello estamos diseñando interesantes experiencias y propuestas para que nuestro regreso sea seguro. Si no te lo quieres perder suscríbete a nuestra nesletter y te avisaremos por correo de todas las novedades. Además, en nuestras Redes Sociales Facebook, TwitterInstagram  y Youtube también estaremos compartiendo contenido e información sobre todos nuestros próximos pasos.

¡Nos vemos en las redes! ¡Y muy pronto en los museos!

 

 

 

La colección Masaveu, la importancia del mecenazgo

Ya estamos en fase 1 y poco a poco la nueva normalidad llega a nuestras vidas. Desde Parte del Arte queremos ser prudentes y seguir unas semanas más con nuestros cursos on line   Conoce Madrid, Grandes Momentos de la Historia y Exposiciones y Colecciones de Madrid, aunque si os somos sinceras, estamos deseando veros, teneros cerca y recorrer juntos todos los rincones de Madrid y sus museos. Esperamos que pronto podamos hacerlo con todas las garantías de seguridad.

También comienzan a adaptarse a los nuevos tiempos los museos de toda España, abriendo con muchas medidas de seguridad y con restricciones de aforo. Así que, mientras esperamos a poder disfrutar juntos de estos espacios en vivo, en Parte del Arte seguimos compartiendo con vosotros nuestro contenido de forma virtual, no sólo a través de los cursos on line, sino también a través directos en nuestro Instagram, en los que cada día a partir de las 20.00h. os ofrecemos pequeños paseos culturales por Madrid y regularmente hacemos entrevistas a personajes relacionados con el arte y la cultura, comentarios de obras artísticas…que puedes encontrar unos días después en nuestro canal de Youtube Parte del Arte Madrid. Además, seguimos muy activas y en contacto con vosotros a través de todas nuestras Redes Sociales como Facebook y Twitter y también seguimos compartiendo con vosotros cada semana un artículo en nuestro blog en el que os hablamos de algún tema interesante relacionado con la cultura de Madrid. Queremos estar más cerca de ti que nunca.

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Natalia Nuñez Dato, fundadora y directora de Parte del Arte

Hoy queremos hablaros de la colección de la que hemos hablado en nuestra clase de esta semana en nuestro curso Exposiciones y Colecciones de Madrid y que es, todavía para muchos, algo desconocida, ya que está abierta al público desde hace menos de un año. Se trata del museo de la Fundación María Cristina Masaveu, que alberga una colección con una historia fascinante

Vamos a conocerla.

Una cámara de maravillas. La Fundación Masaveu

La colección Masaveu es una de las colecciones privadas más importantes de toda España, ya que, además de contener un gran número de piezas, éstas son de una extraordinaria calidad y abarcan un extenso periodo cronológico, que se extiende desde la Edad Media hasta la actualidad. Aunque en un primer momento la colección se centraba en pintura, artes decorativas medievales y renacentistas y en pintura del Siglo de Oro español, con el paso del tiempo la colección se ha ido transformando según los intereses de los mecenas, lo que ha permitido que en tiempos más próximos la colección haya incorporado obras de periodos más recientes. De este modo, obras de los grandes maestros del pasado como Ribera, el Greco, Murillo, Zurbarán, Goya…conviven con otras de Ramón Casas, Sorolla, Picasso, Braque, Miró, Dalí, Warhol…y obras de artistas contemporáneos como Blanca Muñoz.

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Antonio María Esquivel. El primogénito de Antonio Hompanera de Cos, 1852. Colección Masaveu. ( Foto: www.fundacioncristinamasaveu.com)

 

La familia Masaveu y el coleccionismo

El origen de esta colección se sitúa en la década de los 30 en el ámbito de una familia que pertenecía a la burguesía catalana enriquecida a través de la industria que surgió entre finales del siglo XIX y principios del siglo XX.

La historia comienza con Elías Masaveu Rivell, hijo de Pedro Masaveu Rovira, empresario que se había establecido en Oviedo en la década de los 40 del siglo XIX para abrir su negocio textil. Elías Masaveu fue el primer miembro de esta familia en demostrar interés por el arte, abriendo en Oviedo una galería llamada Salón Masaveu. Su hijo Pedo Masaveu Masaveu fue empresario, banquero y filántropo y continuó coleccionando pintura antigua. Su hijo, Pedro Masaveu Peterson continua esta labor convirtiéndose en el mayor impulsor de la colección, adquiriendo más piezas y de periodos mucho más amplios. Además, una parte importante de su labor estuvo centrada en el rescate de patrimonio que estaba disperso en colecciones extranjeras que estaban a la venta en subasta.

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Maria Cristina Masaveu Peterson, creadora e impulsora de la Fundación Maria Cristina Peterson ( Foto: www.lactual.cat)

Al morir sin descendencia, la colección pasa en herencia a su hermana Maria Cristina Masaveu Peterson, que junto con su primo continúa con el mecenazgo. A su muerte, tal y como ella había dejado establecido, la colección pasó a formar parte de la Corporación Masaveu y su gestión a través de la Fundación Maria Cristina Masaveu Peterson, que cumpliendo su voluntad cedió 410 piezas al Museo de Bellas Artes de Asturias.

Las sedes

La Fundación en la actualidad tiene varias sedes. Una de ellas se encuentra en la localidad asturiana de Siero. Se trata del Palacio de Hevia, cuya construcción se remonta al siglo XVII. En esta sede se encuentra el área administrativa de la Fundación, becas y se gestionan los proyectos que la entidad desarolla en Asturias.

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Palacio de Hevia, sede administrativa de la Fundación Maria Cristina Masaveu. Siero, Asturias. (Foto: www.fundacioncristinamasaveu.com)

La Fundación María Cristina Masaveu también gestiona el Centro Cultural de Morasverdes, en Salamanca, un albergue juvenil concebido como un espacio de encuentro e intercambio cultural y educativo entre la juventud y el entorno natural.

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Sede del Centro Cultural de Morasverdes ( Salamanca), creado por la Fundación Maria Cristina Masaveu. (Foto: www.fundacioncristinamasaveu.com)

Fuera de nuestras fronteras, la Fundación adquirió en las inmediaciones de la Universidad de Yale un edificio que ha convertido en un centro multidisciplinar para la difusión de la historia y cultura española.

Su más reciente inauguración es la de la sede madrileña, ubicada en la calle Alcalá Galiano, y situada en una construcción típica de la arquitectura palaciega madrileña de estilo neoclásico. Un edificio construido entre 1881 y 1882. Al tratarse de una construcción  protegida, el acondicionamiento del edificio se ha tenido que realizar teniendo en cuenta algunas cuestiones como el mantenimiento de la fachada y la volumetría original. Además, el proyecto de rehabilitación, llevado a cabo por los arquitectos Rafael Masaveu y Carolina Compostizo, tiene un compromiso ético y de sostenibilidad, por lo que los materiales y acabados utilizados tanto en el exterior como en el interior son de primera calidad, entre los que destaca el hormigón visto y las maderas tropicales, explotadas de forma sostenible.

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Patio interior del palacio en el que se sitúa la sede madrileña de la Fundación Maria Cristina Masaveu. (Foto: www.fundacioncristinamasaveu.com)

La colección madrileña. Pintura española del siglo XIX

La colección madrileña presenta una selección de 117 obras de una de las secciones más interesantes, la de pintura española del siglo XIX.

El punto de partida es Francisco de Goya. El genio aragonés, junto con otros pintores de su generación, ejemplifican a la perfección la transición de la pintura neoclásica hacia el romanticismo. Entre las obras de este grupo de artistas, destacan dos pequeños cuadros del propio Goya de temática taurina, un retrato de marcado estilo neoclásico de Zacarías González Velázquez y cuatro pinturas de Vicente López, otro de los grandes maestros de este periodo.

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Francisco de Goya. Banderilleros, 1793. Colección Masaveu. ( Foto: www.fundacioncristinamasaveu.com)

Dentro de la pintura del Romanticismo, la colección aborda los dos grandes focos pictóricos en este momento. En primer lugar encontramos la ciudad de Sevilla, centro en el que destaca un exquisito retrato firmado por Antonio María Esquivel, que lleva por título Promogénito  de Antonio Hompanera de Cos, en el que el joven, de unos trece años, muestra orgulloso sus conocimientos artísticos a través de un dibujo de corte académico.

El segundo núcleo del Romanticismo estaba situado en Madrid y está ejemplificado en la Colección Masaveu por el extraordinario Retrato de Inés Pérez de Seoane, realizado por el pintor Federico de Madrazo y Kuntz.

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Federico de Madrazo y Kuntz. Inés Pérez de Seoane, 1850. Colección Masaveu. ( Foto: www.fundacioncristinamasaveu.com)

Dentro del género costumbrista que surge durante el movimiento romántico en nuestro destaca lgunas obras de los pintores Dionisio Fierros y Eduardo Rosales, que ya anticipan la estética del Realismo.

A continuación, nos encontramos con un nuevo bloque que refleja las variadas corrientes artísticas que surgen en el último tercio del siglo XIX. Entre ellas encontramos el género histórico, el paisaje en su vertiente realista y en la naturalista y el género costumbrista.

Uno de los núcleos fundamentales de la colección está formaso por algunas de las nmerosas obras que la Colección Masaveu posee de Joaquín Sorolla, artista predilecto de Pedro Masaveu Peterson.

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Joaquin Sorolla y Bastida. Mi mujer y mis hijas en el jardín, 1910. Colección Masaveu. ( Foto: www.fundacioncristinamasaveu.com)

A continuación, nos encontramos perfectamente representada la corriente de renovación que siguió, como reacción al éxito de Sorolla. Podemos contemplar, en este sentido obras de artistas como Darío de Regoyos , Igancio Zuloaga o Julio Romero de Torres.

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Ignacio Zuloaga. Baile gitano en una terraza de Granda, 1903. Colección Masaveu. ( Foto: www.fundacioncristinamasaveu.com)

La renovación pictórica llevada a cabo por un nutrido foco de pintores catalanes nos ofrece un perfecto broche de oro a la visita a la colección, ya que se trata de un gran número de piezas de primer nivel de autores como RusiñolRamón Casas, Hermen Anglada-Camarasa, que es, después de Sorolla, el artista con más obras dentro de la colección.

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 Santiago Rusiñol y Prats. Le Gran Bal (Madeleine de Boisguillaume). 1891. Colección Masaveu. ( Foto: www.fundacioncristinamasaveu.com)

La exposición concluye con varias obras de gran interés del postmodernismo catalán: cuatro escenas de gitanas firmadas por Isidro Nonell y dos paisajes de Joaquín Mir y Joaquín Sunyer.

Se trata, por tanto, de una colección de visita imprescindible para todos los amantes de la pintura y una oportunidad excelente de conocer una de las colecciones privadas más relevantes de nuestro país.

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Entrevistamos a Ignacio Pereira, el fotógrafo del Madrid vacío

Arranca con fuerza la semana en Parte del Arte. Como muchos ya sabéis, desde que comenzó la crisis sanitaria nos hemos puesto manos a la obra para seguir desarrollando nuestra misión de acercarte el arte y la cultura, en este caso, desde  nuestro hogar hasta el tuyo. Por ello, además de ofrecer nuestros cursos habituales de forma on line estamos organizando encuentros en directo desde nuestra cuenta de Instagram cada lunes y viernes a las 17.30h. en los que hablamos de diferentes temas relacionados con el arte: analizamos cuadros, hablamos de artistas… y en muchas ocasiones lo hacemos en colaboración con expertos, historiadores del arte, divulgadores y también artistas actuales.

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Es el caso de nuestro próximo invitado, que como excepción entrevistaremos mañana martes 28 de abril a las 17.30h. Se trata del fotógrafo Ignacio Pereira, un artista con un estilo muy marcado y una particular visión de las ciudades, entre ellas nuestra querida Madrid, que en estos tiempos se ha vuelto más actual y cercana que nunca.

EL MADRID QUE NUNCA IMAGINAMOS VIVIR

Aunque nació en Talavera de la Reina ( Toledo), toda la familia de Ignacio Pereira es de Madrid y así se siente él, madrileño. Por ello, la capital es la gran protagonista de su obra. Sin embargo, sus imágenes de Madrid se desmarcan por completo de la fotografía urbana  a la que estamos acostumbrados. A diferencia de otros fotógrafos y artistas que recogen la bulliciosidad y la vida de la ciudad y sus habitantes, Pereira nos muestra un Madrid inhóspito y vacío.

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Paseo de la Castellana. Ignacio Pereira (Foto: www.madridiario.es)

Todo surgió a partir de una idea que probablemente han compartido muchos amantes de Madrid: el deseo de disfrutar y de pasear por la ciudad en solitario y de forma tranquila. Hasta hace unos días, pasear en solitario por lugares céntricos de Madrid como la Puerta del Sol o Gran Vía era algo prácticamente imposible y por ello Ignacio Pereira se propuso el gran reto de representar un Madrid vacío, en el que se pudieran apreciar todos los detalles de las calles y la arquitectura.

No obstante, Pereira, que se considera una persona bastante solitaria, quería transmitir en sus imágenes no sólo una calle vacía sino un sentimiento de soledad que no se conseguía simplemente haciendo ese proceso de “vaciado”. Finalmente, la solución para conseguir este efecto fue la  de dejar una única persona en cada imagen, lo que nos transite perfectamente cómo el protagonista se siente y hace hincapié en la frialdad de las ciudades.  En palabras del propio artista: al final estamos muy rodeados de gente pero no dejamos de estar solos; no hablas con nadie, no le preguntas. También explica la escala, ya que hago fotografías de grandes plazas, de carreteras con un punto de fuga bastante amplio, entonces así se tiene una referencia.

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Puerta del Sol. Igancio Pereira. (Foto: www.madridiario.es)

Esta concepción de la ciudad vacía le ha llevado a fotografiar con este mismo criterio otras grandes ciudades superpobladas como Tokio o Londres, creando imágenes de gran impacto que le han granjeado reconocimientos y premios como el Premio al Mejor Relato Visual de PhotoESPAÑA 2018.

Lo que nunca imaginamos es que estas imágenes se iban a hacer realidad por circunstancias como las que estamos viviendo y nos iban a resultar incluso cotidianas. Hoy más que nuca el mensaje de las fotografías de Pereira nos llegan hasta el alma, no sólo por su aire sobrecogedor y su melancolía, sino tristemente por su veracidad.

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Tokio vacía. Igancio Pereira. (Foto: www.ignaciopereira.com)

Los últimos acontecimientos propiciados por la propagación del Covid19 en Madrid han hecho todavía más famosas las imágenes de Pereira, que han sido masivamente compartidas y difundidas por considerarlas premonitorias, e incluso en ocasiones, manipuladas sin su permiso, lo que le ha situado en el centro de una gran polémica en las últimas semanas.

¿Se imaginaría Pereira que sus fotografías podían llegar a dejar de ser una ilusión? ¿Cómo se sentirá el artista al contemplar este Madrid vacío en plena pandemia por el coronavirus? Todas estas respuestas y muchas más en nuestra entrevista de mañana martes 28 de abril a las 17.30h, en el Instagram de Parte del Arte.

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Gran Vía. Ignacio Pereira. (Foto: www.madridiario.es)

Si no tienes cuenta de Instagram te dejamos aquí un tutorial de cómo hacerte una y así poder disfrutar de todo el contenido que tenemos preparado para ti. ¡Es muy fácil!

También te recordamos que puedes estar al día de todas nuestras actividades, cursos on line y experiencias en www.partedelarte.com y en todas nuestras Redes Sociales: Facebook, Instagram , Twitter y en nuestro Canal de Youtube.

¡Te esperamos!

 

 

 

 

Museos en tiempos de Coronavirus: La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

Ya ha comenzado la nueva aventura de Parte del Arte, nuestros primeros cursos on line. Ante la situación que estamos viviendo en la actualidad debido a la crisis sanitaria provocada por la expansión del coronavirus, en Parte del Arte hemos optado por la opción que consideramos más inteligente: seguir adelante y buscar todos los medios posibles para continuar con nuestra misión de acercarte la cultura y el arte. Por eso, le hemos dado continuidad a nuestros cursos Conoce Madrid, Exposiciones y Colecciones de Madrid, Grandes Momentos de la Historia y Descubriendo la Ópera en formato on line. Hemos podido vernos de nuevo y aunque fuese a través de pequeñas ventanas nos ha llegado vuestro apoyo y cariño de una forma increíble. Por ello, ante todo, queremos daros las gracias por apoyarnos en estos tiempos difíciles. La comunidad Parte del Arte es muy especial para nosotras.

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Natalia Nuñez, fundadora de Parte del Arte ,al frente de un proyecto que sigue adelante pese a las dificultades.

Hemos comenzado con muchas y ganas y fuerza esta formación a distancia y queremos compartir con vosotros una pequeña parte de lo que hemos visto en nuestro curso Exposiciones de Madrid.

Esta semana nos hemos acercado virtualmente a una de las colecciones más importantes de Madrid, y en muchas ocasiones desconocida, la de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Esta institución, con una larguísima tradición vinculada a nuestra historia, cuenta con una pinacoteca extraordinaria, además de departamentos dedicados a otras artes, como el taller de vaciados de escultura, que visitamos el curso pasado con nuestros grupos de Conoce Madrid, o la Calcografía, de la que también han podido disfrutar nuestros alumnos de este curso. Vamos a conocer un poco más sobre su historia.

LOS ANTECEDENTES. 

El germen de la primera Academia de Bellas Artes  lo encontramos en una propuesta que el pintor Antonio Meléndez le hizo a Felipe V en 1726, que consistía en: “erigir una Academia de las Artes del diseño, pintura, escultura y arquitectura, a exemplo de las que se celebran en Roma, París, Florencia y Flandes, y lo que puede ser conveniente a su real servicio, a el lustre de esta insigne villa de Madrid y honra de la nación española”. 

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Retrato de Felipe V. Jean Reanc. Museo del Prado.

Finalmente esta propuesta no prosperó, teniendo que esperar a otro nuevo planteamiento por parte de otro artista, el escultor italiano Domenico Olivieri. Este artista estaba al frente del taller de escultura del Palacio Real Nuevo y le había solicitado al monarca Felipe V un permiso, que en este caso fue concedido, para abrir una academia privada. Esto animó a Olivieri a llevar a cabo la iniciativa de creación de una Real Academia, que también fue aceptada, aunque no llegó a materializarse hasta dos años más tarde bajo el provisional nombre de Junta Preparatoria.

LOS PRIMEROS PASOS. NACE LA REAL ACADEMIA

El 13 de julio de 1744 Felipe V aprobó la Junta Preparatoria y cinco días después se celebra la primera reunión, en la que el marqués de Villarias y Fernando Triviño se mostraron como primer Protector y primer Vice-Protector respectivamente. La Dirección General de la Junta recayó en Olivieri, a quien le acompañaron seis maestros directores y otros tantos honorarios, todos ellos artistas de profesión. La primera sede de la Academia estuvo ubicada en la planta noble de la Real Casa de Panadería, que fe cedida por el rey para este fin.

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Fiesta en la Plaza Mayor. Juan de Corte. Museo de Historia de Madrid

UNA NUEVA ETAPA. EL REINADO DE FERNANDO VI

Es durante el reinado de Fernando VI cuando se plantea la formación de unos Estatutos, que fueron por fin redactados en 1751. Sobre ellos se funda la Real Academia de Bellas Artes, según Real Decreto de 12 de abril de 1752. Era el comienzo de una nueva etapa de gran trascendencia para la Academia.

Una de las características más importantes de este nuevo periodo de la Academia y que aparecía reflejada en los Estatutos radicaba fue el traspaso de la responsabilidad última de la Academia desde las manos de los artistas a la de los consiliarios, una figura administrativa representada por la nobleza. Estos consiliarios se convirtieron en las piezas clave en el gobierno de la Academia.

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Retrato de Fernando VI. Louis-Michel van Loo. Museo del Prado.

EL GRAN IMPULSO DE CARLOS III. UNA ETAPA DE ESPLENDOR

A la importante labor de Felipe V y Fernando VI para la creación y dotación económica de la Academia, hay que sumarle el importante impulso que ésta recibió durante el reinado de Carlos III.

Durante este periodo, el monarca confirmó el carácter instrumental de la Academia como instrumento fundamental del reformismo ilustrado. Esto significó no sólo que la Academia tuviese un grandísimo apoyo de la corona sino también de personajes muy cercanos al rey , como Grimaldi o Floridablanca, que actuaron el papel de protectores, o algunos miembros de las familias más relevantes del momento como los Alba, Osuna, Berwick y Liria, Medinacelli, Aranda, Santa Cruz, Abrantes, Fernán Nuñez….que hicieron el papel de consiliarios.

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Retrato de Carlos III. Anton Raphael Mengs. Museo Nacional del Prado.

Este periodo de gran actividad en la Academia derivó en un incremento muy significativo de los alumnos en los últimos años del siglo XVIII. La Casa de la Panadería se quedaba pequeña y fue necesario emprender la búsqueda para una nueva sede.

En el año 1773 se hizo efectiva la compra del antiguo palacio de Goyenche, situado en la calle de Alcalá, un edificio que era necesario reformar para que se ajustase al gusto académico vigente. Esta labor se le encomendó a Diego de Villanueva.

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Portada del palacio de Goyenche, proyectado por Churriguera ( aspecto antes de la reforma de Villanueva) ( Foto: www.artedemadrid.wordpress.com)

Comienza un nuevo periodo de esplendor para la Academia, que contó con un selecto elenco de profesores y directores generales. Entre éstos últimos destacan los arquitectos  Saccheti, Ventura Rodríguez, Juan de Villanueva y Arnal; escultores como Olivieri, Castro, Mena, Robert Michel, Álvarez y Carnicero; y algunos conocidos pintores como Giaquinto, González Ruiz, Calleja, Francisco Bayeu, Maella y Ferro.

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Dibujo de la fachada modificada de la Real Academia de BBAA de San Fernando. Diego de Villanueva ( Foto: www.artedemadrid.wordpress.com)

ÉPOCA DE CAMBIOS. EL CONVULSO SIGLO XIX

En el siglo XIX se producen algunos acontecimientos importantes en la historia de la Academia. Uno de ellos es la segregación de enseñanza de las bellas artes que se produjo en 1844, que establecía que se impartiría en la nueva Escuela de Nobles Artes. Ésta inicialmente dependía de la Academia pero fue el primer paso para la separación de la enseñanza, es decir, lo contrario al espíritu inicial de la fundación de la Academia.

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Sala de reuniones de la Real Academia de BBAA de San Fernando en el siglo XIX. ( Foto: www.realacademiabellasartessanfernando.com)

De la separación que se produce entre estos dos organismos surge una nueva academia en la que recuperaron el poder los artistas. Durante este periodo desaparecieron los académicos honorarios y se consideró a todos los miembros de la corporación “iguales en consideraciones y prerrogativas”. Entre las medidas que se tomaron, se limitó el número de los miembros de la Academia y se organizó en secciones: pintura, escultura y arquitectura, algo que se hacía por primera vez en la Academia. Se comienza una nueva gestión que siembra la semilla de la Academia actual, fundamentalmente en los nuevos estatutos que se redactan en el año 1864.

EL SIGLO XX Y LA ACADEMIA ACTUAL

En los últimos años del siglo XIX y durante el siglo XX la Academia ha vivido diferentes periodos y cambios de nombre, como en el caso de la I República, en la que pasó a llamarse Academia de Bellas Artes de San Fernando, eliminando el título de “real”.

Después de la Guerra Civil, la Academia  reanudó sus actividades en 1939, aunque tuvo que cerrar sus puertas durante un periodo relativamente largo en 1974 para acometer una ambiciosa restauración que se prolongó hasta 1982, año en el que se reanudan las sesiones. La exposición pública de las colecciones tendrá que esperar hasta 1986.

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Interior de la Real Academia de BBAA de San Fernando. (Foto: www.miradormadrid.com)

A partir de los años 90 también se desarrollaron numerosas reformas en el edificio y en la propia organización y funcionamiento de la Academia. Entre estas últimas iniciativas se encuentra la inclusión de las nuevas formas de expresión artística como la fotografía y la cinematografía bajo el nombre de “Nuevas Artes de la Imagen”.

Con estas reformas, recogidas en los estatutos más recientes, nos encontramos ante una academia moderna que da cabida a todas las manifestaciones artísticas y que conserva las más tradicionales, como el taller de vaciado de esculturas o la calcografía, contribuyendo a su renovación, modernización y difusión.

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Uno de nuestros grupos de Conoce Madrid visita el taller de vaciados de la Real Academia de BBAA de San Fernando

Además, el museo, que fue el primero abierto al público en Madrid, cuenta con una excelente colección de piezas de artistas de primer nivel tanto españoles como extranjeros. Un verdadero lujo en nuestra ciudad y una joya que sin duda recomendamos visitar.

¿Te han entrado ganas de conocer más colecciones de Madrid? No dudes en entrar en nuestra web www.partedelarte.es e infórmate de todas nuestras experiencias culturales y cursos presenciales y on line que diseñamos especialmente para que la cultura, pase lo que pase, siempre sea parte de tu vida.

¡Recuerda! Todos los lunes y viernes a las 17.30h. hacemos vídeos en directo en Instagram en los que podrás disfrutar de forma gratuita de interesantes contenidos que preparamos para acercarte mucho más el arte. Si no tienes instagram pinchando aquí puedes ver lo fácil que es crearte tu cuenta y disfrutar de las mejores experiencias culturales desde tu móvil.

¡Te esperamos!

 

 

 

 

 

 

 

 

DAVID DELFÍN. EL DISEÑADOR DEL NUEVO MILENIO

En Parte del Arte seguimos adelante. El tiempo de cuarentena se está alargando mucho más de lo que todos deseamos pero es momento de continuar con nuestra misión de acercarte y hacerte sentir el arte y la cultura. Por ello, adaptándonos a las circunstancias y con tantos medios digitales que existen a nuestro alcance, hemos decidido crear una oferta de cursos on line en la que continuar impartiendo nuestros cursos:Conoce Madrid, Exposiciones y Colecciones de Madrid, Grandes Momentos de la Historia y Descubriendo la ópera. De esta manera, podrás seguir disfrutando de nuestras experiencias pero sin moverte de tu casa. Tienes toda la información sobre los cursos on line pinchando aquí.

También seguiremos acercando la cultura de forma gratuita a través de nuestros directos en Instagram cada lunes y viernes a las 17.00, en los que te invitamos a charlar con nosotras y nuestros invitados del mundo del arte sobre diferentes temas, y ¿cómo no?, a través de nuestro blog BaluArte, en el que cada semana os hablamos de un tema cultural de actualidad o de alguna exposición temporal.

Por ello hoy os hablamos de una de las muestras programadas para este mes, la dedicada al diseñador David Delfín, organizada por  la Comunidad de Madrid a través de la Consejería de Cultura y Turismo en un lugar muy especial.

DE DEPÓSITO DE AGUA A SALA DE EXPOSICIONES

El edificio que alberga la exposición fue construido entre 1907 y 1911 por el ingeniero Diego Martín Montalvo como primer depósito elevado de agua de Madrid. Se trata de una construcción de estilo ecléctico y carácter industrial que destaca por su exterior de ladrillo, su planta circular, sus contrafuertes en talud y su cubierta metálica rebajada.

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Exterior del edificio del antiguo depósito de agua construido por Diego Martín Montalvo

El edificio fue restaurado en 1986 y acondicionado como sala de exposiciones, gestionada por la Subdirección General de Bellas Artes de la Comunidad de Madrid junto a la Sala Alcalá 31 y la Sala Arte Joven. Normalmente las exposiciones que podemos encontrar en este espacio se centran en la creación fotográfica y audiovisual contemporánea pero también, anualmente, coincidiendo con la Madrid Fashion Week se realiza una muestra de un gran maestro de diseño de moda.

Este año le ha llegado el turno al siempre controvertido David Delfín, a través de una exposición que se articula en torno a su trayectoria como artista y diseñador.

DAVID DELFÍN. MUCHO MÁS QUE UN DISEÑADOR DE MODA

Diego David Domínguez González (Ronda, 1970 – Madrid, 2017), más conocido como David Delfín, es uno de los máximos representantes de una nueva generación de jóvenes artistas y creadores que irrumpieron con la entrada del nuevo milenio y que concibieron la moda desde un punto de vista multidisciplinar.

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David Delfín en la presentación de su última colección en 2016

El malagueño comenzó su andadura como pintor. Es en 1999 cuando comienza a experimentar y a fusionar la pintura con el diseño de moda, aplicándola a prendas militares de segunda mano. Así es como en 2001, junto con Gorka Postigo y Bimba Bosé decide crear la firma Daviddelfín, una marca que construyó a partir de la influencia de discursos artísticos y su propia caligrafía escrita con la mano izquierda para  crear logos. La marca giraba en torno a un concepto que actuaba “como metáfora de la unión de las inquietudes del grupo, un proyecto multidisciplinar donde moda, fotografía, arquitectura y vídeo conviven desde entonces”.
El interés por el proyecto crecía por encima de sus posibilidades, y ya en 2002 tuvieron que contratar a una modista y un patronista. Estaban a punto de desfilar en Cibeles por
primera vez.

SANS TITRE

Sans Titre es el nombre de su primera colección, que vio la luz en 1999 que no estuvo planteada como una colección de moda al uso, sino como un ejercicio pictórico en busca de nuevos soportes y como un homenaje latente a Joseph Beuys, a través de camisetas desgarradas o cruces de fieltro rojo.  Esta “colección” fue sólo el comienzo de una relación muy fructífera entre diseño y creación plástica: referencias surrealistas más o menos explícitas (capuchas magritianas, hormigas e incorporación de aparentes objetos encontrados, inesperados) serán posteriormente muy habituales en su trayectoria.

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Prendas de la colección Sans Titre en la exposición

COUR DES MIRACLES

En el año 2002 David llegaba por primera vez a la pasarela de Cibeles con Cour de Miracles la que sería la primera gran colección, así como polémica del diseñador.

David empezó fuerte y de forma muy transgresora. Tanto, que varios periodistas se salieron del desfile al vislumbrar sus rompedoras propuestas, aunque la mayor parte del público le aplaudió. El desfile se convirtió en todo un escándalo, recibiendo duras críticas por parte de la sociedad y de algunos sectores políticos. Los reproches se centraban en el hecho de que Delfín cubrió el rostro de las modelos de sacos de tela y colocado una soga al cuello a Bimba, que participó en el show.

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Vestidos de la colección Cour de Miracles en la exposición

Esta puesta en escena se comparó en muchos medios de comunicación con el burka islámico y la violencia de género. Pero en realidad, su inspiración y las referencias de David Delfín tenían que ver con aspectos más profundos relacionados con la historia del arte. Se trata, en definitiva, de un homenaje al famoso cuadro de René Magritte Los amantes, y las hormigas estampadas que correteaban por algunos vestidos eran un guiño al film surrealista de Luis Buñuel Un perro andaluz.

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Los amantes. René Magritte, el cuadro en el que se inspira David Delfín para la colección Cour de Miracles

EL TIEMPO DE LOS MONSTRUOS. DAVID DELFÍN Y BIMBA BOSÉ

Grandes amigos y socios, David Delfín y Bimba Bosé se conocieron por casualidad en 1996 en la barra de un bar y desde entonces fueron inseparables. Bimba se convirtió en su musa y desfiló para él en numerosas ocasiones.

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David Delfín y Bimba Bosé 

En el año 2015, David Delfín presentó su colección El tiempo de los monstruos, en la que hacía referencia a la película de Félix Sabroso y como guiño y homenaje a Dunia Ayuso. En la colección encontramos depuradas geometrías y juegos de volantes y lunares, como resultado de una divertida mezcla de la Bauhaus combinada con el estilo Memphis, muy recurrente en sus últimas temporadas.

En esta colección  David Delfín convirtió a Bimba Bosé en uno de sus monstruos, coloreando de azul sus orejas y cubriendo su cuerpo con un explosivo vestido en verde hierba. Sin duda, una de las grandes joyas de todas sus colecciones.

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Bimba Bosé en el desfile de El tiempo de los monstruos

DAFO

Dafo fue el nombre que recibió una de las colecciones más emblemáticas de David Delfín, la de primavera-verano de 2007. Se trata de una colección prácticamente distinción de género. Algunas de sus propuestas dejaban ver un aire masculino en ellas y más femenino en ellos, dando una vuelta de tuerca a los convencionalismos tradicionales de la vestimenta.

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Escena del desfile de la colección Dafo

Uno de los sellos de David Delfín que podemos ver en muchas de las prendas de esta colección son los detalles, que nunca pasaron desapercibidos, como las famosas letras en los vestidos, que se transformaron en frases. Este detalle cautivó a muchos famosos, que empezaron a dejarse ver en eventos públicos y alfombras rojas con esta indumentaria.
Algo que a los famosos les encantó y de ahí que de dejaran ver en varios eventos públicos y alfombras rojas.

DÉMÉNAGEMENT

Otra de las colecciones más interesantes de David Delfín es la llamada Démenagement, que presentó para el otoño-invierno de 2007/2008.La mudanza (Déménagement) fue la fuente de inspiración en una nueva colección. El modisto no se refería a la mudanza como transporte sino entendiéndola como evolución, cambio. Por eso, se decantó por una línea austera en la que evitó los adornos superfluos y destacando las formas minimalistas. David Delfín presentó a sus modelos con mobiliarios de mimbre que jugaban el papel del complemento. Sillas a modo de peineta, taburetes de mochilas y tiras de mimbre sobre la cabeza.

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Vestido de la colección Déménagement

MISSING

Missing es probablemente la colección más personal de David Delfín en el otoño-invierno de 2013-2014. Fue un homenaje a su perrita, que falleció mientras se preparaba la colección. Tras quince años juntos, decidió recordarla a través de unas referencias a “Alicia en el País de las Maravillas” . Por eso las prendas destacan con colores blancos con rosas. Pero, para cerrar el desfile, Bimba, su musa, aparecía y vestida de negro para simbolizar el luto por el que estaba pasando el diseñador.

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Algunos diseños de la colección Missing

EL ÚLTIMO DESFILE

Su última propuesta propuesta para el otoño-invierno de 2016 estuvo basada en una colección que reivindicaba el forofismo hacia un mismo como una relación eterna de amor. Fue su bufanda la que lideró el desfile y la que acabó convirtiéndose en la estrella de la colección. El destino hizo que la última vez que David Delfín se subió a una pasarela fuera para Bimba Bosé también su último desfile.

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Bimba Bosé en el último desfile de David Delfín en 2016.

Lo compartieron todo a lo largo de su vida, hasta enfermedad y año de fallecimiento, muriendo los dos en el año 2017 con cinco meses de diferencia, dejando ambos una huella imborrable en el mundo de la moda.

¿Te ha gustado? Cuéntanos qué te parece en los comentarios.

y ¡recuerda! en  Parte del Arte  comenzamos nuestra oferta de cursos on line en la que encontrarás todos nuestros cursos:  Conoce MadridExposiciones y Colecciones de MadridGrandes Momentos de la Historia y Descubriendo la Ópera. Además, seguiremos compartiendo contenido artístico y noticias interesantes en nuestras Redes Sociales, así que no dudes en seguirnos en: FacebookTwitter y en Instagram (@parte_del_arte) donde cada lunes y viernes a las 17.00h nos conectamos en directo para hablar de diferentes temas de una forma distendida y amena.

¡Te esperamos!

 

 

EL ARTE DE CONSTRUIR. SÁENZ DE OÍZA EN FUNDACIÓN ICO.

Seguimos al pie del cañón en Parte del Arte. Parece ser que nos toca quedarnos en casa algo más de tiempo, y como hemos hecho hasta ahora nosotras seguimos en contacto con vosotros por todas las vías posibles, ofreciendo contenido de forma virtual para que podáis seguir disfrutando de nuestra programación aunque sea a distancia, a través del envío de información sobre rutas históricas de nuestro curso Conoce Madrid, de nuestras clases teóricas de nuestro curso Grandes Momentos de la Historia   y Descubriendo la ópera y por supuesto, de nuestro curso Exposiciones y Colecciones de Madrid.

Dentro de nuestra oferta de exposiciones, te proponemos una gran variedad de temas en la que procuramos que siempre estén presentes todas mas manifestaciones artísticas: pintura, escultura, y también arquitectura, puesto que existen en Madrid algunas instituciones que le prestan especial atención a este campo. Es el caso de la Fundación ICO, que desde hace unos años centra su actividad expositiva en temas relacionados con el mundo constructivo y sus figuras más relevantes.

En Parte del Arte somos ya asiduas a estas muestras, y por ello queremos descubrirnos su última propuesta, dedicada al gran arquitecto Francisco Javier Saénz de Oíza. Hoy en BaluArte te contamos un poquito más sobre la exposición.

Acompáñanos.

UNA MUESTRA MULTIDISCIPLINAR

Dentro de la programación del Madrid Design Festival 2020, la Fundación ICO quiere conmemorar con una exposición el centenario del nacimiento de Francisco Javier Sáenz de Oíza, un polifacético arquitecto que se ha encumbrado como una de las figuras imprescindibles de la arquitectura española.

Bajo el título Sáenz de Oíza. Artes y Oficios, la muestra se presenta, desde sus orígenes, el desarrollo de su mundo personal ejemplificado con su obra y acompañado de un grupo de artistas de diferentes disciplinas que se convirtieron en compañeros y amigos, y partícipes  de su obra. Planos, fotografías, pinturas y documentos nos acompañan en este universo oiziano.

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Entrada de la exposición Sáenz de Oíza. Artes y Oficios en Fundación ICO

APRENDER Y ENSEÑAR

La vida de Oiza se desarrolló entre el interés por aprender y la capacidad de enseñar. Nació en Cáseda (Navarra), en 1918 y sus primeros años transcurrieron entregado a la lectura de una gran variedad de temas, lo que le llevaría a viajar a Estados Unidos en 1948. A su vuelta, consigue el título de Profesor de Salubridad e Higiene en la Escuela de Arquitectura de Madrid, aunque con el tiempo también se convirtió en profesor de proyectos, Catedrático e incluso llegó a ser Director de la Escuela de Arquitectura.

En relación al mundo del aprendizaje destacan algunos proyectos de instituciones académicas, como las Escuelas de Batán en Madrid, la Facultad de Ciencias en Córdoba o la Universidad Pública de Navarra. 

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Plano de las Escuelas de Batán (Madrid)

LA GUARIDA

Si algo caracteriza a Oíza es su profunda voluntad de responder, mediante su trabajo, a las necesidades de los futuros habitantes de sus viviendas, tanto en los encargos de viviendas privadas como en las colectivas.

Su filosofía coincide con las ideas de Le Corbusier, que decía que la casa “es una máquina de habitar”, y como tal proyectó varias viviendas privadas que se muestran en la exposición y que muestran cómo Oíza entendía la casa como un lugar cerrado, íntimo, confiriéndole ese carácter de guarida. Por otro lado, según su percepción, el concepto de vivienda establece que ésta tiene que que estar arraigado a la tradición, al espacio en el que se encuentra y a los oficios locales, lo cual se plasma a la perfección en su casa de veraneo en Mallorca, un proyecto construido por otro arquitecto pero que cumple con estos principios.

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Una de las salas de la exposición con planos de proyectos de Oíza en diálogo con piezas artísticas de colegas y colaboradores

UN LUGAR SAGRADO PARA EVOCAR EL SILENCIO. EL SANTUARIO DE ARÁNZAZU.

Uno de los proyectos más especiales que se pueden ver en la muestra es el que está dedicado al Santuario de Aránzazu (Oñate, Gipúzcua). Se encuentra en el lugar donde presumiblemente la Virgen de Aránzazu se le apareció al pastor Rodrigo de Balanzategui en un espino en 1468. Después del milagro se construyeron varios santuarios que fueron desapareciendo debido a varios incendios y a mediados del siglo XX se planteó urgentemente una reconstrucción.

De los más de 40 proyectos que se presentaron salió elegido el de Sáen de Oíza y  Luis Laorga, que contaron con un nutrido grupo de artistas para la realización de los diferentes elementos de la basílica, cuyo programa iconográfico debía evocar lo Sagrado desde el Silencio: Lucio Muñoz se encargó del retablo, Jorge Oteiza las esculturas de los apóstoles en el friso de acceso a la basílica y el pintor Néstor Basterrecha de la cripta. Iconos del siglo XX trabajando codo con codo, que contaron también con la aportación de la comunidad franciscana en parte de la decoración y acondicionamiento.

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Exterior del Santuario de Aránzazu ( Oñate), proyectado por Saénz de Oíza y Luis Laorga

Lo que más llama la atención del conjunto en su parte exterior es la talla en forma de punta de diamante. Presenta tres torres, dos que enmarcan la fachada y la tercera, la que alberga el campanario, más alejada. Están realizadas con bloques de piedra tallados en forma de punta de diamante, haciendo alusión al espino  en el que, según cuenta la historia, apareció  la imagen de la Virgen.

Entre las dos torres se abre unas puertas de hierro realizadas por el escultor Eduardo Chillida y que están decoradas con asimétricos dibujos geométricos.

Al nivel de la calzada queda el friso de los apóstoles realizado por Jorge Oteiza, otro de los colaboradores. Los apóstoles están realizados en piedra y ubicados en un espacio de 12 m.

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Friso de los apóstoles, de Eduardo Chillida, sobre la puerta del santuario.

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Sala de la exposición en la que se puede ver, al fondo, una recreación del ábside de la Basílica de Aránzazu, decorado por el pintor Lucio Muñoz.

COLABORADORES Y MECENAS

Otro de los apartados de la exposición está dedicado a la relación de Oíza con sus patrocinadores, entre los que destaca la familia Huarte. Concretamente su máximo impulsor fue Juan de Huarte, quien tenía la firme voluntad de defender y ayudar a crecer a los mejores profesionales nacionales. Oíza llegó a tener con él una gran complicidad.

Entre las obras del arquitecto que contaron con el mecenazgo de la familia Huarte se encuentran las Torres Blancas, que supuso una gran novedad en la arquitectura de los años 60 por su excepcional expresividad, la Ciudad Blanca de la Alcudia en Mallorca o el local de la empresa H Muebles, su primera colaboración.

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Una de las salas de la exposición con esculturas de amigos y colaboradores de Sáenz de Oíza.

Otro de los lugares presentados en la muestra es la Fundación Oteiza, que supone una doble colaboración con Huarte y  Jorge Oteiza, con el que ya había trabajado en los años 50 en la Basílica de Aránzazu antes mencionada. Un lugar mágico en el que se fusionan arquitectura, escultura y paisaje y que supone un sugerente homenaje a su admirado Le Corbusier.

TORRES BLANCAS. ROMPIENDO MOLDES

Torres Blancas fue el segundo encargo que Juan Huarte le hizo a Sáenz de Oíza en el año 1961, un proyecto de viviendas de lujo en el que invirtió una fortuna, ya que quería convertirlo en un símbolo de poder. El propio Oíza se trasladó al edificio, ya que era habitual que parte del pago al arquitecto se hiciese con una vivienda.

El edificio, de 23 plantas destinadas a viviendas y oficinas, está formado por una estructura de hormigón visto conformada a base de cilindros rodeados por celosías de madera. También cuenta con una planta adicional en lo alto del el edificio y dos plantas en el sótano. Cuenta con una planta de servicios reservada para las instalaciones generales entre las plantas 21 y 22, y en la azotea una piscina.

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Dibujo de Sáenz de Oíza con un alzado de Torres Blancas

A pesar del nombre, el edificio es una única torre, que da la sensación de pluralidad por los numerosos cilindros que la conforman. ​Oíza quería construir un edificio de gran altura que creciese mecánicamente como un árbol y recorrido verticalmente por escaleras, ascensores e instalaciones (serían los vasos leñosos del árbol) y con terrazas agrupadas (las hojas de las ramas).

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Dibujo a color de Saénz de Oíza con el plano de Torres Blancas

Pero esta idea era demasiado moderna para el Madrid de entonces. El edificio resultó  tan provocativo que comenzaron a circular rumores y bulos, como que se mudó allí para demostrar que era posible amueblar una casa curvada o que originalmente iba cubierta de polvo de mármol blanco mezclado con hormigón.

A pesar de ello, años más tarde, en 1974 ganó el Premio de Excelencia Europea. y hoy se considera como una de sus obras maestras.

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Interior del portal de Torres Blancas

El estado de conservación actual del edifico no es especialmente bueno en algunos aspectos. El restaurante  que se abrió inicialmente en el último piso cerró en 1985 y  la distribución interior de las viviendas ha sufrido muchas modificaciones, ya que los paramentos curvos se revelaban incómodos en algunos espacios que hoy demandan otro tipo de distribuciones, por lo que la mayor parte de los propietarios actuales las han eliminado. Lo más reseñable que conserva son sus terrazas redondas, que se abren sobre la avenida de América, y su solárium y piscina en el último piso, conservándose así todavía hoy en uno de los bloques de viviendas de lujo más destacados de la zona.

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Piscina en la azotea del edificio de Torres Blancas

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“LOS IRASCIBLES”. REBELIÓN ARTÍSTICA EN LA FUNDACIÓN JUAN MARCH

Son tiempos difíciles y en Parte del Arte lo sabemos muy bien. Como muchos de vosotros sabéis, dada la actual situación de emergencia sanitaria que estamos viviendo hemos tenido que suspender nuestra actividad habitual de cursos, visitas guiadas y experiencias culturales en Madrid.

No obstante, somos chicas optimistas y de esta incertidumbre hemos sacado algo bueno, y es que nos hemos dado cuenta de que disponemos de muchos recursos que nos permiten continuar con nuestra misión: acercarte el arte y la cultura de una forma rigurosa, amena y multidisciplinar para que puedas disfrutar con los cinco sentidos. Uno de estos recursos es precisamente este blog, BaluArte, en el que estaremos más activas que nunca compartiendo con vosotros contenido sobre la actualidad artística de Madrid. Así, entre todos, conseguiremos que la cultura resista a esta terrible crisis. ¿Nos ayudas?

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El equipo de Parte del Arte, formado por las historiadoras del arte ( de izquierda a derecha) Isabel Cámara, Laura de la Faya,  Esther Arce y Natalia Nuñez (directora)

Hoy en BaluArte os hablamos de la extraordinaria exposición que albergan las ahora cerradas salas de la Fundación Juan March de Madrid dedicada a uno de los hitos de la pintura del siglo XX, el expresionismo abstracto y sus protagonistas, los pintores de la Escuela de Nueva York. Hoy, te proponemos una visita virtual por esta exposición que lleva por título: Los Irascibles: Pintores contra el museo, así que ponte cómod@ y ¡sigue leyendo!

LA REBELDÍA DE LOS PINTORES NORTEAMERICANOS

La exposición nos cuenta una historia que, aunque parece anecdótica, terminó convirtiéndose en uno de los hitos más importantes de la historia del arte del siglo XX. Es la historia de una protesta, de un acto de rebeldía protagonizada por dieciocho artistas de la Escuela de Nueva York contra una exposición  que llevaba por título American Painting Today: 1950, que presentaba el Metropolitan Museum of Art.

Muchos de estos artistas, a pesar de que ahora nos resultan imprescindibles para entender la pintura norteamericana de este periodo, no se encontraban representados en esta exposición, ya que la muestra escogió una serie de artistas que representaban un gusto que tendía hacia el pasado y sus técnicas figurativas. Defensores del expresionismo abstracto americano, su inconformidad ante esta situación fue congelada a través de una icónica fotografía que es el punto de partida de esta exposición. Al reunir a todos estos artistas, tanto a los que tuvieron una carrera exitosa como a los menos conocidos y apenas expuestos fuera de los Estados Unidos, esta muestra ofrece al público un conocimiento más completo de uno de los grupos de artistas con mayor relevancia de la mitad del siglo XX.

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Hedda Sterne, NY, NY No. X , 1948
Tate, Londres. Donación de Clara Diament Sujo, 2012 
© Hedda Sterne, VEGAP, Madrid, 2019

 

MUCHO MÁS QUE UNA FOTOGRAFÍA: EL RETRATO DE LA MODERNIDAD

La fotografía con la que comienza la exposición es mucho más que una imagen en la que podemos reconocer a varios artistas de este periodo. Se trata de un documento gráfico que nos revela un acontecimiento mucho más importante en la historia del arte, el comienzo de una revolución pictórica fundamental.

La historia comienza en 1950 cuando en Nueva York se organiza la famosa exposición American Painting Today: 1950. Las obras elegidas para esta muestra eran elegidas por un jurado de convicciones convencionales que no quería arriesgarse y que escogió artistas y obras convencionales, las obras típicas “de museo” (pintura figurativa fundamentalmente). Por lo tanto, los artistas expresionistas abstractos, que ya se movían con firmeza en los círculos vanguardistas, quedaron excluidos de la muestra.

Por ello, decidieron echarle un pulso al Metropolitan con una carta contra el jurado, que se publicó en el New York Times, teniendo cierta repercusión en muchos otros medios de comunicación del momento.

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Los irascibles, fotografía de Nina Leen publicada en la revista Life el 15 de enero de 1951. © Nina Leen/The LIFE Picture Collection vía Getty Images

En enero de 1951 será la revista Life donde la protesta alcanza su máxima dimensión con la publicación de la fotografía de la mayor parte del grupo (excepto tres miembros) en una fotografía tomada por Nina Leen, que ya llevaba tiempo trabajando para la revista. No es una foto espontánea, sino que se negociaron todos los detalles: se evitó que estos autores posaran portando sus obras (evitando que fuesen considerados artesanos) o en las propias escaleras del MET (como si no tuvieran derecho a mostrar su producción en sus salas). La imagen se tomaría en un aséptico estudio propiedad de la revista, y las poses de los quince pintores retratados fueron libres: Leen evitó darles indicaciones temiendo que se echaran atrás.

De la docena de fotografías que Leen tomó, en Life eligieron aquella en la que los artistas se mostraban más serios, con aspecto de enfadados, y la obra se convertiría en icono: en retrato extraoficial de la Escuela de Nueva York, aunque algunos de sus miembros no aparezcan.

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1.Baziotes/ 2.Brooks/ 3.De Kooning/ 4.Ernst/ 5.Gottlieb/6.Motherwell/7.Newman/8.Pollock/ 9.Pousette-Dart/10.Reinhardt/11.Rothko/12.Stamos/13.Sterne/ 14.Still/15.Tomlin

Un dato curioso es que sólo aparece en el grupo una mujer, la artista de origen rumano y esposa de Saul Steinberg, Hedda Sterne, que había llegado a Nueva York en 1941. La propia artista lamentó más tarde ser recordada sólo gracias a esta imagen y no a sus setenta años de trayectoria artística. En la imagen se la ve en la parte de atrás de pie sobre una mesa. En sus propias palabras sobre este momento: “Todos estaban muy furiosos porque yo estaba allí porque todos eran lo suficientemente machos como para pensar que la presencia de una mujer le quitaba la seriedad.” (Entrevista con Phyllis Tuchman , 1981.)

LA CARTA: LA REIVINDICACIÓN DE “LOS IRASCIBLES”

El artista Adolph Gottlieb fue el encargado de redactar la carta de protesta, que iba dirigida  a Roland L. Redmon, presidente del Metropolitan de Nueva York. Le llevo tres semanas, en las que consultó a otros artistas por correo y por teléfono hasta que por fin consiguió una versión definitiva que se envió a los dieciocho artistas de forma individual para que la firmasen.

El domingo 21 de mayo de 1950 el artista Barnett Newman llevó esta eclaración firmada al editor de la revista New York Times, y apareció en la portada de la famosa publicación el 22 de mayo. Newman le dijo al Times que criticaban la membresia de los cinco juardos regionales que formaban parte de la muestra y se opusieron especialmente al jurado de la propia ciudad de Nueva York por no haberles tenido en cuenta como corriente artística fundamental del arte actual. Comparaban su situación a la de los Impresionistas, cuando fueron rechazados de los Salones oficiales y se vieron obligados a exponer sus obras de forma independiente.

La repercusión de la carta no se hizo esperar y enseguida llegó la primera respuesta, publicada el 23 de mayo en el The Herald Tribune. En esta respuesta se  atacó a los artistas por ” distorsión de los hechos” al afirmar que el Metropolitan sentía desprecio por la pintura moderna. Los artistas redactaron una refutación para enviar al Herald pero nunca fue publicada.

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Willem de Kooning, Zot, 1949. The Metropolitan Museum of Art, Nueva York.© 2019 Copyright imagen, The Metropolitan Museum of Art/Art Resource/Scala, Florencia
© The Willem de Kooning Foundation, Nueva York, VEGAP, 2019

También otros medios de comunicación como el The Nation se convirtieron en altavoz de este debate artístico, del que los ” 18 irascibles” ( apelativo que se les había adjudicado en la primitiva publicación del The Herald Tribune), cosecharon algunos frutos.

Alfred Barr, primer director del Museum of Modern Art de Nueva York, que buscaba distinguir su museo, seleccionó a algunos de estos artistas, concretamente a Arshile Gorky , Willem de Kooning y Jackson Pollock para el pabellón estadounidense de la 25
Bienal de Venecia , celebrada de junio a octubre de 1950. En la edición de junio de 1950 de ARTnews , él se refería a los pintores como “líderes de una “vanguardia predominante”.  El acto de Barr señaló al mundo del arte que los museos deberían considerar seriamente el expresionismo abstracto.

EL TRIUNFO DEL EXPRESIONISMO ABSTRACTO

La exposición continua con una sala que lleva por título “18 artistas, 18 obras”. Las 18 pinturas expuestas  no estuvieron, obviamente en la famosa exposición del Metropolitan. Son préstamos de diferentes coleccionistas públicos y privados para mostrar la relevancia que adquirieron los expresionistas abstractos integrantes de la Escuela de Nueva York. El montaje es peculiar ya que se ha optado por la madera (abedul y pino seco) en lugar de por el célebre y aséptico cubo blanco, con el fin de acercar este espacio al de los estudios de los artistas o sus galerías, allí donde ellos trabajaban y exponían antes de alcanzar su gran reconocimiento.

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Imagen del montaje de la exposición en Fundación Juan March.De izquierda a derecha las obras de Fritz Bultman, Theodoros Stamos y Jimmy Ernst ( Imagen: Yolanda Cardo. Crónica Global)

LA ESCUELA DE NUEVA YORK. UNA NUEVA FORMA DE ENTENDER EL ARTE

El expresionismo abstracto, surgido en la década de los 40 en Estados Unidos, es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, que se concreta en las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto.

Al expresionismo abstracto también se lo conoce como Escuela de Nueva York, pero esta denominación abarca otras artes (música, diseño, poesía, teatro…). No se trata propiamente de una escuela con un estilo común, sino de un conjunto de artistas de convicciones semejantes y que compartían una serie de técnicas pictóricas.

Aunque existen grandes diferencias entre la obra de los integrantes de la Escuela de Nueva York, podemos hablar de algunas características formales que tienen en común.

En primer lugar, su preferencia por los grandes formatos. Generalmente son abstractos en el sentido de que eliminan la figuración, aunque hay excepciones y algunos emplean trazos figurativos, apareciendo figuras reconocibles, como ocurre con las Mujeres de Willem de Kooning.

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Mujer y bicicleta. Willem de Kooning, 1953. Imagen: (mundodelmuseo.com)

Otra de las características principales de los expresionistas abstractos es la concepción de la superficie de la pintura como all over (cobertura de la superficie), para significar un campo abierto sin límites en la superficie del cuadro: el espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay jerarquía entre las distintas partes de la tela. El cromatismo suele ser muy limitado: blanco y negro, así como los colores primarios. Este tipo de cuadros, con violentos trazos de color en grandes formatos, presenta como rasgos distintivos la angustia y el conflicto, lo que actualmente se considera que refleja la sociedad en la que surgieron estas obras.

En cuanto a los proceses de realización de este tipo de obras, existen diferentes tipos de obras dentro de este grupo, que veremos a través de algunos ejemplos de la exposición.

Jackson Pollock, Yellow Islands 

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Esta obra es de uno de los grandes artistas del Expresionismo Abstracto, el pintor Jackson Pollock ( 1912-1956). Fue uno de los máximos representantes de una nueva forma de pintar, muy común en este movimiento, que se conoce como Action Painting, en la que el centro de interés  es el gesto o movimiento de pintar, llamándosela también «pintura gestual» por la primacía que dio al procedimiento pictórico en sí. Se hace del acto de pintar un gesto espontáneo. Es un tipo de automatismo que plasma el estado físico y psíquico del pintor. De esta manera, elimina los límites tradicionales entre el pintor y la pintura, ligando la acción de pintar con la biografía del artista. Jackson Pollock usó como terapia contra su alcoholismo.
Pollock extendía la tela, normalmente sin tratar, sobre el suelo, y corría o danzaba a su alrededor y dentro de ella, derramando la pintura de manera uniforme. Pollock no trabajaba sobre el lienzo sino, muchas veces, metido en él. En efecto, no trabajaba la tela con utensilios tradicionales como el pincel o la espátula, sino mediante la técnica del dripping, que consiste en dejar gotear o chorrear la pintura, desde un recipiente (tubo, lata o caja) con el fondo agujereado, que el pintor sostenía en la mano o bien, en menor medida, desde un palo o una espátula. De esta manera pintar no era algo que se hacía con la mano, sino con un gesto de todo el cuerpo.

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Pollock trabajando sobre el lienzo

Mark Rothko. Sin título

Resultado de imagen de Mark Rothko. Sin título, 1952. National Gallery of Art, Washington.

La color-field painting o «pintura de campos de color» es otra corriente dentro de la Escuela de Nueva York, que es antecedente de la pintura minimalista y que está centrada en el color y sus posibilidades expresivas. Surgió igualmente en torno al año 1947. Dentro de esta tendencia se enmarca la obra de Mark Rothko. Este artista comenzó su trayectoria a principios de los años 40 utilizando figuras biomorfas. Pero hacia 1947 su estilo sufrió un cambio, centrándose en manchas de color de forma geométrica, normalmente dos o tres rectángulos horizontales. Se organizaban sobre la superficie del cuadro de forma frontal, unos sobre otros de forma simétrica. Los colores, especialmente los de los rectángulos, eran luminosos, siendo más apagados los del fondo. Rothko creaba superficies lisas de contornos  borrosos. La impresión que ofrecen los cuadros de Rothko es de serenidad, muy distinta de la angustia y violencia de los action painter.  Los colores, aplicados en sucesivas y finas veladuras, como si en vez de óleo se tratara de acuarela, nunca nos revelan las pinceladas, disminuyendo la textura de la pintura a su mínima expresión. Rothko consideraba que el color puro era el mejor modo para expresar las emociones, por ello, concebía sus obras como dramas, como la representación de una tragedia sin tiempo. Sus cuadros, de gran intensidad espiritual, consiguen envolver al espectador con una gran fuerza emotiva, invitándole a la contemplación y la meditación.

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Imagen de la Capilla Rothko, Houston

Pese a las dificultades iniciales, el movimiento del expresionismo abstracto en Estados Unidos terminó por consagrarse como el gran movimiento de vanguardia de este país. Una corriente que es mucho más que un movimiento artístico y que abaraca desde  una nueva forma de concebir la pintura, el cuestionamiento de las técnicas y procesos tradicionales del arte, hasta el planteamiento de otras cuestiones más profundas, como los debates que surgieron en torno a la función del museo y las instituciones culturales y su forma de entender y gestionar la producción artística.

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MONUMENTALIDAD EN GALERÍA MARLBOROUGH

El mes de marzo brilla en Parte del Arte. Estamos ofreciendo, tal y como os tenemos acostumbrados, una programación a la última, en la que incluimos rutas históricas por Madrid, como la que dedicaremos el viernes 6 con motivo del Día de la Mujer, salidas culturales, como la que realizaremos el próximo 14 de marzo a Burgo de Osma y San Baudelio de Berlanga y también visitas guiadas a las mejores exposiciones temporales de Madrid. 

Dentro de nuestra oferta de exposiciones, te proponemos una gran variedad de temas en la que procuramos que siempre estén presentes todas mas manifestaciones artísticas: pintura, escultura, arquitectura, artes decorativas….

Madrid cuenta con una amplia oferta de muestras temporales que se albergan en los grandes museos, pero también en las numerosas galerías de arte que hay repartidas por la ciudad. En Parte del Arte no queremos dejar de lado estos interesantes espacios, en los que también brillan las obras de grandes artistas. Por ello, este mes de marzo hemos organizado visitas guiadas a uno de ellos, la Galería Marlborough, en la que se encuentra en la actualidad una impresionante exposición de escultura monumental.

¿No lo conoces? No te preocupes porque en nuestro blog BaluArte te ofrecemos un pequeño adelanto de lo que veremos en la visita.

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Kissing Spheres (large), 2016. Tom Otterness

UNA GRAN TRADICIÓN. LA GALERÍA MARLBOROUGH

La Galería Marlborough de Madrid fue fundada en el año 1992 después de una larga tradición de sedes en otras ciudades ( Londres, Nueva York y Tokio) bajo la dirección de Pierre Levai, que llevaba siendo presidente de la sede neoyorkina desde el año 1978.

La propia inauguración de la sede madrileña fue todo un acontecimiento, ya que se estrenó el espacio por todo lo alto con una muestra dedicada al gran Francis Bacon, que se convirtió en la última exposición individual realizada en vida del artista, que falleció en el mismo año 1992.

La galería se ha ido expandiendo con el paso del tiempo, abriendo en Barcelona una nueva sede en el año 2006 y se ha ido ganando en todos estos años una gran reputación debido a su implicación en todo de proyectos, como las exposiciones de de escultura monumental en las ciudades más importantes de España, gracias a los cuales se llevaron a la calle la obra de artistas como Botero, Manolo Valdés o David Rodriguez Caballero, y también exposiciones en las que se presenta el trabajo de artistas internacionales y emergentes en España en sus diferentes sedes.

También apuesta por la venta y adquisición de de obras maestras del siglo XX y colabora constantemente con colecciones de museos y espacios públicos para la difusión de la obra de sus artistas, entre los que destacan: Antonio López, el ya mencionado Manolo Valdés, Juan Genovés o Luis Gordillo, quienes han formado parte de la identidad de la galería desde sus inicios.

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Escorrodoira, 2019. Francisco Leiro

MONUMENTOS ENTRE CUATRO PAREDES

Durante los meses de febrero, marzo y abril la galería mostrará una exposición, dividida en dos partes, dedicada a la escultura monumental de más de catorce artistas españoles y extranjeros contemporáneos, en las que se juega con la idea de espacio interior / exterior, ya que la mayor parte de las esculturas que se muestran en realidad están concebidas para ser expuestas en un espacio exterior.

Para conseguir transmitirnos la sensación exterior entre las cuatro paredes de la galería, el montaje de las obras se ha realizado sobre un césped artificial que nos invita a sentarnos y tendernos a contemplarlas.

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Ptolemy’s Wedge II, 2005. Beverly Pepper

EL HIPERREALISMO MÁS CERCA QUE NUNCA

Uno de los artistas  representados en la muestra es Antonio López García, considerado como uno de los mayores exponentes del Realismo pictórico y escultórico tanto a nivel nacional como internacional.

Entre los motivos de la obra de Antonio López destacan los paisajes y vistas urbanas de Madrid, paisajes interiores y también la figura humana, como podemos ver en esta muestra de la galería Marlbororugh.

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Carmen despierta y Carmen dormida, 1999-2000. Antonio López

La obra que se nos muestra pertenece al primer encargo de escultura monumental pública que recibió Antonio López en solitario, que tuvo lugar en el año 2008 y que se instalaron junto a la entrada de la Estación de Atocha.

Se trata de un conjunto de dos esculturas tituladas Carmen despierta ( el día) y Carmen dormida ( la noche), y en ellas utiliza el rostro de su nieta Carmen que, en estos dos estados, se nos muestra como una metáfora de lo misterioso del ser en conexión con los ciclos naturales del día y la noche.

FIGURAS FRAGMENTADAS

Otra de las figuras destacadas del panorama artístico que están representadas en esta muestra es la artista polaca Magdalena Abakanowicz, considerada un de las artistas con un mensaje más potente en el panorama del arte contemporáneo.

Abkanowicz vivió una terrible infancia en la Polonia ocupada durante la Segunda Guerra Mundial, lo que le llevó a “encerrarse en sí misma” como una única vía de escape a la espantosa realidad que le tocó vivir. Estas experiencias traumáticas van a marcar su producción artística de una forma muy profunda.

El conjunto escultórico que presenta en la muestra, realizado en el año 2000 y titulado Standing figures, se nos muestran como una serie de figuras realizadas en bronce de postura estática y con los miembros amputados que se nos revelan a la vez bellas e inquietantes y que nos recuerdan la fragilidad de la condición humana. La propaganda, la destrucción y las reflexiones sobre la existencia humana forman parte del ADN de esta prolífica artista, que cuenta con siete doctorados honorarios en universidades de  Europa y Estados Unidos.

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Standing Figures, 2000. Magdalena Abakanowicz

¿Interesante, verdad? Pues muchas más obras monumentales de otros artistas como Francisco Leiro, Beverly Pepper, Blanca MuñozTom Otterness te están esperando, y en una de nuestras visitas guiadas a la Galería Marlborough de Madrid por una especialista  de Parte del Arte  comprenderás todos sus secretos y te adentrarás en el fascinante mundo del funcionamiento de una galería de arte.

¡Toma nota! Aquí te dejamos toda la información para inscribirte. Recuerda que las plazas son ¡muy limitadas!

INFORMACIÓN DE INTERÉS

Fechas y horarios disponibles:

-Martes 10 de marzo a las 12:00h.

-Jueves 12 de marzo a las 12:00h y a las 17:00h.

PVP: 12€/persona. Incluye: visita guiada por especialista+sistema de recepción de sonido para la óptima escucha de las explicaciones de la guía+ entrada

*IMPRESCONDIBLE INSCRIPCIÓN PREVIA. Puedes hacerla pinchando aquí

Punto de encuentro: Puerta de la Galería Marlborough. C/ Orfila, 5. Diez minutos antes de la hora de la visita.

Cómo llegar: Metro: Alonso Martínez (L4, L5, L10), Colón (L4) / Bus: 5, 14, 21, 27, 37, 45, 150.

¡Te esperamos!

http://www.partedelarte.com

 

 

 

 

 

Los inmortales retratos de Rembrandt. Una galería de emociones.

El mes de febrero en Madrid se viste de arte y son varias las exposiciones de gran interés que se inauguran en los próximos días. En Parte del Arte, por supuesto, somos las primeras en ofrecértelas a través de nuestras visitas guiadas para que estés al día con la tendencia artística y cultural de Madrid.

Hoy queremos hablaros de una de las muestras más esperadas para los amantes de la pintura y que estaremos guiando los días 21 de febrero, 29 de abril y 30 de abril. Se trata de Rembrandt y el retrato en Ámsterdam, 1590-1670, en el Museo Thyssen, una exposición en la que se toma como referencia de forma exclusiva el género del retrato, uno de los que más cultivó el gran genio del siglo XVII y en el que, como en otros géneros, destacó por encima de sus contemporáneos.

Si quieres saber lo que te descubriremos en nuestras visitas guiadas… ¡Sigue leyendo!

UNA MUESTRA CON GRAN AMBICIÓN

En la exposición, comisariada por Norbert E. Middelkoop, nos encontramos con una selección de casi un centenar  de pinturas y grabados que incluyen algunos de los mejores ejemplos de la retratística de Rembrandt y de sus contemporáneos, en los que dejó una importante huella.

La muestra cuenta con la colaboración de la Comunidad de Madrid y el apoyo de JTI y cuenta con préstamos de un gran número de importantes instituciones y pinacotecas como el Amsterdam Museum, el Rijksmuseum de Ámsterdam, el Metropolitan de Nueva York, la National Gallery de Washington y The National Gallery de Londres, . Muchas de las obras prestadas se pueden ver por primera vez en España, y algunas de ellas son prestadas por primera vez con ocasión de la muestra del Thyssen, como es el caso del retrato de un joven procedente del Nelson Atkins Museum de Kansas.

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Retrato de un hombre en un escritorio, 1631. Rembrandt. Museo del Ermitage, San Petersburgo.

La muestra sigue un orden cronológico, que abarca desde la tradición retratística inmediatamente anterior a la llegada de Rembrandt a Ámsterdam, el inicio de la renovación del género, proceso en el que Rembrandt fue decisivo, pasando por la efervescente producción de retratos en Ámsterdam en la “etapa dorada” pintor y sus últimas obras, en las que continuó  su trayectoria de una forma marcadamente personal.

También la exposición dedica, como broche final del recorrido, una excelente galería de grabados del genio holandés,  una técnica que trabajó con gran maestría y con la que también realizó excelentes retratos.

EL RETRATO ANTES DE REMBRANDT

Rembandt Harmenszoon van Rijn nació en Leiden en 1606 y no llegó a la ciudad de Ámsterdam hasta la década de 1630. En esta ciudad, entre 1590 y 1630 y fruto del auge económico en el que estaba inmersa la economía holandesa, existía un grupo de retratistas relativamente numeroso  que respondía a una alta demanda de este tipo de pintura. Entre los clientes de estos artistas se encontraban las personas que se habían enriquecido en este periodo de prosperidad o que habían contribuido a su desarrollo: antiguas familias de la ciudad, ricos inmigrantes de otras localidades y países… Muchas de estas familias y personalidades necesitaban viviendas adecuadas ( con su correspondiente ornamentación acorde a su estatus social) y las organizaciones cívicas precisaban de lugares de reunión representativos. Cualquiera que dispusiera del suficiente espacio en la pared y anhelase ser recordado era el cliente perfecto para los cada vez más numerosos retratistas de Ámsterdam.

Al tratarse, por tanto, de un género tan popular, podemos encontrar una gran variedad de tipos de retratos: artesanos trabajando, retratos individuales de eruditos y hombres de negocio de éxito, familias, gobernantes…y un gran número de retratos colectivos, entre los que destacaron los de cirujanos impartiendo lecciones de anatomía, hermandades o miembros de gremios.

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Gobernantas y celadoras de la Spinhuis, 1638. Dirck Santvoort. Amsterdam Museum

Rembrandt fue invitado a la ciudad por Hendrick Uylenburgh, marchante y pintor que lo convirtió en el director de su estudio de pintura, cargo que ostentó hasta 1636. Durante estos años Uylenburgh le introdujo en los círculos sociales de la ciudad, lo que supuso para Rembrandt la oportunidad de conocer clientes y mecenas. Además, se casó con Saskia Uylenburgh, hermana del marchante, lo que también contribuyó al ascenso social de Rembrandt. Pronto se convirtió en un fuerte competidor para su cuñado, se emancipó y abrió su propio estudio de pintura en Ámsterdam, en el que desarrolló varios géneros. Fueron años de prosperidad económica y reconocimiento para el pintor.

ÁMSTERDAM: CIUDAD DE RIVALES

El reconocimiento como gran retratista de Rembrandt y de otros de sus contemporáneos causó un efecto llamada, lo que derivó en una gran oleada de ambiciosos pintores que llegaban a la próspera ciudad con la idea de beneficiarse de la gran demanda de retratos. También llegaron a ser retratistas de éxito algunos de los colaboradores y alumnos de Rembrandt, como Ferdinand Bol, Govert Flinck o Gerbrand van den Eeckhout.

La ciudad de Ámsterdam se convierte así en escenario de un ambiente de sana competencia  artística, una verdadera lucha por conseguir el mayor número posible de encargos, lo que se tradujo en una extraordinaria calidad de los retratos, fruto del esfuerzo de sus autores por  deslumbrar a sus clientes en un lugar donde las opciones cada vez más numerosas.

AL MARGEN DE LAS TENDENCIAS. LA AUTENTICIDAD DE REMBRANDT.

En 1642 se produce un punto de inflexión en la carrera de Rembrandt al fallecer su esposa. El pintor se queda viudo y al cargo de su hijo Tito, de apenas un año de edad. Su ritmo de trabajo comienza a disminuir y enseguida llegan los problemas económicos.

En 1647 ingresa en el servicio de su vivienda la que se convertirá en su pareja definitiva, Hendrickje Stoeffels, con la que tendrá a su hija Cornelia. La imposibilidad de volver a casarse con su nueva compañera ( ya que perdería la herencia de su esposa fallecida), les convirtió en una pareja señalada socialmente, lo que contribuyó a que su situación fuese cada vez más delicada.

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Mujer con capa de piel, posiblemente Hendrickje Stoffels, 1652. Rembrandt. The National Gallery, Londres.

Hacia mediados de siglo, además, el panorama artístico de Ámsterdam estaba experimentando algunos cambios. Empezaron a surgir una serie de artista precursores de un estilo “académico” con una orientación más internacional en los retratos, que enseguida comenzó a sustituir el estilo anterior.

Sin embargo, y a pesar de las dificultades, Rembrandt siguió su propia evolución estilística y se mantuvo fiel a su estilo, reduciendo los colores de su paleta y desarrollando un estilo que se consideró demasiado adusto e inadecuado para algunos encargos oficiales, lo que le desvió de ciertos circuitos que podrían haberle reportado beneficios. Aún así, Rembrandt continuó pintando y recibiendo encargos; aunque no tuvo el éxito de etapas anteriores seguía siendo considerado un artista importante y reconocido que influyó en numerosos artistas posteriores.

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Venus y cupido, posiblemente Hendrickje y Cornelia, hacia 1657. Rembrandt. Museo del Louvre, París.

Rembrandt les otorgó a sus retratados una libertad poco usual en el mundo del retrato, siendo uno de los impulsores de la renovación retratística del primer tercio del siglo XVII. Sus protagonistas adquieren un tratamiento similar al de los personajes mitológicos de sus obras: poses dinámicas que sugieren la interacción con el público, utilización del claroscuro, cualidades narrativas….y sobre todo, la representación de las emociones humanas. Con el paso del tiempo el interés de Rembrandt se fue centrando más en los rasgos esenciales de sus retratados concentrados especialmente en el rostro, lo que le llevaba a un interés mayor en la representación del carácter o la personalidad que en el parecido físico del retratado.

Esta extraordinaria capacidad de hacer conectar al espectador con el retratado es la clave del éxito del Rembrandt retratista, que consiguió que, en pleno siglo XXI, sus obras sigan causando una fascinación sin límites.

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Autorretrato dibujando frente a una ventana, 1648. Rembrandt. Biblioteca Nacional, Madrid.

¿Quieres sentir en tu propia piel esta fascinación? En Parte del Arte lo hacemos posible, ofreciéndote una experiencia mucho más allá de una simple visita guiada. Una guía especialista en arte te introducirá en cada cuadro como si se tratase de una ventana, en la que nos asomaremos para conectar con todo un mundo de emociones y sensaciones.

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INFORMACIÓN DE INTERÉS


Fechas y horarios:

  • Viernes 21 de febrero a las 16.30h
  • Miércoles 29 de abril a las 16.30h
  • Jueves 30 de abril a las 17.30h.

PVP: 23€/ persona. Incluye: Visita guiada por especialista+sistema de recepción de sonido para una óptima escucha de las explicaciones del guía + entrada a la exposición

Punto de encuentro: Hall interior del Museo Thyssen. Paseo del Prado, nº 8.

Cómo llegar: Metro: Banco de España (L2)/ Bus: 6, 10, 14, 26, 27, 32, 34, 37, 45

*IMPRESCINDIBLE RESERVA PREVIA. Puedes hacerla en info@partedelarte.es o en el 645438576.

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